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jueves, 26 de diciembre de 2019

COMPULSIÓN

TITULO ORIGINAL
Swoon
AÑO DE ESTRENO
1992
DIRECCIÓN
Tom Kalin
PRODUCCIÓN
Christine Vachon
GUION
Tom Kalin, Hilton Als
REPARTO
Daniel Schlachet (Richard Loeb), Craig Chester (Nathan Leopold Jr), Ron Vawter (Fiscal Crowe), Michael Kirby (Detective Savage), Michael Stumm (Doctor Bowman), Valda Z. Drabla (Germaine Reinhardt), Natalie Stanford (Susan Laurie), Peter Bowen (Trabajador de fábrica), Ryan Landry (Ivory), Chris Hoover (Elektra Luxe), Paul Connor (Bobby Franks), Ben Charleton (Irving Hartman), Christopher Cangelosi (Niño en el parque), Ken Howarth (Sven Englund), Barry Liebowitz (Señor Franks), Judith Boxley (Señora Franks), Daniel Haughey (Ornitólogo), Robert Read (Clarence Darrow), Paul Schmidt (Juez Caverly)
CINEMATOGRAFÍA
Ellen Kuras
BANDA SONORA
James Bennett
VESTUARIO
Jessica Haston
PAÍS DE ORIGEN
Estados Unidos
DISTRIBUIDA POR:
Fine Line Features
DURACIÓN 
82 minutos

NATHAN LEOPOLD JR: “Soñé con los grandes Faraones de la historia, con esclavos recibiendo latigazos. Soñé que era un Rey Egipcio, y que Dick era mi esclavo.”

ABOGADO DARROW: “Es una ilegalidad capturar a una persona y obligarla a confesar.”
FISCAL CROWE: “No les obligamos, empezaron a hablar y no pudimos pararlos. Querían mostrar lo ingeniosos que habían sido con su crimen perfecto. Señoría, tengo en la mente el testimonio que nos han susurrado al oído los psiquiatras de la defensa sobre sus fantasías. Y quisiera recordar al tribunal que el motivo básico de este caso, es el deseo de satisfacer una lascivia antinatura. Señoría, tiene ante usted el informe del oficial de justica. Cuando el pequeño Robert Franks fue asesinado, su recto se encontraba dilatado hasta este tamaño.”
ABOGADO DARROW: “Protesto, protesto enérgicamente, el informe refuta absolutamente cualquier indicación de abuso sexual con el niño.”

SINOPSIS
Richard Loeb y Nathan Leopold Jr son dos estudiantes de derecho judíos, que mantienen una relación homosexual. Ambos tienen algo en común, su obsesión por el crimen, cometiendo varios delitos. Nathan tiende a tener fantasías obsesivas sobre Richard y el crimen, aunque tiende a mostrar más sentimientos de culpabilidad. Sin embargo, la pareja se decide a probar su superioridad intelectual llevando a cabo el crimen perfecto, librándose de las consecuencias. Para ello deciden secuestrar a un niño de catorce años llamado Bobby Frank, por lo que terminan siendo arrestados e interrogados. Inicialmente ocultan el cuerpo, y llaman a los padres del niño para informar que ha sido descubierto.
El cuerpo del niño no tarda en ser descubierto y las pistas llevan a los detectives a concluir que Richard y Nathan son los responsables. Para su sorpresa, los asesinos se muestran orgullosos y dispuestos a presumir de su supuesto crimen perfecto. Clarence Darrow es contratado por los padres de Nathan para que se encargue de la defensa, decidiendo aludir a la homosexualidad de los asesinos como una enfermedad, para así librarles de la pena máxima. 
Por su parte, el fiscal está dispuesto a hacer todo lo posible para llevarles a la horca.

CURIOSIDADES
La película está basada en un hecho real, ya que en mayo de 1924, Richard Albert Loeb y Nathan Freudenthal Leopold Jr asesinaron a un joven de catorce años llamado Bobby Franks, solo por el hecho de poder hacerlo. Ambos fueron apresados y enviados a prisión. El sistema fue mucho más duro con Loeb, que nunca logró llegar a salir de prisión. Sin embargo Leopold terminó por salir por buen comportamiento y se trasladó a Puerto Rico, donde se casó con una viuda florista.
La película se concentra en los eventos descritos en la novela del mismo título escrita por Meyer Levin y publicada en 1956, que a su vez era una versión dramatizada del juicio a Loeb y Leopold. Previamente se realizaron otras dos películas basadas en el estos hechos. Una fue “Compulsión” (1959), dirigida por Richard Fleischer; y la otra fue “La Soga” (1948), que meramente tomaba inspiración en aquellos eventos. 
De todas formas, ni la novela ni las películas mencionadas abordan de forma alguna la homosexualidad de los asesinos. Nathan Leopold y Richard Loeb aparecen en la película gracias a metraje de archivo. Ese metraje fue proporcionado por la Sociedad Histórica de Chicago. En 1959, Leopold intentó bloquear la producción de esta película, alegando que violaba su privacidad, le difamaba, se beneficiaba de su historia, y sobre todo mezclaba hechos y ficción hasta el punto de que era imposible de distinguirlos. Con el tiempo, la Corte Suprema de declararon en su contra. Mantuvieron que Leopold había confesado haber sido el autor de “el crimen del siglo” en su momento, por lo que no podía alegar que la película o la novela en la que se basaba dañaran su reputación.
La película fue rodada en dos bloques temporales distintos. El primero tuvo lugar entre octubre y noviembre de 1990, y el segundo en agosto de 1991. Craig Chester tuvo que dejar crecer su pelo de nuevo, tras habérselo afeitado para las escenas de prisión, y después tuvo que volver a afeitárselo para escenas adicionales. 
La primera escena rodada fue la del secuestro y la llamada desde la cabina de teléfono. Los dos bloques de rodaje juntos sumaron dos semanas de rodaje en total.

