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jueves, 26 de abril de 2018

LA MUERTE DE MIKEL

TITULO ORIGINAL
La Muerte de Mikel
AÑO DE ESTRENO
1983
DIRECTOR
Imanol Uribe
PRODUCTORES
José Cuxart i Guardia
GUION
José Ángel Rebolledo, Imanol Uribe
REPARTO
Imanol Arias (Mikel), Montserrat Salvador (Doña María Luisa), Fernando Telletxea (Fama), Amaia Lasa (Begoña), Ramón Barea (Jon Uriarte), Martín Adjemián (Martin), Juan María Segues (Don Jaime), Xabier Elorriaga (Iñaki), Daniel Dicenta (Inspector), Alicia Sánchez (Arantxa), Javier Villalba (Cecilio), Carmen Chocarro (Maite), Iñaki Merino (Ivan), Nati Ortíz de Zárate (Miren), Paco Sagarzazu (Peio), Jaime Villalba (Psiquiatra), Esther Esparza (Nati), Manuel Bronchud (Segundo inspector), Benito Ansola (Sacerdote), Mal Ilarduia (Joven pareja), Íñigo Eiguren (Joven pareja)
CINEMATOGRAFÍA
Javier Aguirresarobe
BANDA SONORA
Alberto Iglesias
VESTUARIO
Kontxa Agirretxe, Josune Lasa
PAÍS DE ORIGEN
España
DISTRIBUIDA POR:
Divisa Home Video
DURACIÓN
90 minutos

FAMA: “¿No me das un beso de despedida?”
MIKEL: “No, ahora no.”
FAMA: “¿Qué te pasa? Anoche no tenías tantos remilgos.”
MIKEL: “Anoche estaba muy borracho. Y me alegro.”
FAMA: “Al principio todos los maricones sois iguales.”

FAMA: “Intenté suicidarme una vez en casa de mi madre. Me tomé treinta y tantas pastillas y estuve muy mal. Bueno, como que me estaba muriendo y si no es por el médico, de esa no salgo. Pero lo más importante es que cuando ya pude empezar a hablar, le conté todas mis penas. Pues eso, que si yo era el tren de los demás, que tenía un problema muy especial, que era un homosexual en resumidas cuentas. Y resulta que entonces él me dice tranquilamente que ya lo sabía. Fue como si de repente lo viera todo claro. Había estado ocultándome de la gente creyendo que guardaba un gran secreto, y hasta el médico lo sabía. A partir de ese momento cambié radicalmente y empecé a aceptarme como era. Y ahora soy feliz. Te juro que si volviera a nacer me gustaría ser como soy, pero sin tener que pasar por lo que he pasado, claro.”

SINOPSIS
Mikel es un joven y apuesto farmacéutico que reside en el pueblo vizcaíno de Lekeitio. Procede de una familia de alto nivel social y económico, dominada por su controladora madre Doña María Luisa. Esto no le ha impedido militar en la izquierda abertzale. Sin embargo su matrimonio está sometido a una crisis insostenible, debida a que Mikel tiene inclinaciones homosexuales que intenta reprimir. Mikel acaba separándose de forma definitiva de su mujer cuando las crisis nerviosas que sufre provocan que agreda a su mujer en un intento fallido de intimar sexualmente. Cada vez más desesperado, Mikel llega a intentar suicidarse al conducir en sentido contrario en plena autopista. Es entonces cuando Mikel conoce a una transformista llamada Fama, con la que mantiene relaciones sexuales. Todavía con inseguridades, Mikel decide mantenerse alejado de Fama. Sin embargo el joven decide ir a su encuentro y comparte sus vivencias personales para ayudarle a aceptar su homosexualidad. 
Cuando Mikel sale del armario comienzan los problemas, al verse expulsado del partido en el que milita, y carecer del apoyo de su círculo de amistades. Su propia madre no está dispuesta a ser fuente constante de rumores en el pequeño pueblo, por culpa de su hijo.

