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jueves, 31 de diciembre de 2009

MAURICE

TITULO ORIGINAL
Maurice
AÑO DE ESTRENO
1987
DIRECTOR
James Ivory
PRODUCTORES
Ismail Merchant, Paul Bradley
GUION
James Ivory, Kit Hesketh-Harvey
Basado en la novela de E.M. Forster
REPARTO
James Wilby (Maurice Hall), Hugh Grant (Clive Durham), Rupert Graves (Alec Scudder), Denholm Elliott (Doctor Barry), Simon Callow (Señor Ducie), Billie Whitelaw (Señora Hall), Barry Foster (Dean Cornwallis), Judy Parfitt (Señora Durham), Phoebe Nicholls (Anne Durham), Ben Kingsley (Lasker-Jones), Patrick Godfrey (Simcox), Mark Tandy (Risley), Kitty Aldridge (Kitty Hall), Helena Michell (Ada Hall), Catherine Rabett (Pippa Durham), Peter Eyre (Reverendo Borenius), Orlando Wells (Joven Maurice)
CINEMATOGRAFÍA
Pierre Lhomme
BANDA SONORA
Richard Robbins
VESTUARIO
Jenny Beavan, John Bright
PAÍS DE ORIGEN
Reino Unido
DISTRIBUIDA POR:
Cinecom Pictures, Merchant Ivory Productions
DURACIÓN
140 minutos

CLIVE DURHAM: “¿Te das cuenta de que hubiera seguido la vida dormido, si hubieras tenido la decencia de dejarme?”
MAURICE HALL: “¿Por qué yo? Nos despertamos el uno al otro. ¡Bésame!”
CLIVE DURHAM: “Creo, creo que, creo que nos haríamos daño el uno al otro. Que lo echaría todo a perder. Esta armonía, cuerpo, mente, alma. Las mujeres no pueden entenderlo, y tú lo sabes.”

LASKER-JONES: “Sabrá usted que no hace mucho tiempo, a los de su clase se les condenaba a muerte. Yo le aconsejaría que se fuera a otro país, a Francia o a Italia, donde la homosexualidad no sea delito.”
MAURICE HALL: “¿Algún día será así en Inglaterra?”
LASKER-JONES: “Inglaterra siempre ha estado poco dispuesta a aceptar la naturaleza humana.”

SINOPSIS
En la Inglaterra de principios del siglo veinte el joven universitario Maurice Hall descubre su homosexualidad a través de su relación con Clive Durham. Inicialmente, Maurice se muestra inseguro y confundido acerca de su sexualidad, mientras que Clive está más decidido a establecer una relación platónica. Sin embargo, la situación toma un giro inverso, y Clive decide seguir las normas convencionales de la sociedad casándose.
El decepcionado Maurice, recurre a distintos métodos para “curar” su condición homosexual que no logran funcionar. Es entonces cuando conoce a Alec Scudder, miembro del personal de la casa de los Durham. Ambos comenzaran una nueva relación con la dificultad añadida de su diferencia de estatus social. Maurice deberá tomar la decisión que marque el rumbo del resto de su vida.

CURIOSIDADES
El afamado director James Ivory siempre se ha mostrado ferviente admirador de las novelas de Edward Morgan Foster, autor de la novela en la que está basada la película. Sin embargo, su obra Maurice se publicó a título póstumo, en 1971, un año después de su muerte. Esto se debió a tratar el tema de la homosexualidad de manera positiva, y otorgando a la historia un final feliz.
Inicialmente James Ivory había decidido que Julian Sands, con quien había trabajado en “Una Habitación con Vistas”, era la elección perfecta para el papel de Maurice Hall. Sands no pudo participar en el proyecto ya que estaba involucrado en el rodaje de “Relación Fatal”. También se trata del primer papel principal de Hugh Grant, que años más tarde saltaría definitivamente a la fama gracias a “Cuatro Bodas y un Funeral”.
King’s College permitió que se rodara la película en el Campus después de largas consideraciones. Curiosamente, esto se vio debido no al hecho de que la película tratara el tema de la homosexualidad, sino a que muchos eruditos no consideraban la novela en la que estaba basada como un trabajo literario de calidad inferior.
Como curiosidad, la cama en la que James Wilby y Rupert Graves habían de rodar su escena nudista, se colapsó durante la grabación. La película se estrenó en el Festival Internacional de Cine de Venecia, donde logró hacerse con el León de Plata para James Ivory, el Premio Osella de Oro para la mejor partitura en una banda sonora, y el premio al mejor actor fue curiosamente compartido por James Wilby y Hugh Grant. El vestuario logró hacerse con una nominación a los Oscar, aunque no hacerse con la estatuilla.

LO MEJOR
¿Qué puedo decir de una película de quien sin duda es mi director favorito? A esta película no le falta de nada. Logra mostrar la dificultad del homosexual en una sociedad que sufre de extrema estratificación social, a principios del siglo veinte, con total claridad.
Los costumbrismos de la época, el pánico a ser descubierto, y la persecución social y legal hacia el homosexual quedan reflejados de manera sorprendente.
Al ver esta película, hay un consejo que siempre doy. Nunca intenten buscar malos o buenos, sino examinar desde la objetividad, las dificultades de cada uno de los personajes. Cada uno se enfrenta a duras decisiones que nosotros a día de hoy no podemos empezar ni a imaginar.
Reconozco que me hubiera gustado más ver a Julian Sands el papel de Hall, pero Wilby logra una excelente interpretación del personaje. Por otro lado, encuentro elogiable a un Hugh Grant, que lamentablemente ha ido perdiendo facultades interpretativas con el paso de los años, y un éxito que quizás le hizo más daño que bien. Su labor interpretativa en esta película es excepcional. Digna de mención es la banda sonora, que logra acompañar notablemente cada momento emocional, y cronológico, consiguiendo que el espectador enlace unos momentos con otros.
Escenas remarcables, se encuentran a lo largo de las más de dos horas de películas. Sin embargo siempre me ha fascinado el momento en que Clive se asoma a la ventana, viendo una visión del universitario Maurice, mientras se pregunta, ya de por vida, si ha tomado la decisión correcta.

