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jueves, 16 de mayo de 2019

THE COCKETTES

TITULO ORIGINAL
The Cockettes
AÑO DE ESTRENO
2002
DIRECCIÓN
Bill Weber, David Weissman
PRODUCCIÓN
David Weissman
GUION
Inaplicable
REPARTO
Entrevistas: Sylvia Miles, John Waters, Dusty Dawn, Larry Brinkin, John Flowers, Goldie Glitters, Ann Harris, Fayette Hauser, Michael Kalmen, Anton Dunnigan, Jilala, Michael Kalmen, Richard Koldewyn, Peter Mintun, Rumi Missabu, Marshall Olds, Maureen Orth, Kreemah Ritz, John Rothermel, Pamela Tent-Carpenter
Material de Archivo: Divine, Jackie Curtis, Hibiscus, Angela Lansbury, Anthony Perkins, Ronald Reagan, Gore Vidal, Sylvester, The Grateful Dead, Taylor Mead, Richard Nixon, Tricia Nixon, Peggy Cass, Pristine Condition, Candy Darling, Ahmet Ertegun, Allen Ginsberg
CINEMATOGRAFÍA
Marsha Kham
BANDA SONORA
Richard Koldewyn
VESTUARIO
Inaplicable
PAÍS DE ORIGEN
Estados Unidos
DISTRIBUIDA POR:
Strand Releasing
DURACIÓN 
100 minutos

JOHN WATERS: “Las Cockettes eran Drag Queens, hippies y bichos raros colocados. Eran básicamente la representación de una completa anarquía sexual… lo cual es siempre una cosa buena.”

FAYETTE: “Creo que las cosas empezaban a cambiar a nivel cultural, y casi toda la inocencia se había perdido. En tan solo un año vi como muchos de mis amigos morían. Esta fue la primera vez que recuerdo sentirme asustada. Tenía mucho miedo.”
ANTON DUNNIGAN: “Muchos miembros de The Cockettes fallecieron rápidamente, por culpa de las drogas.”

SINOPSIS
El documental narra la historia del grupo underground conocido como “Las Cockettes”. A medida que el psicodélico San Francisco de la década de 1960 comenzó a evolucionar para convertirse en el San Francisco gay de la década de 1970, Las Cockettes hicieron su entrada en escena. 
Se trataba de un extravagante grupo de hippies, hombres gay, mujeres que aparecían en drag y maquilladas con gran cantidad de purpurina y brillantina. Realizaron legendarios musicales de medianoche en el Palace Theater de North Beach, con obras como “Tartas de Espumillón en Coma Caliente” o “Pelas Sobre Shanghái”. Dichas obras incluían canciones y bailes extravagantes que hacían uso de vestuario elaborado, sexualidad rebelde, y caos anárquico.
Las Cockettes fueron fundadas por Hibiscus, miembro de una comuna llamada KaliFlower, dedicada a distribuir comida gratis, y crear exposiciones artísticas y teatrales gratis. Inicialmente actuaron en la forma de un grupo informal de amigos usando disfraces atrevidos, bailando al unísono. Dicha aparición fue durante “Nocturnal Dream Shows”, unas representaciones semanales que tenía lugar semanalmente en el Palace Theater. Dichas actuaciones fueron más elaboradas con el paso del tiempo, aunque mantuvieron  ese estilo anárquico, enfrentándose a presiones externas negativas o positivas, que pretendían romper dicho mencionado estilo.

CURIOSIDADES
Bill Weber y David Weissman ya había podido observar por primera a vez a The Cockettes en la película de estilo alternativo “Tricia’s Wedding” (1971). Se trataba de una parodia hilarante sobre la boda de la hija del Presidente Nixon, y se estrenó durante la noche en que tuvo lugar la verdadera boda en la Casa Blanca, y se convirtió en film habitual en los circuitos de cine de culto. Tanto para Weber como para Weissman, que se habían conocido dos décadas después, dicha película les ofreció un material completamente nuevo, aunque tenía ciertos aspectos familiares. En la película, el grupo combinaba parodias políticas, LSD, sexualidad que jugaba con los aspectos de género, y la diversión hippie caótica por la que San Francisco era famoso. Weber y Weissman era entonces adolescentes aficionados a la contracultura, y en aquel entonces comenzaban a salir del armario. Debido a esto, The Cockettes supusieron toda una revelación gay muy liberal y completamente subversiva.
El primer paso para realizar este documental cinematográfico fue el de localizar a los miembros supervivientes del grupo, y determinar si estaban dispuestos a participar en el proyecto. Muchos de los antiguos miembros del grupo habían fallecido, ya fuera como víctimas del SIDA o de sobredosis. Afortunadamente pudieron encontrar a un número de miembros del núcleo del grupo, que se mostraron completamente entusiastas por participar en el documental.
Por otro golpe de suerte, uno de los antiguos miembros del grupo, llamado Martin Worman, había comenzado su trabajo de disertación para su doctorado sobre The Cockettes. Esto hizo que fuera mucho más fácil localizar material de archivo adecuado, e investigar toda la historia del grupo. Worman recopiló documentos extraordinarios, que incluían cientos de horas de entrevistas grabadas a miembros del grupo que habían fallecido como la diva del disco Sylvester o Allen Ginsberg. Desafortunadamente, Martin falleció en 1993, víctima del SIDA. Su pareja Robert Croonquist pasó todos sus archivos y material a disposición de Weber y Weissman, permitiéndoles seguir adelante con el documental.
La producción del documental resultó ser un catalizador para que se forjaran nuevas amistades, y para que se renovaran otras entre los miembros del grupo que no habían estado en contacto durante muchos años. También se convirtió en una historia de generosidad por parte de muchos que poseían archivos fotográficos y cinematográficos, gente que las donó al sentirse entusiasmada por el hecho de que aquellos tiempos de caos y locura regresaran a la luz.