LO MEJOR
Al saber de qué trataba la película, la abordé con cierto reparo, ya que el tema era complicado. Los personajes son despreciables y según parte de algunos colectivos dañaba la imagen de los homosexuales. Nuestro colectivo como cualquier otro, no está libre de asesinos y personas despreciables que afortunadamente son minoría. Creo que el secreto de la película es desasociarse de los personajes, para observar los eventos objetivamente. El director no quiere excusar sus actos, que merecen condena, sino que nos muestra como el juicio puede perder objetividad, añadiendo acusaciones que no son ciertas o defender a asesinos de manera injusta alegando que la homosexualidad es una enfermedad. Ambas son posturas injustas a nivel social, y el film te anima a reflexionar sin imponer su postura al respecto.

LO PEOR
El ritmo es extremadamente lento y los diálogos muy pobres, prefiriendo recurrir a escenas sugerentes de la mentalidad de ambos. Si bien el juicio está bien elaborado, la primera parte fracasa a la hora de realizar un análisis profundo sobre estos dos psicópatas. Por otro lado, está es una de esas ocasiones en las que el uso del blanco y negro me parece totalmente innecesario.

MI CALIFICACIÓN
6/10

jueves, 19 de diciembre de 2019

LA RADIO PIRATA

TITULO ORIGINAL
Young Soul Rebels
AÑO DE ESTRENO
1991
DIRECCIÓN
Isaac Julien
PRODUCCIÓN
Nadine Marsh-Edwards
GUION
Isaac Julien, Paul Hallam
REPARTO
Valentine Nonyela (Chris), Mo Sesay (Caz), Dorian Healy (Ken), Frances Barber (Ann), Sophie Okonedo (Tracy), Jason Durr (Billibud), Gary McDonald (Davis), Debra Gillett (Jill), Eamonn Walker (Carlton), James Bowers (Sparky), Billy Braham (Kelly), Wayne Norman (Bigsy), Danielle Scillitoe (Trish), Ray Shell (Jeff Kane), Nigel Harrison (Cid Man), Brian Conway (Policía), Mike Mungarvan (Policía), Sayan Akkadas (Chica asiatica punk), Shyro Chung (TJ), Adam Prince (Segurata), Michael Mascoll (Chico Soul), Freddie Brooks (Chico Soul), Rodríguez King-Dorset (Irvine), Lloyd Anderson (Peluquero)
CINEMATOGRAFÍA
Nina Kelgren
BANDA SONORA
Simon Boswell
VESTUARIO
Annie Curtis-Jones
PAÍS DE ORIGEN
Reino Unido
DISTRIBUIDA POR:
BFI
DURACIÓN 
105 minutos

CAZ: “Que gilipollas eres, ¿no eres capaz de hacer caso a nadie?”
BILLIBUD: “Solo estaba repartiendo mis panfletos.”
CAZ: “¡Estabas fuera de lugar Blondie! Todo el día predicando sobre el imperialismo. ¡Mírate! Crees que siempre estas a salvo, ¿verdad? Que puedes hacer siempre lo que te salga de los cojones.”
BILLIBUD: “Cuanto estoy contigo Caz…”
CAZ: “¿Sí? Pues esto también depende de muchas cosas.”
BILLIBUD: “Pero todavía vamos a actuar en el parque, ¿verdad?”
CAZ: “Hay tiempo de sobra para eso. Vamos a curarte la cara Blondie.”
BILLIBUD: “¿Por qué sigues llamándome Blondie? Ni siquiera soy rubio.”
CAZ: “No te preocupes por eso, eres lo más parecido a uno.”

SINOPSIS
En el año 1977, en Londres, dos amigos llamados Chris y Caz trabajan en una emisora pirata en la zona de Dalston. Ambos no tardan en descubrir que su buen amigo TJ ha sido asesinado en el parque, mientras hacia cruising. Aunque Caz ha quedado devastado por la muerte de su amigo, su amigo Chris parece estar más preocupado por lograr comenzar una carrera en la radio comercial, sin comprometer sus gustos musicales. Ambos han defendido siempre la idea de promocionar la música soul, cuando la música emergente punk parece controlar el mundo comercial.
Sin embargo, el asesinato de TJ provoca una incrementada tensión entre ambos, haciendo que tomen caminos completamente diferentes. Chris descubre que tiene una cinta en la que el asesinato ha sido grabado, pero no se atreve a entregarla como prueba a la policía. Sin embargo, la policía le detiene debido a que tiene el radio casete de TJ en su posesión. Aunque admite necesitar la ayuda de Caz, este se encuentra más concentrado en su nueva relación con un chico llamado Billibud. 
Para sorpresa de Caz, Billibud no es solo un joven apuesto, sino que además es fan de la música punk, aficionado a las camisetas de diseño de Vivienne Westwood. Billibud también comienza a hablarle de sus ideas socialistas. Mientras ambos amigos permanecer distanciados, un asesino todavía anda suelto.

