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jueves, 31 de diciembre de 2009

MAURICE

TITULO ORIGINAL
Maurice
AÑO DE ESTRENO
1987
DIRECTOR
James Ivory
PRODUCTORES
Ismail Merchant, Paul Bradley
GUION
James Ivory, Kit Hesketh-Harvey
Basado en la novela de E.M. Forster
REPARTO
James Wilby (Maurice Hall), Hugh Grant (Clive Durham), Rupert Graves (Alec Scudder), Denholm Elliott (Doctor Barry), Simon Callow (Señor Ducie), Billie Whitelaw (Señora Hall), Barry Foster (Dean Cornwallis), Judy Parfitt (Señora Durham), Phoebe Nicholls (Anne Durham), Ben Kingsley (Lasker-Jones), Patrick Godfrey (Simcox), Mark Tandy (Risley), Kitty Aldridge (Kitty Hall), Helena Michell (Ada Hall), Catherine Rabett (Pippa Durham), Peter Eyre (Reverendo Borenius), Orlando Wells (Joven Maurice)
CINEMATOGRAFÍA
Pierre Lhomme
BANDA SONORA
Richard Robbins
VESTUARIO
Jenny Beavan, John Bright
PAÍS DE ORIGEN
Reino Unido
DISTRIBUIDA POR:
Cinecom Pictures, Merchant Ivory Productions
DURACIÓN
140 minutos

CLIVE DURHAM: “¿Te das cuenta de que hubiera seguido la vida dormido, si hubieras tenido la decencia de dejarme?”
MAURICE HALL: “¿Por qué yo? Nos despertamos el uno al otro. ¡Bésame!”
CLIVE DURHAM: “Creo, creo que, creo que nos haríamos daño el uno al otro. Que lo echaría todo a perder. Esta armonía, cuerpo, mente, alma. Las mujeres no pueden entenderlo, y tú lo sabes.”

LASKER-JONES: “Sabrá usted que no hace mucho tiempo, a los de su clase se les condenaba a muerte. Yo le aconsejaría que se fuera a otro país, a Francia o a Italia, donde la homosexualidad no sea delito.”
MAURICE HALL: “¿Algún día será así en Inglaterra?”
LASKER-JONES: “Inglaterra siempre ha estado poco dispuesta a aceptar la naturaleza humana.”

SINOPSIS
En la Inglaterra de principios del siglo veinte el joven universitario Maurice Hall descubre su homosexualidad a través de su relación con Clive Durham. Inicialmente, Maurice se muestra inseguro y confundido acerca de su sexualidad, mientras que Clive está más decidido a establecer una relación platónica. Sin embargo, la situación toma un giro inverso, y Clive decide seguir las normas convencionales de la sociedad casándose.
El decepcionado Maurice, recurre a distintos métodos para “curar” su condición homosexual que no logran funcionar. Es entonces cuando conoce a Alec Scudder, miembro del personal de la casa de los Durham. Ambos comenzaran una nueva relación con la dificultad añadida de su diferencia de estatus social. Maurice deberá tomar la decisión que marque el rumbo del resto de su vida.

CURIOSIDADES
El afamado director James Ivory siempre se ha mostrado ferviente admirador de las novelas de Edward Morgan Foster, autor de la novela en la que está basada la película. Sin embargo, su obra Maurice se publicó a título póstumo, en 1971, un año después de su muerte. Esto se debió a tratar el tema de la homosexualidad de manera positiva, y otorgando a la historia un final feliz.
Inicialmente James Ivory había decidido que Julian Sands, con quien había trabajado en “Una Habitación con Vistas”, era la elección perfecta para el papel de Maurice Hall. Sands no pudo participar en el proyecto ya que estaba involucrado en el rodaje de “Relación Fatal”. También se trata del primer papel principal de Hugh Grant, que años más tarde saltaría definitivamente a la fama gracias a “Cuatro Bodas y un Funeral”.
King’s College permitió que se rodara la película en el Campus después de largas consideraciones. Curiosamente, esto se vio debido no al hecho de que la película tratara el tema de la homosexualidad, sino a que muchos eruditos no consideraban la novela en la que estaba basada como un trabajo literario de calidad inferior.
Como curiosidad, la cama en la que James Wilby y Rupert Graves habían de rodar su escena nudista, se colapsó durante la grabación. La película se estrenó en el Festival Internacional de Cine de Venecia, donde logró hacerse con el León de Plata para James Ivory, el Premio Osella de Oro para la mejor partitura en una banda sonora, y el premio al mejor actor fue curiosamente compartido por James Wilby y Hugh Grant. El vestuario logró hacerse con una nominación a los Oscar, aunque no hacerse con la estatuilla.