LO PEOR
No hay nada que pueda tildar de negativo en esta película.

MI CALIFICACIÓN
10/10

jueves, 24 de diciembre de 2009

A BIGGER SPLASH

TITULO ORIGINAL
A Bigger Splash
AÑO DE ESTRENO
1974
DIRECTOR
Jack Hazan
PRODUCTOR
Jack Hazan, Mike Kaplan
GUION
Jack Hazan, David Mingay
REPARTO
David Hockney (Como él mismo), Peter Schlesinger (Como él mismo), Celia Birtwell (Como ella misma), Mo McDermott (El Amigo), Henry Geldzsahler (El Coleccionista), Kasmin (Marchante de arte), Ossie Clark (Diseñador de ropa), Betty Freeman (Como ella misma)
CINEMATOGRAFÍA
Jack Hazan
BANDA SONORA
Patrick Gowers
VESTUARIO
Sin acreditar
PAÍS DE ORIGEN
Reino Unido
DISTRIBUIDA POR:
Buzzy Enterprises
DURACIÓN
106 minutos

MO MACDERMOTT: “Se ha terminado. Me llamó ayer por la noche y me dijo que Peter le dejaba. La situación debe de ser jodidamente irreal allí. Siempre tuve la esperanza que durara para siempre. Cuando el amor sale mal, son más de dos personas las que sufren.”

DAVID HOCKNEY: “Es un periodo de depresión.”
HENRY GELDZSAHLER: “¿Te afecta a la hora de pintar?”
DAVID HOCKNEY: “Bueno, no lo creo. Mo lo cree, un poco. Lo que me siento es perdido en ocasiones, y un poco solo como artista en Londres. Porque la realidad es que hay pocos artistas en Londres trabajando en un estilo similar al mío, muy pocos se sienten interesados en las ideas que me interesan a mi.”
HENRY GELDZSAHLER: “¿Lo de irse a Nueva York va en serio?”
DAVID HOCKNEY: “Sí, me he convencido a mi mismo en los últimos cinco minutos.”


SINOPSIS
David Hockney, considerado como una de las más grandes figuras de arte moderno, se enfrenta a la incapacidad de crear debido a la ruptura con su pareja emocional, Peter Schlesinger. Este no solo era su pareja sino su musa personal. Esto despierta la preocupación de su círculo de amigos cercanos, así como su marchante de arte.
Con el paso del tiempo, David Hockney desarrolla su nueva creación, con la imagen que le mantiene obsesionado. En dicha obra un hombre bucea a lo largo de una piscina, mientras otro le observa desde el exterior. Sin embargo, la presión aumenta por parte de su círculo al comprobar que no es capaz de finalizar su última colección, la colección denominada “pool series” (colección de piscinas), que incluirá su obra más popular, “A Bigger Splash” (la gran salpicadura).

CURIOSIDADES
La película es una mezcla entre un estilo basado en la realidad, y otro más ficticio que resulta en una narrativa que hace uso del estilo de un documental. Jack Hazan siguió a Hockney, y su círculo de amigos durante largo tiempo, y les filmó haciendo uso de película de 35mm en lugar de 16, que era lo más popular cuando se creaban películas documentales. A pesar de querer adoptar un determinado realismo cinematográfico, se aprecia un énfasis en la mezcla que resulta del dramatismo y la fantasía.
La acción cubre un periodo de tiempo en el que Hockney y su amante y modelo, Peter Schlesinger, han roto. Esto resulta en la dificultad que tiene el artista para acabar un lienzo, del cual Peter era tema principal. Hazan sugiere que el final de la relación sentimental da lugar a dichas dificultades, pero se limita a sugerir sin ofrecer conclusiones específicas. La situación es utilizada como excusa para que el espectador se adentre en el mundo visual del artista.
El reparto consiste en amigos y colegas reales de Hockney, que colaboraron para crear la película, incluido el propio Schlesinger. Este último realizó una escena particularmente tórrida con otro joven, para la temprana década de los años setenta.
La película cuajó muy bien con el mundo artístico, pero no lo logró con los espectadores en términos generales.

LO MEJOR
Alguna conversación interesante, o dialogo cargado de ingenio. Por otro lado contiene un inusual erotismo para una película de la primera mitad de la década de los setenta.

LO PEOR
Aburrida, presuntuosa, carente de una línea argumental sólida, o de personajes lo suficientemente interesantes.
Es difícil seguir la película y su trama, y me encontré teniendo que volver atrás en repetidas ocasiones para poder seguir la trama. Esto no es molesto cuando la película resulta interesante, pero en esta ocasión lo encontré insufrible. Tal y como he indagado, hay poco dialogo, y el director prefiere sugerir en lugar de transmitir de manera directa. No tengo nada en contra de este recurso, pero opino no se puede abusar de el en una película. Aparte de esto, considero que apenas se sugieren las cosas, y que se requiere de un alto grado de concentración por parte del espectador para poder averiguar que esta pasando.
Otro grande problema es el abuso del surrealismo, técnica de la que nunca he sido un gran fan. Debido a ello, la confusión se incrementa considerablemente, y como la película continúa siendo aburrida, se pierde el interés por hacer encajar las piezas de la manera correcta.
No tengo nada en contra de vertientes artísticas modernas, pero nunca he podido con el “no te gusta la película porque no logras entenderla”. Estoy convencido de que la mayoría de “progres” que alaban este film, no han logrado entender la mitad de lo que contiene. Yo no entendí ni una cuarta parte de la misma, pero con el material y la investigación adecuada fui capaz de volver a verla de manera comprensible. A pesar de la mencionada ventaja, la experiencia fue insufrible.
Por si fuera poco, es una película larga. Esto no se debe la necesidad de espacio para exponer la trama, sino a los clásicamente aburridos y extenuantes planos que se pueden encontrar en tipo de proyectos. Este en particular es un claro ejemplo de narcisismo absoluto para intentar vender la idea de que solo las personas con enorme capacidad creativa sufren y se estancan ante adversidades, y encima lo hacen con una considerable prepotencia.

