EL HOMBRE DE LAS GAFAS DE ORO

TITULO ORIGINAL

Gli Occhiali D'oro

AÑO DE ESTRENO

1987

DIRECCIÓN

Giuliano Montaldo

PRODUCCIÓN

Leo Pescarolo

GUION

Enrico Medioli, Valerio Zurlini

Basado en la novela de Giorgio Bassani

REPARTO

Philippe Noiret (Doctor Athos Fadigati), Rupert Everett (Davide Lattes), Valeria Golino (Nora Treves), Nicola Farron (Eraldo), Stefania Sandrelli (Señora Lavezzoli), Rade Markovic (Bruno Lattes), Roberto Herlitzka (Profesor Amos Perugia), Luca Zingaretti (Molon), Ivana Despotovic (Carlotta), Riccardo Diana, Anna Lezzi, Giovanni Rubin De Cervin, Lavinia Segurini

CINEMATOGRAFÍA

Armando Nannuzzi

BANDA SONORA

Ennio Morricone

VESTUARIO

Nanà Cecchi

PAÍS DE ORIGEN

Italia

DISTRIBUIDA POR:

Reteitalia

DURACIÓN 
110 minutos

ERALDO: “¿Qué sabréis vosotros del boxeo? El doctor tiene razón, los puñetazos hacen daño. Vosotros nunca los habéis dado ni recibido. Pero el ring obliga a los hombres a conocerse sin necesidad de hablar. Si alguna vez he conocido a alguien de verdad, ha sido en el ring. Nos pegamos sin piedad, pero luego nos abrazamos.”

DOCTOR FADIGATI: “Soy un entrometido. ¿No lo sabía?”

DAVIDE LATTES: “Sí, sí.”

DOCTOR FADIGATI: “Escribir una carta de amor es algo muy difícil.”

DAVIDE LATTES: “¿Usted cree? A lo mejor estaba escribiendo una carta de negocios.”

DOCTOR FADIGATI: “¿Sabe por qué es tan difícil? Porque siempre se tiene el temor de dejar para la posteridad algo que resulte ser superficial, o palabras inútiles o mediocres. El amor no es eterno, por eso queremos plasmarlo en cartas para futuros recuerdos.”

DAVIDE LATTES: “¿Ha escrito alguna de esas cartas? Perdón, he sido indiscreto.”

DOCTOR FADIGATI: “No, su pregunta ha sido sincera, no se preocupe. Solo tiene la mala suerte de ser un hombre muy sensible. Si escribiera palabras de amor no serían una lectura edificante. No por el contenido, ni hablar. No me avergüenzo de nada, pero pasada cierta edad el amor se convierte en algo patético.”

SINOPSIS

Es el año 1938, y en la ciudad de Ferrara en Italia reside el Doctor Athos Fadigati, un otorrinolaringólogo de prestigiosa carrera. En secreto, aunque sospechado por muchos, Fadigati es homosexual. Sin embargo es querido por sus vecinos y mantiene una buena relación con los estudiantes universitarios locales. Nora Treves es la última descendiente de una prestigiosa y adinerada familia judía, tras la muerte de su padre. El joven Davide Lattes es un joven estudiante judío que aspira a ser actor, y mantiene una relación con la joven Nora. El estilo de vida de todos estos personajes se ve amenazado cuando el régimen fascista de Mussolini comienza a aplicar las medidas antisemíticas de los Nazis.

Mientras su padre no parece preocuparse por estos sucesos, Davide está convencido de que las cosas irán cada vez a peor. Por su parte, Fadigati es seducido por un atractivo estudiante boxeador llamado Eraldo, que solo le utiliza por su dinero. Cuando esto se convierte en un evidente rumor envenado por la pérfida Señora Lavezzoli, Eraldo agrede al doctor marchándose a Francia tras robarle. Por su parte, Davide es abandonado por Nora, que decide convertirse en católica para sobrevivir, y casarse con un oficial fascista. La amistad entre Fadigati y Davide es lo único que les queda.