LO MEJOR
¿Qué puedo decir de una película de quien sin duda es mi director favorito? A esta película no le falta de nada. Logra mostrar la dificultad del homosexual en una sociedad que sufre de extrema estratificación social, a principios del siglo veinte, con total claridad.
Los costumbrismos de la época, el pánico a ser descubierto, y la persecución social y legal hacia el homosexual quedan reflejados de manera sorprendente.
Al ver esta película, hay un consejo que siempre doy. Nunca intenten buscar malos o buenos, sino examinar desde la objetividad, las dificultades de cada uno de los personajes. Cada uno se enfrenta a duras decisiones que nosotros a día de hoy no podemos empezar ni a imaginar.
Reconozco que me hubiera gustado más ver a Julian Sands el papel de Hall, pero Wilby logra una excelente interpretación del personaje. Por otro lado, encuentro elogiable a un Hugh Grant, que lamentablemente ha ido perdiendo facultades interpretativas con el paso de los años, y un éxito que quizás le hizo más daño que bien. Su labor interpretativa en esta película es excepcional. Digna de mención es la banda sonora, que logra acompañar notablemente cada momento emocional, y cronológico, consiguiendo que el espectador enlace unos momentos con otros.
Escenas remarcables, se encuentran a lo largo de las más de dos horas de películas. Sin embargo siempre me ha fascinado el momento en que Clive se asoma a la ventana, viendo una visión del universitario Maurice, mientras se pregunta, ya de por vida, si ha tomado la decisión correcta.

LO PEOR
No hay nada que pueda tildar de negativo en esta película.

MI CALIFICACIÓN
10/10

jueves, 24 de diciembre de 2009

A BIGGER SPLASH

TITULO ORIGINAL
A Bigger Splash
AÑO DE ESTRENO
1974
DIRECTOR
Jack Hazan
PRODUCTOR
Jack Hazan, Mike Kaplan
GUION
Jack Hazan, David Mingay
REPARTO
David Hockney (Como él mismo), Peter Schlesinger (Como él mismo), Celia Birtwell (Como ella misma), Mo McDermott (El Amigo), Henry Geldzsahler (El Coleccionista), Kasmin (Marchante de arte), Ossie Clark (Diseñador de ropa), Betty Freeman (Como ella misma)
CINEMATOGRAFÍA
Jack Hazan
BANDA SONORA
Patrick Gowers
VESTUARIO
Sin acreditar
PAÍS DE ORIGEN
Reino Unido
DISTRIBUIDA POR:
Buzzy Enterprises
DURACIÓN
106 minutos

MO MACDERMOTT: “Se ha terminado. Me llamó ayer por la noche y me dijo que Peter le dejaba. La situación debe de ser jodidamente irreal allí. Siempre tuve la esperanza que durara para siempre. Cuando el amor sale mal, son más de dos personas las que sufren.”

DAVID HOCKNEY: “Es un periodo de depresión.”
HENRY GELDZSAHLER: “¿Te afecta a la hora de pintar?”
DAVID HOCKNEY: “Bueno, no lo creo. Mo lo cree, un poco. Lo que me siento es perdido en ocasiones, y un poco solo como artista en Londres. Porque la realidad es que hay pocos artistas en Londres trabajando en un estilo similar al mío, muy pocos se sienten interesados en las ideas que me interesan a mi.”
HENRY GELDZSAHLER: “¿Lo de irse a Nueva York va en serio?”
DAVID HOCKNEY: “Sí, me he convencido a mi mismo en los últimos cinco minutos.”


SINOPSIS
David Hockney, considerado como una de las más grandes figuras de arte moderno, se enfrenta a la incapacidad de crear debido a la ruptura con su pareja emocional, Peter Schlesinger. Este no solo era su pareja sino su musa personal. Esto despierta la preocupación de su círculo de amigos cercanos, así como su marchante de arte.
Con el paso del tiempo, David Hockney desarrolla su nueva creación, con la imagen que le mantiene obsesionado. En dicha obra un hombre bucea a lo largo de una piscina, mientras otro le observa desde el exterior. Sin embargo, la presión aumenta por parte de su círculo al comprobar que no es capaz de finalizar su última colección, la colección denominada “pool series” (colección de piscinas), que incluirá su obra más popular, “A Bigger Splash” (la gran salpicadura).