LO MEJOR
Como siempre he mantenido, siempre elogiaré cualquier tipo de documental informativo sobre aspectos de nuestra comunidad gay, especialmente aquellos aspectos desconocidos para muchos. Encontré que el documental era fascinante, especialmente porque siempre me he sentido interesado y fascinado por el mundo del transformismo. Se me antoja que The Cockettes bien pudieron ser la base de un movimiento cultural muy característico de nuestra comunidad. 
El documental contiene gran cantidad de material de archivos, y entrevistas de antiguos miembros del grupo y personas asociadas al mismo. El contexto histórico, político y cultural también está inteligentemente detallado.

LO PEOR
Personalmente encontré que dado el material, el documental era demasiado largo, y podría haber sido organizado con mayor efectividad para evitar aspectos repetitivos.

MI CALIFICACIÓN
8/10

jueves, 9 de mayo de 2019

SALIR DEL ARMARIO

TITULO ORIGINAL
Le Placard
AÑO DE ESTRENO
2001
DIRECCIÓN
Francis Veber
PRODUCCIÓN
Patrice Ledoux
GUION
Francis Veber
REPARTO
Daniel Auteuil (François Pignon), Gérard Depardieu (Félix Santini), Thierry Lhermitte (Guillaume), Michèle Laroque (Mademoiselle Bertrand), Jean Rochefort (Kopel), Alexandra Vandernoot (Christine), Stanislas Forlani (Franck), Michel Aumont (Belone), Edgar Givry (Mathieu), Thierry René (Victor), Armelle Deutsch (Ariane), Michèle Garcia (Madame Santini), Laurent Gamelon (Alba), Vincent Moscato (Ponce), Irina Ninova (Martine), Marianne Groves (Suzanne), Philippe Vieux (Policía), Luq Hamet (Moreau), Philippe Brigaud (Lambert), Eric Vanzetta (Maitre), Joël Demarty (Fotógrafo)
CINEMATOGRAFÍA
Luciano Tovoli
BANDA SONORA
Vladimir Cosma
VESTUARIO
Jacqueline Bouchard
PAÍS DE ORIGEN
Francia
DISTRIBUIDA POR:
Miramax Films
DURACIÓN
84 minutos

BELONE: “Tengo que hablar con usted, puede que tenga la solución a su problema. Fui psicólogo de empresa, conozco bien su trabajo. Si quieres conservar tu empleo…”
FRANÇOIS PIGNON: “¿Si quiero conservar mi empleo?”
BELGONE: “Salga del armario.”
FRANÇOIS PIGNON: “¿Cómo dice?”
BELONE: “Salga del armario, confiese su homosexualidad.”
FRANÇOIS PIGNON: “Pero si yo no soy homosexual.”
BELONE: “Eso es lo de menos, lo importante es que lo crean los demás, sobre todo su jefe.”

FRANÇOIS PIGNON: “Perdóneme, he sido brusco, pero es que ya no sé ni quien soy. Me han pasado un montón de cosas en pocos días… más que en toda mi vida.”
BELONE: “No exagere.”
FRANÇOIS PIGNON: “Mi jefa intentó desnudarme, el jefe de personal me propuesto irme a vivir con él y luego ha intentado estrangularme, me apalearon en el parque y el sábado tengo que desfilar con maricones. ¿Le parece poco?”
BELONE: “Digamos que hasta ahora ha tenido una vida aburrida, y que por fin ha empezado a pasarle algo. Yo en su lugar no me pararía por el camino.”

SINOPSIS
François Pignon ha sido considerado insignificante durante toda su vida. Trabaja como contable en una empresa que no le valora, lleva dos años divorciado aunque sigue enamorado de su mujer, y desea poder tener una mejor relación con su hijo de diecisiete años. Para empeorar su situación, descubre que su empresa ha decidido despedirle. En un intento de suicido, es sorprendido por su vecino Belone, que le convence para que no siga adelante, asegurándole que le ayudara a conservar su trabajo. Belone le sugiere de que cree la sensación de ser gay, de forma que los ejecutivos de su empresa se arriesgaran a ser tildados de homófobos si siguen adelante con el despido.
Belone falsea unas fotos en las que Pignon aparece en un bar Leather de homosexuales, y las envía de forma anónima a la empresa. 
El plan funciona, y el presidente de la empresa decide mantenerle en la plantilla. Al mismo tiempo el jefe de personal, Félix Santini es manipulado por sus compañeros de trabajo, para que trate especialmente bien a Pignon y así no se arriesgue a ser despedido por homófobo. Félix se esfuerza en ser agradable, aunque esto comienza a someterle a gran estrés en la empresa y en su entorno familiar. Por otro lado, la jefa de Pignon, la Señorita Bertrand, está convencida de que todo es un montaje que pretende descubrir.