CURIOSIDADES
La película fue rodada en el pequeño pueblo de Lekeitio, situado en la costa de Vizcaya. Algunas escenas se rodaron en Bilbao, como las del club gay en el que el personaje de Mikel conoce a Fama. Con el mismo estilo de “Juego de Lágrimas” (1992), o “El Beso de la Mujer Araña” (1985), la película combina temas de política revolucionaria, terrorismo,  y homosexualidad para examinar la represión ideológica de lo diferente. Antonio Banderas se presentó a las pruebas por el papel de Fama, y llegó a enviar fotografías en las que estaba caracterizado como Drag Queen a Imanol Uribe. María Barranco se encargó de su maquillaje. 
Sin embargo el papel fue a parar a Fernando Telletxea, entonces conocido como el transformista Fama, que conservó su nombre artístico en la película. Imanol Uribe le escogió tras oírle cantar en un programa de la radio.
La película funcionó muy bien en taquilla, siendo una de las más exitosas del año provocado por el incremento de financiación del gobierno Vasco entre los años 1982 y 1987. También fue una de las películas más taquilleras de España, despertando el interés del público en el cine más regional.

LO MEJOR
Se trata de una película bastante avanzada a su época, explorando la salida del armario de un personaje y sus consecuencias, en un pueblo pequeño. 
El guion está bien elaborado, dejando claro que la represión del personaje homosexual resulta ser su mayor problema a la hora de convivir con un matrimonio condenado al fracaso, una madre controladora y clasista, y unos colegas en política considerablemente hipócritas. Si bien es cierto que Imanol Arias no destacó especialmente en esta ocasión, al contar con un guion coherente y bastante bien esbozado, aunque con sus problemas, la película consiguió despertar mi interés desde el principio. El hecho de que conozcamos el destino del protagonista desde el principio es efectivo, pues logra mantenerte en vilo a la espera de averiguar qué es lo que ha podido ocurrir.
Personalmente creo que el personaje de Fama es lo más destacable e interesante, aunque no se ha aprovecha todo lo posible. Genialmente interpretado, y con las mejores secciones del guion, el personaje sirve de vía de escape a un mundo de represiones y aparentemente sin salida.

LO PEOR
El mayor problema de la película es que intenta abarcar demasiadas tramas, ya sean políticas, sociales, familiares o sentimentales. Dicha intención es buena, pero el resultado final es que ninguna de las tramas logra cerrarse de forma efectiva. Como la película deja claro desde el principio que el protagonista fallece, interpretado por un Arias bastante plano, muchas de las mencionadas tramas terminan por ser irrelevantes. Especialmente consideré que el personaje de Fama, que cobraba tanta importancia pasaba al olvido completo durante el acto final de la película. Por otro lado, el tema del terrorismo y la amnistía me pareció metido a calzador, muy forzado, sin tampoco lograr contribuir demasiado.

MI CALIFICACIÓN
7/10

jueves, 19 de abril de 2018

FORTY DEUCE

TITULO ORIGINAL
Forty Deuce
AÑO DE ESTRENO
1982
DIRECTOR
Paul Morrissey
PRODUCTORES
Steven Fierberg, Jean-Jacques Fourgeaud
GUION
Alan Bowne
Basado en su obra de teatro del mismo título
REPARTO
Orson Bean (Señor Roper), Kevin Bacon (Ricky), Mark Keyloun (Blow), Tommy Citera (Crank), Esai Morales (Mitchell), Harris Laskaway (Augie), John Ford Noonan (John Anthony), Meade Roberts (Viejo John), Yukio Yamamoto (Chapero), Rudy DeBellis (Toilet John), Steve Steinlauf (Hombre al teléfono), Susan Blond (Escort), Carol Jean-Lewis (Mujer afroamericana)
CINEMATOGRAFÍA
Steven Fierberg
BANDA SONORA
Manu Dibango
VESTUARIO
Gary Lisz
PAÍS DE ORIGEN
Estados Unidos
DISTRIBUIDA POR:
Island Alive
DURACIÓN
89 minutos

RICKY: “Es chaval que está arriba es virgen. Si se coge un buen colocón hará cualquier cosa. No tiene ni idea de nada, nunca sabrá la diferencia.”
AUGIE: “Te deje al mando como un favor especial, eres un mierda. ¿Lo sabes?”