CURIOSIDADES
La película es una mezcla entre un estilo basado en la realidad, y otro más ficticio que resulta en una narrativa que hace uso del estilo de un documental. Jack Hazan siguió a Hockney, y su círculo de amigos durante largo tiempo, y les filmó haciendo uso de película de 35mm en lugar de 16, que era lo más popular cuando se creaban películas documentales. A pesar de querer adoptar un determinado realismo cinematográfico, se aprecia un énfasis en la mezcla que resulta del dramatismo y la fantasía.
La acción cubre un periodo de tiempo en el que Hockney y su amante y modelo, Peter Schlesinger, han roto. Esto resulta en la dificultad que tiene el artista para acabar un lienzo, del cual Peter era tema principal. Hazan sugiere que el final de la relación sentimental da lugar a dichas dificultades, pero se limita a sugerir sin ofrecer conclusiones específicas. La situación es utilizada como excusa para que el espectador se adentre en el mundo visual del artista.
El reparto consiste en amigos y colegas reales de Hockney, que colaboraron para crear la película, incluido el propio Schlesinger. Este último realizó una escena particularmente tórrida con otro joven, para la temprana década de los años setenta.
La película cuajó muy bien con el mundo artístico, pero no lo logró con los espectadores en términos generales.

LO MEJOR
Alguna conversación interesante, o dialogo cargado de ingenio. Por otro lado contiene un inusual erotismo para una película de la primera mitad de la década de los setenta.

LO PEOR
Aburrida, presuntuosa, carente de una línea argumental sólida, o de personajes lo suficientemente interesantes.
Es difícil seguir la película y su trama, y me encontré teniendo que volver atrás en repetidas ocasiones para poder seguir la trama. Esto no es molesto cuando la película resulta interesante, pero en esta ocasión lo encontré insufrible. Tal y como he indagado, hay poco dialogo, y el director prefiere sugerir en lugar de transmitir de manera directa. No tengo nada en contra de este recurso, pero opino no se puede abusar de el en una película. Aparte de esto, considero que apenas se sugieren las cosas, y que se requiere de un alto grado de concentración por parte del espectador para poder averiguar que esta pasando.
Otro grande problema es el abuso del surrealismo, técnica de la que nunca he sido un gran fan. Debido a ello, la confusión se incrementa considerablemente, y como la película continúa siendo aburrida, se pierde el interés por hacer encajar las piezas de la manera correcta.
No tengo nada en contra de vertientes artísticas modernas, pero nunca he podido con el “no te gusta la película porque no logras entenderla”. Estoy convencido de que la mayoría de “progres” que alaban este film, no han logrado entender la mitad de lo que contiene. Yo no entendí ni una cuarta parte de la misma, pero con el material y la investigación adecuada fui capaz de volver a verla de manera comprensible. A pesar de la mencionada ventaja, la experiencia fue insufrible.
Por si fuera poco, es una película larga. Esto no se debe la necesidad de espacio para exponer la trama, sino a los clásicamente aburridos y extenuantes planos que se pueden encontrar en tipo de proyectos. Este en particular es un claro ejemplo de narcisismo absoluto para intentar vender la idea de que solo las personas con enorme capacidad creativa sufren y se estancan ante adversidades, y encima lo hacen con una considerable prepotencia.

MI CALIFICACIÓN
1/10
 

jueves, 17 de diciembre de 2009

BISHONEN

TITULO ORIGINAL
Mei Shao Nian Zhi Lian
AÑO DE ESTRENO
1998
DIRECTOR
Yonfan
PRODUCTOR
Sylvia Chang
GUION
Yonfan
REPARTO
Stephen Fung (Jet), Daniel Wu (Sam Fai), Qi Shu (Kana), Terence Yin (K.S.), Jason Tsang (Ah Chin), Kenneth Tsang (Padre de Sam), Chiao Chiao (Madre de Sam), Tat-Ming Cheung (Tsu, el jefe), James Wong (J.P.), Joe Junior (Gucci), Brigitte Ling (Narradora)
CINEMATOGRAFÍA
Henry Chung
BANDA SONORA
Chris Babida
VESTUARIO
No acreditado
PAÍS DE ORIGEN
China (Hong Kong)
DISTRIBUIDA POR:
Chong Cho Sau Productions
DURACIÓN
101 minutos