CURIOSIDADES
Se trata de la primera película narrativa de Isaac Julien. Examina las interrelaciones entre los movimientos culturales juveniles de finales de la década de 1970 en Reino Unido, y las tensiones sociales, culturales y políticas entre ellos. Los movimientos culturales de los jóvenes a los que la obra se refiere, son las subculturas de los jóvenes, que incluyen skinhads, punks, y soulboys. La trama de la película transcurre principalmente en Dalston, que aunque tenía mala reputación por su carencia de “ética” en las décadas de 1970 y 1980, contaba con varios residentes famosos. Entre las personalidades con residencia en Dalston se encuentran Tony Blair, los actores Stephen Fry y Hugh Laurie, y la actriz Emily Lloyd. Julien planteó la película como una especie de máquina del tiempo, usando la trama para escapar de eventos históricos y para avanzar en otros. 
Por este motivo, la historia del film tiene lugar en el año 1977, a pesar de que la película fue concebida en la década de 1980. La razón por la que el guionista y director eligió el año 1977, fue que servía de frontera entre dos periodos radicalmente diferentes para la comunidad gay. Dicho año marca un antes del comienzo del azote de la crisis del SIDA, pero todavía se ve sumergido en un periodo de júbilo, marcado por la lucha racial, la música punk y soul, las emisoras de radio pirata y el surgimiento de los movimientos y manifestaciones por los derechos gay.
El personaje de Billibud obtuvo su nombre del personaje ficticio Billy Budd, que aparece en la novela de Herman Melville, “Billy Budd, Sailor”, escrita en 1988 publicada en el año 1924, tras la muerte del autor. En la novela, Billy Budd es descrito como alguien conocido por su belleza y su inocencia. La película ganó el premio de la crítica en el Festival de Cannes de 1991.

LO MEJOR
Julien tiene éxito al mostrar ciertos aspectos de una subcultura bastante desconocida, en el periodo de los años setenta. Me fascinó ese énfasis en como la cultura musical creaba divergencias y conflictos sociales, y el como la música más tradicional se puede ver eclipsada por nuevos estilos. Uno puede apreciar esto perfectamente, porque sigue ocurriendo a día de hoy, cuando muchos luchan porque la música que les marcó en su juventud siga perdurando y acaba extinguida.
Por otro lado la relación de amistad entre los personajes de Caz y Chris, y el cómo diferentes eventos y situaciones provocan que su amistad pase por altibajos. Pero me quedo con la relación entre Caz y Billibud, porque es ahí donde se encuentra esa divergencia. Uno procede de la música soul, y otro es un joven aficionado al punk, pero ambos cruzan esas fronteras para encontrarse. Es brillante la idea de la música como representación de las barreras raciales.

LO PEOR
Toda la trama del asesinato me pareció irrelevante y, lo que es peor, ni siquiera tiene una resolución que justifique todo su desarrolló en la película. Me quedé bastante indiferente al descubrir quien había sido el asesino, y me pareció una perdida de tiempo cuando se podrían haber explorado otros aspectos. La cinematografía falla en repetidas ocasiones, no logrando hacer que parezca que la trama está teniendo lugar en 1977, sino más bien en plena década de 1980.

MI CALIFICACIÓN
6/10

jueves, 12 de diciembre de 2019

PARIS IS BURNING

TITULO ORIGINAL
Paris Is Burning
AÑO DE ESTRENO
1990
DIRECCIÓN
Jennie Livingston
PRODUCCIÓN
Jennie Livingston
GUION
Jennie Livingston (Entrevista)
REPARTO
Brooke Xtravaganza, André Christian, Dorian Corey, Paris Duprée, Pepper LaBeija, Junior LaBeija, Willi Ninja, Sandy Ninja, Kim Pendavis, Sol Pendavis, Avis Pendavis, Octavia Saint Laurent, Stevie Saint Laurent, Anji Xtravaganza, Bianca Xtravaganza, Danny Xtravaganza, David Ian Xtravaganza, David el Padre Xtravaganza, Venus Xtravaganza, David Xtravaganza
CINEMATOGRAFÍA
Paul Gibson
BANDA SONORA
Inaplicable
VESTUARIO
Inaplicable
PAÍS DE ORIGEN
Estados Unidos
DISTRIBUIDA POR:
Off-White Productions
DURACIÓN 
78 minutos

DORIAN COREY: “Siempre tuve esperanzas de convertirme en una gran estrella. Pero a medida que te haces mayor, comienzas a bajar el listón. Todo el mundo quiere dejar su huella, impresionar, algo que perdure en el mundo. Entonces es cuando te das cuenta de que simplemente por vivir tu vida, has dejado huella en el mundo, ya que algunas personas recordaran tu nombre. No tienes que ser conocida en todo el mundo, simplemente es mejor disfrutar de ese mundo, pagar tus deudas y simplemente disfrutar. Si disparas una flecha y esta logra alcanzar una gran altura, pues bien por ti.”

