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jueves, 25 de febrero de 2010

THE FRUIT MACHINE

TITULO ORIGINAL
The Fruit Machine
AÑO DE ESTRENO
1988
DIRECTOR
Philip Saville
PRODUCTOR
Steve Morrison
GUION
Frank Clarke
REPARTO
Emile Charles (Eddie), Tony Forsyth (Michael), Robert Stephens (Vincent), Robbie Coltrane (“Annabelle”), Clare Higgins (Eve), Bruce Payne (Echo), Carsten Norgaad (El hombre de los delfines), Kim Christie (Jean), Louis Emerick (Billy), Julie Graham (Hazel), Forbes Collins (John Schlesinger), Paula Ann Blanc (Berverley), Niven Boyd (Dave), Claire Parker (Joven Jean), Caroline Milmoe (Lillie)
CINEMATOGRAFÍA
Dick Pop
BANDA SONORA
Hans Zimmer
VESTUARIO
Maggie Hayes
PAÍS DE ORIGEN
Reino Unido
DISTRIBUIDA POR:
Cannon Films, Vestron Video, Pro-Fun Media
DURACIÓN
103 minutos

BILLY: “¿Por qué no puedes ser un hombre?”
JEAN: “¡No le pasa nada malo!”
BILLY: “Habla como un maricón, se viste como un maricón, por Dios. Todos sus amigos son todo lo contrario.”
JEAN: “Deja al chico tranquilo.”
EDDIE: “No molestes mamá, es una perdida de tiempo.”
BILLY: “¿A dónde vas?”
EDDIE: “A cepillarme el pelo y maquillarme.”
JEAN: “¡Por Dios, eres un bastardo! ¿Qué te ha hecho? ¿Qué ha hecho para merecerse eso?”
BILLY: “Él sabe lo que ha hecho.”
EDDIE: “Se supone que tengo que ser un hombre. ¿Cómo él? Pues bien, no puedo hacer eso.”


SINOPSIS
Eddie es un joven despreciado por su padre debido a su probable homosexualidad, o cuanto menos debido a su constante amaneramiento, mientras vive sumido en un mundo de fantasía causado por su afición al cine y los delfines. Sin embargo, su amigo Michael es todo lo contrario, aficionado a la vida callejera y los videojuegos. Sin embargo ambos mantienen una sólida amistad.
Tras visitar el club dirigido por la transformista Annabelle, llamado “The Fruit Machine”, los dos muchachos presencian su asesinato a manos de un sicario llamado Echo. Descubiertos, los chicos terminan por darse a la fuga al convertirse en objetivos. Los dos terminaran llegando a Brighton tras hacer nuevas amistades, verse involucrados en el mundo de del sexo y el dinero, y terminando por enfrentarse a su destino.

CURIOSIDADES
La película es una combinación de un estilo basado en la amistad, y el viaje para poner a prueba la misma. Al mismo tiempo se intentó combinar una serie de temas sociales simultáneamente, pero siempre a través de los ojos de dos muchachos de dieciséis años de edad. El protagonista fue interpretado por Emile Charles, hermano pequeño de Craig Charles, quien era muy popular por la serie “Enano Rojo”, y que también tenía una pequeña aparición en el film.
La película fue inicialmente titulada “Wonderland”. Esto es debido a que el personaje pasa gran parte de su tiempo en el parque temático Wonderland, de ahí que el titulo original del film fuera ese, que simboliza su empeño en escapar de la realidad constantemente. Las escenas en el delfinario fueron tomadas en el Acuario de Brighton, a excepción de alguna toma, que se rodaron en el delfinario de Flamingoland en North Yorkshire.
Bruce Payne fue elogiado por el personaje de Echo, que no dejaba de reflejar varios simbolismos. De hecho fue concebido como un asesino sin sentimientos, y con el que es incapaz de alcanzar comunicación alguna, por lo que el personaje es mudo. La banda sonora no fue distribuida, aunque ha alcanzado popularidad. Fue compuesta por Hans Zimmer, que quince años más tarde alcanzaría notoriedad por “Piratas del Caribe”. Se hizo uso de canciones de Divine, que eran bastante populares por todo el mundo, y se encontraban en las listas del cine británico desde hacía tiempo.