CURIOSIDADES

La película es una adaptación de la novela del mismo título escrita por Giorgio Bassani y publicada en el año 1958. La obra examina la marginalización de los judíos y los homosexuales durante el año previo a la Segunda Guerra Mundial. 

De hecho forma parte de una serie de trabajos del autor conocidos colectivamente como “El Romance de Ferraro”, que exploran la ciudad con sus elementos cristianos y judíos, sus perspectivas sus paisajes. Esta serie de obras incluyen “El jardín de los Finzi-Contini” (1962), “Dietro la Porta” (1964), “L’airone” (1968) y “El Olor del Heno” (1972). Estas obras también describen de forma realista la comunidad Italia judía bajo el fascismo, en un estilo que manifiesta las dificultades de la búsqueda de la verdad a través de la memoria y la conciencia moral.

La película fue incluida en el Festival de Cine de Venecia de 1987, donde ganó dos Premios Osella al Mejor vestuario y Mejor Diseño de Set. Ennio Morricone ganó el Premio David di Donatello por su banda sonora en la película. Entre el reparto se encuentra un joven Ruppert Everett.

LO MEJOR

He descubierto está película hace relativamente poco, y me he llevado una gran sorpresa. La película se podría definir como un intento de mostrar el romanticismo de una época dorada antes de que llegue el desastre. Todas las obras que narran la calma previa a la Segunda Guerra Mundial me han parecido siempre fascinantes. En este caso se escoge el enfoque desde la perspectiva de una minoría, que ante el inminente peligro escoge la calma. Es ese afán humano que nos lleva a ignorar el problema que tenemos delante de nuestras narices. Por otro lado encuentro muy interesante que dentro de su soledad, el personaje homosexual de la película encuentre alivio en compañía de la marginada comunidad judía de esa película.

Debo admitir que nunca he sido un gran fan de Ruppert Everett, ni siquiera en la película “Otro País” (1984). Para empezar, desconocía su intervención en este trabajo y me sorprendí al verle en la película. No sé si se debe a la dirección o al buen material de la película, pero esta es para mí su mejor película sin lugar a dudas. Sin ser el protagonista ejerce de un tipo de héroe moral, que se identifica con los desvalidos a pesar de haber sido pisoteado.

Philippe Noiret también realiza una labor sobresaliente, interpretando al afable médico que se relaciona cordialmente con la alta sociedad y los jóvenes universitarios, ocultando su inmensa soledad. El actor demuestra la vulnerabilidad del personaje cuando cae presa del personaje de Eraldo, que solo desea exprimirle para sus propios propósitos. A día de hoy esto ya no es comprensible, pero en antiguos periodos de nuestra historia, no saber lidiar con la soledad era algo fatal. La película no busca sorprender, ya que nos revela el destino del protagonista nada más empezar. Más bien busca mostrarnos como los mejores momentos de nuestras vidas, pueden acabar en verdaderos desastres. Sin embargo, el film señala que hay formas y formas de enfrentarse al desastre.

LO PEOR

No hay nada negativo que yo haya sido capaz de encontrar en esta película.

MI CALIFICACIÓN

10/10

EL REY DE LAS ROSAS

TITULO ORIGINAL

Der Rosenkönig

AÑO DE ESTRENO

1986

DIRECCIÓN

Werner Schroeter

PRODUCCIÓN

Paulo Branco, Udo Heiland

GUION

Magdalena Montezuma, Werner Schroeter

REPARTO

Magdalena Montezuma (Anna, la madre), Mostefa Djadjam (Albert, el hijo), Antonio Orlando (Fernando, el amigo), Karina Fallenstein (Mujer), Sintra (Niño), Montijo (Niño)

CINEMATOGRAFÍA

Elfi Mikesch, Wofgang Pilgrim

BANDA SONORA

Inaplicable

VESTUARIO

Sin acreditar

PAÍS DE ORIGEN

Alemania Occidental

DISTRIBUIDA POR:

VCL Communications

DURACIÓN 
106 minutos

ALBERT: “En la playa, en el mar, a medianoche… pies. Tiene  los pies descalzos, para soñar con los ojos abiertos. Para soñar…”

ANNA: “Estaba escuchando tu voz. ¿No puedes dormir?”