FAI: “Hoy me encontré con alguien.”
AH CHIN: “¿Con quién?”
FAI: “No lo conozco, un cantante nuevo. ¿Sabes que me preguntó?”
AH CHIN: “¿Qué te preguntó?”
FAI: “Me pregunto si era gay.”
AH CHIN: “¿Qué le dijiste?”
FAI: “Le devolví la pregunta: ‘¿Lo eres tú?’.”
AH CHIN: “¿Y qué dijo?”
FAI: “Dijo: ‘Si tú lo eres, yo lo soy’.”

NARRADORA: “En este mundo, todos quieren sentirse queridos, y el que quiere ser querido busca una persona que lo ame, y el amante sacrifica más de lo que tiene por el ser querido.”


SINOPSIS
Jet es un joven atractivo que se dedica al mundo de la prostitución, hasta que un día se encuentra con una pareja compuesta por Sam y Kana, y queda prendado del joven. Este resulta ser un policía, y muestra interés a la hora de desarrollar una amistad con él. Jet se confirma con dicha amistad, mientras mantiene su doble vida en secreto, y espera algún indicio que le lleve a confirmar si Sam es o no homosexual.
Sam ha sido siempre el chico perfecto adorado por sus padres, llegando incluso a despertar el deseo de su madre de que muestre algún síntoma de rebeldía. Sin embargo, Sam también esconde varios secretos. Antes de ser policía tuvo una relación con el amigo actual de Jet, Chin, y con el que convertiría en estrella del pop, K.S. Sam se vera forzado a escoger entre el honor de su familia, y sus deseos personales, cuando las verdades y su sexualidad salgan a la luz.

CURIOSIDADES
“Bishonen” es un termino japonés utilizado para referirse a una estética que se puede encontrar en distintas zonas de Asia. Consiste en un joven cuya belleza, y atractivo sexual, transciende las limitaciones de genero u orientación sexual. Su traducción literal sería la de “juventud hermosa”.
Yonfan escribió y dirigió esta película, basándose en el expediente real de un policía de Hong Kong, y en otro escándalo que surgió al descubrirse que un adinerado playboy había recopilado una considerable colección de fotografías de atractivos policías, posando en nudismo parcial o completo. De ahí, Yonfan elaboró una historia de amor trágica, inspirándose parcialmente también en “Romeo y Julieta”, que definiría como un homenaje a la belleza masculina asiática.
Curiosamente la película fue promocionada hacia el público más femenino, aún siendo de clara temática gay. Fue definida como un film acerca de un rectángulo amoroso, en la que intervienen un policía, una estrella del pop, y dos gigoloes. Sin embargo se cuido la estética, convirtiendo la película en una narración popular mediante el uso de una narradora, que talmente parece estar relatándonos un cuento trágico. También hace un uso considerable del flashback, que sirve como recurso, al ir proporcionando al espectador las necesarias piezas para seguir la trama.

LO MEJOR
La película fue toda una sorpresa, por su estilo narrativo, y uso inteligente de los flashbacks. Cada vez que parecía entender que dirección tomaban los eventos, se sucedía un inesperado giro, que además de otorgar nuevas piezas en el puzzle de las vidas de los personajes, conecta sus destinos de una forma original.
Por otro lado hay una serie de temas que son abordados de forma interesante. Primeramente tenemos una serie de personajes que tienen en común un pasado, o presente, repleto de secretos. Son esos secretos los que actúan como barreras para que los personajes logren evolucionar. Sin embargo el mayor secreto, y la ironía que este esconde, es el que los cuatro personajes estén conectados de tal manera.
Otro tema interesante es el conflicto interior de un homosexual inmerso en la cultura oriental. Sam debe mantener en la balanza sus deseos interiores, y el honor que le debe a su familia. Esto esta de nuevo intercalado con los secretos, que tienen a desvanecerse, y durar un tiempo determinado. Por otro lado Jet no tiene ese problema. Ha logrado aceptarse a si mismo, e incluso a los errores del pasado. Esta dispuesto a avanzar.
Siguiendo con otros temas, nos encontramos con la futilidad de evitar nuestro destino. La película defiende ferozmente el concepto de la fuerza del destino, que lleva a los personajes a interactuar en momentos determinantes de sus vidas. Al mismo tiempo muestra un aspecto del enamoramiento poco frecuente en occidente. Se defiende el amor a primera vista como factible, así como las cortas relaciones derivadas de esta, como esenciales e importantes en nuestras vidas.
Por otro lado es elogiable el seductor estilo narrativo, con esa voz suave por parte de la narradora, que te va sumiendo en la historia, y te mantiene atento mientras te proporciona las piezas de la trama. Pero sobre todo debo elogiar ese estilo cargado de melancolía, y un realismo inherente, que me dejo francamente impresionado. Toda una sorpresa.