LO MEJOR
La idea inicial de la película me parecía muy atractiva, y pocas veces utilizada. Dos muchachos, un homosexual y heterosexual, con conflictos de identidad personal, mostraban una amistad aparente. Dicha relación, que creo todo homosexual experimenta en su autodescubrimiento, me ha parecido bastante ignorada en el mundo del cine de temática gay. Creo que la relación estaba diseñada de manera interesante, sobre todo en lo relativo a la cercanía de dos muchachos tan opuestos, y que desarrollan tal dependencia el uno del otro.
Otros temas interesentes incluían el conflicto familiar de Eddie. Mientras su madre agradecía el lado sensible del muchacho, esto no hacia sino enfurecer a su agresivo padre. Por otro lado resulta igualmente fascinante la dualidad de Michael, mientras se sumerge en el mundo del sexo, y la prostitución. Esto contrasta aún más con el mundo de fantasía en el que Eddie se ve sumergido. En términos generales, la primera mitad de la película funciona bastante bien.

LO PEOR
El problema es que todos estos temas están bastante mal enlazados entre si, y pierden coherencia. Los problemas familiares de Eddie simplemente se mencionan, mientras que el comportamiento de Michael carece de origen. Por otro lado, todo tema de homosexualidad se insinúa sin llegar a mencionarse. Casi toda la temática de la que se hace uso queda en el tintero, y no es examinada a fondo. A medida que se introducen más subtramas, la película se torna más confusa, y tiende a olvidarse de las ya establecidas. Por otro lado, la película tiene un final que no encaja ni con calzador, no porque sea triste, sino porque carece de sentido dentro de la trama.
En general resulta una película deslavazada, incoherente, y que después de que haya transcurrido la mitad de esta, comienza a flojear en propósito, intención o propósito, llegando ser bastante aburrida en ocasiones.

MI CALIFICACIÓN
5/10
 

jueves, 18 de febrero de 2010

UNA HISTORIA DIFERENTE

TITULO ORIGINAL
A Different Story
AÑO DE ESTRENO
1978
DIRECTOR
Paul Aaron
PRODUCTOR
Alan Belkin
GUION
Henry Olek
REPARTO
Perry King (Albert Walreavens), Meg Foster (Stella Cooke), Valerie Curtin (Phyllis), Peter Donat (Sills), Richard Bull (Señor Cooke), Barbara Collentine (Señora Cooke), Guerin Barry (Ned), Doug Higgins (Roger), Lisa James (Chris), Eugene Butler (Sam), Linda Carpenter (Chastity), Allan Hunt (Richard I), Burke Byrnes (Richard II), Eddy C Dyer (Berny), Richard Altman (Vecino de Phyllis), Richard Seff (Juez de Paz), George Skaff (Señor Hashmoni), Ted Richards III (Justin)
CINEMATOGRAFÍA
Philip H Lathrop
BANDA SONORA
David Michael Frank
VESTUARIO
Robert De Mora
PAÍS DE ORIGEN
Estados Unidos
DISTRIBUIDA POR:
AVCO Embassy Pictures & American Cinema Releasing
DURACIÓN
108 minutos

STELLA: “Que risa cuando le dijiste gracias. ¡Se lo creyó! ¿Sabes qué me dijo mientras estábamos cenando?”
ALBERT: “¿Quién de los dos?”
STELLA: “Mi madre, mi madre. Estaba muy emocionada, y me dijo: ‘Stella, has conocido al hombre perfecto’. Y yo le dije: ‘Mamá, no lo sabes bien’.”

STELLA: “¿Estas bien?”
ALBERT: “Sí.”
STELLA: “Pues adiós.”
ALBERT: “¡No, espera! ¡Estoy herido! ¡Stella, Stella! ¡Me estoy muriendo!!


SINOPSIS
Albert es el chófer y amante de un adinerado pianista llamado Sills. En cuento este se aburre de él, y encuentra un substituto, Albert se encuentra solo y en la calle. Stella es una agente inmobiliario que mantiene una inestable relación con su amante Phyllis, cuya inseguridad la sumerge en constantes depresiones. Además conoce a Albert, pues Sills ha sido uno de sus recurrentes clientes.
Simpatizando con su situación, Stella permite que Albert permanezca en su apartamento con ella, y cuando su estatus de inmigrante ilegal dificulta su estancia en los Estados Unidos, Stella toma la decisión de casarse con él. Eventualmente, ambos acabaran por enamorarse, y su matrimonio se tornara real para la desesperación de Phyllis. Lo problemas surgirán después de que ambos tengan un hijo, y la fidelidad de la pareja sea puesta a prueba.

