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jueves, 4 de junio de 2020

ESTEROS

TÍTULO ORIGINAL
Esteros
AÑO DE ESTRENO
2016
DIRECCIÓN
Papu Curotto
PRODUCCIÓN
Papu Curotto, Pablo Destito, Claudio Rogeiro Quinta Dos Santos, Maite Echave, Pablo Giles, Fabrice Lambot, Andi Nachon, Cassio Pardini, Santiago Podestá, Cao Quintas
GUION
Andi Nachon
REPARTO
Ignacio Rogers (Matías), Esteban Masturini (Jerónimo), Joaquín Parada (Matías niño), Blas Firnandi Niz (Jerónimo niño), Maria Merlino (Marilu), Renata Calmon (Rochi), Marcelo Subiotto (Esteban), Pablo Cura (Roberto), Mariana Martínez (Inés), Felipe Titto (Tuto), Mercedes Gonzalez (Mariela), Noelja Waldovina (Rita), Emiliano Rajzner (Primo Gustavo), Luciano Gonzalez Quintana (Amigo de Matías), Federico Yardín (Maigo de Matías)
CINEMATOGRAFÍA
Eric Elizondo
BANDA SONORA
Niní Flores, Rudi Flores
VESTUARIO
Ana França
PAÍS DE ORIGEN
Argentina
DISTRIBUCIÓN
Breaking Glass Pictures
DURACIÓN
83 minutos

JERÓNIMO: “Creíste que era mi novio, ¿no?”
MATÍAS: “No, que va.”
JERÓNIMO: “Boludo, si casi te vas. No es mi tipo, y no tengo novio.”

JERÓNIMO: “Mi lugar preferido. Qué raro estar con alguien acá.”
MATÍAS: “¿En todo este tiempo no trajiste a nadie?”
JERÓNIMO: “Este es el Castillo de la Bella Durmiente, donde nunca nadie ha entrado para darle un beso en la frente.”
MATÍAS: “Sos un aparato.”
JERÓNIMO: “Sabes que me parece mucho más fácil compartir los monstruos que esto.”

MATÍAS: “Es que vos no te preguntas nada.”
JERÓNIMO: “Sí, claro que me pregunto. Me pregunto cómo sería despertar con alguien que de verdad quieres que esté ahí.”

SINOPSIS
Amigos desde la infancia, Matías y Jerónimo, han convivido en la casa de este último en los Esteros de Iberá a finales de la década de 1990. Durante las vacaciones de verano, antes de empezar la escuela secundaria, ambos sufren su despertar sexual. De esta forma, su relación de amistad aumenta hasta que acaban enamorándose a la edad de trece años. Sin embargo, este amor es interrumpido de forma indirecta cuando el padre de Matías acepta un trabajo en Brasil. El rechazo de la familia de Matías hacia la homosexualidad provoca que éste corte todo contacto con Jerónimo, que con el tiempo asume y acepta su propia homosexualidad.
Diez años después, ambos se reencuentran de forma casual. Con el tiempo, Matías ha reprimido su homosexualidad, y ha encontrado una novia. La pareja regresa a la antigua ciudad de Matías durante los Carnavales. Cuando la novia de Matías contrata a un maquillador, este resulta ser no otro que el propio Jerónimo. ´
Aunque intimidado y reprimiendo sus sentimientos ante este encuentro casual, Matías no tarda en forzar un segundo encuentro con Jerónimo al día siguiente. Tras este nuevo encuentro, Matías y Jerónimo deciden regresar juntos a los Esteros de Iberá, donde fueron felices como niños y descubrieron el amor.

CURIOSIDADES
El director Papu Curotto conoció al guionista Andi Nachon en el año 2012, cuando ambos trabajaban juntos en una productora grabando documentales en la provincia de Buenos Aires. Debido a que ambos tenían que viajar mucho, y fue durante esos viajes que la idea de “Esteros” surgió debido a que les habían robado la radio del coche y pasaban los viajes conversando. Curotto se dedicaba a la producción y le narró a Nachon sus recuerdos de la infancia, y de su deseo de convertirlos en una película, de la que ella se encargara del guion. Al proyecto se unió el productor Santiago Podestá, que era amigo de Curotto desde la universidad. 
Los tres juntos se presentaron al concurso Raymundo Gleyzer del INCAA y lograron ganarlo. Esto los animó a crear su propia empresa de producción e independizarse, creando Hain Cine.
En el año 2013, ganaron la Beca del Curso de Desarrollo de Productos Cinematográficos del Programa Ibermedia. De esta forma el proyecto de “Esteros” comenzó a tomar forma. En el año 2015, Curotto dirigió un corto titulado “Matías y Jerónimo” que explicaba la adolescencia de los personajes y su primer encuentro con la homofobia en su comunidad. Tras esto llegó el ambicioso proyecto de convertir el cortometraje en una película. Para definir a los personajes se decidió que llevaran ellos mismos colores en sus camisetas y relojes, tanto en su infancia como en su madurez. El personaje de Matías lleva siempre colores azules o negros; mientras que el personaje de Jerónimo siempre lleva colores rojos o naranjas.
La película fue estrenada solamente en Argentina, donde se hizo con casi tres mil espectadores, consiguiendo una taquilla de casi siete mil dólares y medio.