LO PEOR
No hay nada negativo que yo haya sido capaz de encontrar en esta película.

MI CALIFICACIÓN
10/10
 

jueves, 10 de diciembre de 2009

UNA JAULA DE GRILLOS

TITULO ORIGINAL
The Birdcage
AÑO DE ESTRENO
1996
DIRECTOR
Mike Nichols
PRODUCTORES
Mike Nichols, Neal Machlis, Michele Imperato, Marcello Danon
GUION
Elaine May
Basado el guión de Jean Poiret
REPARTO
Robin Williams (Armand Goldman), Nathan Lane (Abert Goldman), Gene Hackman (Senador Kevin Keeley), Dianne Wiest (Louise Keeley), Dan Futterman (Val Goldman), Calista Flockhart (Barbara Keeley), Hank Azaria (Agador), Christine Baranski (Katherine Archer), Tom MacGowan (Harry Radman), Grant Heslov (Fotógrafo del National Enquirer), Kirby Mitchell (Chófer de Keeley), James Lally (Cyril), Luca Tommassini (Celsius)
CINEMATOGRAFÍA
Emmanuel Lubezki
BANDA SONORA
Stephen Sondheim
VESTUARIO
Ann Roth
PAÍS DE ORIGEN
Estados Unidos
DISTRIBUIDA POR:
United Artists
DURACIÓN
117 minutos

ARMAND: “Mi cementerio esta en Cayo Vizcaíno. Es de los más bonitos del mundo, árboles preciosos, un cielo azul, los pájaros, el de Los Copa es una autentica mierda. Menudo incordio estas hecho, y es verdad no eres joven, no eres nuevo, y además haces reír a la gente. Y yo, yo sigo contigo porque me haces reír. ¿Así que sabes lo que haré? Venderé mi parcela de Cayo Vizcaíno para poder comprar una a tu lado, en ese estercolero de Los Copa. Para no perderme ni una sola risa. Ten.”
ALBERT: “¿Qué es esto?”
ARMAND: “Léelo.”
ALBERT: “No entiendo nada.”
ARMAND: “No es tan complicado, es la repartición de bienes, ya te dije que la tenía.”
ALBERT: “Aquí dice que tengo derecho a darte la mitad de todo lo que poseo. “
ARMAND: “Creí que sería más seguro por si a alguno de nosotros le pasara algo. “
ALBERT: “Pero ahora ¿de quién es?”
ARMAND: “Es tuyo.”


SINOPSIS
Val y Barbara se han conocido en la universidad y han decidido casarse. Sin embargo se encuentran con un problema. Barbara es hija de un senador republicano que defiende un estilo de vida conservador, mientras el padre de Val es homosexual, dueño de un club de Drag Queens, y pareja de la estrella principal del espectáculo, Albert.
Cuando los padres de Barbara deciden visitar a sus futuros consuegros, Val logra convencer a su padre para que redecore su casa para dar una apariencia heterosexual y conversadora. Para mejorar la imagen deciden contactar con la madre de Val para que participe en el engaño. Sin embargo, Albert no llevará con resignación el quedar apartado del plan debido a su excesiva pluma. Todos los enredos se dispararan en una complicada, pero divertida cena.