CURIOSIDADES
Probablemente se trate de una de las películas de temática gay que más astillas ha levantado por su implícito mensaje de “el homosexual puede convertirse en heterosexual”. Los críticos se mostraron de acuerdo con el consenso general, de que el final de la película evitaba todos los acontecimientos de la primera mitad de esta, y aunque Perry King y Meg Foster mostraban una inusual química al interpretar a una pareja, se evitaba el tema principal, ambos eran homosexuales.
Los grupos reivindicativos de la comunidad homosexual se mostraron furiosos ante un proyecto que mostraba como la conversión de la orientación sexual no solo era posible, sino relativamente sencilla. “Gay Left”, una publicación acerca de los derechos de los homosexuales, alegó que la película era otro ejemplo de tristes estereotipos, y que la homosexualidad había sido explotada para mostrar un tono liberalista, que en realidad se tornaba conservador, pues la única manera en que los personajes podían adquirir la felicidad era a través de la conversión. Esto fue considerado como ofensivo.

LO MEJOR
Siendo objetivo debo decir que la pareja protagonista realiza una excelente labor interpretativa, y la química entre ambos es admirable. También me parece elogiable la interpretación de Valerie Curtis en el papel de la afligida Phyllis.
La primera mitad de la película es excelente, y muestra una situación que cualquiera puede entender. Dos miembros de una minoría acaban por apoyarse el uno en el otro para solucionar sus problemas. La amistad que surge entre ellos es creíble, e incluso me gustó que ambos tuvieran un hijo, pues si bien era producto de una noche de confusión, no tenía porque ser un obstáculo. La película tropieza cuando Albert tiene una aventura… pero es con otra mujer. Ahí es donde se pierde toda coherencia en el atrevido guión.
Si embargo, debo reconocer que la película resulta entretenida, y logra combinar el drama y la comedia de manera efectiva. También existen determinadas escenas atrevidas como la de Albert en la sauna ante un frustrado intento de ligar por parte de otro hombre, o la cena de los protagonistas con los padres de Stella. La película también mostraba una interesante variante de los roles de genero, si bien estos podían estar basados en estereotipos lo cual supondría un problema.

LO PEOR
El problema no lo encuentro en que dos personajes homosexuales ignoren su orientación sexual para encontrar la felicidad entre ellos. El problema es que la trama evita la necesaria explicación de cómo esto ha llegado a ocurrir. Una borrachera, una aventura sexual, y el amor entre un hombre gay y una lésbiana, se torna posible. La situación bien se puede dar en la vida en la real, y yo no voy a negar dicha posibilidad. El problema es que en la película la situación no es creíble. No se nos da una explicación acerca de que elementos de la vida de ambos personajes provocan dichos cambios.
Si bien el vínculo de amistad que muestran los personajes es razonable, y de hecho creíble, no hay nada que nos ayude a entender que ha podido pasar para que se convierta en algo más. El guión da muchísimas cosas por sentado, y esto no es una táctica inteligente.
Por otro lado tenemos a los únicos personajes fieles a su homosexualidad. Uno es Sills, arrogante, pretencioso, caprichoso, manipulador y egoístas. La otra es la pobre Phyllis, insegura, frágil, desequilibrada y condenada a una vida de infelicidad. Ese es otro problema, y ofensa grave, la asunción de que la homosexualidad es una condena, a no ser que uno escoja “convertirse”. Si bien estoy dispuesto a aceptar que esa no era la intención del film, el mensaje sigue siendo el mismo, y es dañino.

