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jueves, 25 de junio de 2009

LAS AVENTURAS DE PRISCILLA REINA DEL DESIERTO

TITULO ORIGINAL
The Adventures of Priscilla, Queen of the Dessert
AÑO DE ESTRENO
1994
DIRECTOR
Stephan Elliott
PRODUCTORES
Al Clark, Michael Hamlyn
GUION
Stephan Elliott
REPARTO
Terence Stamp (Bernadette Bassenger), Hugo Weaving (Anthony Belrose / Mitzi Del Bra), Guy Pearce (Adam Whitely / Felicia Jollygoodfellow), Bill Hunter (Bob), Sarah Chadwick (Marion), Julia Cortez (Cynthia), Mark Holmes (Benjamin), Ken Radley (Frank), Alan Dargin (Aborigen), June Marie Bennett (Shirley)
CINEMATOGRAFÍA
Brian J. Breheny
BANDA SONORA
Guy Gross
VESTUARIO
Tim Chappel & Lizzy Gardiner
PAÍS DE ORIGEN
Australia
DISTRIBUIDA POR:
Gramercy Pictures & PolyGram
DURACIÓN
104 minutos
 
BERNADETTE: “Es curioso, aquí estamos sentados criticando a este pueblo apestoso, pero en cierto modo se defienden de nosotros. No sé si ese feo muro de separación lo han puesto para que no nos puedan coger, o no podamos salir. ¡Venga! No te deprimas hombre, hay que ir aprendiendo. Yo se pegar porque he aprendido. Ser hombre un día, y mujer al siguiente no resulta nada fácil.”
 
ADAM: “¿Sabes cómo se gana la vida tu padre?”
BENJI: “Sí.”
ADAM: “Entonces supongo que sabes que no le gustan las chicas.”
BENJI: “¿Tiene novio en este momento?”
ADAM: “No.”
BENJI: “Mamá tampoco, tuvo una novia pero se le pasó. ¿Te vienes a jugar a mi cuarto? Tengo un ordenador.”
ADAM: “Claro.”
 
SINOPSIS
Anthony Belrose trabaja como Drag Queen bajo el seudónimo de Mitzi, junto a su amigo Adam, cuyo nombre artístico es Felicia. Tras una misteriosa llamada de teléfono, Belrose acepta un trabajo como artista invitado en un hotel de Alice Springs. Además de Adam, decide invitar a su amiga Bernadette, antes conocida como Ralph, que acaba de perder a su amante.
Los tres se embarcan en un viaje a través del desierto australiano a bordo de su autobús, bautizado como Priscilla. Durante el viaje encontraran amigos, enemigos, y se enfrentaran a todo tipo de actitudes desde la tolerancia a la homofobia. Pero cuando Adam y Bernadette se enteren de que Anthony está casado y tiene un hijo, saltará la sorpresa.
  
CURIOSIDADES
A pesar de haber sido estrenada hace relativamente poco, la película se ha convertido en todo un clásico del cine de temática gay, particularmente famosa por las excelentes interpretaciones de sus protagonistas, y un vestuario de tal originalidad que le proporcionó un Oscar de la Academia.
El personaje de Hugo Weaving estaba basado en una Drag Queen de Sydney conocida como Cindy Pastel, que como el personaje estaba casado y tenía un hijo. Tim Curry rechazó el papel, que le fue ofrecido originalmente. También se pensó en Tony Curtis (Con Faldas y a lo Loco), y en Jaye Davidson (Juego de Lagrimas); pero se consideró que era mejor contar con actores que la audiencia no se pudiera imaginar vestidos de mujer. Los tres protagonistas declararon que encontraron la experiencia de vestirse de mujer liberadora.
La Drag Queen que aparece durante los créditos finales, no es otro que Tim Chappel, encargado del vestuario. Prácticamente todo el equipo aparece en algún momento u otro de la película. Bill Hunter tuvo las mayores dificultades ya que estaba rodando “La Boda de Muriel” al mismo tiempo.
Julia Cortez aportó el vestido a lo gata con cremallera, para la escena de las pelotas de ping pong.
Casi toda la película está rodada en escenarios reales a lo largo del paisaje australiano. El autobús, Priscilla, pertenecía a la banda de rock conocida como “The Whitlams”.
Tal fue el éxito de la película, que las Drag Queens se pusieron de moda durante la mitad de los años noventa, aunque casi todos los intentos de imitar este film se quedaron muy por debajo del nivel establecido por Priscilla. La película fue adaptada en un musical que ha funcionado bastante bien desde su estreno en 2006.
 