SINOPSIS
Esta película documental explora las elaboradas competiciones entre distintas casas de gais afroamericanos y latinos. Dichas casas tienen su propia historia en la que un “padre” ha ido reclutando a sus miembros, para que se cuiden entre sí. 
De esta forma funcionan como familias. En las competiciones, los participantes se adherían a una categoría o tema especial, teniendo que desfilar en el proceso. Los participantes eran jugados de acuerdo a un criterio que incluía su talento de baile, su belleza, su vestuario, o realismo como drag queen. Por ejemplo en una de las categorías, denominada “banjee realness”, distintos hombres gay interpretan arquetipos de machos como marineros, soldados o matones callejeros. En la categoría “banjee boys”, los participantes gais tienen que hacerse pasar por sus supuestas contrapartidas heterosexuales en el mundo real.
El documental alterna imágenes de archivo de las competiciones y entrevistas con destacados miembros de este ambiente como Pepper LaBeija, Dorian Corey, Angie Xtravaganza, o Willi Ninja. En las distintas competiciones entre casas, sus miembros intentan obtener el estatus denominado como “legendario”.

CURIOSIDADES
La directora de este documental, Jennie Livingston, estudió fotografía y arte en Yale. Al llegar a Nueva York obtuvo un trabajo en un periódico local, pero lo abandonó para estudiar cinematografía en la Universidad de Nueva York. Mientras hacía fotos en el Washington Square Park, conoció a dos jóvenes que estaban bailando vogue. Fascinada por sus movimientos y uso de jerga callejera, les preguntó qué estaban haciendo y ellos respondieron que voguing. De esta forma, Livingston acudió a su primera competición de casas en el Gay Community Center, donde grabó la competición como proyecto para una clase de verano. Fue en esa competición donde pudo ver a Venus Xtravaganza por primera vez.
Fascinada por la experiencia, empezó a pasar tiempo con Willi Ninja, coreógrafo, bailarín y líder de la Casa Ninja. A través de él, comenzó a aprender más cosas sobre la cultura de las competiciones y el voguing, así como aspectos de la cultura gay y la de sus diferentes ramificaciones. Comenzó a realizar entrevistas de audio a varios miembros de las competiciones como Venus y Danni Xtravaganza, Dorian Corey, Junior Labeija, Octavia St. Laurent y muchos más. 
El título del documental hace referencia al nombre de una competición que tuvo lugar en 1986, con el título de “Paris is Burning”. El metraje de dicha competición es la principal del documental, y Livingston la llevó a cabo con sus propios fondos. Tras esto, la directora trabajó con el editor Jonathan Oppenheim para crear un tráiler, y al presentarlo, la producción logró obtener fondos adicionales, incluyendo  las del "National Endowment for the Arts”, “New York State Council on the Arts”, “The Paul Robeson Fund”, y la “Jerome Foundation”. Finalmente, Madison Davis Lacy, al frente del canal público de televisión WNYC, echó un vistazo al material y decidió contribuir con ciento veinticinco mil dólares para financiar el documental completo. Los productores todavía necesitaban fondos adicionales para editar el documental, que obtuvieron principalmente del productor ejecutivo Nigel Finch. La película también explora temas como la crisis de la epidemia del SIDA, el racismo, la pobreza, la violencia, y la homofobia. 
Venus Xtravaganza narra cómo se convirtió en trabajadora del sexo para mantenerse, y fue asesinada mediante estrangulación durante el rodaje de la película, dos años previos a su estreno. Su tutora y “madre” Angie Xtravaganza reacciona a este evento en la película, opinando que probablemente fue asesinada por uno de sus clientes.
El documental no logró ser nominado a los Oscar en la categoría de Mejor Documental. Esto incrementó la ya extendida percepción de que existían ciertos temas que eran excluidos a la hora de considerar las nominaciones a los Oscar. La controversia ayudó que a que se realizaran cambios a la hora de nominar documentales a los Premios de la Academia. Décadas después, el documental sigue siendo una referencia para gais y jóvenes transexuales, que buscan inspiración el mismo. Académicos y estudiantes lo utilizan para estudiar temas de racismo, clasismo, y género. También sirve de referencia a los participantes del documental, ya que la mayoría han perecido, y muchos víctimas del SIDA.

LO MEJOR
Se trata de uno de los mejores documentales que he tenido la oportunidad de ver, probablemente debido a que trata un tema que ignoraba por completo. Me quedé totalmente fascinado al indagar en esa subcultura de casas de acogida gay en la cultura afroamericana y latina gay. Las competiciones que se muestran, con diferentes categorías, y el caos organizado de las mismas me dejaron perplejo y completamente enganchado al documental.
Como todo documental, siempre es fascinante escuchar las experiencias de personas reales, sobre todo al ser consciente de que la mayoría ya no siguen con nosotros. Me quedé especialmente impactado con las entrevistas a Venus Xtravaganza, ya que el documental mismo nos explica cómo murió estrangulada durante la producción. Como todo documental, se consigue crear ese halo de nostalgia, que nos hace ver que nosotros también somos efímeros.