MI CALIFICACIÓN
1/10
 

jueves, 17 de diciembre de 2009

BISHONEN

TITULO ORIGINAL
Mei Shao Nian Zhi Lian
AÑO DE ESTRENO
1998
DIRECTOR
Yonfan
PRODUCTOR
Sylvia Chang
GUION
Yonfan
REPARTO
Stephen Fung (Jet), Daniel Wu (Sam Fai), Qi Shu (Kana), Terence Yin (K.S.), Jason Tsang (Ah Chin), Kenneth Tsang (Padre de Sam), Chiao Chiao (Madre de Sam), Tat-Ming Cheung (Tsu, el jefe), James Wong (J.P.), Joe Junior (Gucci), Brigitte Ling (Narradora)
CINEMATOGRAFÍA
Henry Chung
BANDA SONORA
Chris Babida
VESTUARIO
No acreditado
PAÍS DE ORIGEN
China (Hong Kong)
DISTRIBUIDA POR:
Chong Cho Sau Productions
DURACIÓN
101 minutos

FAI: “Hoy me encontré con alguien.”
AH CHIN: “¿Con quién?”
FAI: “No lo conozco, un cantante nuevo. ¿Sabes que me preguntó?”
AH CHIN: “¿Qué te preguntó?”
FAI: “Me pregunto si era gay.”
AH CHIN: “¿Qué le dijiste?”
FAI: “Le devolví la pregunta: ‘¿Lo eres tú?’.”
AH CHIN: “¿Y qué dijo?”
FAI: “Dijo: ‘Si tú lo eres, yo lo soy’.”

NARRADORA: “En este mundo, todos quieren sentirse queridos, y el que quiere ser querido busca una persona que lo ame, y el amante sacrifica más de lo que tiene por el ser querido.”


SINOPSIS
Jet es un joven atractivo que se dedica al mundo de la prostitución, hasta que un día se encuentra con una pareja compuesta por Sam y Kana, y queda prendado del joven. Este resulta ser un policía, y muestra interés a la hora de desarrollar una amistad con él. Jet se confirma con dicha amistad, mientras mantiene su doble vida en secreto, y espera algún indicio que le lleve a confirmar si Sam es o no homosexual.
Sam ha sido siempre el chico perfecto adorado por sus padres, llegando incluso a despertar el deseo de su madre de que muestre algún síntoma de rebeldía. Sin embargo, Sam también esconde varios secretos. Antes de ser policía tuvo una relación con el amigo actual de Jet, Chin, y con el que convertiría en estrella del pop, K.S. Sam se vera forzado a escoger entre el honor de su familia, y sus deseos personales, cuando las verdades y su sexualidad salgan a la luz.

CURIOSIDADES
“Bishonen” es un termino japonés utilizado para referirse a una estética que se puede encontrar en distintas zonas de Asia. Consiste en un joven cuya belleza, y atractivo sexual, transciende las limitaciones de genero u orientación sexual. Su traducción literal sería la de “juventud hermosa”.
Yonfan escribió y dirigió esta película, basándose en el expediente real de un policía de Hong Kong, y en otro escándalo que surgió al descubrirse que un adinerado playboy había recopilado una considerable colección de fotografías de atractivos policías, posando en nudismo parcial o completo. De ahí, Yonfan elaboró una historia de amor trágica, inspirándose parcialmente también en “Romeo y Julieta”, que definiría como un homenaje a la belleza masculina asiática.
Curiosamente la película fue promocionada hacia el público más femenino, aún siendo de clara temática gay. Fue definida como un film acerca de un rectángulo amoroso, en la que intervienen un policía, una estrella del pop, y dos gigoloes. Sin embargo se cuido la estética, convirtiendo la película en una narración popular mediante el uso de una narradora, que talmente parece estar relatándonos un cuento trágico. También hace un uso considerable del flashback, que sirve como recurso, al ir proporcionando al espectador las necesarias piezas para seguir la trama.

LO MEJOR
La película fue toda una sorpresa, por su estilo narrativo, y uso inteligente de los flashbacks. Cada vez que parecía entender que dirección tomaban los eventos, se sucedía un inesperado giro, que además de otorgar nuevas piezas en el puzzle de las vidas de los personajes, conecta sus destinos de una forma original.
Por otro lado hay una serie de temas que son abordados de forma interesante. Primeramente tenemos una serie de personajes que tienen en común un pasado, o presente, repleto de secretos. Son esos secretos los que actúan como barreras para que los personajes logren evolucionar. Sin embargo el mayor secreto, y la ironía que este esconde, es el que los cuatro personajes estén conectados de tal manera.
Otro tema interesante es el conflicto interior de un homosexual inmerso en la cultura oriental. Sam debe mantener en la balanza sus deseos interiores, y el honor que le debe a su familia. Esto esta de nuevo intercalado con los secretos, que tienen a desvanecerse, y durar un tiempo determinado. Por otro lado Jet no tiene ese problema. Ha logrado aceptarse a si mismo, e incluso a los errores del pasado. Esta dispuesto a avanzar.
Siguiendo con otros temas, nos encontramos con la futilidad de evitar nuestro destino. La película defiende ferozmente el concepto de la fuerza del destino, que lleva a los personajes a interactuar en momentos determinantes de sus vidas. Al mismo tiempo muestra un aspecto del enamoramiento poco frecuente en occidente. Se defiende el amor a primera vista como factible, así como las cortas relaciones derivadas de esta, como esenciales e importantes en nuestras vidas.
Por otro lado es elogiable el seductor estilo narrativo, con esa voz suave por parte de la narradora, que te va sumiendo en la historia, y te mantiene atento mientras te proporciona las piezas de la trama. Pero sobre todo debo elogiar ese estilo cargado de melancolía, y un realismo inherente, que me dejo francamente impresionado. Toda una sorpresa.

LO PEOR
No hay nada negativo que yo haya sido capaz de encontrar en esta película.