LO MEJOR
Me encanta lo sutilmente que combina momentos francamente divertidos, hasta desternillantes, con otros de un drama francamente realista. Hay momentos en los que uno no puede evitar preguntarse de que se está riendo, y ahí es donde reside lo ingenioso del brillante guion.
Luego hay otros instantes que son simplemente diseñados para que la carcajada irrumpa.
Weaving, Pearce y Stamp realizan una formidable labor representando a tres personajes que aunque no lo parezca son francamente diferentes entre sí, pero a los que las circunstancias unen de una manera muy particular. Las interpretaciones y números musicales que realizan están cuidadas con esmero. Por supuesto el imaginativo vestuario es formidable, y lleno de detalles hilarantes.
Otro choque que me pareció de lo más original es como al final, y tras enfrentarse a todo tipo de intolerancia, es el personaje de Hugo Weaving, el que se da cuenta de que ha de hacer lo mismo con sus propios prejuicios, cuando se trata de reunirse con su hijo.
La idea de un niño que no encuentra nada de lo que le rodea fuera de lo común resultó bastante innovador en esta película, y viene probar lo que una educación basada en la mentalidad abierta puede conseguir.
Le escena entre Benji y Adam es de las mejores, por su simpleza y efectividad, de hecho es el único momento en el que vemos a Adam dejar de sobreactuar en toda la película.
Todos estos aspectos al final triunfan al dejar claro que no importa cuál sea el problema, o la adversidad que se presente, es una actitud positiva la que consigue que todo pueda ser superado.
 
LO PEOR
No hay nada en esta película que pueda encontrar negativo, de hecho considero que se ha convertido en un referente a imitaciones que no han sabido estar a la altura. Aunque debo dejar claro que muchas de las bromas pierden fuerza al ser dobladas al castellano.
 
MI CALIFICACIÓN
10/10

jueves, 18 de junio de 2009

EN EL FILO DE LA DUDA

TITULO ORIGINAL
And the Band Played On
AÑO DE ESTRENO
1993
DIRECTOR
Roger Spottiswoode
PRODUCTORES
Sarah Pillsbury, Midge Sanford
GUION
Arnold Schulman
Basado en la novela de Randy Shilts
REPARTO
Matthew Modine (Doctor Don Francis), Alan Alda (Doctor Robert Gallo), Ian McKellen (Bill Kraus), Glenne Headly (Doctora Mary Guinan), Richard Masur (William Darrow), Saul Rubinek (Doctor Jim Curran), Lily Tomlin (Doctora Selma Dritz), Jeffrey Nordling (Gaëtan Dugas), Donal Logue (Bobbi Campbell), B.D. Wong (Kico Govantes), Patrick Bauchau (Doctor Luc Montagnier), Nathalie Baye (Doctora Françoise Barre), Phil Collins (Eddie Papasano), Steve Martin (El Hermano), Richard Guere (El Coreógrafo), David Marshall Grant (Dennis Seeley), Ronald Guttman (Doctor Jean-Claude Chermann), Anjelica Huston (Doctora Betsy Reitz), Ken Jenkins (Doctor Dennis Donohue), Richard Jenkins (Doctor Marc Conant), Tchéky Karyo (Doctor Willy Rozenbaum), Peter McRobbie (Doctor Max Essex), Charles Martin Smith (Doctor Harold Jaffe)
CINEMATOGRAFÍA
Paul Elliott
BANDA SONORA
Carter Burwell
VESTUARIO
Patti Callicott
PAÍS DE ORIGEN
Estados Unidos
DISTRIBUIDA POR:
HBO
DURACIÓN
141 minutos
 
ROGER GAIL LION: “Esta no es una cuestión política. Esta no es cuestión sanitaria. Esta no es una cuestión gay. Esta es una cuestión humana, y pretendo no ser derrotado por ella. He venido hoy aquí con la esperanza de que mi epitafio no lea que morí a causa del papeleo.”
 
SINOPSIS
En el año 1981 surge una nueva epidemia que afecta mayormente a la comunidad gay, colapsando el sistema inmunológico de quienes la contraen. Mientras en número de afectados, y las muertes se incrementan, la burocracia provocada por políticos, intereses de notoriedad a nivel médico, y la negativa a sacrificar grandes cantidades de dinero en la industria de los bancos de sangre empeoran las cosas.
Finalmente se identifica el virus, se crean tests para saber quién lo puede haber contraído, y se analiza la sangre donada, pero solo cuando la enfermedad ya está fuera de control y ha comenzado a afectar a toda la población, sin hacer distinciones de orientación sexual.
 