ALBERT: “No, tenía mucho calor y estaba sediento.”

ANNA: “Si el tiempo sigue así, las rosas terminarán por no abrirse.”

FERNANDO: “¿Por qué me desnudas?”

ALBERT: “Para lavarte.”

FERNANDO: “¿Por qué me lavas?”

ALBERT: “Porque yo te debo lavar.”

SINOPSIS

Anna es una Mujer de unos cuarenta años, y propietaria de una granja de rosas. Tras un encuentro con un árabe tuvo a un hijo llamado Albert, que ya tiene unos veinticinco años. La única obsesión de Albert es la de crear una  rosa perfecta, a lo que dedica todo su tiempo de forma obsesiva. 

Anna también va sumergiéndose en su propia locura, acrecentada por el distanciamiento con su hijo, y en ocasiones aliviada por las visitas de dos niños. Durante una noche, Albert descubre a un apuesto joven llamado Fernando, que se encuentra robando las ofrendas de la capilla de la granja. Fernando es un italiano de veinte años. Albert decide mantener a Fernando cautivo en el establo.

Poco a poco, Albert va trasladando su obsesión por las rosas hacia el joven Fernando. Su comportamiento es compulsivo, dedicándose a alimentarle, y encargándose de lavarle personalmente. Esto le lleva a sumergirse en la locura, comenzando a tratar a Fernando no como un ser un humano, sino como a un objeto o a una de sus rosas. De esta forma decide que Fernando debe convertirse en su nueva rosa perfecta. Anna observa estos acontecimientos con progresiva desaprobación, incapaz de librarse de Fernando que ya ha aceptado su nueva situación.

CURIOSIDADES

La película está basada en un poema de Edgar Allan Poe. Magadalena Montezuma, estrella de la película, había sido la musa de Werner Schroeter en varias ocasiones. Esta fue la última aparición de la actriz en una película antes de fallecer, catorce días después de que la producción llegara a su final. Montezuma había descubierto que tenía cáncer en el año 1982, y su deseo era morir durante la producción de la película. Debido al estrecho vínculo entre director y actriz, la película le fue dedicada como simbolismo de su último réquiem.

La película cuenta con apenas dialogo, y es acompañada por música clásica, cuyo propósito es incrementar las emociones, los movimientos de los personajes, así como la atmosfera. La escasez de dialogo se debe a que no existía un guion en su más estricta forma. El director orientaba a los actores para que fueran conscientes de la trama y jugaran con las frases sugeridas por los guionistas. La película hace uso de los idiomas portugués, inglés, italiano, francés, español, árabe y alemán.

Curiosamente, Schroeter prohibió hacer uso de subtítulos en la película, con el deseo de que el idioma usado en cada ocasión fuera interpretado por la cinematografía. Sin embargo, tras la muerte de Schroeter en el año 2010, se optó por distribuir una versión que contara con subtítulos para todos los idiomas.

La película fue conocida por contener referencias iconográficas al homoerotismo, contando también con desnudos. La idea básica era la de crear una visión perfecta de la belleza ideal.

LO MEJOR

SI he de ser sincero y objetivo, debo alabar una extraordinaria cinematografía, con un uso del colorido bastante sorprendente. La película está repleta de escenas en entornos cautivadores, que lograron captar mi atención en repetidas ocasiones.

LO PEOR

Sin embargo esto no es bastante ni de lejos. Muchos aprecian este tipo de películas que hacen uso del surrealismo o de las metáforas cinematográficas, pero yo no logró encontrarles encanto alguno. Si bien la película no es de las más aburridas que he visto, no hay nada que me convenza en su estilo.