MI CALIFICACIÓN
5/10
 

jueves, 11 de febrero de 2010

VIVIR HASTA EL FIN

TITULO ORIGINAL
The Living End
AÑO DE ESTRENO
1992
DIRECTOR
Gregg Araki
PRODUCTOR
Jon Gerrans, Marcus Hu, Jim Stark
GUION
Gregg Araki
REPARTO
Mike Dytri (Luke), Craig Gilmore (Jon), Mark Finch (Doctor), Mary Woronov (Daisy), Johanna Went (Fern), Darcy Marta (Darcy), Scot Goetz (Peter), Bretton Vail (Ken), Nicole Dillenberg (Barbie), Stephen Holman (Cliente en 7-11), Magie Song (Cliente en 7-11), Peter Laningan (Homófobo), Jon Gerrans (Homófobo), Jack Kofman (Homófobo), Chris Mabli (Neo Nazi), Jordan Beswick (Budista), Peter Grame (Gus)
CINEMATOGRAFÍA
Gregg Araki
BANDA SONORA
Cole Coonce, Sascha Konietzko
VESTUARIO
Johanna Went
PAÍS DE ORIGEN
Estados Unidos
DISTRIBUIDA POR:
Strand Releasing
DURACIÓN
92 minutos

LUKE: “¿Estas bien?”
JON: “Sí, estoy bien, solo es que…”
LUKE: “¿Quieres que pare?”
JON: “Definitivamente no. Solo creo que deberías saber que…”
LUKE: “¿Qué?”
JON: “Me he enterado esta tarde que yo…”
LUKE: “¿Estás tratando de decir lo que creo? No te preocupes, no pasa nada. Bienvenido al club, compañero.”

LUKE: “En serio tío, los dos vamos a morir. Quizás en diez años, quizás la semana que viene. Pero tampoco es que desee vivir para siempre, envejecer, engordar y toda eso. Lo que quiero decir es que somos víctimas de la revolución sexual. La generación anterior a la nuestra se quedó con toda la diversión, y a nosotros nos toca recoger la cuenta. Todos a los que jodieron antes del sexo seguro, están jodidos.”


SINOPSIS
Jon es un crítico de cine, tímido y reservado, que acaba de descubrir que es seropositivo. Luke hace tiempo que también lo es, y ha elegido la vida de un vagabundo, llegando a estar a punto de perder la vida a manos de dos mujeres, cuyo revolver consigue robar. Una noche, Luke esta a punto a ser agredido por tres homófobos portando bates de baseball, y no duda en amenazarles con el revolver, para acabar disparando contra ellos.
Tras salir corriendo, se topa con Jon, que decide acogerle, y ambos descubren que comparten la misma enfermedad, y desarrollan sentimientos el uno por el otro. Sin embargo, Luke reacciona a su estatus de manera radical, dispuesto a llevar la poca vida que le queda al límite. Sin embargo, cuando termine por asesinar a un policía, se vera forzado a darse a la fuga, y Jon, incapaz de abandonarle, decidirá acompañarle.

CURIOSIDADES
A la hora de crear esta película, Araki se inspiró en el director francés Jean-Luc Godard, cuyo estilo tendía a inspirarse en las películas de gángsters de Hollywood de las décadas de 1930, y 1940. El film dividió de manera radical a los espectadores homosexuales, en parte por la actitud de “a la mierda con todo”, que adoptaba su protagonista al descubrir su estado seropositivo. La idea del director era fusionar la actitud de indignación de varios activistas, con la estética del rock punk.
Después de una década promoviendo sexo seguro, la película levantó astillas porque sus héroes se negaban a resignarse, recurrían a la violencia, y trataban su estatus con plena irresponsabilidad
Los nombres de los protagonistas, Luke y Jon, son un homenaje al director francés mencionado. Se trata de una de las primeras películas que surgieron en el nuevo genero “New Queer Cinema”, basado en el cine gay independiente. Debido al escaso presupuesto de la producción, la película fue rodada en el sur de California, aún cuando los protagonistas se supone han atravesado varios estados. Los carteles indicadores de las autopistas de Texas fueron proporcionados por el director Richard Linklater. Muchos han descrito la película como la versión homosexual de “Thelma & Louise”. El titulo de la película surgió de una canción de una banda de rock alternativo, “The Jesus and Mary Chain”.