LO PEOR
No hay nada negativo que yo haya sido capaz de encontrar en esta película.

MI CALIFICACIÓN
10/10

jueves, 5 de diciembre de 2019

COMMON THREADS: STORIES FROM THE QUILT

TITULO ORIGINAL
Common Threads: Stories from the Quilt
AÑO DE ESTRENO
1989
DIRECCIÓN
Rob Epstein, Jeffrey Friedman
PRODUCCIÓN
Rob Epstein, Jeffrey Friedman, Bill Couturié
GUION
Rob Epstein, Jeffrey Friedman, Cindy Ruskin
Basado parcialmente en el libro de Cindy Ruskin
REPARTO
Dustin Hoffman (Narrador), Sara Lewinstein, David Mandell, Suzi Mandell, Sallie Perryman, Vito Russo, Tracy Torrey, Cleve Jones, John Politano, Josie Politano
CINEMATOGRAFÍA
Jean de Segonzac, Dyanna Taylor
BANDA SONORA
Bobby McFerrin
VESTUARIO
Inaplicable
PAÍS DE ORIGEN
Estados Unidos
DISTRIBUIDA POR:
Direct Cineman, HBO
DURACIÓN
79 minutos

NARRADOR: “Solo la muerte de Rock Hudson logró llamar la atención de América. Para aquel entonces, el SIDA había matado a otros quince mil americanos. Rock Hudson es el nombre más famoso en el edredón gigante, un homenaje a diez mil hombres, mujeres y niños que llegaron a un mismo destino a través de distintos caminos.”

DOCTOR NEIL EDWARDS: “Hasta que la administración Reagan se dé cuenta de que la responsabilidad del gobierno es la de salvar vidas y no la de salvar almas, seguiremos viendo como el virus se extiende en nuestra sociedad.”

PERIODISTA: “¿Está sugiriendo qué se está ignorando está enfermedad porque está golpeando mayoritariamente a la comunidad gay?”
LARRY KRAMER: “No tengo ninguna duda de que si esta enfermedad le afectara a usted o la comunidad heterosexual blanca de clase media, se hubieran tomado medidas mucho antes.”

SINOPSIS
Este documental narra las vidas de cinco personas cuyas vidas se vieron afectadas por SIDA durante el momento álgido de la epidemia. Estas personas narran como sus seres queridos vivieron sus últimos años antes de sucumbir a esta terrible enfermedad. Sara Lewinstein narra la historia de su amigo el Doctor Tom Waddell, fundador de los Juegos Gay y padre de su hija. David Mandell y su esposa Suzi narran la historia de su hijo David, un joven hemofílico que sucumbió a la enfermedad siendo solamente un niño. Vito Russo, un crítico de cine e historiador, narra la historia de su pareja Jeffrey Sevcik. El propio Russo fallecería a causa de la enfermedad en 1990, un año después del estreno del documental. Sallie Perruman narra la historia de su marido Robert Perryman, un hombre afroamericano que contrajo la enfermedad debido al uso de drogas intravenosas. El comandante de la marina Tracy Torrey narra la historia de su amante el arquitecto David C Campbell, y la suya propia debido a que falleció víctima de la enfermedad durante la producción del documental.
Junto a estas historias personales, el documental repasa la historia del “NAMES Project” y muestra el proceso de creación de los paneles del edredón conmemorativo dedicado a las víctimas. También documenta la falta de respuesta por parte de la administración Reagan durante el inicio de la crisis. Como contrapunto analiza los primeros intentos por parte de la comunidad homosexual para hacer que el gobierno reaccionara. Todas estas situaciones y sucesos vienen documentadas con material de archivo. 

CURIOSIDADES
La película fue creada para ser emitida por HBO, basando en parte en el libro “The Quilt: Stories From the NAMES Proyect”, escrito por Cindy Ruskin, con fotografías de Matt Herron, y publicado en el año 1988. El documental fue el primer proyecto de “Sandollar Productions”, propiedad de Dolly Parton y Sandy Gallin en el que no aparecía Parton.
El documental pone énfasis en varias personas que quedaron representadas en diferentes paneles del Edredón gigante creado como homenaje a las primeras víctimas de la enfermedad en el momento más duro de la crisis del SIDA. Combina historias y recuerdos personajes con material de archivo de su pasado, junto al de varios políticos, profesionales de la sanidad, y otras personas enfermas de SIDA. Cada sección de la película va acompañada de estadísticas detallando el número de americanos diagnosticados con la enfermedad y el número de muertes año tras año desde 1980. De esta forma, el espectador puede ir contemplando como el número de fallecimientos iba incrementándose exponencialmente año tras año.
El documental finaliza con el primer despliegue completo del Edredón en la Explanada Nacional de Washington DC, durante la Segunda Marcha nacional sobre Washington por los derechos de lesbianas y gais en el año 1987. El film ganó el Oscar al Mejor Largometraje Documental en 1989.