Si debo comenzar por algo, tendría que ser con el uso de múltiples idiomas, para después no permitir su doblaje. Se me antoja el típico capricho de directores que actúan con soberbia, intentando probar su superioridad artística a sus espectadores. El uso de la música clásica tampoco me pareció efectivo a la hora de intensificar cualquier posible emoción en la película. Aunque los actores no realizan una mala labor, sus papeles resultan ser bastante limitados. Me dio la sensación de que este es un recurso más del director, que para enaltecer la mencionada brillante cinematografía, prefiere que sus actores se comporten como autómatas durante toda la trama. Yo no percibí locura no desequilibrios, sino a buenos actores actuando como robots. Contemplar escenas interminables que no aportan nada nunca ha sido plato de mi gusto. 

Ver como un hombre lava a otro de forma interminable, o ver como lo alimenta, no provoca interés alguno, y dudo siquiera que se pueda tildar de homoerotismo. Y es que me pareció interesante que la película fuera tildada como de temática gay, cuando la atracción de Albert hacia Fernando es igual que la atracción que proclama hacia un objeto o una rosa. Simplemente no funciona.

El final me pareció un despropósito absurdo, que carece de elementos sorpresivos u originalidad alguna. Casi me pareció esperado dado el título de la película, cuando las rosas pasan la mayor parte de la trama siendo ignoradas. Siempre he mantenido que este estilo de películas funcionaría mejor siendo menos ambiguas, y marcando con claridad su desarrollo y el de los personajes. Porque al final, ninguno de los personajes tiene un desarrollo a lo largo de la trama. Empiezan como seres taciturnos y perturbados y acaban de igual manera. Todo el proyecto se basa en un conjunto de imágenes, eso sí deslumbrantes, que no logran encadenarse para narrar algo interesante.

MI CALIFICACIÓN

2/10

INVIERNO EN PRIMAVERA

TITULO ORIGINAL

An Early Frost

AÑO DE ESTRENO

1985

DIRECCIÓN

John Erman

PRODUCCIÓN

Perry Lafferty

GUION

Ron Cowen, Daniel Lipman

REPARTO

Aidan Quinn (Michael Pierson), Sylvia Sidney (Beatrice McKenna), Ben Gazzara (Nick Pierson), Gena Rowlands (Katherine Pierson), Sydney Walsh (Susan Maracek), Terry O'Quinn (Doctor Redding), John Glover (Victor Mitado), Bill Paxton (Bob Maracek), D. W. Moffett (Peter Hilton), Cheryl Anderson (Christine), Christopher Bradley (Todd), Sue Ann Gilfillan (Enfermera Lincoln), Don Hood (Doctor Gilbert), Barbara Hey (Meredith), Scott Jaeck (Phil)

CINEMATOGRAFÍA

Woody Omens

BANDA SONORA

John Kander

VESTUARIO

Richard Bruno, Arlene Encell

PAÍS DE ORIGEN

Estados Unidos

DISTRIBUIDA POR:

NBC

DURACIÓN 
100 minutos

KATHERINE PIERSON: “Mientras estaba en el hospital, entró un joven. Era tan frágil y débil, que apenas podía andar. Tenía ese Sarcoma de Kaposi, creo que lo llaman así. Había leído sobre esto, pero no estaba preparada para verlo.”

NICK PIERSON: “Kate, por favor, ahora no.”

KATHERINE PIERSON: “Quiero que escuches esto. Cuando ese joven descubrió que tenía SIDA, sus compañeros de piso le echaron del apartamento, y tiraron todas sus cosas a la calle. Ninguno de sus amigos le acogió. Estaba deambulando por las calles enfermo, durmiendo en los bancos del parque. Y lo peor de todo fue que sus padres se lavaron las manos, se negaron a verle. No querían hablar con él, y no lo han vuelto a hacer desde entonces. Está en ese hospital, y está solo. Se está muriendo y está completamente solo. Te aseguro una cosa Nick, eso no le va a pasar a nuestro hijo, no a Michael.”