CURIOSIDADES
Película producida originalmente para la televisión por la cadena HBO, que acabó siendo estrenada en el cine en muchos otros países. Surgió poco después del éxito arrollador de Filadelfia, estando basada en el libro del mismo título escrito por Randy Shilts. Dicho libro fue el primer estudio crítico sobre la aparición del VIH, y despertó tanto interés como una ferviente polémica tras su lanzamiento. Uno de los aspectos que se eliminaron a la hora de adaptarlo en la película, fue eliminar la controversial crítica a la comunidad gay durante el surgir de la epidemia. En lugar de mostrar un aspecto humano de la víctima de la enfermedad, muestra el lado oscuro de cómo la burocracia política, médica, y empresarial probablemente fue responsable parcialmente de la falta de control sobre esta pandemia. La verdad detrás de las rencillas del Doctor Gallo, y la incapacidad de comunicación para resolver un problema fueron marcadas de manera terrorífica.
Desde un principio se pretendió que el reparto fuera estelar pero el proyecto intimidó a muchos, pues era una crítica sangrante, en la industria del cine. Cuando Richard Guere aceptó un pequeño papel, a riesgo de su carrera según algunos, se rompió esta barrera y actores como Steve Martin, Alan Alda, Phil Collins o Angelica Huston se mostraron dispuestos a aparecer. La película, tal y como ocurre con la verdad, levantó muchas ampollas. La crítica se mostró variada, y las voces negativas alegaron la falta de un marco humano, sin entender que el libro obviaba este para centrarse en la vergüenza de la burocracia en distintos niveles.
 
LO MEJOR
La película goza de un reparto estelar entregado a sus interpretaciones, lo cual eleva su calidad a proporciones inmensurables.
Pero aparte de eso, es necesario señalar que es una película sobresaliente a nivel informativo, sobre los acontecimientos alrededor de la aparición del VIH a lo largo de los años ochenta. Lo aterrador de la película es que triunfa al mostrar el egoísmo humano a distintos niveles, mientras la epidemia del siglo veinte se cebaba a velocidades vertiginosas con la población de nuestro planeta.
Creo que día de hoy se ha sufrido un nuevo brote de confianza en lo relativo al VIH, mayormente tras su nueva clasificación como enfermedad crónica y no mortal en países civilizados; y que esta película consigue funcionar como recordatorio de las terribles consecuencias de negarse a ver las evidencias.
Alan Alda realiza una gran interpretación del Doctor Gallo, más obsesionado con llevarse el crédito médico relativo al virus, que con las víctimas del mismo, e Ian McKellen, como siempre, resulta excepcional en su papel.
Resulta aterrador comprobar hechos reales, básicamente pura burocracia, que provocaron el caos relativo a la aparición de este virus, y que por consecuente frenaron lo que podía haber sido una respuesta temprana ante esta amenaza
La película está plagada de grandes citas, y gran número de escenas que no pueden provocar otra cosa que acongojar el corazón de una persona sensible. Devastadora la escena en la que el matrimonio descubre que la mujer, tras recibir una transfusión, está infectada, debido a que los bancos de sangre se han negado a realizar tests en sus suministros, o el momento en el que el personaje de Ian McKellen descubre que también está infectado. Aunque estas solo son dos ejemplos de un gran número de grandes escenas protagonizadas por el amplio reparto.
Si quieres aprender las razones que impidieron una respuesta más rápida ante la aparición del VIH, esta es tu película. Te emocionará y aterrará al mismo tiempo.
 
LO PEOR
Sinceramente, no puedo encontrar un aspecto negativo de la película, aunque por señalar algo no me gustó el enmarque que se le da al CDC (Centro para el Control y Prevención de Enfermedades Contagiosas), casi caracterizándolos como santos, algo que dista algo de la realidad. La traducción del título pierde bastante significado, ya que la expresión “And the Band Played On” hace referencia a como la vida de muchos continuó sin prestar atención a la aparición del virus, hasta que este terminó por afectarles a ellos también.
 