CURIOSIDADES
En el año 1989, Francis Veber tomó inspiración para crear la película durante el rodaje de
“Dos Fugitivos” (1986). En dicha película existe un personaje igualmente denominado François Pignon, que  es interpretado por Pierre Richard. El personaje le fascinó a Veber, que confesó desear dar un altavoz a aquellas personas que siempre habían sido tildadas de insignificantes sin emoción alguna en la vida. 
Durante el rodaje de la mencionada película de 1986, Francis Veber quería contratar a un actor nuevo de origen latino,  que consideraba tenía gran talento. Deseaba que interpretara al villano, el director de la película se negó a aceptar esto en nombre de lo “políticamente correcto”, ya que dar el papel de un villano a un latino podría descontentar a dicha comunidad. Este fue el evento que inspiró a Veber a defender siempre a aquellos personajes eclipsados o considerados ligados a único destino. También decidió que la película fuera todo lo políticamente incorrecta posible, sin complejo alguno.
La música de la película fue compuesta por Vladimir Cosma, y fue una reutilización de la que había realizado para la película de Pascal Thomas, “Celles qu'on n'a pas eues... (1981), veinte años atrás. El productor ejecutivo de la película, Alain Poiré, falleció durante el rodaje de “Salir del Armario”, por lo que se le dedicó la película. El actor Daniel Auteuil ganó el premio a Mejor Actor en el “Festival Internacional de Cine de Shanghái”.

LO MEJOR
Se trata de una buena comedia con un estilo muy francés, que precisamente tiene a su favor el no preocuparse por lo políticamente correcto. Crea una situación de enredo brillante que sirve al mismo tiempo como critica a la hipocresía de la sociedad, que al final confunde el derecho a la igualdad, con el temor a ser identificado como factor discriminante. Lo curioso de la historia es que el personaje no es despedido por ser homosexual, ya que nunca lo fue. La dinámica entre los personajes de Pignon y Belone es formidable, mientras que la del primero con Depardieu es sencillamente hilarante. Raramente se encuentra uno con un uso de los estereotipos dignos de ser elogiado, pero este es uno de los casos, ya que todos los personajes son estereotipados de forma igualitaria.

LO PEOR
Aunque la película funciona como comedia, me dio la sensación de que no alcanzaba todo su posible potencial. La situación con el personaje de Depardieu tiende a ser ridícula en ocasiones, aunque tiende grandes momentos, y parece escrita de forma simplista y sin aprovechar a un actor que ha probado ser excepcional en comedia. La resolución de la película, en especial en lo relativo a los conflictos familiares de Pignon, me pareció apresurada. Al final de la película, que además me pareció corta al ser inferior a hora y media, me quedé con la sensación de que la trama estaba inacabada.

MI CALIFICACIÓN
7/10

jueves, 2 de mayo de 2019

CHUCK & BUCK

TITULO ORIGINAL
Chuck & Buck
AÑO DE ESTRENO
2000
DIRECCIÓN
Miguel Arteta
PRODUCCIÓN
Matthew Greenfield, Beth Colt, Scott M. Cort
GUION
Mike White
REPARTO
Mike White (Buck O’Brien), Chris Weitz (Chuck Sitter), Lupe Ontiveros (Beverly Franco), Beth Colt (Carlyn Carlson), Paul Weitz (Sam), Maya Rudolph (Jamilla), Mary Wigmore (Diane), Paul Sand (Barry), Gino Buccola (Tommy), Annette Murphy (Madre de Tommy), Glory Simon (Bruja), Douglas Kieffer (Mark), Jonathan Brown (Jake), Ruthie Bram (Dorothy), Giovanni Gieco (Espantapájaros), Meredith Tucker (Jolie), Linda Lichter (Cajera), Zak Penn (Josh Weintraub), Dana Baratta (Melissa Booth), Pamela Gordon (Madre de Buck), Josephina J. Rocha (Pilar), Nathaniel Olderman (Joven Buck)
CINEMATOGRAFÍA
Chuy Chávez
BANDA SONORA
Smokey Hormel, Tony Maxwell, Joey Waronker
VESTUARIO
Elaine Montalvo
PAÍS DE ORIGEN
Estados Unidos
DISTRIBUIDA POR:
Artisan Entertainment
DURACIÓN 
96 minutos

BEVERLY FRANCO: “Escucha, acerca del guion. Creo que se trata de una historia de amor entre Hank y Frank.”
BUCK O’BRIEN: “¿Eso crees?”
BEVERLY FRANCO: “Pues sí, ¿es que tú no? Es como si se tratara de una historia de amor homoerótica y misógina.”
BUCK O’BRIEN: “Oh, vaya, es lo que es. No lo sé. Quiero decir… deseaba escribir algo que fuera como… como el tipo de cosas que solía hacer con mi mejor amigo.”