LO MEJOR
Siempre he defendido la importancia de recordar, de tener presente esos aspectos que nuestra comunidad tiende a olvidar con demasiada facilidad. Este tipo de documentales son siempre sobresalientes gracias a su inmensa calidad humana, pero también porque son evidencia de una crisis que es imperativo no olvidar. El documental comienza con un gran acierto, y es el de no limitarse a la comunidad gay, y abordar otros casos igualmente conmovedores. Personalmente me quedé impresionado con la sección del niño hemofílico, que acabó infectado por una transfusión. Esto no hace que el resto de las tragedias sean menos importantes, pero cuando se trata de niños siempre resulta más duro ver un innecesario final a sus vidas. Escuchar a sus padres hablando sobre sus últimos años de vida y la discriminación añadida que sufrió, me dejó completamente noqueado. El resto de las historias son igualmente conmovedoras, recorriendo vínculos de amistad, amor que acabaron rotos no solo por la enfermedad, sino por el rotundo fracaso de la Administración Reagan para lidiar con el problema. 
Y es que el documental no solo busca el conmover, concienciar y educar; sino que de forma acertada y necesaria denuncia a la ineficacia política. Siempre he sido de la opinión, compartida por la película, de que se optó por ignorar un problema que parecía afectar solamente a homosexuales y drogadictos. Bien parece, que llegaran a agradecer la aparición de una enfermedad que les librara de quienes eran considerados deshechos sociales. Y cuando la crisis se les escapó de las manos, afectando a todo el mundo, ya era demasiado tarde.
También quiero señalar que desde que la enfermedad se ha convertido en crónica en los países desarrollados, parecemos haber olvidado la gran tragedia que nuestra comunidad vivió. Es importante no olvidar, y trabajos como este documental ayudan a que así sea.

LO PEOR
No hay nada negativo que yo haya sido capaz de encontrar en esta película.

MI CALIFICACIÓN
10/10

jueves, 28 de noviembre de 2019

EL HOMBRE DE LAS GAFAS DE ORO

TITULO ORIGINAL
Gli Occhiali D'oro
AÑO DE ESTRENO
1987
DIRECCIÓN
Giuliano Montaldo
PRODUCCIÓN
Leo Pescarolo
GUION
Enrico Medioli, Valerio Zurlini
Basado en la novela de Giorgio Bassani
REPARTO
Philippe Noiret (Doctor Athos Fadigati), Rupert Everett (Davide Lattes), Valeria Golino (Nora Treves), Nicola Farron (Eraldo), Stefania Sandrelli (Señora Lavezzoli), Rade Markovic (Bruno Lattes), Roberto Herlitzka (Profesor Amos Perugia), Luca Zingaretti (Molon), Ivana Despotovic (Carlotta), Riccardo Diana, Anna Lezzi, Giovanni Rubin De Cervin, Lavinia Segurini
CINEMATOGRAFÍA
Armando Nannuzzi
BANDA SONORA
Ennio Morricone
VESTUARIO
Nanà Cecchi
PAÍS DE ORIGEN
Italia
DISTRIBUIDA POR:
Reteitalia
DURACIÓN 
110 minutos

ERALDO: “¿Qué sabréis vosotros del boxeo? El doctor tiene razón, los puñetazos hacen daño. Vosotros nunca los habéis dado ni recibido. Pero el ring obliga a los hombres a conocerse sin necesidad de hablar. Si alguna vez he conocido a alguien de verdad, ha sido en el ring. Nos pegamos sin piedad, pero luego nos abrazamos.”

DOCTOR FADIGATI: “Soy un entrometido. ¿No lo sabía?”
DAVIDE LATTES: “Sí, sí.”
DOCTOR FADIGATI: “Escribir una carta de amor es algo muy difícil.”
DAVIDE LATTES: “¿Usted cree? A lo mejor estaba escribiendo una carta de negocios.”
DOCTOR FADIGATI: “¿Sabe por qué es tan difícil? Porque siempre se tiene el temor de dejar para la posteridad algo que resulte ser superficial, o palabras inútiles o mediocres. El amor no es eterno, por eso queremos plasmarlo en cartas para futuros recuerdos.”
DAVIDE LATTES: “¿Ha escrito alguna de esas cartas? Perdón, he sido indiscreto.”
DOCTOR FADIGATI: “No, su pregunta ha sido sincera, no se preocupe. Solo tiene la mala suerte de ser un hombre muy sensible. Si escribiera palabras de amor no serían una lectura edificante. No por el contenido, ni hablar. No me avergüenzo de nada, pero pasada cierta edad el amor se convierte en algo patético.”