MI CALIFICACIÓN
10/10
 

jueves, 10 de diciembre de 2009

UNA JAULA DE GRILLOS

TITULO ORIGINAL
The Birdcage
AÑO DE ESTRENO
1996
DIRECTOR
Mike Nichols
PRODUCTORES
Mike Nichols, Neal Machlis, Michele Imperato, Marcello Danon
GUION
Elaine May
Basado el guión de Jean Poiret
REPARTO
Robin Williams (Armand Goldman), Nathan Lane (Abert Goldman), Gene Hackman (Senador Kevin Keeley), Dianne Wiest (Louise Keeley), Dan Futterman (Val Goldman), Calista Flockhart (Barbara Keeley), Hank Azaria (Agador), Christine Baranski (Katherine Archer), Tom MacGowan (Harry Radman), Grant Heslov (Fotógrafo del National Enquirer), Kirby Mitchell (Chófer de Keeley), James Lally (Cyril), Luca Tommassini (Celsius)
CINEMATOGRAFÍA
Emmanuel Lubezki
BANDA SONORA
Stephen Sondheim
VESTUARIO
Ann Roth
PAÍS DE ORIGEN
Estados Unidos
DISTRIBUIDA POR:
United Artists
DURACIÓN
117 minutos

ARMAND: “Mi cementerio esta en Cayo Vizcaíno. Es de los más bonitos del mundo, árboles preciosos, un cielo azul, los pájaros, el de Los Copa es una autentica mierda. Menudo incordio estas hecho, y es verdad no eres joven, no eres nuevo, y además haces reír a la gente. Y yo, yo sigo contigo porque me haces reír. ¿Así que sabes lo que haré? Venderé mi parcela de Cayo Vizcaíno para poder comprar una a tu lado, en ese estercolero de Los Copa. Para no perderme ni una sola risa. Ten.”
ALBERT: “¿Qué es esto?”
ARMAND: “Léelo.”
ALBERT: “No entiendo nada.”
ARMAND: “No es tan complicado, es la repartición de bienes, ya te dije que la tenía.”
ALBERT: “Aquí dice que tengo derecho a darte la mitad de todo lo que poseo. “
ARMAND: “Creí que sería más seguro por si a alguno de nosotros le pasara algo. “
ALBERT: “Pero ahora ¿de quién es?”
ARMAND: “Es tuyo.”


SINOPSIS
Val y Barbara se han conocido en la universidad y han decidido casarse. Sin embargo se encuentran con un problema. Barbara es hija de un senador republicano que defiende un estilo de vida conservador, mientras el padre de Val es homosexual, dueño de un club de Drag Queens, y pareja de la estrella principal del espectáculo, Albert.
Cuando los padres de Barbara deciden visitar a sus futuros consuegros, Val logra convencer a su padre para que redecore su casa para dar una apariencia heterosexual y conversadora. Para mejorar la imagen deciden contactar con la madre de Val para que participe en el engaño. Sin embargo, Albert no llevará con resignación el quedar apartado del plan debido a su excesiva pluma. Todos los enredos se dispararan en una complicada, pero divertida cena.

CURIOSIDADES
La película es un remake de una de las películas más famosas de temática gay, “La Cage Aux Folles” (“Vicios Pequeños” en España –ver ficha-), estrenada en 1978, y de origen Frances.
El titulo original de la película era “Birds of a Feather”, el titulo con el que se había estrenado la original dieciocho años atrás en Estados Unidos. Sin embargo se optó por cambiarlo. El director Mike Nichols contrató Rick McKay para que realizase un documental que mostrará una intensa investigación en el mundo de las Drag Queens. Para esto McKay viajó a San Francisco, Atlanta, Londres y Paris, y su investigación fue profunda y contrastada. El documental se empleó para entrenar a Nathan Lane y Robin Williams en sus respectivos papeles.
Robin Williams fue inicialmente contratado para interpretar a Albert, pero este prefirió el de Armand, que se alejaba más del tipo de personajes, menos histriónicos, que estaba acostumbrado a interpretar. Hank Azaria también consultó con amigos homosexuales acerca del posible riesgo de que su personaje cayera en estereotipos, todos le hicieron saber que no tenía importancia.
La crítica se mostró dividida, con los defensores de la película original, y alguna que otra avocación que acusaba los exagerados estereotipos. Sin embargo con un presupuesto de dieciocho millones dólares, logró recaudar ciento ochenta y cinco, siendo la película de temática gay que más dinero ha logrado recaudar hasta el estreno de Bruno en 2009.

LO MEJOR
A pesar de no estar demasiado a favor de determinados remakes, debo reconocer que esta película me sorprendió gratamente. La vi durante los años que residí en Estados Unidos, y me pareció divertida, y a la vez capaz de transmitir ese eterno mensaje de la imposibilidad de pretender ser algo que no se es.
Sin duda es de agradecer que Robin Williams no admitiera el papel más histriónico, pues me parece que lo mejor de la película es sin duda Nathan Lane. Este supo combinar perfectamente los aspectos histéricos y exagerados del personaje, con ese toque sensible qua hacia despertar la simpatía del espectador hacia él. Creo que su labor esta a la altura de la de Michel Serrault (de la original), y en ocasiones considero que la supera. En cuanto a la clásica tontería que es la crítica de los estereotipos por parte de ciertas asociaciones, quién no quiera entender que existen personajes así en el ambiente, es que esta ciego.
Gene Hackman resulta desternillante como el senador conversador con una situación que le desborda, y Dianne Wiest resulta igualmente divertida como la madre que a de intentar arreglar cada problema que se presenta con un actitud alegre y positiva. El personaje de Dan Futterman, Val, resulta también muy logrado, y Agador es sencillamente desternillante. Pero si la película tiene una gran ventaja, es la de poseer unos diálogos desternillantes que logran arrancar una inevitable carcajada.
A pesar de no ser una idea original, la película logró trasladar de manera efectiva la acción dieciocho más tarde de la original.

LO PEOR
Creo que el fallo de la película es su excesiva duración, dos horas, que resulta innecesaria y un tanto cansina. Disfruté más de la primera parte, ya que se abusa demasiado del momento de la cena. Ahí es donde falla este remake con respecto al original, que durando lo mismo, no se torna tan tediosa.