MI CALIFICACIÓN
10/10

jueves, 11 de junio de 2009

JUEGO DE LAGRIMAS

TITULO ORIGINAL
The Crying Game
AÑO DE ESTRENO
1992
DIRECTOR
Neil Jordan
PRODUCTOR
Stephen Woolley
GUION
Neil Jordan
REPARTO
Stephen Rea (Fergus), Jaye Davidson (Dil), Forest Whitaker (Jody), Miranda Richardson (Jude), Adrian Dunbar (Maguire), Breffni McKenna (Tinker), Joe Savino (Eddie), Birdy Sweeney (Tommy), Andrée Bernard (Jane), Jim Broadbent (Col), Ralph Brown (Dave), Tony Slattery (Deveroux), Jack Carr (Franknum)
CINEMATOGRAFÍA
Ian Wilson
BANDA SONORA
Anne Dudley
VESTUARIO
Sandy Powell
PAÍS DE ORIGEN
Irlanda
DISTRIBUIDA POR:
Miramax Films, Palace Pictures, Channel Four Films
DURACIÓN
112 minutos
 
JODY: “Hay dos tipos, Fergus, el escorpión, y la rana. ¿Conoces el cuento? Un escorpión quiere cruzar un río, pero no sabe nadar, se acerca a una rana, que si sabe, y le pide que le ayude. La rana le dice, si te llevara a mis espaldas, me picarías. Y el escorpión le contesta, ¿cómo iba a clavarte el aguijón?, si tú murieras nos ahogaríamos los dos. La rana piensa que el escorpión tiene razón, y acepta el trato. Carga al escorpión a sus espaldas, se adentra en el río, y a mitad del río siente un agudo dolor en el costado, y se da cuenta que el escorpión le ha picado. Y mientras se hunden juntos bajo la corriente, la rana grita, ¿por qué me has picado escorpión? Ahora nos ahogaremos los dos. Y el escorpión le contesta, no puedo evitarlo, es mi carácter.”
FERGUS: “¿Y qué significa eso?”
JODY: “Pues que va a significar. Que un escorpión siempre será fiel a si mismo. Quítame la capucha.”
FERGUS: “¿Por qué?”
JODY: “Porque tú eres bueno, es tu carácter.”
 
SINOPSIS
Jody, un soldado británico, es capturado por el IRA, y consigue desarrollar una cordial relación con uno de sus captores, Fergus, llegando a hablarle de su novia Dil, pidiéndole que la cuide si algo le llegara a suceder. Aunque al llegar el momento de ejecutar a Jody, Fergus se ve incapaz de hacerlo, este fallece atropellado por transportes blindados británicos que han localizado la guarida de los terroristas.
Fergus escapa y, sintiéndose culpable, decide cuidar de Dil, tal y como le pidió Jody, llegando a implicarse emocionalmente con ella. Sin embargo las cosas comenzaran a complicarse cuando Fergus descubra el gran secreto de Dil, mientras intenta protegerla del IRA.
 
CURIOSIDADES
Inicialmente la película se iba a titular “La Mujer del Soldado”, y era un proyecto que estuvo a punto de ver la luz a mediados de los años ochenta, sin embargo la aparición de otra película similar. Cuando a principios de los noventa, Jodan quiso retomar el proyecto surgieron dificultades para financiarlo. Un motivo era que sus últimas películas no habían gozado de gran éxito, y otro el temor de que el inesperado giro del argumento, y lo polémico del mismo, generase un rechazo mayoritario por parte del público. El titulo se cambió haciendo referencia a la famosa canción de los años sesenta, que cantada por Dil en el film, representando su constante estado de ánimo.
De todo el reparto, el personaje más complicado de otorgar fue el de Dil, hasta que se dio con Jaye Davidson en un bar, durante la celebración del fin de rodaje de “Eduardo II”. En ese momento Davidson estaba borracho y no se mostró interesado, aunque acabo por aceptar el papel. Durante el rodaje, Davidson contrajo una gripe leve, y cuando el Doctor acudió a examinarle sugirió la posibilidad de que se encontrara “embarazada”, lo que arrancó la carcajada general entre el equipo.
En Reino Unido, la película no funcionó bien debido al trato compresivo hacia el personaje principal, que no dejaba de ser un terrorista del IRA. Sin embargo en Estados Unidos se convirtió en lo que se denomina como éxito durmiente, que amasó inesperado éxito y recaudación. Fue nominada a seis Oscars: Mejor Película, Mejor Montaje, Mejor Actor (Rea), Mejor Actor Secundario (Davidson), Mejor Director y Mejor Guion, logrando ganar solo el último. Esto fue debido a la cantidad de éxitos de calidad que surgió en 1992.
 