CURIOSIDADES
La película es un remake de una de las películas más famosas de temática gay, “La Cage Aux Folles” (“Vicios Pequeños” en España –ver ficha-), estrenada en 1978, y de origen Frances.
El titulo original de la película era “Birds of a Feather”, el titulo con el que se había estrenado la original dieciocho años atrás en Estados Unidos. Sin embargo se optó por cambiarlo. El director Mike Nichols contrató Rick McKay para que realizase un documental que mostrará una intensa investigación en el mundo de las Drag Queens. Para esto McKay viajó a San Francisco, Atlanta, Londres y Paris, y su investigación fue profunda y contrastada. El documental se empleó para entrenar a Nathan Lane y Robin Williams en sus respectivos papeles.
Robin Williams fue inicialmente contratado para interpretar a Albert, pero este prefirió el de Armand, que se alejaba más del tipo de personajes, menos histriónicos, que estaba acostumbrado a interpretar. Hank Azaria también consultó con amigos homosexuales acerca del posible riesgo de que su personaje cayera en estereotipos, todos le hicieron saber que no tenía importancia.
La crítica se mostró dividida, con los defensores de la película original, y alguna que otra avocación que acusaba los exagerados estereotipos. Sin embargo con un presupuesto de dieciocho millones dólares, logró recaudar ciento ochenta y cinco, siendo la película de temática gay que más dinero ha logrado recaudar hasta el estreno de Bruno en 2009.

LO MEJOR
A pesar de no estar demasiado a favor de determinados remakes, debo reconocer que esta película me sorprendió gratamente. La vi durante los años que residí en Estados Unidos, y me pareció divertida, y a la vez capaz de transmitir ese eterno mensaje de la imposibilidad de pretender ser algo que no se es.
Sin duda es de agradecer que Robin Williams no admitiera el papel más histriónico, pues me parece que lo mejor de la película es sin duda Nathan Lane. Este supo combinar perfectamente los aspectos histéricos y exagerados del personaje, con ese toque sensible qua hacia despertar la simpatía del espectador hacia él. Creo que su labor esta a la altura de la de Michel Serrault (de la original), y en ocasiones considero que la supera. En cuanto a la clásica tontería que es la crítica de los estereotipos por parte de ciertas asociaciones, quién no quiera entender que existen personajes así en el ambiente, es que esta ciego.
Gene Hackman resulta desternillante como el senador conversador con una situación que le desborda, y Dianne Wiest resulta igualmente divertida como la madre que a de intentar arreglar cada problema que se presenta con un actitud alegre y positiva. El personaje de Dan Futterman, Val, resulta también muy logrado, y Agador es sencillamente desternillante. Pero si la película tiene una gran ventaja, es la de poseer unos diálogos desternillantes que logran arrancar una inevitable carcajada.
A pesar de no ser una idea original, la película logró trasladar de manera efectiva la acción dieciocho más tarde de la original.

LO PEOR
Creo que el fallo de la película es su excesiva duración, dos horas, que resulta innecesaria y un tanto cansina. Disfruté más de la primera parte, ya que se abusa demasiado del momento de la cena. Ahí es donde falla este remake con respecto al original, que durando lo mismo, no se torna tan tediosa.

MI CALIFICACIÓN
8/10
 

jueves, 3 de diciembre de 2009

EL JARDIN COLGANTE

TITULO ORIGINAL
The Hanging Garden
AÑO DE ESTRENO
1997
DIRECTOR
Thom Fitzgerald
PRODUCTOR
Thom Fitzgerald, Louise Garfield, Arnie Gelbart
GUION
Thom Fitzgerald
REPARTO
Chris Leavins (Dulce William), Peter MacNeill (Whiskey Mac), Troy Veinotte (Dulce William adolescente), Kerry Fox (Rosemary), Sarah Polley (Rosemary adolescente), Seana McKenna (Iris), Joan Orenstein (Grace), Heather Rankin (Black-Eyed Susan), Ashley Maclsaac (Basil Fiddler), Ian Parsons (Dulce William niño), Mark Austin (Predicador), Joel S Keller (Fletcher), Jocelyn Cunningham (Laurel), Jim Faraday (Señor MacDougal), Renee Penney (Grace, la monja), Martha Irving (Dusty Miller), Annabelle Dexter (Bud)
CINEMATOGRAFÍA
Daniel Jobin
BANDA SONORA
John Roby
VESTUARIO
James A Worthen
PAÍS DE ORIGEN
Reino Unido & Canadá
DISTRIBUIDA POR:
Alliance Releasing
DURACIÓN
91 minutos

ROSEMARY: “Por eso me case aquí, para poder recordar tu regreso, y no tu marcha.”
WILLIAM: “Tuve que irme.”
ROSEMARY: “Sí, ya lo creo que te fuiste. Siento que no hayas podido olvidarte de ello, nosotros tampoco.”