MI CALIFICACIÓN
8/10
 

jueves, 3 de diciembre de 2009

EL JARDIN COLGANTE

TITULO ORIGINAL
The Hanging Garden
AÑO DE ESTRENO
1997
DIRECTOR
Thom Fitzgerald
PRODUCTOR
Thom Fitzgerald, Louise Garfield, Arnie Gelbart
GUION
Thom Fitzgerald
REPARTO
Chris Leavins (Dulce William), Peter MacNeill (Whiskey Mac), Troy Veinotte (Dulce William adolescente), Kerry Fox (Rosemary), Sarah Polley (Rosemary adolescente), Seana McKenna (Iris), Joan Orenstein (Grace), Heather Rankin (Black-Eyed Susan), Ashley Maclsaac (Basil Fiddler), Ian Parsons (Dulce William niño), Mark Austin (Predicador), Joel S Keller (Fletcher), Jocelyn Cunningham (Laurel), Jim Faraday (Señor MacDougal), Renee Penney (Grace, la monja), Martha Irving (Dusty Miller), Annabelle Dexter (Bud)
CINEMATOGRAFÍA
Daniel Jobin
BANDA SONORA
John Roby
VESTUARIO
James A Worthen
PAÍS DE ORIGEN
Reino Unido & Canadá
DISTRIBUIDA POR:
Alliance Releasing
DURACIÓN
91 minutos

ROSEMARY: “Por eso me case aquí, para poder recordar tu regreso, y no tu marcha.”
WILLIAM: “Tuve que irme.”
ROSEMARY: “Sí, ya lo creo que te fuiste. Siento que no hayas podido olvidarte de ello, nosotros tampoco.”

FLETCHER: “¿Qué habría pasado si te hubieras quedado?”
WILLIAM: “¿Cuándo, ahora?”
FLETCHER: “No, entonces.”
WILLIAM: “Tú y yo nos habríamos casado, tendríamos una casa junto al mar, y estaríamos con nuestra hija. ¡Estaríamos tan enamorados! Aunque nunca estuvimos enamorados después de todo. ¿O sí?”


SINOPSIS
William vive una aparente vida feliz. Ha perdido todo el peso que le sobraba, tiene un trabajo estable, y una nueva pareja, Dick. Cuando William regresa a casa para asistir a la boda de su hermana Rosemary, se ve forzado a enfrentarse de nuevo a su adolescencia como muchacho obeso, a menudo maltratado por su alcohólico padre, y una madre agobiada por su homosexualidad que llegó a llevarle a una prostituta. Para colmo el nuevo marido de su hermana, es el mismo muchacho con el que descubrió su homosexualidad y mantuvo relaciones durante.
Ahora debe enfrentarse a su pasado, su aún alcohólico padre, su abuela sufriendo de Alzheimer, y una nueva hermana pequeña llamada Violet. Pero la mayor dificultad será el descubrir que aún no ha logrado enterrar su pasado.

CURIOSIDADES
Thom Fitzgerald escribió y dirigió esta película como un análisis del adulto que ha de volver a enfrentarse a los fantasmas de su juventud. El personaje principal no solo revive los fantasmas del pasado cuando asiste a la boda de su hermana. El estilo de la película es bastante surrealista, puesto que el protagonista no solo se enfrenta a los fantasmas de su pasado, sino que convive con ellos, así como varios de los otros personajes. El proceso es gradual, sumergiendo poco a poco al espectador en el mencionado surrealismo, pero manteniendo un grado de equilibrio con la trama dramática de la historia… enterrar los fantasmas del pasado, para seguir adelante.
Todos los personajes principales reciben nombres de plantas o flores, y sus escenas están rodadas con colores asociados con estas. Al mismo tiempo, los nombres reflejan aspectos de sus personalidades (Whiskey para el padre alcohólico, Dulce para la inocencia rota de William, etc.).
La película hace uso de una banda sonora con música céltica característica de la región de Nueva Escocia donde se desarrolla la trama, sugiriendo un retorno a las raíces, que es el tema principal del film.

LO MEJOR
Huir antes de que los conflictos personales hayan podido ser solventados. Desde mi punto de vista ese es el mensaje principal de la película, y es además una excelente idea considerando el dramatismo del que esta cargado.
Formidable la interpretación de Troy Veinotte. Nos encontramos con un personaje homosexual que escapa de todos los estereotipos habituales. William es un muchacho que sufre de obesidad, y una vida tormentosa en un hogar que no puede ser más disfuncional. Su primera experiencia homosexual no acaba como el esperaba, lo que le empuja a un intento de suicido. Los años pasan y William ha abandonado su casa, a perdido todo el peso que le sobraba, tiene una pareja, un empleo estable, pero huir de sus problemas no significa que los haya superado. La película bien podría mostrarnos ese proceso de regresar al pasado, enfrentarse al pasado, revivir el pasado, y finalmente ser capaz de enterrar ese pasado que siempre ha acarreado.
Peter MacNeill también merece una mención especial por su excelente interpretación de un padre que logró despertar los peores instintos que mantengo enterrado. El es el eje de una familia completamente disfuncional. La escena inicial de la boda de Rosemary es uno de los mejores ejemplos de esto, toda familia esta estropeada al depender de ese eje.
También hay que mencionar un excelente uso de la fotografía, de las flores y plantas en relación con cada uno de los personajes, y un uso de la banda sonora, siempre céltica, formidable que consigue sumergir al espectador en ese regreso al hogar de William.
En definitiva es una buena película que logra girar alrededor de los conflictos inacabados, y que además sabe reservar alguna que otra sorpresa para el final.

LO PEOR
No soy gran partidario de un estilo surrealista, y mucho menos cuando se tiene una historia de esas proporciones tan sobresalientes, lo que resulta en un uso completamente innecesario. Ese es desde mi punto de mi vista el mayor problema de la película que se va sumergiendo en un uso de metáforas visuales, rozando el riesgo de caer en lo absurdo. A pesar de esto, la historia esta cargada de tal dramatismo, que dichos abusos de licencias, no dañan en exceso la película.