BUCK O’BRIEN: “Sé que las cosas han cambiado. Sé que las cosas no pueden volver a ser como antes.”
CHUCK SITTER: “¿Cómo antes? Teníamos once años. Actúas como si fuera extraño que haya cambiado; como si fuera raro que no desee trepar por los árboles contigo todo el día.”
BUCK O’BRIEN: “La gente no cambia.”
CHUCK SITTER: “Sí lo hacen. Lo hacen, Buck. A lo mejor tú no, pero le ocurre a todos los demás. Es como si te hubieras quedado atrapado en una capsula del tiempo. ¿Por qué? ¿De qué tienes miedo?”
BUCK O’BRIEN: “No lo sé, es como ahora que estamos juntos, es el único momento en el que me siento bien. Te conozco, éramos tú y yo. Todo lo demás me hace sentir como si estuviera muerto, y no quiero sentirme muerto.”

SINOPSIS
A la edad de veintisiete años, Buck O’Brien ha perdido a su madre, y mantiene el nivel de madurez de un adolescente. El joven invita a su mejor amigo de la infancia, Chuck, al funeral. Chuck se ha convertido en un exitoso ejecutivo de la industria de la música y se presenta en el funeral con su prometida Carlyn. Buck y Chuck habían experimentado sexualmente  a la edad de once años, pero Chuck ha reprimido los recuerdos de esos eventos como si nunca hubieran tenido lugar. Tras el funeral, Chuck realiza una invitación de formalidad a Buck para que les visite en Los Ángeles si pasa por la ciudad. 
Sin embargo Buck se toma la invitación de forma demasiado literal, y decide mudarse a Los Ángeles, con la esperanza de retomar la relación que tenía con su mejor amigo.
Una vez en Los Ángeles, Buck decide explorar su afición a escribir obras de teatro, creando una titulada “Hank y Frank y la Bruja”. Con la ayuda de una productora llamada Beverly comienza a trabajar en la obra, y decide contratar a un actor llamado Sam. Aunque Sam se parece mucho a Chuck, carece de talento alguno. Sin embargo, los problemas comienzan cuando Buck comienza a introducirse a la fuerza en la vida de Chuck y Carlyn, llegando a los límites del acoso.

CURIOSIDADES
La película fue escrita por Mike White, abiertamente bisexual y cuyo padre salió del armario en el año 1994. Miguel Arteta se encargó de la dirección, y fue él que insistió en que White interpretara al personaje protagonista de la película. 
White declaró que interpretar a Buck sentó un precedente en su carrera, ya que el actuar le ayudó a escribir mejores guiones. Explicó que únicamente actuando es cuando uno se pone en los zapatos del personaje, y a apreciar la ansiedad que produce el hacer que una frase del guion funcione. Su interpretación del personaje de Buck fue elogiada por Jeff Bridges, que la definió como la mejor labor interpretativa del año 2000.
El académico James R Keller declaró que la película exploraba el miedo histérico que cualquier heterosexual podía sufrir, cuando sus experimentaciones homosexuales pudieran salir a la luz. La película logró ganar el Premio Independent Spirit John Cassavetes, otorgado a un equipo creativo que haya sido capaz de realizar películas con un presupuesto menor a medio millón de dólares. Su nombre homenajea al actor, guionista y director John Cassavetes, pionero en la industria del cine independiente estadounidense.

LO MEJOR
De nuevo nos encontramos con otra de esas situaciones en la que la idea base es brillante, aunque no se lleve a cabo de manera efectiva. Todos hemos tenido momentos en los que nos refugiamos en personas y momentos de un pasado, con la intención de recuperarlo. También aborda el interesante tema de un hombre heterosexual, a punto de casado, que se ve amenazado cuando se presenta el recuerdo de experiencias homosexuales de la adolescencia que quedaron completamente atrás.

LO PEOR
Una de las cosas que más me sorprendió a la hora de investigar la película, fue el hecho de que Mike White fuera elogiado por su interpretación. Personalmente encontré que conmigo no lograba funcionar. Es una de esas situaciones extrañas en las que el personaje es una amalgama de aspectos psicológicos que no logran funcionar. Uno no logra saber si el personaje tiene algún problema mental, si es un eterno adolescente, o si simplemente es un psicópata. 
La última opción fue la que más me convencía, por su forma de acosar, sin que el guionista explicara efectivamente el trasfondo de dicha conducta. No me valía el hecho de que quisiera rememorar su amistad y relación sexual de cuando tenía once años.
Como consecuencia de todo esto, mi empatía hacia el personaje de Buck fue completamente nula. De hecho me encontré apoyando a los personajes de Chuck y Carlyn, a los que veía como claras víctimas. Sin embargo me resultó inverosímil que aguantaran tanto, y sobre todo que Chuck accediera a ese momento de clausura para ayudar a su amigo. Me pareció una escena inefectiva e inverosímil. En general todos los actores flojean, y el estilo cinematográfico no me convenció.