BLOW: “Este crio está muerto.”
MITCHELL: “Traigo café para todos. Uno con leche para Augie, otro solo para Crank, y un vaso de leche para Ricky. Y nada para ti Blow.  ¿Quieres usar mi banco? Primero tendrás que chupármela. Tengo una tostada para Ricky.”
AUGIE: “¡Mierda!”
MITCHELL: “¿Por qué? ¿Queréis que me lo llevé todo?”
(Se da cuenta de lo ocurrido)
MITCHELL: “Y pensar que el único cadáver que había visto era el de mi abuela. Eso sí, era igual de adorable.”

RICKY: “Parece estar cachondo Señor Roper. ¿No quiere comerse una polla?”
SEÑOR ROPER: “Estoy muy cachondo, pero esta hierba es letal.”
BLOW: “Fúmese otro, y así quedará bien jodido.”

SINOPSIS
Ricky es un chapero y traficante que pasa su vida en la Calle 42 de Nueva York. A menudo está acompañado por otros chaperos y amigos como Crank, Blow y Mitchell; mientras que Augie es su chulo. Augie siempre intenta mantener a los chavales bajo control, debido a los problemas en los que se meten de forma constante. Los descontrolados chavales se ven en situaciones insólitas, como cuando acaban perdiéndose en metro al intentar llegar  a un hospital para que a uno de ellos le traten una infección provocada por ladillas. Ricky es de los más propensos a estas situaciones complicadas, de las que siempre intenta escapar usando su particular verborrea.
Pero las cosas se complican cuando un joven de doce años, que se ha fugado de casa, aparece muerto en la cama de Augie. Como siempre, Ricky diseña un plan insólito para deshacerse del cadáver. Para que el plan funcione hay que incriminar a un cliente habitual y pedófilo, conocido como el Señor Roper. Ricky intentará convencerle para mantenga relaciones sexuales con el cadáver del anónimo joven, asegurándole que el joven está dormido. De esta forma, cuando el Señor Roper bien colocado de marihuana, será fácil culparle de haber acabado con la vida del joven. A pesar de lo poco probable de éxito, el peculiar grupo de chaperos deciden organizarlo todo, para así librarse de una situación peligrosa.

CURIOSIDADES
Dirigida por Paul Morrissey, amigo y estudiante de Andy Warhol, la película está basada en una obra del mismo título estrenada un año antes. 
El autor de la obra de teatro fue Alan Bowne, que se encargó de adaptar su obra en un guion. Bowne fallecería víctima del SIDA a la edad de cuarenta y cuatro años en 1989, cinco años después del estreno de la película. El film cuenta con la actuación de un entonces desconocido Kevin Bacon, que ya había interpretado el papel de Ricky en la obra de teatro. De hecho Bacon había ganado un Obie Award, premio teatral, por dicha interpretación poco antes del estreno del film. El también conocido Orson Bean recibió crédito como actor protagonista, a pesar de tener una actuación breve en el último tercio de la película.
Compleja e inusual en su estilo de comedia negra, la película no dudaba en embarcarse en el ambiente depresivo de calle 42 de Nueva York en la década de 1980. Paul Morrissey intentó utilizar distintas técnicas. Al igual que en la obra de teatro, intentó crear un corte que separa el primer acto del segundo, dejando la pantalla en negó durante un minuto de duración aproximada. El segundo acto también acto de la división en viñetas de la pantalla, intentando emular el estilo de Brian DePalma. 
Sin embargo este cambio de estilo cinematográfico nunca se explicó más allá del hecho de intentar diferenciar ambos actos.