LO MEJOR
Creo que Esteban Masturini realiza una labor impecable. No solo se come la cámara por su belleza, sino que logra transmitir esa tristeza por no haber podido ser correspondido, y el cómo esto le sigue afectando en el presente. Sus miradas dicen más que muchos diálogos en la película, y consigue despertar una empatía inusual. Los niños también realizan una soberbia interpretación, abordando escenas complicadas con verdadera profesionalidad. La película es una evocación perfecta del primer amor de juventud, y de cómo reencontrarse con el mismo décadas después, puede ser todo un shock emocional.
El entorno de los esteros es apasionante, porque además logran marcar como en determinado lugar no pasa el tiempo, y personajes en la madurez pueden viajar emocionalmente al pasado. Es una de las historias de amor más bonitas que he visto en el cine de temática gay. El guion contiene algunos momentos de gran potencia emocional, que podrían haber sido mucho más explotados.

LO PEOR
Mi mayor problema recae en Ignacio Rogers, que sin realizar una mala interpretación me pareció demasiado plano en ocasiones. Una cosa es interpretar a una persona que ha cerrado su sexualidad, pero el peligro reside en no transmitir nada el proceso. Solo al final, consigue estar a la altura de la historia. La película también se concentra demasiado en aspectos poco interesantes en ocasiones, que bien podrían haber sido utilizados para profundizar más en la relación tras el reencuentro.

MI CALIFICACIÓN
8/10

jueves, 28 de mayo de 2020

DESDE ALLÁ

TÍTULO ORIGINAL
Desde Allá
AÑO DE ESTRENO
2015
DIRECCIÓN
Lorenzo Vigas
PRODUCCIÓN
Guillermo Arriaga, Michel Franco, Lorenzo Vigas
GUION
Lorenzo Vigas, Guillermo Arriaga
REPARTO
Alfredo Castro (Armando), Luis Silva (Élder), Jericó Montilla (Amelia), Catherina Cardozo (Maria), Jorge Luis Bosque (Fernando), Greymer Acosta (Palma), Auffer Camacho (Mermelada), Ivan Peña (Yoni), Joretsis Ibarra (Deysi), Yeimar Peralta (Yerlin), Scarlett Jaimes (Yuli), Ernesto Campos (Kleiber), Marcos Moreno (Manuel), Armando Volcanes (Padrino quinceañera), Jesús Las Rosas (Roca), Alí Rondón (Alexis), Leovigildo Álvarez (Leovigildo), Geralt Jiménez (Joven roquero), Oswaldo Chacha (Raúl), Felipe Massiani (Javier Marcano) Luigi Lopes (Técnico protesista dental)
CINEMATOGRAFÍA
Sergio Armstrong
MÚSICA
Inaplicable
VESTUARIO
Marisela Marin
PAÍS DE ORIGEN
Venezuela
DISTRIBUCIÓN
Strand Releasing
DURACIÓN
94 minutos

ARMANDO: “Me la terminaste haciendo. Esto es lo que quieres. Recógelo ratita de mierda.”
ÉLDER: “Podre ser una rata, pero no soy maricón como tú.”
ARMANDO: “¿Qué dijiste?”
ÉLDER: “Que no soy maricón como tú.”
ARMANDO: “¿Soy maricón? ¿Seguro?
(Se clava cuchillo en la pierna)
ARMANDO: “Te toca. A ver quién es más maricón.”

ÉLDER: “Aquí me traía mi papá a pescar. ¿Te digo la verdad? Mi papá está encarcelado. Mató a un colega mío, así porque le dio la gana. ¿Y tu papá está muerto?”
ARMANDO: “No, pero me gustaría que lo estuviera.”
ÉLDER: “Quiero conocer a tu papá.”

SINOPSIS
En la convulsiva ciudad de Caracas, Armando es un hombre de cincuenta años, que posee un laboratorio de prótesis dentales. 
Durante su tiempo libre, Armando se dedica a buscar a jóvenes adolescentes en las paradas de autobuses de la ciudad. Allí les ofrece dinero a cambio de que le acompañen a su casa. Sin embargo, Armando no les toca ni mantiene relaciones sexuales con ellos. Simplemente se limita a observarles desde una prudente distancia. De igual forma, Armando también dedica parte de su tiempo a seguir a un hombre de edad más avanzada que la suya. Todo apunta a que mantuvo una relación traumática con este hombre en el pasado.
Un día, Armando mantiene un encuentro violento con un joven adolescente llamado Élder, que lidera una banda de criminales. A pesar de dicho encuentro violento, Armando desarrolla una atracción y fascinación absoluta hacia el atractivo y complicado adolescente. A Élder le interesa el dinero fácil que puede obtener de Armando, por lo que decide continuar visitándole. A medida que pasa el tiempo, un sentimiento intimo comienza a surgir entre ambos, a pesar de su diferencia generacional. Sin embargo, el pasado de Armando reaparece, y complica su vida, algo que Élder no esta dispuesto a permitir debido al afecto que ha desarrollado hacía él.