MI CALIFICACIÓN
8/10
 

jueves, 26 de noviembre de 2009

MAMBO ITALIANO

TITULO ORIGINAL
2003
AÑO DE ESTRENO
Mambo Italiano
DIRECTOR
Émile Gaudreault
PRODUCTOR
Daniel Louis & Denise Robert
GUION
Steve Gallucio & Émile Gaudreault
REPARTO
Luke Kirby (Angelo Barberini), Claudia Ferri (Anna Barberini), Peter Miller (Nino Paventi), Paul Sorvino (Gino Barberini), Ginette Reno (Maria Barberini), Mary Walsh (Lina Paventi), Tim Post (Peter), Sophie Lorain (Pina Lunetti), Tara Nicodemo (Yolanda), Pierrette Robitaille (Rosetta), Dino Tavarone (Giorgio), Mark Camacho (Johnny Christopharo), Michel Perron (Padre Carmignani), Lou Vani (Marco), Diane Lavallée (Mélanie)
CINEMATOGRAFÍA
Serge Ladouceur
BANDA SONORA
Adam Broughton & FM Le Sieur
VESTUARIO
Francesca Chamberland
PAÍS DE ORIGEN
Canadá
DISTRIBUIDA POR:
Cinémaginaire Inc.
DURACIÓN
88 minutos

MARIA BARBERINI: “Escucha esto Gino: ‘La señora Lina Paventi tiene el honor de invitarlos a la boda de su hijo Nino.’ ¿Necesitas que siga?”
GINO BARBERINI: “¿Nino se va a casar?”
MARIA BARBERINI: “¡Con Pina! ¡La putana! Y escucha esto, trae además una nota escrita a mano: ‘Queridos María y Gino, lamento lo ocurrido, por favor considerad la invitación como una oferta de paz, rezo a San Giuseppe para que vengáis, con cariño Lina.”
GINO BARBERINI: “¿Qué tiene de malo?”
MARIA BARBERINI: “¡Tienes que leer entre líneas. Lo que dice realmente es: queridos María y Gino, lamento que vuestro hijo sea homosexuale, por favor considerad la invitación como prueba de que el mío no lo es. Rezo a San Giuseppe para que podáis venir, y me veáis regodearme, con cariño Lina.”
GINO BARBERINI: “¡Desgraciatta!”


SINOPSIS
Angelo Barberini es hijo de una familia italiana que emigró desde Italia hasta Estados Unidos, para acabar en Canadá. La familia vive en el barrio italiano, y de acuerdo a las costumbres tradicionales de su país. Un hijo solo abandona su casa de dos maneras, casado o muerto. Angelo rompe las normas mudándose a un apartamento, y eventualmente iniciando una relación homosexual con un amigo de juventud, Nino.
Sin embargo, cuando Angelo decide salir del armario, a pesar de la negativa de Nino, las familias de ambos acabaran aliándose para intentar reconducir las vidas de sus hijos. Mientras Nino es incapaz de resistir la presión, Angelo decide luchar por ser fiel a si mismo, y aceptar su propia homosexualidad, mientras intenta reconciliarse con su caótica familia.

CURIOSIDADES
La película esta basada en la vida del guionista, Steve Gallucio. Este creo primero una obra de teatro inspirándose en los eventos de su vida, y con el mismo titulo. Émile Gaudreault se mostró interesado por la obra y colaboró con el autor para adaptar el texto a un guión cinematográfico.
La acción transcurre en Montreal, Québec, Canadá, y mantiene un estilo de comedia de enredo usando aspectos de la vida del guionista, en ocasiones exagerados. Tal y como muestra la película, Gallucio creó una serie de televisión en tono de comedia titulada "S' agapo - M' agapas", aunque esta trataba de una familia griega.
“Mambo Italiano” funcionó muy bien con lo cual pudo crear la serie de televisión “Ciao Bella”. La protagonista de dicha serie fue Claudia Ferri, que interpreta a Anna Barberini.
La película no solo intenta mostrar las dificultades de salir de armario, sino las mismas cuando uno esta inmerso en un círculo cultural cerrado. El tono de comedía de enredo es deliberado pues, según el guionista, con el paso del tiempo las dificultades pueden adquirir un aire humorístico. Sin embargo la película muestra determinadas dificultades, y momentos tensos a nivel familiar, así como la fatalidad de tomar las decisiones incorrectas en nuestras vidas.

LO MEJOR
Me pareció una película fresca, divertida y aún así capaz de tratar determinados temas sociales que, por mucho que lo queramos creer, aún distan mucho de ser resueltos. Primero quiero señalar que aunque parezca una comedia sin grandes pretensiones, hay temas bastante interesantes, aunque sean tratados desde la comedia.
El choque cultural es uno de esos temas, ya que mientras los padres de Angelo pertenecen a una cultura de la que ya no pueden desarraigarse, Angelo pertenece a esa generación que debe lidiar entre sus orígenes y el nuevo estilo social en el que ha nacido. Es un tema clásico que se ha podido ver en muchas películas, como “Mi Gran Boda Griega”, que por cierto es posterior a esta. Y sin embargo esta película aporta una dificultad adicional, y es que Angelo es gay. Otro aspecto positivo, es encontrarse con un personaje que se aleja claramente de los estereotipos que encontramos en el cine de temática gay. Angelo es un chaval de aspecto normal, al que no le gustan los bares ni el ambiente, y bastante torpe en general. Sin embargo, se embarca con valentía en la aventura de tener que salir del armario ante su familia, y asumir las consecuencias que esto pueda acarrear en su vida personal. Esto es particularmente curioso, si uno considera que la película hace gran uso de los estereotipos.
Nino es todo lo contrario, siendo un joven popular, atractivo y hábil, se ve incapaz de esa misma confrontación, y prefiere vivir una mentira, aunque esto suponga renunciar a sus propios principios, y que mejor excusa que su identidad cultural. Estos mensajes se transmiten tras una capa de humor inteligente, creado a base de exagerar comportamientos y situaciones. A fin de cuentas, eso es lo que hacemos con los problemas una vez pasa el tiempo. Por último, señalar que me encantan los Barberini como personajes, pues verdaderamente son los que sufren el cambio más acentuado, otorgando en dicho proceso, los momentos más divertidos de la película.
En definitiva, creo que “Mambo Italiano” es una gran comedía de enredo, con algún que otro giro inesperado, que te hará pasar un muy buen rato.

LO PEOR
No hay nada negativo que yo haya sido capaz de encontrar en esta película.