LO MEJOR
Quiero dejar claro que aunque la película no me gustó, el trabajo interpretativo de los jóvenes actores es excepcional. El problema es el material con el que tienen que trabajar. Me quedé especialmente sorprendido con Kevin Bacon, ya que este trabajo del actor me era por completo desconocido. Bacon resultó convincente como chapero y traficante, pero sobre todo por el estilo en el que intenta hablar sin sentido para salir de todos los problemas en los que se mete. Toda la secuencia del metro, en la que los chaperos intentan llevar a un colega al hospital para que sea tratado de ladillas, me pareció excepcional. También me pareció excepcional el ambiente depresivo de las calles que se transmite.

LO PEOR
Esa mezcla del realismo ambiental y estético choca demasiado con un guion que es meramente absurdo. No es cuestión de no apreciar el humor negro, se trata de que uno percibe que el talento de estos jóvenes actores es absolutamente desaprovechado. Hay ocasiones en las que el guion abusa excesivamente de los monólogos, por lo que me encontré perdiendo interés y aburriéndome.
La segunda parte de la película resulta excesivamente tediosa, y francamente la trama ya se había vuelto tan absurda e irreal que perdí completamente el poco interés que tenía por alguno de los personajes, como el de Bacon. En términos generales pareció que el film comenzaba prometiendo, para acabar decepcionando. No quiero ni pensar como habría sido de tener que usar malos actores.

MI CALIFICACIÓN
4/10

jueves, 12 de abril de 2018

UN AÑO CON TRECE LUNAS

TITULO ORIGINAL
In Einem Jahr Mit 13 Monden
AÑO DE ESTRENO
1978
DIRECTOR
Rainer Werner Fassbinder
PRODUCTOR
Rainer Werner Fassbinder
GUION
Rainer Werner Fassbinder
REPARTO
Volker Spengler (Erwin / Elvira Weishaupt), Ingrid Caven (Rote Zora), Gottfried Jonn (Anton Saitz), Elisabeth Trissenaar (Irene Weishaupt), Eva Mattes (Marie-Ann Weishaupt), Günther Kaufmann (J. Smolik), Lilo Pempeit (Hermana Gudrun), Isolde Barth (Sybille), Karl Scheydt (Christoph Hacker), Walter Bockmayer (Seelenfrieda), Peter Kollek (Alcohólico), Bob Dorsay (Vagabundo), Gerhard Zwerenz (Burghard Hauser)
CINEMATOGRAFÍA
Rainer Werner Fassbinder
BANDA SONORA
Peer Raben
VESTUARIO
Sin acreditar
PAÍS DE ORIGEN
Alemania Occidental
DISTRIBUIDA POR:
Kinowelt Home Entertainment
DURACIÓN 
124 minutos

CHRISTOPH HACKER: “¿Qué ocurre? Estás viendo por qué no vuelvo a casa. ¿La ves?”
ELVIRA WEISHAUPT: “Veo cómo te quiero.”
CHRISTOPH HACKER: “Por eso bebes y bebes y engordas, hasta que tu cara se parece a un globo y se vuelve tan fea que da asco, como si fuera una enfermedad como la lepra.”
ELVIRA WEISHAUPT: “Nunca he querido hacerte daño.”
CHRISTOPH HACKER: “Qué asco, no siquiera eres divertida, solo asquerosa, un pedazo de carne asqueroso. ¿Y sabes por qué? No tienes voluntad, ni iniciativa, ni cerebro. No se te ocurre nada, ni te interesas por nada.”
ELVIRA WEISHAUPT: “No es verdad Christoph. Muchas veces busco en mi alma.”
CHRISTOPH HACKER: “Alguien como tú no tiene alma. No eres más que una cosa, una cosa sí, un desperdicio. Nadie se daría cuenta si dejarás de existir.”