CURIOSIDADES
El concepto de la película surgió del deseo del director y guionista, Lorenzo Vigas, de narrar una historia sobre la paternidad, que se ve reflejada en el proyecto en la forma de uno maltratador y otro que está ausente. Deseaba explorar la figura del padre desde distintos puntos de vista, y se había estado trabajando en una trilogía sobre la paternidad ausente, un tema que le obsesionaba. La primera parte había sido un cortometraje titulado “Los Elefantes Nunca Olvidan” (2004), la segunda parte sería la película que estamos tratando hoy, y la tercera y la última sería “La Caja”, aún sin completar a fecha de esta entrada.
En la película que hoy tratamos la paternidad se aborda desde dos perspectivas. Una es la de la relación de Armando con su padre, y la otra cuando Armando empieza a ejercer de padre Elder. En el proceso de elaborar el reparto, lo más complicado fue encontrar un actor para que interpretara al personaje de Élder. 
Cuando Vigas vio la foto de Luis Silva, procedente de una agencia de casting, quiso conocerlo de forma inmediata. Tras pasar tiempo con él joven, no tardó en simpatizar con él y considerarle un amigo. Se percató de que tenía que interpretar a Élder porque era un joven inteligente, intuitivo y con gran presencia. Le conoció mejor a lo largo de un año, antes de que comenzara el rodaje, y decidió contratarle sin una prueba de casting, al considerar que no era necesario a pesar de ser una decisión arriesgada e impulsiva. A Alfredo Castro le consideraba el actor más importante de la actualidad del cine latinoamericano. Vigas requería de un actor de mucho peso y sólido para el personaje de Alfredo. De esta forma estableció un equilibro entre los dos protagonistas. Uno era un actor experimentado y el otro no lo era. Esta combinación de actores veteranos y novatos era algo con lo que siempre había deseado experimentar.
Vigas también deseaba explorar otros temas como el de un hombre aterrorizado con el contacto físico, el deseo frustrado o la estratificación social de Caracas. 
También era importante que el film mostrara la realidad de la Venezuela de esa época, desde las comunidades más ricas, al caos de los vecindarios céntricos, y finalmente hasta las afueras compuestas de bloques de apartamentos para comunidades más pobres.

LO MEJOR
Está película me recordó bastante a “La Virgen de los Sicarios” (2000), pero con un enfoque más original. El personaje de Armando me fascinó en lo relativo a su inhabilidad de establecer contacto físico con aquello que desea, en parte debido a los abusos recibidos en el pasado. Élder también es un personaje muy bien elaborado, logrando llegar a mostrar ese deseo de ser querido, escondido tras capas de dureza aprendidas en la calle. La relación entre ambos evoluciona de forma interesante y, sobre todo, inesperada. Lo que más me impresionó fue ese juego con los personajes en lo relativo a imagen y realidad mental. Los dos sorprenden y ni la víctima es tan víctima, ni el agresivo lo es tanto.

LO PEOR
El personaje de Armando es demasiado plano. A penas se elabora y la forma de interpretarlo, siempre de forma inexpresiva no acabó de convencerme. Su aspecto oscuro provoca que no termine de despertar empatía en ningún momento, pues su altruismo no lo es tanto en ningún momento. Le sucede lo contrario a Élder que si evoluciona para ser traicionado. Eché de menos más diálogos entre ambos que ahondasen en sus psiques y necesidades afectivas.

MI CALIFICACIÓN
7/10

jueves, 21 de mayo de 2020

EL AMOR ES EXTRAÑO

TÍTULO ORIGINAL
Love Is Strange
AÑO DE ESTRENO
2014
DIRECCIÓN
Ira Sachs
PRODUCCIÓN
Ira Sachs, Lucas Joaquin, Lars Knudsen, Jayne Baron Sherman, Jay Van Hoy
GUION
Ira Sachs, Mauricio Zacharias
REPARTO
John Lithgow (Ben Hull), Alfred Molina (George Garea), Marisa Tomei (Kate Hull), Charlie Tahan (Joey Hull), Cheyenne Jackson (Ted), Harriet Sansom Harris (Honey), Darren Burrows (Elliot Hull), Christian Coulson (Ian), John Cullum (Padre Raymond), Adriane Lenox (Directora), Manny Perez (Roberto), Sebastian La Cause (Marco), Christina Kirk (Mindy), Tank Burt (Doreen), Jason Stuart (Oficiante), David Bell (David), Michael J Burg (Camarero), Christopher King (Abogado)
CINEMATOGRAFÍA
Christos Voudouris
MÚSICA
Inaplicable
VESTUARIO
Arjun Bhasin
PAÍS DE ORIGEN
Estados Unidos
DISTRIBUCIÓN
Sony Pictures Classics
DURACIÓN
94 minutos

GEORGE GAREA: “Queridos padres, a estas alturas ya conocerán mi feliz noticia y mi triste noticia. Poder casarme por fin con Benjamin Hull, mi compañero durante casi cuarenta años en una pequeña ceremonia aquí en Nueva York, fue uno de los momentos más felices de mi vida. Por desgracia, luego supe que no podía seguir dando clases de música en el Saint Joyce. La mayoría de ustedes y todo el colegio sabían que soy homosexual, y que Ben es mi compañero de toda la vida. Siempre he recibido apoyo de todos, por lo cual les estoy agradecido. También deseo recalcar que comprendo que lo que ha pasado no es culpa del Saint Grace ni de su directiva. Sin embargo, sí les animo a aprovechar esta oportunidad para entablar una conversación con sus hijos acerca de si se ha hecho o no justicia. Lo último que quiero que aprendan de todo esto, es que deben ocultar lo que son o lo que piensan si creen que puede traerles problemas. La vida nos pone obstáculos, pero aprendí muy joven que siempre son menores si los afrontamos con sinceridad. Creo que el mundo es mejor cuando las personas no mienten. Como dijo San Pablo en su carta a los Corintios: ‘el amor no se alegra de la injusticia, sino que se regocija con la verdad.”