MI CALIFICACIÓN
4/10

jueves, 25 de abril de 2019

BURLESK KING

TITULO ORIGINAL
Burlesk King
AÑO DE ESTRENO
1999
DIRECCIÓN
Mel Chionglo
PRODUCCIÓN
Robbie Tan
GUION
Ricky Lee
REPARTO
Rodel Velayo (Harry), Leonardo Litton (James), Elizabeth Oropesa (Betty), Raymond Bagatsing (Mario), Cherry Pie Picache (Aileen), Gino Ilustre (Michael), Nini Jacinto (Brenda), Joonee Gamboa (Miong), Joel Lamangan (Odette), Tonio Ortigas (Leo), Ross Rival, Frannie Zamora, Joseph Buncalan, Arthur Cassanova, Joey Galvez, Joseph Pe, Sofia Valdez, Aila Marie, Lucy Quinto, Teresa Jamias, Jazzi Oropesa, John Wayne Sace, Jake Mendoza, Edgar Santiago, Eric Hegazy, Dante Gomez
CINEMATOGRAFÍA
George Tutanes
BANDA SONORA
Nonong Buencamino
VESTUARIO
Michael de Jesus
PAÍS DE ORIGEN
Filipinas
DISTRIBUIDA POR:
Keiser Mercantile Co., Inc
DURACIÓN 
108 minutos
PRECEDIDA POR:
SUCEDIDA POR:
Twilight Dancers

HARRY: “Mamá…”
BETTY: “¿Qué? No llores chico. ¿Tú mamá se enfadó contigo? Ven con mamá, fingiremos que soy ella.”
HARRY: “Soy Harry.”
BETTY: “Claro que eres Harry, o Nelson, o Jack, puedes ser quien quieras. No me importa. No seas tímido, nadie se va a enterar.”
HARRY: “Mamá, soy Harry. Me fui de Olóngapo. Creía que habías muerto. ¿Por qué no me has buscado? Encontré a papá.”

BETTY: “Hijo, vamos a buscar a tu padre, y traerle de vuelta a casa. Podemos ser una familia otra vez. A pesar de todo el daño que te hizo, intenta abandonar tus sentimientos de rencor. Tu padre está enfermo, y nos necesita. Después de todo, ya ha pagado por lo que ha hecho, ha sufrido bastante. Pronto serás padre.”

SINOPSIS
Harry es joven Filipino que procede de Olóngapo, una base del ejercito de los Estados Unidos en el país. Su padre era un americano, pero solía abusar de su madre y el propio James cuando solo era un niño. No solo les proporcionaba serias palizas, sino que además les obligaba a prostituirse. Cuando su padre acaba con la vida de su madre Betty, Harry decide buscar a su padre, en compañía  de su buen amigo James, para vengarse acabando con su vida. Para hacerlo comienza un nuevo trabajo como Sibak, un bailarín erótico también dedicado a la prostitución. Dicho trabajo esta supervisado por Mama Odette, un gay histriónico y excéntrico que dirige el bar. Durante la búsqueda de su padre hace nuevos amigos como Mario, un escritor homosexual de romances heterosexuales, que tiene problemas con su novio. Por su parte James ayuda a su hermana lesbiana Aileen, que tiene pareja y ha sido rechazada por su familia.
Harry también comienza una complicada relación con Brenda, una joven dedicada a la prostitución, de la que queda totalmente enamorado. 
Al mismo tiempo sigue con su búsqueda, y cuando por fin encuentra a su padre está dispuesto a matarlo. Sin embargo lo encuentra en estado crítico, y su cuidador le explica que se está muriendo de SIDA. Esto acaba con el deseo de venganza de Harry, que queda sorprendido cuando su padre le revela que su madre sigue con vida.

CURIOSIDADES
La película forma parte de una trilogía creada por el director Mel Chionglo y el guionista Ricardo Lee para le explorara la vida de los Sibaks, también conocidos como Macho Dancers, en los bares gay de Manila. “Burlesk King” es la segunda película de la trilogía. Las otras dos películas son “Midnight Dancers” (1994) y “Twilight Dancers” (2006). Las tres películas se inspiraron en gran parte en la película “Macho Dancers” (1988) dirigida por Lino Brocka, y estrenada en el año 1988.
Esta fue la primera película del actor protagonista Rodel Velayo, que solo estaba acompañando a un amigo para una prueba de selección de la película. Sin embargo, el productor le dio el papel protagonista a Rodel de forma instantánea con solo mirarle.

LO MEJOR
Está segunda película sobre los Sibak o Macho Dancers de Filipinas, aborda el tema de forma más inclinada a la comedia, aunque posea su dosis de drama habitual. Sin embargo más bien parece que posea el estilo típico de una telenovela por lo enrevesado de sus tramas. Lo primero que destacaré es que los personajes son empáticos, y sus motivaciones y circunstancias bien desarrolladas. Las tramas son fáciles de seguir, y los flashbacks ayudan a entender perfectamente la motivación de Harry en busca de venganza. Pero lo que más me sorprendió es el mensaje de fondo en una película que aborda la prostitución y una forma de vida verdaderamente complicada. Ese mensaje es el de la necesidad de perdonar, para de esa forma no acabar hundido en sentimientos de rencor, odio, o acabar buscando venganzas innecesarias. 
El final de la película es una muestra de esa necesidad de buscar perdón, cuando se han superado diferentes crisis a lo largo de la vida.
La película tiene elementos divertidos. El personaje de Mamá Odette es el único que regresa de “Midnight Dancers” y consigue arrancar carcajadas de forma más eficiente que la última vez. La escena del reencuentro entre Harry y su madre es sin duda la mejor de toda la película, sobre todo por las circunstancias en las que tiene lugar. La encontré verdaderamente emocional.