MICHAEL PIERSON: “¿Por qué crees que fue tan difícil volver para contártelo todo? Porque quería que estuvieras orgulloso de mi, y ahora te he decepcionado. No soy el hombre que querías que fuera. Bueno, pues ahora me importa una mierda lo que pienses de mí, porque soy un hombre mucho mejor de que lo que tú llegarás a ser, hijo de puta.”

NICK PIERSON: “Adelante, insúltame, llámame todo lo que quieras, incluso puedes pegarme si quieres. Lo que sea mientras no te rindas. No quiero que mueras.”

SINOPSIS

Michael Pierson vive una vida perfecta en compañía de su pareja Peter, y trabajando como socio en un prestigioso bufete de abogados. Toda su vida ha tenido una salud de hierro, pero de repente comienza a enfermar y termina ingresando en un hospital con neumonía. Tras varias pruebas descubre que ha desarrollado la nueva enfermedad conocida como SIDA. Las cosas resultan peores cuando, tras haber sido fiel a Peter durante su relación de dos años, su novio no lo fue. 

Ante la posibilidad de que su propia pareja le haya contagiado la enfermedad, Michael decide regresar a su casa, donde sus padres ni siquiera saben que es gay. Al confesar su situación ante sus padres, su madre reacciona con preocupación, pero su padre se enfurece y deja de hablarle. Su hermana, que siempre le había apoyado, le prohíbe tener contacto con su sobrino por miedo a que le infecte. Poco después, Michael tiene una recaída y es ingresado en el hospital. Solo su madre acude a visitarle, intentando al mismo tiempo que su padre acepte la situación. En el hospital, Michael también tiene la oportunidad de conocer a otros enfermos que sufren las consecuencias del SIDA, y desarrolla una buenas amistad con uno llamado Victor Mitado.

CURIOSIDADES

La película fue producida para ser estrenada en televisión, y fue la segunda en abordar la crisis del SIDA en la historia del cine. 

Muchos la han considerado la primera de forma errónea, ya que fue estrenada el once de noviembre de 1985. La primera fue la película “Buddies”, que fue estrenada dos meses antes, el 20 de septiembre del mismo año. Los ejecutivos de la NBC supervisaron muy de cerca el proyecto, asegurando que ciertas normas se cumplieran. La pareja gay de la película no podía besarse ni compartir cama en ningún momento, aunque estuvieran vestidos. Sus escenas afectivas tenían que estar compensadas por las escenas afectivas entre el personaje de Michael y su familia. Ron Cowen y Daniel Lipman tuvieron que escribir trece borradores del guion, antes de que este acabara siendo aceptado por la NBC.

La película fue la número uno en audiencia durante la noche de su estreno, logrando un veintitrés por ciento de cuota de pantalla, y siendo vista por alrededor de treinta y cuatro millones de personas. Fue nominada a ocho Premios Emmy, y fueron precisamente los guionistas los que lograron hacerse con un Emmy. Gena Rowlands, Ben Gazzara, Aidan Quinn, Sylvia Sidney y John Glover también fueron nominados por sus excelentes actuaciones. 

A pesar de ese éxito, la cadena perdió medio millón de dólares en ingresos debido a los anunciantes tuvieron serias dudas acerca de patrocinar una película que tratara ese tema.

Uno de los puntos positivos de la película fue que se encargó de abordar los prejuicios que entonces se tenían acerca de la enfermedad y su transmisión, en una época en la que el conocimiento de la ciudadanía era muy limitado. Tras esta película, se comenzó a abordar el tema con cada vez más frecuencia. La película fue distribuida directamente en video en España, con el título de “Diagnostico Fatal: SIDA”. Tiempo después se optó por cambiar el título al considerarlo demasiado negativo y pesimista.