SINOPSIS
Ben y George viven en Manhattan y llevan juntos como pareja treinta y nueve años. Debido a la legalización del matrimonio gay, deciden casarse finalmente. George es un profesor de música en un colegio católico, y cuando su matrimonio es descubierto resulta fulminantemente despedido. Sin su sueldo, la pareja de recién casados ya no se puede permitir conservar su apartamento en Manhattan. Cada uno de ellos se ve obligado a pedir ayuda a sus respectivas familias y conocidos, motivo por el que acaban separados. Ben se traslada a Brooklyn con su sobrino Elliot, su esposa novelista Kate y su sobrino adolescente Joey. Por su parte, George es acogido por una joven pareja gay, que eran sus vecinos y trabajan como policías.
Aunque todavía forman un matrimonio, Ben y George añoran su mutual compañía cada vez más, y buscan la forma de pasar algo de tiempo juntos. 
Al mismo tiempo, aquellos que han decidido acogerles se ven obligados a lidiar con las dificultades de tener que convivir con una persona más, en un espacio diseñado para menos. La evidente diferencia generacional también supondrá una barrera considerable. El conflicto surgirá cuando ambas partes comiencen a plantearse si realmente son capaces de lidiar con los cambios que han sufrido.

CURIOSIDADES
Mauricio Zacharias cooperó con el director Ira Sachs para elaborar el guion. La idea surgió del deseo de ambos de explorar el amor maduro y contar la historia de una de esas escasas parejas homosexuales que había logrado permanecer unida durante décadas y todavía experimentaba la felicidad. Zacharias declaró que cada vez que se encontraba cerca de una de esas parejas sentía la calidad y paz que aportaba el amor que había conseguido perdurar, algo que raramente había sido explorado en la gran pantalla. Fue de esa forma que el proyecto de esta película surgió, con la imagen de dos hombres mayores en la setentena que habían logrado encontrar el amor.
Ira Sachs deseaba realizar el mismo tipo de proyecto, pero por motivos diferentes. Se había inspirado en una pareja en concreto, la de su tío abuelo y su amante. Los dos eran hombres y habían estado juntos durante cuarenta y cinco años. El amante de su tío abuelo se llamaba Ted Rust, era un escultor, y había fallecido a la edad de noventa y nueve años. Había logrado llevar una vida creativa y completa, por la que Sachs aspiraba profundamente. El director era muy consciente de la generación gay que había llegado a la vejez, y sentía verdadera admiración por ella. De esta forma decidió que la película sería una elegía hacia dicha generación, que además había experimentado una vida con diferentes oportunidades de las que la generación actual gozaba.
Tanto Sachs como Zacharias combinaron sus diferentes ideas, personajes y situaciones para dar forma y estructura al proyecto. Editaron el primer borrador del guion conjuntamente hasta que quedaron satisfechos con el resultado que los llevaría a crear la película final.

LO MEJOR
Hay que empezar elogiando a un reparto sobresaliente. John Lithgow y Alfred Molina emocionan a lo largo de  toda la película, y casi lamento que no recibieran más escenas a lo largo de la trama. Fue agradable por una vez ver la historia de una pareja de avanzada edad, que lleva décadas unida. No se puede negar que este tipo de historias no abundan en el cine de temática gay. Los dos protagonistas despiertan una empatía verdaderamente profunda, y su historia consigue conmover. Al mismo tiempo me gustó ese contraste entre las relaciones familiares cuando cada uno va por su lado, contra la situación cuando uno se percata de que acoger a una persona supone ciertas complicaciones. De alguna forma, la película consigue abordar cierto grado de hipocresía que existe en toda familia, independientemente de orientaciones sexuales.
Otro aspecto que me impactó fue la evolución del personaje de Ben con su sobrino. Uno podría cogerle manía al último, pero yo entendí su frustración al ver su habitación invadida, porque a mí me pasó algo similar a su edad. 
Que el final de la película regrese al personaje del sobrino fue toda una genialidad que no quiero estropear.

LO PEOR
Para mí el único problema fue que la base de la trama no estaba bien establecida, no era creíble. Se nos introduce a una pareja inteligente, que no ha ahorrado, y a la que nadie en su familia o círculo de amigos puede acoger conjuntamente pero sí de forma separada. No existe el concepto de habitación de invitados en un lujoso apartamento de Manhattan, ni en la residencia de una familia acomodada y con hijo único. Fue lo único que chirrío, la falta de credibilidad ante la situación expuesta.