SINOPSIS
Es el año 1938, y en la ciudad de Ferrara en Italia reside el Doctor Athos Fadigati, un otorrinolaringólogo de prestigiosa carrera. En secreto, aunque sospechado por muchos, Fadigati es homosexual. Sin embargo es querido por sus vecinos y mantiene una buena relación con los estudiantes universitarios locales. Nora Treves es la última descendiente de una prestigiosa y adinerada familia judía, tras la muerte de su padre. El joven Davide Lattes es un joven estudiante judío que aspira a ser actor, y mantiene una relación con la joven Nora. El estilo de vida de todos estos personajes se ve amenazado cuando el régimen fascista de Mussolini comienza a aplicar las medidas antisemíticas de los Nazis.
Mientras su padre no parece preocuparse por estos sucesos, Davide está convencido de que las cosas irán cada vez a peor. Por su parte, Fadigati es seducido por un atractivo estudiante boxeador llamado Eraldo, que solo le utiliza por su dinero. Cuando esto se convierte en un evidente rumor envenado por la pérfida Señora Lavezzoli, Eraldo agrede al doctor marchándose a Francia tras robarle. Por su parte, Davide es abandonado por Nora, que decide convertirse en católica para sobrevivir, y casarse con un oficial fascista. La amistad entre Fadigati y Davide es lo único que les queda.

CURIOSIDADES
La película es una adaptación de la novela del mismo título escrita por Giorgio Bassani y publicada en el año 1958. La obra examina la marginalización de los judíos y los homosexuales durante el año previo a la Segunda Guerra Mundial. 
De hecho forma parte de una serie de trabajos del autor conocidos colectivamente como “El Romance de Ferraro”, que exploran la ciudad con sus elementos cristianos y judíos, sus perspectivas sus paisajes. Esta serie de obras incluyen “El jardín de los Finzi-Contini” (1962), “Dietro la Porta” (1964), “L’airone” (1968) y “El Olor del Heno” (1972). Estas obras también describen de forma realista la comunidad Italia judía bajo el fascismo, en un estilo que manifiesta las dificultades de la búsqueda de la verdad a través de la memoria y la conciencia moral.
La película fue incluida en el Festival de Cine de Venecia de 1987, donde ganó dos Premios Osella al Mejor vestuario y Mejor Diseño de Set. Ennio Morricone ganó el Premio David di Donatello por su banda sonora en la película. Entre el reparto se encuentra un joven Ruppert Everett.

LO MEJOR
He descubierto está película hace relativamente poco, y me he llevado una gran sorpresa. La película se podría definir como un intento de mostrar el romanticismo de una época dorada antes de que llegue el desastre. Todas las obras que narran la calma previa a la Segunda Guerra Mundial me han parecido siempre fascinantes. En este caso se escoge el enfoque desde la perspectiva de una minoría, que ante el inminente peligro escoge la calma. Es ese afán humano que nos lleva a ignorar el problema que tenemos delante de nuestras narices. Por otro lado encuentro muy interesante que dentro de su soledad, el personaje homosexual de la película encuentre alivio en compañía de la marginada comunidad judía de esa película.
Debo admitir que nunca he sido un gran fan de Ruppert Everett, ni siquiera en la película “Otro País” (1984). Para empezar, desconocía su intervención en este trabajo y me sorprendí al verle en la película. No sé si se debe a la dirección o al buen material de la película, pero esta es para mí su mejor película sin lugar a dudas. Sin ser el protagonista ejerce de un tipo de héroe moral, que se identifica con los desvalidos a pesar de haber sido pisoteado.
Philippe Noiret también realiza una labor sobresaliente, interpretando al afable médico que se relaciona cordialmente con la alta sociedad y los jóvenes universitarios, ocultando su inmensa soledad. El actor demuestra la vulnerabilidad del personaje cuando cae presa del personaje de Eraldo, que solo desea exprimirle para sus propios propósitos. A día de hoy esto ya no es comprensible, pero en antiguos periodos de nuestra historia, no saber lidiar con la soledad era algo fatal. La película no busca sorprender, ya que nos revela el destino del protagonista nada más empezar. Más bien busca mostrarnos como los mejores momentos de nuestras vidas, pueden acabar en verdaderos desastres. Sin embargo, el film señala que hay formas y formas de enfrentarse al desastre.

LO PEOR
No hay nada negativo que yo haya sido capaz de encontrar en esta película.

MI CALIFICACIÓN
10/10

jueves, 21 de noviembre de 2019

EL REY DE LAS ROSAS

TITULO ORIGINAL
Der Rosenkönig
AÑO DE ESTRENO
1986
DIRECCIÓN
Werner Schroeter
PRODUCCIÓN
Paulo Branco, Udo Heiland
GUION
Magdalena Montezuma, Werner Schroeter
REPARTO
Magdalena Montezuma (Anna, la madre), Mostefa Djadjam (Albert, el hijo), Antonio Orlando (Fernando, el amigo), Karina Fallenstein (Mujer), Sintra (Niño), Montijo (Niño)
CINEMATOGRAFÍA
Elfi Mikesch, Wofgang Pilgrim
BANDA SONORA
Inaplicable
VESTUARIO
Sin acreditar
PAÍS DE ORIGEN
Alemania Occidental
DISTRIBUIDA POR:
VCL Communications
DURACIÓN 
106 minutos

ALBERT: “En la playa, en el mar, a medianoche… pies. Tiene  los pies descalzos, para soñar con los ojos abiertos. Para soñar…”
ANNA: “Estaba escuchando tu voz. ¿No puedes dormir?”
ALBERT: “No, tenía mucho calor y estaba sediento.”
ANNA: “Si el tiempo sigue así, las rosas terminarán por no abrirse.”