MI CALIFICACIÓN
10/10
 

jueves, 19 de noviembre de 2009

PRETTY BOY

TITULO ORIGINAL
Smukke Dreng
AÑO DE ESTRENO
1993
DIRECTOR
Carsten Sønder
PRODUCTOR
Peter Aalbæk Jensen & Ib Tardini
GUION
Carsten Sønder
REPARTO
Christian Tafdrup (Nick), Benedicte W Madsen (Rene), Rami Nathan Sverdlin (Max), Sune Otterstrøm (Jan), Jakob Vikkelsøe (Franz), Daniel Barfod (Jean), Rasmus Botoft (Steen), Stig Hoffmeyer (Ralph), Bent Hesselmann (Hartvig), Niels Jørgensen (Mortensen), Birgit Brüel (Mormor), Kit Goetz (Mor), Nils Vest (Kingo Rørvig), Erik Louring (Støvsugermand), Ulla Nielsen (Madre de Nick), Børge Hansen (Legetøjskunde), Kirsten Breum (Bomsterdame), Karen Lukowski (Pasdame)
CINEMATOGRAFÍA
Jacob Banke Olesen
BANDA SONORA
Joachim Hobek
VESTUARIO
Else Prangsgaard
PAÍS DE ORIGEN
Dinamarca
DISTRIBUIDA POR:
Zentropa Entertainments
DURACIÓN
86 minutos

NICK: “Estás mirando el lugar donde nacen todas las estrellas. Casi todas, y ésta también. Es de las nubes de Orión. Todo lo que conforma esto está en tu cuerpo y el mío. No estaríamos aquí, si no fuera así.”

NICK: “¿Por qué lo haces?”
RENEE: “¿Y tú?”
NICK: “No es lo mismo. ¿Qué pasa si te descubren? ¿Qué harías?
RENEE: “¿Si descubren que soy mujer?”
NICK: “Sí.”
RENEE: “Encontraría algo diferente. Una agencia de turismo. Me podría vincular a una.”
NICK: “No entiendo por qué lo haces.”
RENEE: “¿Quieres escuchar qué dice mi asistente social sobre la adolescente que no quiere convertirse en mujer?”
NICK: “No, gracias.”


SINOPSIS
Marginado por su propia madre, Nick huye de su hogar disfuncional. Habiendo sufrido la carencia de su padre, busca la compañía de hombres de avanzada edad, acabando estableciendo una relación con Ralph, un homosexual en el armario, y profesor de astronomía. Este le ofrece un hogar mientras desarrollan su relación y mutua pasión por las estrellas, hasta que la novia de Ralph regresa de sus vacaciones, y Nick acaba solo.
Nick termina por unirse a un grupo de chaperos violentos que tienen por costumbre el abusar de sus propios clientes. Con ellos desarrolla un interés romántico por la chica andrógina que pretende ser un muchacho, Renee.
Las cosas se complicaran cuando Ralph regrese con la intención de recuperar a Nick, despertando los celos de Renee.

CURIOSIDADES
Después de su estreno, la película fue elogiada por la crítica por mostrar de manera brutal el mundo de la prostitución masculina, y generó una enorme controversia por tratar las relaciones entre hombres adultos y niños dedicados a una vida violenta y disfuncional. Sin embargo la película no logró destacar en ningún festival, ni llevarse premio o nominación alguna. Aunque el personaje de Nick tiene 13 años, Christian Tafdrup tenía quince cuando lo interpretó.
La idea era explorar como la carencia de un padre, podría llevar a un muchacho a buscar la atención y afecto, relaciones sexuales incluidas, de gente mayor. Esto se supone relevante, ya que Nick resulta no ser homosexual.
La versión original estrenada en el cine contenía más escenas nudistas y explicitas, que curiosamente fueron cortadas a la hora de lanzar la película en DVD.

LO MEJOR
Los dos muchachos encargados de los papeles principales realizan una elogiable y creíble labor. Christian Tafdrup logra cargar a su personaje de una inocencia y dulzura, que se va desgarrando, impresionantes, hasta el punto de que el espectador no puede evitar crear un vínculo con Nick.
Por otro lado Benedicte W Madsen supuso toda una sorpresa como la muchacha que vive haciéndose pasar por un chico, y dedicada al mundo de la prostitución masculina. Aunque la base de su personaje no queda bien definida, y no se explica, su cambio de chico matón líder del grupo, a muchacha sensible y enamorada me pareció impresionante.
También es elogiable el realismo con el que se trata al mundo de los chaperos en los años noventa.

LO PEOR
El grave problema del film, es uno que tiende a ser usual. Tenemos una gran idea, que no han sabido explotar. El guión carece de estructura y propósito definido, y no tiene un rumbo que el espectador pueda seguir.
Aunque el final juega bien con el elemento sorpresa, resulta inconcluso, porque le deja a uno con la sensación de que no se ha ido a ningún lado con la temática tratada. Si bien es fácil entender como Nick se va introduciendo en el mundo de la prostitución, en busca del afecto de un “padre” que le mantenga, la relación con su madre dista bastante de quedar definida. Por otro lado me parece que del personaje más interesante, Rene, no se nos explica absolutamente nada. Su pasado es una incógnita tan grande como sus motivaciones.
En cuanto a la historia, el director realiza un trabajo mediocre a la hora de enlazar los sucesos de manera que la historia quede definida. Básicamente no tiene ni pies ni cabeza. La relación de Nick y Ralph es difícil de comprender, aparte de su mutuo interés por la astronomía, no hay nada que la haga verosímil. Ni que decir tiene que el personaje de Ralph es el más deficiente de todos, y al final de la película adopta una postura tan radicalmente opuesta a lo que hemos visto, que no logra sino generar dudas acerca de la elaboración del mismo.
Si bien el mundo de los chaperos esta bien reflejado, el exceso de violencia en el film, por parte del grupo hace que sea difícil entender como los clientes acuden a ellos.
En definitiva me pareció una película lenta, aburrida y sin sentido.