LO PEOR
Aunque la intención de la película es loable y encomiable, no está llevada a cabo de la forma más efectiva, no tiene realismo. “Midnight Dancers” supera a esta película porque si muestra una realidad más efectiva del mundo de la prostitución en un entorno de pobreza. 
La relación entre Harry, que lleva una vida de chapero y bailarín erótico, con Brenda, una prostituta, tiene momentos divertidos. 
Sin embargo se debe a que es más surrealista que realista, y uno no puede creer que sea plausible.El final es elogiable en cuanto intenciones, pero resulta imposible de creer que dadas las circunstancias expuestas, la capacidad de perdonar sea tan fácil. El problema es que debería haberse desarrollado más a lo largo de la segunda mitad de la película, que pierde mucho metraje en personajes que no son tan interesantes.

MI CALIFICACIÓN
6/10

jueves, 18 de abril de 2019

EL AMOR ES EL DEMONIO

TITULO ORIGINAL
Love is the Devil: Study for a Portrait of Francis Bacon
AÑO DE ESTRENO
1998
DIRECCIÓN
John Maybury
PRODUCCIÓN
Chiara Menage
GUION
John Maybury
REPARTO
Derek Jacobi (Francis Bacon), Daniel Craig (George Dyer), Tilda Swinton (Muriel Belcher), Anne Lambton (Isabel Rawsthorne), Adrian Scarborough (Daniel Farson), Karl Johnson (John Deakin), Annabel Brooks (Henrietta Moraes), Richard Newbould (Blond Billy), Ariel de Ravenel (Oficial Francés), Tallulah (Ian Board), Andy Linden (Ken Bidwell), David Kennedy (Joe Furneval), Gary Hume (Volker Dix), Damian Dibben (Chapero de Brighton), Antony Cotton (Chapero de Brighton), Anthony Rydin (Chapero de Londres), Christian Martin (Botones), Ray Olley (Árbitro de boxeo), Wesley Morgan (Boxeador), Nigel Travis (Boxeador), Eddie Kerr (Sastre)
CINEMATOGRAFÍA
John Mathieson
BANDA SONORA
Ryuichi Sakamoto
VESTUARIO
Annie Symons
PAÍS DE ORIGEN
Reino Unido
DISTRIBUIDA POR:
BBC / Artificial Eye
DURACIÓN
87 minutos

FRANCIS BACON: “Entregarse por completo al servicio y al placer de una pareja dominante es, creo yo, una catarsis porque se renuncia a toda responsabilidad. Cada movimiento es una imposición. No tienes decisiones propias. Existes únicamente para el servicio y para el placer de otro hombre.”

BOTONES: “Siento molestarle señor, pero se trata del señor Dyer.”
FRANCIS BACON: “¿Qué pasa ahora?”
BOTONES: “Esta en el tejado del edificio, y dice que va a saltar. Pensábamos que usted podría…”
FRANCIS BACON: “… Subir a darle un empujón”

SINOPSIS
Al principio de la década de 1960, el célebre pintor Francis Bacon entra en su casa para encontrarse con un ladrón dentro, al que invita a coger lo que quiera mientras pase la noche con él. 
El ladrón es un hombre de clase obrera llamado George Dyer, tiene treinta años de edad y decide aceptar la oferta. Dyer no tarda en convertirse en el mantenido del pintor, que se siente obsesionado por su amoralidad y atractivo inocente. Francis Bacon les presenta a todos sus amigos del Soho, donde Dyer se muestra retraído. Durante sus relaciones sexuales, Bacon explora su lado más sadomasoquista, dejando que Dyer ejercía la más absoluta dominancia.
Sin embargo, a medida que pasa el tiempo, Dyer se ve sumergido en una depresión complicada por el alcoholismo y el consumo de drogas, y sus pesadillas satánicas. Estos problemas provocan que la relación se vea sometida a una presión cada más difícil de soportar. Por otro lado Bacon comienza a fijarse en otras personas y sentir que Dyer cada vez le importa menos. El joven recurre a todo tipo de recursos para llamar su atención como llamar a la policía acusando a Bacon de tener drogas que ha colocado, o con intentos fingidos de suicidio. Mientras el pintor asciende en fama y gloria, Dyer desciende a la completa autodestrucción.