FERNANDO: “¿Por qué me desnudas?”
ALBERT: “Para lavarte.”
FERNANDO: “¿Por qué me lavas?”
ALBERT: “Porque yo te debo lavar.”

SINOPSIS
Anna es una Mujer de unos cuarenta años, y propietaria de una granja de rosas. Tras un encuentro con un árabe tuvo a un hijo llamado Albert, que ya tiene unos veinticinco años. La única obsesión de Albert es la de crear una  rosa perfecta, a lo que dedica todo su tiempo de forma obsesiva. 
Anna también va sumergiéndose en su propia locura, acrecentada por el distanciamiento con su hijo, y en ocasiones aliviada por las visitas de dos niños. Durante una noche, Albert descubre a un apuesto joven llamado Fernando, que se encuentra robando las ofrendas de la capilla de la granja. Fernando es un italiano de veinte años. Albert decide mantener a Fernando cautivo en el establo.
Poco a poco, Albert va trasladando su obsesión por las rosas hacia el joven Fernando. Su comportamiento es compulsivo, dedicándose a alimentarle, y encargándose de lavarle personalmente. Esto le lleva a sumergirse en la locura, comenzando a tratar a Fernando no como un ser un humano, sino como a un objeto o a una de sus rosas. De esta forma decide que Fernando debe convertirse en su nueva rosa perfecta. Anna observa estos acontecimientos con progresiva desaprobación, incapaz de librarse de Fernando que ya ha aceptado su nueva situación.

CURIOSIDADES
La película está basada en un poema de Edgar Allan Poe. Magadalena Montezuma, estrella de la película, había sido la musa de Werner Schroeter en varias ocasiones. Esta fue la última aparición de la actriz en una película antes de fallecer, catorce días después de que la producción llegara a su final. Montezuma había descubierto que tenía cáncer en el año 1982, y su deseo era morir durante la producción de la película. Debido al estrecho vínculo entre director y actriz, la película le fue dedicada como simbolismo de su último réquiem.
La película cuenta con apenas dialogo, y es acompañada por música clásica, cuyo propósito es incrementar las emociones, los movimientos de los personajes, así como la atmosfera. La escasez de dialogo se debe a que no existía un guion en su más estricta forma. El director orientaba a los actores para que fueran conscientes de la trama y jugaran con las frases sugeridas por los guionistas. La película hace uso de los idiomas portugués, inglés, italiano, francés, español, árabe y alemán.
Curiosamente, Schroeter prohibió hacer uso de subtítulos en la película, con el deseo de que el idioma usado en cada ocasión fuera interpretado por la cinematografía. Sin embargo, tras la muerte de Schroeter en el año 2010, se optó por distribuir una versión que contara con subtítulos para todos los idiomas.
La película fue conocida por contener referencias iconográficas al homoerotismo, contando también con desnudos. La idea básica era la de crear una visión perfecta de la belleza ideal.

LO MEJOR
SI he de ser sincero y objetivo, debo alabar una extraordinaria cinematografía, con un uso del colorido bastante sorprendente. La película está repleta de escenas en entornos cautivadores, que lograron captar mi atención en repetidas ocasiones.

LO PEOR
Sin embargo esto no es bastante ni de lejos. Muchos aprecian este tipo de películas que hacen uso del surrealismo o de las metáforas cinematográficas, pero yo no logró encontrarles encanto alguno. Si bien la película no es de las más aburridas que he visto, no hay nada que me convenza en su estilo.
Si debo comenzar por algo, tendría que ser con el uso de múltiples idiomas, para después no permitir su doblaje. Se me antoja el típico capricho de directores que actúan con soberbia, intentando probar su superioridad artística a sus espectadores. El uso de la música clásica tampoco me pareció efectivo a la hora de intensificar cualquier posible emoción en la película. Aunque los actores no realizan una mala labor, sus papeles resultan ser bastante limitados. Me dio la sensación de que este es un recurso más del director, que para enaltecer la mencionada brillante cinematografía, prefiere que sus actores se comporten como autómatas durante toda la trama. Yo no percibí locura no desequilibrios, sino a buenos actores actuando como robots. Contemplar escenas interminables que no aportan nada nunca ha sido plato de mi gusto. 
Ver como un hombre lava a otro de forma interminable, o ver como lo alimenta, no provoca interés alguno, y dudo siquiera que se pueda tildar de homoerotismo. Y es que me pareció interesante que la película fuera tildada como de temática gay, cuando la atracción de Albert hacia Fernando es igual que la atracción que proclama hacia un objeto o una rosa. Simplemente no funciona.
El final me pareció un despropósito absurdo, que carece de elementos sorpresivos u originalidad alguna. Casi me pareció esperado dado el título de la película, cuando las rosas pasan la mayor parte de la trama siendo ignoradas. Siempre he mantenido que este estilo de películas funcionaría mejor siendo menos ambiguas, y marcando con claridad su desarrollo y el de los personajes. Porque al final, ninguno de los personajes tiene un desarrollo a lo largo de la trama. Empiezan como seres taciturnos y perturbados y acaban de igual manera. Todo el proyecto se basa en un conjunto de imágenes, eso sí deslumbrantes, que no logran encadenarse para narrar algo interesante.

MI CALIFICACIÓN
2/10