MI CALIFICACIÓN
8/10

jueves, 14 de mayo de 2020

BIG GAY LOVE

TÍTULO ORIGINAL
Big Gay Love
AÑO DE ESTRENO
2013
DIRECCIÓN
Ringo Le
PRODUCCIÓN
Ringo Le, Marisa Thu Le, Quentin Lee
GUION
Ringo Le
REPARTO
Jonathan Lisecki (Bob Bartholomew), Nicholas Brendon (Andrew Darcy), Ann Walker (Betty Bartholomew), Ethan Le Phong (Chase Eng), Todd Stroik (Aiden Melman), Ken Takemoto (Señor Tran), Drew Droege (Dan 1), Amy Hill (Doctora Barrenbottom), Jason Stuart (Dan 2), Karina Bonnefil (Billy Gene), Jeffrey Damnit (Rambo), Harvey Guillén (Brian), Ina-Alice Kopp (Lana DeLongpre), James Rice (Tag Hinterland), Joshua Teodosio (Donnie), Brenda Lindsey (Asistente de fiesta), Jesse Reed Schiff (Pianista jazz)
CINEMATOGRAFÍA
Len Borruso
BANDA SONORA
Steven Pranoto
VESTUARIO
Minna Kim
PAÍS DE ORIGEN
Estados Unidos
DISTRIBUIDA POR:
TLA Releasing
DURACIÓN 
85 minutos

BETTY BARTHOLOMEW: “Estoy preparando mi gran regreso y esperaba que me ayudaras a realizar una fiesta.”
BOB BARTHOLOMEW: “No puedo.”
ANDY DARCY: “Pero se trata de tu madre.”
BOB BARTHOLOMEW: “No te lo puedes imaginar, llevo toda mi vida haciéndole caso. Además tengo muchas cosas en que pensar.”
BETTY BARTHOLOMEW: “Cuéntamelo.”
BOB BARTHOLOMEW: “Estoy comprando una casa.”
BETTY BARTHOLOMEW: “¿Cuándo nos mudamos?”
BOB BARTHOLOMEW: “Nosotros está fuera de la ecuación.”
BETTY BARTHOLOMEW: “Bueno, debo admitir que estoy menos preocupada ahora que tienes un hombre en tu vida. Solo espero que te dure lo suficiente para que venga a mi fiesta. Aquí tienes la lista de invitados.”
BOB BARTHOLOMEW: “¿Warhol, Goldstein, Mercury? Esto es la lista de invitados del Studio 54.”
BETTY BARTHOLOMEW: “No sabes qué tipo de regreso quiero celebrar.”
BOB BARTHOLOMEW: “Estoy bastante seguro de que esta gente no podrá venir mamá.”
BETTY BARTHOLOMEW: “¿Ahora son demasiado importantes para mi fiesta? No lo toleraré. Anularé sus invitaciones.”
BOB BARTHOLOMEW: “Están todos muertos mamá.”

SINOPSIS
Bob Bartholomew es un hombre homosexual que tiene éxito a nivel laboral, organizando eventos. Además de su trabajo, tiene amigos, una madre algo excéntrica y el suficiente dinero para comprar una gran casa. Sin embargo, Bob no ha tenido la suerte de encontrar el amor que tanto desea. Siempre ha sospechado que el motivo por el que no tiene el novio de sus sueños es su aspecto. Bob no es especialmente atractivo, ni tiene el cuerpo perfecto que desearía tener. Esto ha provocado que desarrolle una creciente inseguridad, que le lleva a infravalorarse constantemente. La gente con la que se rodea no sirve de especial ayuda, debido a sus atractivos cuerpos, acompañados de soberbia y superficialidad.
La mejor amiga de Bob le pide que le organice una fiesta, sin revelarle que es de compromiso. Bob queda sorprendido al descubrir su compromiso, pero todavía más al percatarse de que el novio es homosexual, aunque todavía está en el armario. Durante la fiesta conoce al exitoso chef Andy Darcy. La atracción entre ambos es inmediata y Bob considera la posibilidad de que por fin haya encontrado el amor. Sin embargo, sus inseguridades se incrementan y comienza a someterse a un duro entrenamiento con ayuda de sus supuestos amigos. Sin embargo, puede que el problema no sea su físico.

CURIOSIDADES
Ringo Le escribió el guion y dirigió la película, enfrentándose a grandes dificultades para producirla. Deseaba crear algo diferente, harto de películas de temática gay en las que todos los personajes eran perfectos a nivel físico, considerando que no se mostraba una variedad existente en la comunidad gay. 
Debido a esto querían a un protagonista que no cumpliera esos parámetros de supuesta perfección, siendo más bien gordito y poco atractivo. Tras esto, la idea era volver a resaltar la idea de que la verdadera belleza se encuentra el interior. El protagonista fue interpretado por Jonathan Lisecki, director, guionista y productor de la película “Gayby” (2012). Para su interés romántico se escogió al actor Nicholas Brendon, conocido por interpretar al personaje de Xander Harris en la serie de televisión “Buffy, Cazavampiros” (1997-2003).
A pesar de contar con un presupuesto muy escaso, Ringo Le consiguió rodar toda la película y comenzó los trabajos de montaje. Sin embargo se enfrentó a nuevos retos durante el proceso de postproducción, y se vio en necesidad de más dinero para realizar arreglos de color, incluir sonido, música y otros arreglos. Ya habían solicitado dinero a Kickstarter, una corporación benéfica para proyectos creativos. Sin embargo, tras recibirlo descubrieron que todavía necesitaban el doble.
Diseñaron una página web donde mostraron un boceto de tráiler y solicitaron donaciones, al mismo tiempo que llegaron a establecer negociaciones con estudios dedicados a la postproducción. También lograron recaudar veintiún mil quinientos dólares de su las donaciones recibidas por parte de doscientos cincuenta y seis patrocinadores.
La película se estrenó en el Frameline Film Festival de San Francisco. Tras esto fue emitida en el Festival Outfest de Los Ángeles, el QFest de Philadelphia, y Palm Springs Cinema Diverse Film Festival. En este último festival fue escogida como la favorita del mismo.