FLETCHER: “¿Qué habría pasado si te hubieras quedado?”
WILLIAM: “¿Cuándo, ahora?”
FLETCHER: “No, entonces.”
WILLIAM: “Tú y yo nos habríamos casado, tendríamos una casa junto al mar, y estaríamos con nuestra hija. ¡Estaríamos tan enamorados! Aunque nunca estuvimos enamorados después de todo. ¿O sí?”


SINOPSIS
William vive una aparente vida feliz. Ha perdido todo el peso que le sobraba, tiene un trabajo estable, y una nueva pareja, Dick. Cuando William regresa a casa para asistir a la boda de su hermana Rosemary, se ve forzado a enfrentarse de nuevo a su adolescencia como muchacho obeso, a menudo maltratado por su alcohólico padre, y una madre agobiada por su homosexualidad que llegó a llevarle a una prostituta. Para colmo el nuevo marido de su hermana, es el mismo muchacho con el que descubrió su homosexualidad y mantuvo relaciones durante.
Ahora debe enfrentarse a su pasado, su aún alcohólico padre, su abuela sufriendo de Alzheimer, y una nueva hermana pequeña llamada Violet. Pero la mayor dificultad será el descubrir que aún no ha logrado enterrar su pasado.

CURIOSIDADES
Thom Fitzgerald escribió y dirigió esta película como un análisis del adulto que ha de volver a enfrentarse a los fantasmas de su juventud. El personaje principal no solo revive los fantasmas del pasado cuando asiste a la boda de su hermana. El estilo de la película es bastante surrealista, puesto que el protagonista no solo se enfrenta a los fantasmas de su pasado, sino que convive con ellos, así como varios de los otros personajes. El proceso es gradual, sumergiendo poco a poco al espectador en el mencionado surrealismo, pero manteniendo un grado de equilibrio con la trama dramática de la historia… enterrar los fantasmas del pasado, para seguir adelante.
Todos los personajes principales reciben nombres de plantas o flores, y sus escenas están rodadas con colores asociados con estas. Al mismo tiempo, los nombres reflejan aspectos de sus personalidades (Whiskey para el padre alcohólico, Dulce para la inocencia rota de William, etc.).
La película hace uso de una banda sonora con música céltica característica de la región de Nueva Escocia donde se desarrolla la trama, sugiriendo un retorno a las raíces, que es el tema principal del film.

LO MEJOR
Huir antes de que los conflictos personales hayan podido ser solventados. Desde mi punto de vista ese es el mensaje principal de la película, y es además una excelente idea considerando el dramatismo del que esta cargado.
Formidable la interpretación de Troy Veinotte. Nos encontramos con un personaje homosexual que escapa de todos los estereotipos habituales. William es un muchacho que sufre de obesidad, y una vida tormentosa en un hogar que no puede ser más disfuncional. Su primera experiencia homosexual no acaba como el esperaba, lo que le empuja a un intento de suicido. Los años pasan y William ha abandonado su casa, a perdido todo el peso que le sobraba, tiene una pareja, un empleo estable, pero huir de sus problemas no significa que los haya superado. La película bien podría mostrarnos ese proceso de regresar al pasado, enfrentarse al pasado, revivir el pasado, y finalmente ser capaz de enterrar ese pasado que siempre ha acarreado.
Peter MacNeill también merece una mención especial por su excelente interpretación de un padre que logró despertar los peores instintos que mantengo enterrado. El es el eje de una familia completamente disfuncional. La escena inicial de la boda de Rosemary es uno de los mejores ejemplos de esto, toda familia esta estropeada al depender de ese eje.
También hay que mencionar un excelente uso de la fotografía, de las flores y plantas en relación con cada uno de los personajes, y un uso de la banda sonora, siempre céltica, formidable que consigue sumergir al espectador en ese regreso al hogar de William.
En definitiva es una buena película que logra girar alrededor de los conflictos inacabados, y que además sabe reservar alguna que otra sorpresa para el final.

LO PEOR
No soy gran partidario de un estilo surrealista, y mucho menos cuando se tiene una historia de esas proporciones tan sobresalientes, lo que resulta en un uso completamente innecesario. Ese es desde mi punto de mi vista el mayor problema de la película que se va sumergiendo en un uso de metáforas visuales, rozando el riesgo de caer en lo absurdo. A pesar de esto, la historia esta cargada de tal dramatismo, que dichos abusos de licencias, no dañan en exceso la película.

MI CALIFICACIÓN
8/10