LO MEJOR
La película juega con el espectador a sus anchas, y lo hace de una forma sublime. Sus dos partes están divididas por un ecuador que da un giro radical a la trama que el espectador ha asumido inicialmente, descartándola por completo y adoptando otra temática completamente distinta. Sin embargo en ningún momento pierde su nivel de suspense y mantiene al espectador enganchado.
Escribir sobre las virtudes de esta película sin alabar la labor artística de Jaye Davidson sería un craso error. No en vano la mayor sorpresa de la película recae en este actor, cuya interpretación estuvo a punto de proporcionarle el Oscar. Pero dicho trabajo no desmerece en absoluto a los de Stephen Rea y Forest Whitaker durante la primera mitad de la película, interpretando a secuestrador y rehén, en su trayectoria hasta lo que bien podría ser definido como amistad.
A pesar de los giros radicales, los cambios en temática y argumento, todos los eventos de la película están bien enlazados entre sí, y dependen los unos de los otros para el funcionamiento del film como bloque. En definitiva, si te gustan las películas llenas de giros inesperados y sorpresas, no cabe duda de que “Juego de Lágrimas”, está hecha para ti.
Tampoco quiero dejar de mencionar la que me parece una de las mejores bandas sonoras del cine, y que aún poseo como tal. La canción “Live For Today” de Cicero fue un gran éxito al principio de los años noventa en Estados Unidos.
 
LO PEOR
Desde mi punto de vista la gran villana Jude, interpretada por Miranda Richardson, falla debido a su excesiva sobreactuación en determinados momentos. Más que una terrorista parece una loca fuera de sí, y el personaje da un giro excesivo sin demasiada explicación, ya que los celos no parecen suficiente motivo. También se hace desuso del líder de la célula del IRA, que si logra parecer convincente en su papel. El estado de la relación entre Fergus y Dil al final de la película resulta algo difuminado, si bien se dan pistas al respecto. El giro de la trama juega en contra ya que la mezcla de líneas argumentales, evita abordar como se siente Fergus al descubrir su “nueva atracción”.
 
MI CALIFICACIÓN
8/10

jueves, 4 de junio de 2009

MI IDAHO PRIVADO

TITULO ORIGINAL
My Own Private Idaho
AÑO DE ESTRENO
1991
DIRECTOR
Gus Van Sant
PRODUCTOR
Laurie Parker
GUION
Gus Van Sant
REPARTO
River Phoenix (Mike Waters), Keanu Reeves (Scott Favor), James Russo (Richard Waters), William Richert (Bob Pigeon), Rodney Harvey (Gary), Chiara Caselli (Carmella), Jessie Thomas (Denise), Flea (Budd), Michael Parker (Digger), Grace Zabriskie (Alena), Tom Troupe (Jack Favor), Udo Kier (Hans), Sally Curtice (Jane Lightwork), Robert Lee Pitchlynn (Walt), Michey Cottrell (Daddy Carroll)
CINEMATOGRAFÍA
John J Campbell & Eric Alan Edwards
BANDA SONORA
Bill Sttaford
VESTUARIO
Beatriz Aruna Pasztor
PAÍS DE ORIGEN
Estados Unidos
DISTRIBUIDA POR:
Fine Line Features
DURACIÓN
102 minutos

MIKE: “Siempre se donde estoy por el aspecto que tiene el camino. Como si sólo yo supiera que ya he estado aquí antes. Sólo se que he estado atrapado aquí, de la misma manera, un jodido momento antes, ¿sabes? Sí, no hay otro camino en ninguna parte que tenga el mismo aspecto que este. Quiero decir exactamente igual a este. Es un tipo de lugar único, como la cara de alguien, como una cara jodida.”

SCOTT: “Yo vendo mi culo, lo hago en la calle ocasionalmente por dinero, y acabré en la portada de un libro. Es cuando empiezas a hacer las cosas gratis, que te empiezan a salir alas. ¿No es así Mike? “
MIKE: “¿Qué?”
SCOTT: “Alas Michael, te salen alas y te conviertes en un hada.”
MIKE: “¿Qué te importa a ti el dinero? Mierda, tu tien
es dinero de sobra. ¿Por qué no te lanzas y haces eso que crees haces, o lo que te imaginas que haces, gratis?”