LO MEJOR

Emotiva, lógica y educativa, la película realiza una excelente labor a la vez de estar dotada de una calidad indiscutiblemente superior a muchas películas estrenadas en cine. En la actualidad es muy típico que surjan películas que aborden la crisis del SIDA, y reciban premios y reconocimientos. 

Pero películas como “Invierno en Primavera” fueron mucho más osadas al abordar el tema en un tiempo en que hacerlo era difícil, y la gente sentía incomodidad y prefería ignorar el tema.

Añadido a esto, absolutamente todos los actores realizan una labor excepcional, especialmente Aidan Quinn y John Glover, que abordan el tema con respecto, sensibilidad y humanidad. La película se centra más en la necesidad del apoyo familiar que en lo horrible de ir decayendo en la enfermedad. Una de las cosas que más me agradaron fue que terminara con reconciliación de una todavía sana víctima del SIDA, poniendo énfasis que su viaje en el film era reencontrarse con sus seres queridos.

LO PEOR

No hay nada negativo que yo haya sido capaz de encontrar en esta película.

MI CALIFICACIÓN

10/10

WORD IS OUT

TITULO ORIGINAL

Word is Out: Stories of Some of Our Lives

AÑO DE ESTRENO

1977

DIRECCIÓN

Peter Adair, Nancy Adair, Veronica Selver, Andrew Brown, Robert Epstein, Lucy Massie Phenix

PRODUCCIÓN

Peter Adair

ENTREVISTAS

Lucy Massie Phenix, Robert Epstein, Andrew Brown, Veronica Selver, Nancy Adair, Peter Adair

REPARTO

Pat Bond, John Burnside, Sally M. Gearhart, Elsa Gidlo, Donald Hackett, Tom Fitzpatrick, Harry Hay, Pam Jackson, Rusty Millington, Trish Nugent, Mark Pinney, Rick Stokes, George Mendenhall, Bernice “Whitey” Fladden, Nadine Armijo, Dennis Chiu, Cynthia Gair, Nathaniel Dosrky, David Gillon, Freddy Gray, Linda Marco, Tede Matthews, Michael Mintz, Betty Powell, Ann Samsel

CINEMATOGRAFÍA

Lucy Massie Phenix, Robert Epstein, Andrew Brown, Veronica Selver, Nancy Adair, Peter Adair

MÚSICA

Trish Nugent

VESTUARIO

Inaplicable

PAÍS DE ORIGEN

Estados Unidos

DISTRIBUIDA POR:

New Yorker Films

DURACIÓN 
133 minutos

RICK STOKES: “Mi mujer, en aquel entonces, decidió llamar a la mujer de Joe para decirle que si me quería que viniera a buscarme. Cuando esto se le comunicó a mi suegro, acabé siendo enviado a una institución mental. Fueron incapaces de lidiar con el hecho de que fuera gay, así que buscaron a un médico que pudiera curarme. Recuerdo que la primera vez que le vi me dijo que podrían castrarme, pero que iban a intentar algunos tratamientos para ver si podían conseguir algo.”

SINOPSIS

Este documental alterna las entrevistas de veintiséis personas, que hablan sobre sus experiencias como hombres gay y mujeres lesbianas. Los entrevistados comprenden un grupo de entre dieciocho y setenta y siete años de edad. Las entrevistas tienen lugar en San Francisco, Nuevo México y Boston. Las personas entrevistadas tienen ocupaciones diferentes que varían desde estudiantes, hombres de negocio conservadores, drag queens, amas de casa y otras varias. También se hace uso de diversidad racial con entrevistas a caucásicos, hispanos, afro-americanos y asiáticos. 

Entre los entrevistados se encuentran personas la escritora Elsa Gidlow, la profesora Sally Gearhart, el inventor John Burnside, el luchador por los derechos civiles Harry Hay, y el cineasta Nathaniel Dorsky entre otros.