LO MEJOR
Si bien la idea es provocativa, y claramente contiene un mensaje irresponsable, debo admitir que la angustia de la pareja, que lidian con su estatus de seropositivos, es creíble. Creo que es necesario entender, que la idea esta basada en una época en la que el VIH no era una enfermedad crónica, sino una sentencia de muerte. Luke simboliza de manera muy efectiva la inestabilidad e incapacidad de manejar la situación que se le ha presentado, mandándolo todo a paseo; mientras que Jon se ve arrastrado a ese conflicto por el cariño que le ha tomado a quién tiene su mismo problema.
Sin duda creo que Mike Dytri eclipsa al resto del reparto con su papel de Luke. Logra convencer combinando su enorme atractivo físico, con su sexualidad siempre bordando una atractiva locura, y finalmente una tristeza y amargura, que logra que el espectador se conmueva por su situación.
La comparación con “Thelma & Louise” es acertada, pero solo en ciertos aspectos, pues me pareció que esta es bastante más compleja, basándose más en la desesperación de la amargura, mientras que el deseo de venganza, no llega a consolidarse. Sin querer arruinarlo, también le doy merito a un final que sinceramente no esperaba.

LO PEOR
El problema es la falta de dirección de la trama, pues la amargura y motivación de los personajes quedan muy claras al principio de la película, y luego parece que no llega a ninguna situación que otorgaría interés al film. Por otro lado, la película se basa demasiado en el dúo protagonista, y no se beneficia lo suficiente de la interacción con otros personajes. La amiga de Jon cae en completo desuso, y solo vemos su preocupación alejada de la pareja. Recuerdo al ver la película como esperaba ver su interacción con Mike y Jon, deduciendo el inevitable conflicto, pero dicho encuentro no llego.
Por otro lado creo que a excepción de Dytri, el resto de los actores son bastante mediocres, y en ocasiones llegaría a calificarlos de risibles. Lo mismo se aplica a determinadas escenas, como la forma en que Luke se hace con el revolver, que resultan excesivamente hilarantes, y no parecen encajar con el resto del film.

MI CALIFICACIÓN
6/10
 

jueves, 4 de febrero de 2010

A WONG FOO, GRACIAS POR TODO. JULIE NEWMAR

TITULO ORIGINAL
Too Wong Foo, Thanks for Everything! Julie Newmar
AÑO DE ESTRENO
1995
DIRECTOR
Beeban Kidron
PRODUCTOR
Walter F Parkes & Bruce Cohen
GUION
Douglas Beane
REPARTO
Wesley Snipes (Noxeema Jaxon), Patrick Swayze (Vida Boheme), John Leguizamo (Chi-Chi Rodríguez), Stockard Channing (Carol Ann), Blythe Danner (Beatrice), Arliss Howard (Virgil), Jason London (Bobby Ray), Chris Penn (Sheriff Dollard), Melinda Dillon (Merna), Beth Grant (Loretta), Alice Drummond (Clara), Michael Vartan (Tommy), Jennifer Milmore (Bobbie Lee), Jamie Harrold (Billy Budd), Mike Hodge (Jimmy Joe), Michael Vartan (Tommy), RuPaul (Rachel Tensions), Julie Newmar (Ella misma)
CINEMATOGRAFÍA
Steve Mason
BANDA SONORA
Rachel Portman
VESTUARIO
Vince Palomino, Marlene Stewart
PAÍS DE ORIGEN
Estados Unidos
DISTRIBUIDA POR:
Universal Pictures
DURACIÓN
109 minutos

SHERIFF DOLLARD: “Hombres, actuando como mujeres, queriendo estar unos con otros. Hombres tocándose entre si, con sus barbillas peludas, frotándose unos con otros. Tocándose entre si. Manos viriles, frotándose lo rizos del pecho. Ocasionales efluvios de aftershave varonil. Sus voces de barítono suspirando, gimiendo. Abrazándose con brazos masculinos, musculosos, estrechándose con fuerza.”

VIDA BOHEME: “Realmente hay algo que debería decirte.”
CAROL ANN: “¿Lo de la nuez?”
VIDA BOHEME: “¿Qué?”
CAROL ANN: “La nuez, las mujeres ninguna tenemos nuez, solo los hombres tienen nuez, y la primera noche que llegaste al pueblo, me di cuenta enseguida que tú tenías nuez.”
VIDA BOHEME: “¿Entonces lo sabes?”
CAROL ANN: “Yo se, que soy muy afortunada de tener una amiga que da la casualidad que tiene nuez.”