LO MEJOR
La idea base de la película es buena, y el guion tiene algun momento realmente divertido, aunque no logré ser interpretado de la misma forma. Nicholas Brendon me pareció el único personaje coherente de la película, así como el único con capacidades interpretativas destacables.

LO PEOR
La película se traiciona a sí misma en su intento de mostrar la importancia de la belleza interior sobre la física. El personaje de Bon es detestable, no por su físico o inseguridades, sino por ser realmente insufrible. La pésima interpretación de Lisecki no ayuda, y al final me encontré con la sensación de que las relación de los personajes se reestablecía no por coherencia y lógica, sino por un milagro incomprensible. Incluso tras su triunfo sentimental, el personaje continúa siendo detestable. Y, por supuesto, los estereotipos de todos los personajes, menos del de Brendon curiosamente, son llevados a un extremo ridículo, que no me arrancaron ni una sola carcajada.

MI CALIFICACIÓN
3/10

jueves, 7 de mayo de 2020

ANY DAY NOW

TITULO ORIGINAL
Any Day Now
AÑO DE ESTRENO
2012
DIRECCIÓN
Travis Fine
PRODUCCIÓN
Travis Fine, Liam Finn, Chip Hourihan, Kristine Fine
GUION
Travis Fine, George Arthur Bloom
REPARTO
Alan Cumming (Rudy Donatello), Garret Dillahunt (Paul Fliger), Gregg Henry (Lambert), Jamie Anne Allman (Marianna DeLeon), Chris Mulkey (Fiscal Wilson), Don Franklin (Lonnie), Kelli Williams (Señorita Flemming), Alan Rachins (Juez Richard Resnick), Frances Fisher (Juez Meyerson), Isaac Leyva (Marco DeLeon), Mindy Sterling (Señorita Mills), Miracle Laurie (Monica), Michael Nouri (Miles Dubrow), Jeffrey Pierce (Agente Plitt), Anne O’Shea (Señorita Lowell), Randy Roberts (PJ), Louis Lombardi (Señor Blum), Joe Howard (Doctor Watkins), Randy Thompson (Coco), Ezra Buzzington (Larry), Clyde Kusatsu (Doctor Nakahura), Kamala Lopez (Señorita Martinez)
CINEMATOGRAFÍA
Rachel Morrison
MÚSICA
Joey Newman
VESTUARIO
Samantha Kuester
PAÍS DE ORIGEN
Estados Unidos
DISTRIBUCIÓN
Music Box Films
DURACIÓN 
97 minutos

RUDY DONATELLO: “El hecho de que seamos diferentes no nos convierte en malos padres.”
PAUL FLIGER: “Esto es una mierda.”
JUEZ MEYERSON: “Está usted fuera de lugar.”
PAUL FLIGER: “¿Cómo puede dictar sentencia, cuando todo lo que hablamos aquí es sobre ser gay, hetero, jugar con muñecas o ponerse vestidos? ¿Por qué no hablamos del verdadero problema? Esta audiencia es sobre Marco, que en este momento está en algún lugar de acogida, y que lo hará durante su vida, porque nadie quiere adoptarle. Nadie quiere adoptar a un chico bajo, gordo y con discapacidad mental. Nadie en todo el mundo le quiere, excepto nosotros. Le queremos, lo cuidaremos y educaremos, le mantendremos a salvo, y le criaremos para que sea un buen hombre. ¿No es eso lo que se merece? ¿No es eso lo que cualquier niño se merece?”
JUEZ MEYERSON: “Tendré sus comentarios en cuenta Señor Fliger.”

SINOPSIS
En el año 1979, Rudy Donatello es un músico sin éxito o suerte que trabaja como drag queen en un bar gay de West Hollywood. Allí conoce a Paul Fleiger un fiscal del distrito que sigue dentro del armario, y la atracción es inmediata. Al regresar a casa esa noche, Rudy descubre que su vecina Marianna, drogadicta y dedicada a la prostitución, ha sido arrestada. En su apartamento ha dejado a su hijo Marco, un chico de catorce años y con Síndrome de Down, completamente abandonado. Rudy decide acoger a Marco hasta que los servicios sociales deciden llevárselo. Sin más salida, Rudy pide la ayuda de Paul para hacerse con la custodia de Marco. Ambos visitan a Marianna en prisión, donde consiguen convencerla para que les otorgue la custodia temporal de Marco.
Rudy y Marco se convierten en los guardianes de Marco, pero su relación se ve puesta en entredicho, ya que inicialmente han declarado ser primos en lugar de amantes. Cuando el jefe de Paul descubre la verdad, decide despedirle. 
Las cosas se complican cuando ambos son llevados a juicio por mentir. Las partes opuestas se mostraran más interesados en desprestigiarlos que en el bien de Marco. Paul y Rudy deberán luchar para recuperar la custodia de Marco, enfrentándose con valor a la incomprensión y la homofobia.