ROTE ZORA: “Elvira era una mujer muy bella en los primeros años posteriores a la operación.”
SEELENFRIEDA: “¿Cáncer?”
ROTE ZORA: “No, ninguna enfermedad, se hizo cortar eso que tenéis ahí abajo.”
SEELENFRIEDA: “¿Y qué? No será la causa de la infelicidad. Probablemente en su alma siendo ha sido una mujer.”
ROTE ZORA: “Pues no. Eso es lo importante. Lo hizo porque sí. No parece que tuviera ninguna causa. ¿El alma has dicho tú? Ni siquiera era homosexual.”

SINOPSIS
Erwin Weishaupt estaba casado y tenía una hija, hasta que se enamoró de un hombre heterosexual llamado Anton Saitz. En un intento de ganarse su amor, Erwin se opera y se convierte en Elvira. Sin embargo, Elvira busca el cariño en todos los lugares equivocados, ya que es rechazada por Anton y comienza una terrible relación con un hombre llamado Christoph. 
Tras recibir una paliza al intentar buscar relaciones sexuales en un parque de homosexuales, Elvira se enfrenta al maltrato físico y verbal Christoph. A pesar de las vejaciones que sufre, Elvira depende emocionalmente de él; y queda devastada cuando Christoph decide abandonarla. Incapaz de hacerle cambiar de idea, Elvira encuentra cierto grado de consuelo en su amiga Zora al verse sola de nuevo. Zora decide ayudar a Elvira a encontrar un nuevo propósito.
Las dos juntas recorren lugares y charlan con gente del pasado de Elvira. Primero acuden al matadero donde Elvira trabajaba cuando era un hombre. Después acuden al orfanato donde creció, y charlan con la Hermana Gudrun, que aún le recuerda. La búsqueda de Elvira no es otra que la de encontrar un nuevo sentido para su vida, y algo de afecto verdadero. De esta forma decide acudir al encuentro de Anton una vez más, en busca de alguna resolución.

CURIOSIDADES
La película comienza haciendo alusión al “Año de la Luna” que tiene lugar cada siete años, señalando que las personas más sensibles sufren serias depresiones. Si además ese año contiene trece lunas nuevas, las personas más sensibles pueden sufrir desastres personales a nivel emocional. Es una de las películas más personales de Rainer Werner Fassbinder, siendo creada como reacción a la pérdida de su antiguo amante Armin Meier cuando cometió suicidio. Como forma de explorar el tema de la pérdida emocional y la necesidad de buscar afecto, Fassbinder escogió un personaje transexual.  Elvira vive sus últimos días recorriendo su pasado, antes de suicidarse al no encontrarle sentido a la vida. Se encargó de escribir el guion, producir, de la cinematografía, el montaje y la dirección de la película. Contó con su antigua esposa Ingrid Caven para el papel de Zora, y con su madre Lilo Pempeit para interpretar a la Hermana Gudrun.
Existe una narración que se puede escuchar a lo largo de la película, especialmente en la escena final, por parte de la protagonista. 
Volker Spengler se encargó de trabajar con Fassbinder para grabar dicha narración, que nunca fue guionizada. Se construyó mediante el uso de preguntas por parte de Fassbinder, y respuestas por parte de Volker metido en su papel. Para la escena final, la voz de Fassbinder fue eliminada para que pareciera una simple declaración final. Volker Spengler y Rainer Werner Fassbinder habían trabajado juntos en varias ocasiones. Cuando la película se emitió en el Festival de Cine de Nueva York, en octubre de 1979, el crítico Vincent Canby la elogió de forma considerable. Canby era un gran defensor del trabajo de Fassbinder en los Estados Unidos, y consideró que la película era brillante a la hora de enfocar el concepto de la redención.