SINOPSIS
Mike es un chapero homosexual, que sufre de narcolepsia y vive atormentado por los recuerdos de su madre, la única persona que considera le ha proporcionado cariño. Su mejor amigo, es su opuesto total. Scott es chapero heterosexual, pero en su caso debido a un ataque de rebeldía hacia su millonario e influyente padre. Tras el reencuentro de ambos con su chulo, Bob Pigeon, terminan por embarcarse en la búsqueda de la madre de Mike, sin embargo el viaje terminara resultando en la búsqueda y respuestas que ambos no quieren afrontar.
Cuando el viaje les lleva hasta Italia, Scott conoce a una joven llamada Carmella de la que acabará por enamorarse. Será entonces cuando la vida de los dos amigos tome un giro distinto aceptando la realidad de sus propias vidas.

CURIOSIDADES
Se trata de la película, de Van Sant, con mayor acogida por parte de la crítica. La película tiene sus orígenes en la novela de John Rechy, “Ciudad de la Noche”, cuyos personajes eran chaperos que negaban ser homosexuales. Tras archivar su guión durante un tiempo mientras examinaba el mencionado libro, Van Sant conoció a dos chaperos llamados Michael Parker, que de hecho tenía un gran amigo llamado Scott. De este encuentro surgieron los personajes protagonistas, y la única diferencia que el director realizó fue en el personaje de Scott, que se convirtió en un niño rico rebelde. De hecho siempre ha admitido, que al contrario de lo que la gente pueda pensar, el personaje de Scott era el más elaborado, sumergido en elementos Shakesperianos, mayoritariamente procedentes de su obra “Enrique IV”. Pero Van Sant tuvo que minimizar considerablemente un estilo en extremo clásico. El titulo de la película proviene de una canción del grupo conocido como B-52.
Inicialmente River Phoenix supuso una dura adquisición, ya que su agente se negó a mostrarle el proyecto. Fue Keanu Reeves quién lo hizo trasladándose en su motocicleta desde Canadá hasta Florida. River Phoenix aceptó e incluso llegó a escribir el dialogo de la escena en la que su personaje le declaraba su amor a Scott.
Conseguir financiación para la película se convirtió en todo un reto debido a la variada temática y sus aspectos tan polémicos, pero el repentino éxito de “Drugstore Cowboy” hizo que esa actitud cambiase. Aún así, en su estreno en América se intentó camuflar su clara temática gay con imágenes promociónales en los que Phoenix y Reeves aparecían con atractivas mujeres.
A día de hoy se ha convertido en todo un clásico y referente del cine de temática gay, y la crítica sigue mostrándose de acuerdo en que Keanu Reeves no ha logrado superarse a si mismo desde su interpretación del

LO MEJOR
Creo que la película realiza una fantástica labor explorando el mundo conflictivo de la adolescencia a principios de los noventa a través de dos personajes radicalmente distintos entre si, pero que por circunstancias diferentes acaban juntos.
Mike se nos presenta como el personaje más oscuro en un principio. Su vida como chapero junto a sus constantes ataques de narcolepsia no puede provocar otra cosa que desconcierto en el espectador, cuando descubre su enorme sensibilidad y capacidad de amar. Mike no desea una dirección en su vida, ni fortuna, ni nada parecido. Solo quiere el amor de su mejor amigo, y el cariño de su madre perdida, la cual inunda sus recuerdos.
Por su parte, Scott provoca el efecto contrario. El espectador le percibe inicialmente como el buen amigo, el muchacho divertido y lleno de convicciones dispuesto a enfrentarse a su padre por ellas. De repente, la audiencia se lleva la irrefrenable sorpresa de descubrir que en el momento en el que descubre el amor, y con él su dirección, todas esas cosas que resultaban tan importantes y esenciales para él, quedan aparcadas en un segundo lugar.
Ese es el aspecto que me fascina de esta película, que nada es lo que parece, y que Van Sant logra jugar con toda comodidad con la percepción de su audiencia. Phoenix brilla con luz propia en su declaración de amor.

LO PEOR
Personalmente hay dos aspectos que no me gustaron, pero que admito pueden agradar a muchos. Uno es el abuso del surrealismo en determinados instantes, y lo tedioso de determinar ciertos aspectos de la narrativa que al final no resultan tan esenciales. Por otro lado el final me parece algo ambiguo, poco determinado, y muy sujeto a la interpretación. Mientras creo que esta técnica funciona en determinados momentos de una película, no me gusta verla aplicada en un final, que puede ser malo o bueno, pero no ambiguo. Sin embargo son aspectos menores en una remarcable película.

MI CALIFICACIÓN
8/10