CURIOSIDADES
El guion de la película se vio inspirado, aunque no fue basado, en una historia verdadera. George Arthur Bloom comenzó a trabajar en el guion original treinta años antes del estreno de la película. Un amigo de Bloom le presentó a un hombre llamado Rudy que vivía en Atlantic Ave, Brooklyn, que en aquel entonces estaba en decadencia. Rudy vivía en un apartamento y apenas tenía dinero. Se hizo amigo de un chico de doce años que vivía a unas manzanas, viviendo con su abuela tras haber sido abandonado por su madre drogadicta y sumergida en la prostitución. Su abuela no hacia gran cosa para cuidar del muchacho, que no hablaba probablemente porque era autista. Rudy lo invitaba a su apartamento para proporcionarle ropa y alimento, e hizo lo que pudo para que acudiera al colegio. 
Se encargó prácticamente de criarlo. Fue entonces cuando la imaginación de Bloom se apoderó de la realidad de la historia. Tras pasar tiempo con Rudy y el muchacho, comenzó a preguntarse qué hubiera ocurrido si Rudy hubiera intentando adoptarlo en 1980. En unos meses ya tenía un guion construido.
A pesar de tener una historia convincente, Bloom tuvo que esperar tres décadas para que la película se recibiera. Bloom era amigo de Travis Fine, que dirigió la película, desde el instituto. A Travis le encantó la idea de la historia y solicitó que le enviara una copia del guion. Tras leerlo, Travis se ofreció a cooperar en la producción y dirigir la película, si podía hacer algunas modificaciones en el guion. Bloom quedó encantado con todas las modificaciones que Travis realizó en el guion. Fue él quien decidió sustituir al niño con autismo, con uno con Síndrome de Down. El guionista declaró que dicho personaje se convirtió en el alma de la película, y que el actor para interpretarlo realizó una labor extraordinaria.

LO MEJOR
Esta fue una de esas ocasiones en las que sorprendió una historia francamente original, algo que no se suele dar mucho en la temática gay. Ya no se trata de que el tema de la adopción gay se trate más bien poco, aunque generalmente de forma muy positiva. Aquí hay que añadir dos elementos que me parecieron una brillante idea. El primero fue establecer la trama en el año 1979, ya que si el tema sigue sufriendo el ataque de la homofobia, décadas atrás la situación era incluso peor. Pero además, es que no trata una adopción cualquiera, sino la de un muchacho con Síndrome de Down, de quien nadie quiere hacerse cargo. La película realiza una sobresaliente labor al atacar una hipocresía que solo sirve para perjudicar al personaje de Marco, y atacar y humillar a las dos únicas personas que le quieren de verdad. La conclusión de la película me pareció elocuente y acertada, mostrando el peor escenario de dichas consecuencias.
Garret Dillahunt destaca sobre el resto del reparto al interpretar a un personaje con considerables conflictos internos, viviendo en un mundo que le fuerza a vivir en el armario, pero que se arma de valor para ayudar al prójimo. Es un personaje que francamente me sorprendió e impactó.

LO PEOR
Alan Cumming tiene grandes momentos en la película, pero en otros me pareció algo sobreactuado y no lograba convencerme. Un colega que vio el film y tiene un familiar con Síndrome de Down, me señaló algo de lo que también me percaté. La película no muestra la dificultad de cuidar a un preadolescente con dicho síndrome, mostrando una relación con sus tutores, excesivamente idílica.

MI CALIFICACIÓN
8/10

jueves, 30 de abril de 2020

DEJA IR A MI PUEBLO

TÍTULO ORIGINAL
Let My People Go!
AÑO DE ESTRENO
2011
DIRECCIÓN
Mikael Buch
PRODUCCIÓN
Philippe Martin, Geraldine Michelot
GUION
Mikael Buch, Christophe Honoré
REPARTO
Nicolas Maury (Ruben), Carmen Maura (Rachel), Jean-François Stévenin (Nathan), Amira Casar (Irène), Clément Sinoby (Samuel), Jarkko Niem (Teemu), Jean-Luc Bideau (Señor Goldberg), Charlie Dupont (Hervé), Kari Väänänen (Señor Tiilikainen), Aurore Clément (Françoise), Didier Flamand (André), Jean-Christophe Bouvet (Comisario), Christelle Cornil (Léa), Outi Mäenpää (Helka), Olavi Uusivirta Michaël (Fredrik), Abiteboul (Ézechiel), Olivier Claverie (Señor Schwartz), Jonathan Sadoun (Gabriel), Esteban Carvajal-Alegria (Policía), Martin Siméon (Policía), Mathias Minne (Policía), Serge Bozon (Policía), Diane Dassigny (Secretario André), Emmi Mikkola (Colegiala), Maia Delikouras (Colegiala), Ludovic Berthillot (Jean-Jacques)
CINEMATOGRAFÍA
Celine Bozon
MÚSICA
Éric Neveux
VESTUARIO
Anaïs Romand
PAÍS DE ORIGEN
Francia
DISTRIBUCIÓN
Les Films du Losange, Zeitgeist Films
DURACIÓN
86 minutos