CURIOSIDADES
Se trata de una película inglesa producida por la BBC para la televisión. Es una película biográfica que aborda la vida del pintor Francis Bacon, concentrándose en su retorcida relación con un ladón de poca monta llamado George Dyer. Está basada en la biografía autorizada de Bacon, titulada “The Gilded Gutter Life of Francis Bacon”, escrita por su amigo Daniel Farson y publicada en el año 1994. Farson se la dedicó. Francis Bacon fue un pintor nacido en Irlanda en el año 1909. Fue un pintor figurativo idiosincrático, caracterizado por el uso de la deformación pictórico. Fue conocido como sus imágenes cargadas de crudeza, su obsesión por temas personales y una fuerte experimentación. También por sus representaciones de papas, crucifixiones y retratos de amigos cercanos. Falleció de un ataque al corazón en Madrid, España, en abril de 1992, tras varios intentos fallidos de resucitarle. Aunque existe el mito de que Bacon conoció a George Dyer cuando robaba su casa, tal y como se muestra en la película, en realidad lo hizo en un bar en 1963. 
Dyer era un ladrón de poca monta que abandonó el crimen, pero que descendió en el alcoholismo y las drogas cuando empezó a dejar de ser de interés para Bacon. Terminó por aparecer muerto, tras consumir barbitúricos en 1971, con alrededor de treinta y ocho años de edad.
Malcolm McDowell se mostró interesado por interpretar a Francis Bacon, aunque el papel fue a parar a Derek Jacobi. Algunos de los extras, incluyendo a Daniel Farson (Interpretado por el actor Adrian Scarborough) y Sandy Fawkes, eran personas que fueron amigas del pintor. La distribución de la película en DVD se disparó después de que Daniel Craig comenzara a interpretar a James Bond en 2006, y las ventas se mantuvieron hasta 2012. El actor Derek Jacobi llegó a declarar que esto se debía a que Daniel Craig aparecía desnudo. La película logró hacerse con tres premios en el Festival Internacional de Cine de Edimburgo, a la Mejor Nueva Película Británica, y dos para los actores Derek Jacobi y Daniel Craig por su trabajo interpretativa. También fue proyectada en la sección “Un Certain Regard” del Festival de Cannes de 1998. 
El trabajo de Craig fue bien recibido por la crítica, y muchos lo consideran el primer éxito del actor, que logró lanzarle a la fama.

LO MEJOR
Lo primero que destacaría es la labor interpretativa de Daniel Craig en esta película. Debo reconocer que desconocía su participación en el film, pero me pareció el personaje más empático al simbolizar esa terrible autodestrucción de la belleza en un mundo dominado por el dinero y la fama. Es un tema que se ha tratado en muchas ocasiones, lo efímero de una relación que está basada en lo único que no puede perdurar, el físico. Pero aquí se añade una peculiaridad  más, la del hecho de que ese físico perdura y el problema se basa en un problema más profundo. Pero me daba la sensación de que el mensaje era que Dyer siempre fue consciente de que habría un final. A pesar de que su personaje no me pareció nada empático, Derek Jacobi realiza una soberbia labor mostrando esa superficialidad arrogante que en el fondo oculta miedos y frustraciones.

LO PEOR
En términos generales, y a pesar de tener un buen ritmo, la película no acabó de convencerme. Pasa muy por encima de los problemas de la pareja, y no profundiza en ellos en ningún momento. Las escenas surrealistas que acompañan a la película me parecieron cansinas y hasta agobiantes, un absurdo recurso que no logró transmitirme la complejidad de la mente del pintor. Tampoco se analiza el tema del masoquismo y que lo provoca en ambos casos.

MI CALIFICACIÓN
6/10

jueves, 11 de abril de 2019

EL CORAJE DE UNA MADRE

TITULO ORIGINAL
Any Mother’s Son
AÑO DE ESTRENO
1997
DIRECCIÓN
David Burton Morris
PRODUCCIÓN
Joseph A. DiPasquale
GUION
Bruce Harmon
REPARTO
Bonnie Bedelia (Dorothy Hajdys), Hedy Burress (Kathy), Paul Popowich (Allen), Fiona Reid (Doris), Allan Royal (Ben), Shawn Ashmore (Billy), Mimi Kuzyk (Peggy Evans), Peter Keleghan (Capitán John Curtis), Barry Flatman (Comandante Stevens), Paul Haddad (John Miller), Phillip Jarrett (Rick Rodgers), Sada Thompson (Gertie), Scott Gibson (Terry Helvey), Cameron Mathison (Rich Eastman), Michael Gabriel (Charles VIns), Jane Moffatt (Madre de Terry Helvey), Nigel Bennett (Allan Schindler Sr.), Judah Katz (Teniente Steine), Trevor Bain (Director de funeraria), Michael Rhoades (Oficial Anderson)
CINEMATOGRAFÍA
John L. Demps Jr.
BANDA SONORA
Pray for Rain
VESTUARIO
Lynne MacKay
PAÍS DE ORIGEN
Estados Unidos
DISTRIBUIDA POR:
Lifetime Television
DURACIÓN
90 minutos