MI CALIFICACIÓN
4/10

jueves, 12 de noviembre de 2009

DIE BLAUE STUNDE

TITULO ORIGINAL
Die Blaue Stunde
AÑO DE ESTRENO
1992
DIRECTOR
Marcel Gisler
PRODUCTOR
Kaete Kaspar, Albert Kitzler
GUION
Marcel Gisler, Andreas Herder, Rudolf Nadler
REPARTO
Andreas Herder (Theo), Dina Leipzig (Marie), Anton Rattinger (Felix Baum), Cyrille Rey-Coquis (Paul), Christoph Krix (Laszlo), Dagmar Cassens (Maries Chetin), Frederic Moriette (Frederic), Alberto Kitzler (Pretendiente 1), Wolfram Haack (Pretendiente 2), Arne Waur-Broch (Pretendiente 3), Walter Bohnker (Salvavidas), Eva Medusa Gühne (Salvavidas), Rudolf Nadler (Cliente), Peter Paepke (Empleado de mudanza), Jan Pegel (Empleado de mudanza), Florian Schmidt (Cartero)
CINEMATOGRAFÍA
Ciro Cappellari
BANDA SONORA
Paul Bley
VESTUARIO
Beatriz Demleitner
PAÍS DE ORIGEN
Suiza, Alemania
DISTRIBUIDA POR:
Wild Opaki Film
DURACIÓN
87 minutos

THEO: “¡Dios mío! Las navidades fueron siempre un drama. Cuando tenía trece años, enferme con fiebre escarlata, y tuve que ingresar en el Hospital.”
MARIE: “Ese no es un recuerdo agradable.”
“De hecho fue agradable. Tenía mi propia habitación, un montón de tiempo para mi mismo, y a nadie de la familia para molestarme. Tenía un pequeño botón encima de mi cama, y solo tenía que apretarlo para que alguien viniera enseguida, y me trajeran caramelos, o lo que fuera. Estaba muy bien.”

MARIE: “Deberías descubrir que es lo que te esta pasando. Me has hecho daño, y no se porque ha sido. Y ahora lo que no se es por qué necesitas que te perdone.”
THEO: “Quizás tuviste razón al decir que soy frío. Siempre pensé que solo era un cliché, pero no lo es. Uno se vuelve frío al dedicarse a esto.”


SINOPSIS
Theo es un joven dedicado a la prostitución para poder llevar un nivel de vida cómodo y despreocupado. En su apartamento tiene dos teléfonos. Uno es para los que llaman solicitando los servicios de sus anuncios, el otro es personal, aunque sumergido en su soledad, Theo no lo usa nunca. Su vecina Marie vive amargada por su trabajo, y por su pareja, Paul, al que mantiene para que no haga nada.
Cuando Paul abandona a Marie, Theo se fija en su vecina por primera vez. Mientras la ayuda a salir de la depresión en la que se ha sumergido, surge un fuerte vínculo entre los dos que en el fondo son personas solitarias. Ambos aceptan sus peculiares formas de vida sin pedir explicación alguna, hasta que la amistad va tomando un cariz más serio, que hará que Theo se replantee su vida.

CURIOSIDADES
El titulo de la película se traduce como “La Hora Azul”, haciendo referencia a ese punto en que la oscuridad de la noche y la luz del día no son absolutas. Es un momento de transición al cambio, el cual fue elegido por el director Suizo Marcel Gisler para enfocar toda la historia.
El protagonista de la película, Andreas Herder, participó con el director Marcel Gisler en la creación del guión. Posee un estilo minimista, íntimo, y muy modesto, sin ninguna otra pretensión que mostrar la interacción entre dos personas cuyo único aspecto en común, es la soledad y sin ninguna dirección en la vida. Para acentuar ese ambiente de soledad, se hace uso de una banda sonora en su mayor parte provista por un piano en tono melancólico.
A pesar de pasar bastante desapercibida a nivel internacional, el film se hizo con los premios a mejor actor, Andreas Herder, y otro especial para Marcel Gisler en el Festival Max Ophüls.

LO MEJOR
Sin duda debo decir que los dos actores principales, Andreas Herder y Dina Leipzig, lograron no solo convencerme, sino impresionarme. Supongo que la película logró engancharme porque entre otros temas, toca el de la soledad como ese pozo del que es difícil salir. Ambos personajes son solitarios, pero distintos dentro de ese aspecto.
Mientras que Marie es una solitaria que detesta estarlo, Theo es un muchacho que se ha acostumbrado en exceso a su soledad, hasta al punto de ser algo adictivo. Mientras que a Marie le abandona su pareja, y busca refugio en Theo para evadir su soledad. Sin embargo, Theo simboliza lo contrario. Después de mucho tiempo sumido en la más, absoluta soledad le vemos dispuesto salir de ella. Inicialmente esto ocurre en el bar gay con Laszlo con el que vemos una aproximación a algo más íntimo. Genial escena, en la que la apreciamos música animada en lugar de toda la que predomina el resto de película. Sin embargo, el interés es sustituido por el que desarrolla hacia Marie.
Por eso me interesa, y me parece formidable, el personaje de Theo. No solo muestra a un chapero muy alejado de los habituales estereotipos que se encuentran en películas de este tipo. Theo no depende de nadie, se dedica a ello para permitirse caprichos, y no por necesidad total. Aparte de todo esto, vemos una bisexualidad o confusión sexual (no se define muy bien en el film), igualmente inusual. Hay dos momentos particularmente tiernos con Laszlo y con Marie que me impactaron.
Luego debo mencionar que me ha gustado el uso de los colores en determinadas escenas. La oscuridad como símbolo de soledad, la claridad de compañía, o el rojo pasión que observamos en la escena dentro del bar de ambiente.
Finalmente, señalar que la película trata todo el tema de soledad y necesidad de afecto de una manera realista y objetiva. Las decisiones que los personajes toman y sus consecuencias son creíbles

LO PEOR
La película tarda en arrancar, y esta rodada con un exceso de oscuridad que hace difícil ver que ocurre en determinadas situaciones. Hay demasiados aspectos de los personajes que quedan en el tintero, así como el destino del personaje principal, acerca del que solo se dan pistas. A pesar de todos estos aspectos, debo decir que esta desconocida película supuso toda una sorpresa,

MI CALIFICACIÓN
8/10