TEEMU: “Deja ya de defender a Ruben, yo soy tu hijo. Deberías estar de mi lado. Tal vez ha ganado ese dinero prostituyéndose durante sus rondas. No tiene decencia.”
HELKA: “Teemu, no permitiré que denigres a los que se prostituyen en esta casa. Yo no te educado así. Te eduqué para ser abierto, no sexista, generoso y comprensivo. ¿No es así? Los que se dedican a la prostitución son trabajadores como los demás. Si Ruben decidió cambiar de trabajo, por Dios, debemos apoyarle.”
TEEMU: “¿Te das cuenta de lo que dices?”
HELKA: “Cariño, quizás no sepas que en el año 1983, vivía en un trío con dos prostitutas senegalesas.”
TEEMU: “¡Dios mío!”
HELKA: “¡Eran tan hermosas! Una de ellas me…”
TEEMU: “Mamá, no quiero escuchar tus historias. Yo no soy como tú. Quiero una vida tranquila, una relación estable, un hombre en quien confiar, y sobre todo sin complicaciones.”
HELKA: “¿No quieres complicaciones?”
TEEMU: “Sin complicaciones, del tipo prostitutas senegalesas.”
HELKA: “De acuerdo. He criado a un monstruo reaccionario. Te estas convirtiendo en un pijo. ¿Te das cuenta hijo mío? Te has vuelto súper mega pijo.”

SINOPSIS
Ruben es un joven homosexual, francés y judío que vive un cuento idílico en Finlandia con su amante Teemu. Ruben trabaja como cartero, y tres días antes de la Pascual Judía intenta entregar un paquete a un viudo. El paquete contiene una gran suma de dinero que el viudo no desea, negándose a aceptarlo hasta que sufre un ataque. Al ver que el viudo no deseaba el dinero, Ruben decide llevárselo. 
Sin embargo, Teemu considera que dicha acción es inmoral, y opta por no creer en su novio. Afligido, Ruben decide regresar a París para pensar sobre su situación, y celebrar la Pascua Judía con su madre Rachel, y el resto de su peculiar familia.
Durante su estancia en París, Ruben descubre que su antiguo profesor, el Señor Goldberg, siempre se ha sentido atraído hacia él. También tiene que lidiar con el hecho de que su padre se ha buscado una amante, que además desea presentarle. Su hermano Samuel sigue estando predispuesto al conflicto, y su hermana desea divorciarse. Por su parte, Teemu pasa ese tiempo replanteándose su relación e intentando deducir de donde ha salido ese dinero de verdad.

CURIOSIDADES
Mikael Buch cooperó con Christophe Honoré para escribir el guion, y se encargó de dirigir el episodio. Buch admitió que el escenario de la trama era autobiográfico en términos de identidad, pero afirmó que los personajes eran completamente ficticios. 
El director había crecido en una familia judía tradicional como la que muestra en el film pero, a pesar de ser judío y gay, no se identificaba con el personaje de Ruben. A la hora de interpretar a Ruben, el actor Nicolas Maury había creado un personaje a medio camino entre él y el director. Tanto Buch como Honoré deseaban crear una película que fuera todo lo contrario a una sobre salir del armario. Para la gente de su generación existía ya un concepto algo caduco sobre la forma que la homosexualidad era mostrada como un tema social. Decidieron crear una visión más personal, liberal y divertida.
Buch admitió haberse sentido influenciado en especial por dos películas. La primera fue “Trilogía de Nueva York” (1988), en especial el personaje interpretado por Harvey Fierstein, al que considera el mejor personaje gay creado. 
El personaje de Ruben se estableció con el de Fierstein como modelo. La segunda película fue “Mujeres al Borde de un Ataque de Nervios” (1988), que fue especialmente importante para el director, que la vio siendo un adolescente, ya que había vivido en España. 
Quedó fascinado con la interpretación de Carmen Maura, y la mezcla de humanidad y locura de su personaje. Maura se convirtió en su actriz favorita, por lo que le envió una copia del guion, sin saber cómo reaccionaría. Buck aseguró que la actriz había entendido el proyecto de forma inmediata, y declaró creer que le había emocionado ver como un joven español había logrado que su primera película fuera producida en Francia.

LO MEJOR
Comenzaré destacando a Carmen Maura, que una vez más realiza una labor sobresaliente. La película contiene personajes llevados al histrionismo, pero que al mismo tiempo conservan su realismo con la sola excepción del protagonista. El guion también contiene momentos verdaderamente hilarantes, sabiendo jugar con la técnica del enredo a la perfección. Personalmente me sorprendió ese choque entre humor sexual y religioso, tan bien llevado.

LO PEOR
Si la intención del director con el personaje Ruben era seguir el modelo del personaje de Arnold Beckoff, genialmente interpretado por Harvey Fierstein en “Trilogía de Nueva York” (1988), el fracaso fue estrepitoso. Da igual cuantas genialidades contenga la película, cada vez que salía el personaje de Ruben todo se iba abajo. No es cuestión de que el personaje sea afeminado, cosa que a mí me tiene siempre sin cuidado, sino de la pésima interpretación por parte de Nicholas Maury. El personaje no parece real, esta sobreactuado no me arrancó ni la más mínima sonrisa. Me pareció una lástima, porque precisamente el resto de los personajes si estaban muy bien llevados. Aunque los personajes son histriónicos, son creíbles cosa que no sucede con Ruben.

MI CALIFICACIÓN
4/10