CAPITÁN DISNMORE: “Lo que hoy me preocupa es que entienda el contexto político, dentro del cual la muerte de su hijo ha servido para simbolizar cierto punto de vista.”
DOROTHY HAJDYS: “Mi hijo no simbolizaba nada la noche que le mataron. Solo era un marinero, que fue atacado por otros marineros, que sacaron de alguna parte la idea de que estaba bien hacer lo que le hicieron a él.”
CAPITÁN DISNMORE: “La sugerencia de que la Marina de Estados Unidos acepta o adopta de alguna forma las actitudes de Charles Vins y Terry Helvey tiene nuestro más absoluto rechazo.”
DOROTHY HAJDYS: “En ese caso permítame que puntualice algo Capitán. Cuando mi hijo declaró a la marina que era homosexual, le hicieron firmar un papel que entre otras cosas decía que podía ser licenciado con deshonor, y despojado de todos los subsidios militares. Le diré lo que la Marina le hizo a Charles Vins después de admitir haber pateado a mi hijo una y otra vez en la cabeza, hasta que murió. 
El castigo fue menor que licenciarse con deshonor. Cumplió solo setenta y ocho días, y la Marina le permite seguir llevando su medalla del servicio de defensa nacional. Así que dígame con estos datos si la Marina no ha dejado bien claro el valor que concede a la vida y el servicio de mi hijo. Y dígame también, entre mi hijo y Charles Vins, ¿quién cree usted que sirvió a la Marina de los Estados Unidos con honor?”
DOROTHY HAJDYS: “Señora Hajdys veo… veo que no puedo darle respuestas que la satisfagan.”
CAPITÁN DISNMORE: “Esas son las primeras palabras sinceras que me ha dicho la Marina.”

SINOPSIS
Entre la tripulación de un buque de la Armada de los Estados Unidos, se encuentra el oficial de veintidós años llamado Allen Schindler. Cuando se descubre que es homosexual, Allen sufre amenazas y acosos por algunos de sus compañeros. 
Dos de ellos llamados Charles Vins y Terry Helvey le persiguen y dan una paliza, que acaba con la muerte del joven. La Marina informa a su madre Dorothy Hajdys, y sus hermanos de lo ocurrido. Dorothy se entera de que su hijo era homosexual cuando recibe una llamada de un periodista de una revista militar. Manteniendo una actitud homófoba se niega a creerlo, mientras que su prima Doris llega a pedirle que exhume a Allen para analizar su cuerpo y “probar” que no es gay. La única que se muestra comprensiva es la hermana de Allen.
Dorothy confirma la homosexualidad de su hijo al recibir su diario, y accede a asistir a un funeral organizado por sus amigos homosexuales. Tras esto decide comenzar a combatir contra su propia homofobia y conoce a Peggy, una periodista que le informa que Charles Vins pateó a su hijo, y Terry Helvey le mató. Sin embargo se enfurece cuando la Marina no le informa de las acciones que está tomando, y se enfurece al descubrir que Charles Vins solo ha sido condenado a setenta y ocho días de suspensión. Es entonces cuando Dorothy decide enfrentarse a la Marina.

CURIOSIDADES
Se trata de una película creada para ser emitida en televisión, aunque tras su estreno tuvo una muy limitada distribución en algunos cines. El film está basado en hechos reales, más específicamente en el asesinato del joven oficial de la Marina Allen Schindler en el año 1992 a manos de sus compañeros, por ser homosexual a la edad de veintidós años. Tal y como la película muestra, su madre se enteró de su homosexualidad a posteriori, y terminó enfrentándose a la Marina para impedir que ocultaran los hechos y asegurarse de que su hijo obtenía justicia. Al hacerlo, logró superar sus opiniones homófobas. La película utilizó los nombres verdaderos de las personas que se enfrentaron a esta trágica situación.
De hecho la película fue deseo de la propia Dorothy Hajdys, que deseaba que la gente descubriera que uno de los dos oficiales que habían agredido a su hijo, solo había sido condenado a setenta y ocho días de cárcel sin cargos por deshonor. 
La actriz Bonnie Bedelia se mostró interesada por el papel al considerar que la historia era de gran valor, y al haber conocido a muchos homosexuales durante su carrera en Broadway. Hajdys cooperó con la película, contribuyendo a los personajes e indicando que seguía sin hablarse con dos de sus familias, y que tras enfrentarse al condenado Helvey le había preguntado que había hecho su hijo para que le matara, y éste le había dicho que nada.
Aunque la actriz y la madre procedían de mundos muy diferentes, desarrollaron un fuerte vínculo durante el rodaje al concentrarse en lo que tenían en común, ambas eran madres. Hajdys elogió la interpretación de Bedelia, declarando que había conseguido conectar con el corazón de la historia. También reconoció haber llorado durante el rodaje de la escena en la que familia se despedía de Allen en el aeropuerto.
En el año 1998, la película ganó un GLAAD Media Award para el Mejor Telefilm.
  
LO MEJOR
Sin duda es elogiable crear una película que narre un hecho real de crimen homofóbico, y más todavía cuando este tiene lugar en un ambiente hostil como el militar. Sin lugar dudas Bonnie Bedelia realiza una interpretación magistral y conmovedora, eclipsando cualquier otro aspecto de la película. El nivel de empatía que logra desarrollar es considerable.

LO PEOR
El guion flaquea en ocasiones y convierte un tema serio en un melodrama bastante básico. Aunque no sea esa la intención, en ocasiones parece que se exageran ciertas reacciones trágicas exceptuando las interpretaciones de Bedelia. El proceso en el que el personaje de la madre supera su homofobia no me pareció lo suficientemente detallado.

MI CALIFICACIÓN
7/10