Las personas escogidas describen sus experiencias al salir del armario, al enamorarse o ver el final de la relación. También explican cómo han luchado contra los prejuicios, los estereotipos y unas leyes discriminatorias. Todos realizan sus testimonios con inteligencia, elegancia, honestidad y convicción, creando una conmovedora historia oral.

CURIOSIDADES

Se trata de un documental creado al final de la década de 1970, en las que se entrevista a veintiséis hombres y mujeres homosexuales. Fue dirigida por seis personas que juntos eran conocidos como Mariposa Film Group. 

La idea surgió de Peter Adair, que también se encargó de la producción y fue uno de los seis directores. Adair opinaba que el mayor problema de la homosexualidad en la década de 1970 era la invisibilidad, a pesar de que comenzaban a surgir manifestaciones. También pensaba que los homosexuales eran definidos por los heterosexuales, que con desconocimiento hacían uso de los estereotipos para hacerlo. De esta forma deseaba crear un documental en el que las declaraciones de varias personas rompieran con dichos estereotipos.

Realizar la película fue trabajo arduo en el que los directores viajaron por todo el país para entrevistar a alrededor de doscientos cincuenta hombres gais y lesbianas. Al final seleccionaron a veintiséis de entre todos estos. El proyecto contó con una inversión inicial de treinta mil dólares, recaudados de gente que creía en el proyecto y deseaba que la película se llevara a cabo. Al principio se pensó en mostrar solamente las entrevistas de ocho personas, y al presentar el resultado del documental a espectadores seleccionados, estos mostraron interés en que se incluyeran más entrevistas que mostraran diversidad de clase social, raza y nacionalidad. 

Debido a esto se dedicaron más años a recrear el proyecto, en las que se entrevistaron a doscientas cincuenta personas, seleccionando a veintiséis candidatos finales.

La película se estrenó en el Castro Theater de San Francisco en noviembre de 1977, y tuvo una distribución limitada en cines a nivel nacional el año siguiente. Fue la primera película documental sobre homosexuales, además creada por homosexuales. Se convirtió en icono de las entonces emergentes manifestaciones por los derechos de los gais. La película finalizaba mostrando una dirección a la que poder enviar cartas expresando opiniones y críticas sobre la película. Los directores recibieron miles de cartas que expresaban lo importante que había sido para ellos ver el documental. En algunas de ellas llegaban a declarar que el documental había salvado sus vidas. Para las personas solitarias que vivían en estados más conversadores, el documental fue la primera oportunidad de ver a personas realistas y mensajes positivos sobre la homosexualidad.

En el año 2007, para celebrar el treinta aniversario del documental, se decidió restaurarlo para que quedara en perfecto estado. También se incluyó algo de material extra que no había sido utilizado, aumentando la duración original de ciento veinticuatro a ciento treinta y tres minutos.

LO MEJOR

Todo proyecto de este tipo es siempre positivo, pero cuando se realizan en una época que conlleva dificultades sociales, pasa al siguiente nivel siendo admirable. Lo brillante de este documental es que sigue siendo relevante a día de hoy, ya que muchos de los problemas sociales que narran los entrevistados siguen existiendo en muchos lugares del planeta. Lo más curioso de este documental es que a pesar de que sus protagonistas narren dificultades considerables, no se pierde en ningún momento ese optimismo de un futuro mejor. El documental es de por su optimista porque sus protagonistas lo son al reconocer que las cosas han mejorado… y estamos hablando de la década de 1970.

En una nota muy personal, debo reconocer que el documental se me hizo difícil, porque en todo momento era consciente de que ese optimismo iba a chocar en breve con la inminente masacre provocada por el SIDA en la siguiente década. De hecho, el propio creador del documental, Peter Adair, sería una de las víctimas de la enfermedad, falleciendo a la temprana edad de cincuenta y dos años. Saber lo que se avecinaba al ver el documental, le proporciona una aun mayor relevancia.

LO PEOR

No hay nada negativo que yo haya sido capaz de encontrar en esta película.

MI CALIFICACIÓN

10/10