LO MEJOR
Lo más elogiable de la película es el personaje interpretado por Volker Spengler, con gran sensibilidad y genialidad. Más allá de orientaciones o identidades sexuales, la película es capaz de generar empatía al abordar el tema de la soledad, y la necesidad de afecto. 
Va un poco más allá estableciendo que ese afecto comienza por el amor propio, y que al carecer del mismo puede generar una insana dependencia. Sin embargo este problema se aborda desde la comprensión, la empatía e incluso los remordimientos del director por sus experiencias personales. La película también cuenta con algún que otro monologo fascinante. También analiza el uso de un viaje al pasado para encontrar un nuevo propósito en el futuro.

LO PEOR
Al pecar de excesivamente personal, la película se torna tediosa y en ocasiones pretenciosa para un espectador que desconoce la mente del director. Es excesivamente larga, contando con escenas que me parecen superfluas y completamente innecesarias. Toda la escena del matadero me pareció de particular mal gusto, esforzándose demasiado en un intento de lucimiento y originalidad.

MI CALIFICACIÓN
6/10

jueves, 5 de abril de 2018

LA CONSECUENCIA

TITULO ORIGINAL
Die Konsequenz
AÑO DE ESTRENO
1977
DIRECTOR
Wolfgang Petersen
PRODUCTOR
Bernd Eichinger
GUION
Alexander Ziegler, Wolfgang Petersen
Basado en la novela de Alexander Ziegler
REPARTO
Jürgen Prochnow (Martin Kurath), Ernst Hannawald (Thomas Manzoni), Werner Schwuchow (Educador Diethelm), Hans-Michael Rehberg (Guardián Rusterholz), Hans Putz (Enrico), Elizabeth Fricker (Babette), Walo Lüönd (Giorgio Manzoni), Edith Volkmann (Señora Manzoni), Erwin Kohlund (Director Reichmuth), Alexis von Hagemeister (Clemens Krauthagen)
CINEMATOGRAFÍA
Jörg-Michael Baldenius
BANDA SONORA
Nils Sustrate
VESTUARIO
Josef Satzinger, Gabriele Gräfin Zu Solms
PAÍS DE ORIGEN
Alemania Occidental
DISTRIBUIDA POR:
Interat Filmverleih
DURACIÓN
100 minutos

SEÑORA MANZONI: “Thomas, solo queremos lo mejor para ti”
THOMAS MANZONI: “¿Ah sí? ¿Por eso me habéis metido en un trabajo que odio y que no me deja tiempo para ver a Martin?”
SEÑORA MANZONI: “Nunca confiaste en nosotros lo suficiente.”
THOMAS MANZONI: “Puede que tuviera que haberos dicho antes que no me gustaban las chicas.”
GIORGIO MANZONI: “¡Para inmediatamente! Tú no eres maricón. O me vas a decir que tus compañeros de trabajo te dan por el culo”
MARTIN KURATH: “Señor Manzoni, por favor. Déjenos vivir la vida que deseamos.”
GIORGIO MANZONI: “Sal inmediatamente de aquí.”
THOMAS MANZONI: “Yo me voy con él.”
GIORGIO MANZONI: “¡Repite eso!”
THOMAS MANZONI: “¡Adelante, pégame!”
SEÑORA MANZONI: “¡Giorgio por favor!”
GIORGIO MANZONI: “Vete si quieres, pero no quiero volver a verte nunca más por aquí.”