SINOPSIS
Noxeema Jaxon y Vida Boheme son dos populares Drag Queens que ganan el concurso anual de Nueva York, y han de viajar a California en avión, para participar en el concurso de la “Drag Queen” del año. Tras conocer a Chi-Chi Rodríguez, que no ha logrado ganar nada en su vida y se siente como una perdedora, deciden llevarla con ella, y enseñarle a ser toda una Drag Queen. El singular trío vende sus billetes de avión, y adquiere un descapotable para atravesar el país, hasta California.
Sin embargo, durante su viaje tendrán una confrontación con el homófobo Sheriff Dollar, al que darán por muerto tras esta. El coche del trío se estropeara dejándolas varadas en un peculiar pueblo donde cambiaran la vida de sus habitantes, mientras el recuperado Sheriff inicia su búsqueda.

CURIOSIDADES
El enorme éxito de “Las Aventuras de Priscilla, Reina del Desierto”, no tardó en generar este remake americano. Antes de seleccionar al trío de actores, el papel le fue propuesto a Gary Oldman, sin embargo su negativa experiencia con el maquillaje en “Drácula”, hizo que optase por rechazar el papel- Swayze se hizo con el papel tras una audición, en la que leyó un monologo sobre como había sido objeto de burla y agresiones de sus compañeros de colegio. Finalmente, los tres actores seleccionados pasaron un tiempo involucrados en la escena del transformismo, para poder adquirir herramientas interpretativas.
John Leguizamo tenía tendencia a la improvisación durante el rodaje, y esto llegó a irritar considerablemente a Patrick Swayze en varias ocasiones. La escena del concurso en Nueva York fue realizada con la colaboración de Drag Queens popularmente conocidas tales como RuPaul, Miss Understood, Miss Coco Peru (También presente en “Trick”). Pequeños cameos tuvieron lugar con la colaboración de Robin Williams, Naomi Campbell, o la mismísima Julie Newman. La foto dedicada es real, y fue localizada por el guionista Douglas Beane. La noticia de que una de sus fotos dedicadas era el catalizador de la trama llegó a oídos de Newmar, que visitó el rodaje, siendo entonces cuando decidió aparecer en el film.
Patrick Swayze y John Leguizamo consiguieron nominaciones en los Globos de Oro, a mejor, y actor secundario respectivamente. El jugador de golf Chi Chi Rodríguez logró conseguir una importante suma de Universal Pictures, por usar su nombre para una de las Drag Queens. Alegó que este hecho había dañado su reputación.

LO MEJOR
La verdad es que la idea de la que partió me pareció original. La dedicación de Julie Newmar marcaba la pauta a través la cual los personajes se regirían, la gratitud. El simple agradecimiento de la foto impera en la clase de vida que Vida Boheme quiere llevar, la de una persona agradecida. Se logra mostrar que detrás de cualquier fachada, o apariencia todos tenemos en común la necesidad de ser apreciados, y queridos por los demás, y el como nos negamos a ver las necesidades ajenas.
Añadido a esto, tenemos escenas geniales y divertidas, tales como Swayze golpeando al maltratador con peluca y camisón rosa, o la fantástica llegada al motel donde las tres reinas son confundidas por jugadoras de baloncesto. La película hace uso del humor inteligente, y de bastantes diálogos ingeniosos, que sin duda arrancaran la carcajada del espectador. Por otro lado la historia es entretenida, y los personajes resultan entrañables y divertidos.

LO PEOR
Queda totalmente eclipsada por su predecesora “Priscilla”. El problema es que carece de su realismo, y sus personajes son demasiado “perfectos”, para que cualquiera que conozca el mundo del transformismo pueda sentirse identificado por ellos.
El tono del film es excesivamente campy, y no logra sino asemejarse a una versión bastante infantil de lo que en realidad es la vida de una Drag Queen. Increíble resulta también ver, como todo el pueblo al que llegan es incapaz de identificar el hecho de que sean hombres, que Bobby Lee se enamoré de Chi Chi a primera vista (a no ser que fuera gay), la capacidad de conversión de los gamberros del pueblo, y la aceptación general que todos muestran. Curiosamente el único personaje creíble me pareció el del Sheriff.
El vestuario es bastante espectacular, pero carece de la originalidad que mostraba el vestuario de la primera película. Todo esto hace que la película se haya convertido en un mero recordatorio de “Las Aventuras de Priscilla”.

MI CALIFICACIÓN
7/10