SINOPSIS
Martin Kurath es un actor homosexual que ha sido condenado a prisión al descubrirse su relación con un menor de edad. En prisión conoce a Thomas Manzoni, un joven de quince años que además es el hijo del alcaide. Tras cooperar en una obra de teatro de la prisión, ambos terminan por enamorarse e iniciar una relación que no dejará a nadie indiferente. Un año después, Martin completa su condena y decide iniciar una vida con Thomas, para lo cual ambos hablan con la familia del joven. Negándose a aceptar la homosexualidad de su hijo, el padre de Thomas le expulsa de casa. Martin y Thomas se instalan juntos, y el joven continúa sus estudios.
Sin embargo el padre de Thomas decide denunciar a su propio hijo provocando su arresto, con la intención de separarle de Martin e impedir que viva como homosexual. 
Thomas es condenado a un brutal reformatorio, donde los agresivos métodos de sus encargados hacen mella en el joven. Martin elabora un plan para rescatarle del reformatorio haciéndose pasar por un psicólogo asignado al horrible lugar. También confía en un buen amigo para que cuide de Thomas hasta que pueda obtener su permiso en residencia en Alemania. Sin embargo, el amigo de Martin terminará por traicionar su confianza.

CURIOSIDADES
La película está basada en la novela autobiográfica del mismo título escrita por Alexander Ziegler y publicada en 1975. El personaje de Martin Kurath está basado en el propio escritor y sus vivencias. Ziegler había estudiado arte dramático en el “Seminario Max Reinhardt” en Viena durante los años 1960 y 1961. También había trabajado como actor para la serie de televisión “Boys and Girls”, creada por Fred Mallow. En el año 1966 fue arrestado y condenado a dos años de prisión por su relación homosexual con un chico de dieciséis años llamado Stephan. 
Durante su tiempo en prisión escribió su primer libro “Laberinto” (1966). Una vez salió de prisión, Ziegler trabajó como periodista y autor en la revista gay alemana “DU&ICH” entre los años 1971 y 1979. Durante esa etapa escribió el libro en que está inspirada la película, así como varios artículos.
Suizo de origen, Alexander Ziegler quiso que el libro sirviera para procesar sus experiencias personales, y sirviera como advertencia sobre las consecuencias que determinadas acciones podían desencadenar. El autor participó de forma activa con el director Wolfgang Petersen para crear el guion. El film fue creado para ser estrenado en televisión, y fue rodado en blanco y negro. La película desencadenó una ávida polémica por el tema a tratar, la homosexualidad que retrataba, y ciertas escenas gráficas en una escena en la que se visionaba pornografía heterosexual. Esto provocó que la película fuera censurada en numerosos canales. Sin embargo, con el tiempo consiguió provocar que se iniciará un dialogo sobre el tema de la homosexual, de forma parecida a los trabajos de Roger Peyrefitte en Francia.

LO MEJOR
La película tiende a ser complicada porque la relación que muestra era considerada ilegal en la época, y es complicado ser moralista al respecto. Sin embargo, la trama es tratada y llevada a cabo con suma delicadeza, logrando despertar empatía y respecto hacia la dificultad de las relaciones homosexuales en una época en la que las mismas eran perseguidas. La moraleja base es que en ocasiones las decisiones que tomamos pueden provocar “consecuencias” desastrosas. De ahí el título, que hace referencia no solo a la decisión del padre de Thomas, que acaba con consecuencias desastrosas, sino a la decisión tomada por la pareja. Las intenciones pueden ser buenas en ambos casos, pero el resultado es igualmente desastroso. Esto me hizo pensar que más que enseñar, el director intentaba reflexionar o hacer pensar que toda acción tiene una consecuencia que no podemos predecir.
Emocionalmente la película consigue conmover y despertar sentimientos encontrados, no solo en lo relativo a la relación y el destino al que la misma se encuentra. Toda la trama del reformatorio resulta devastadora y genera una impotencia basada en la empatía.

LO PEOR
EL problema es que la trama deja muchas lagunas, mayormente en lo relativo al personaje del padre de Thomas. Si bien su decisión genera consecuencias devastadoras, la película evita tratar el efecto que esto provoca sobre él. Esto hace que el mensaje base de la trama pierda efectivamente, porque el responsable no vuelve a aparecer. El film también da un salto muy apresurado desde la trama del reformatorio al reencuentro entre los dos protagonistas.

MI CALIFICACIÓN
8/10