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jueves, 29 de marzo de 2018

THE ROCKY HORROR PICTURE SHOW

TITULO ORIGINAL
The Rocky Horror Picture Show
AÑO DE ESTRENO
1975
DIRECTOR
Jim Sharman
PRODUCTORES
Lou Adler, Michael White
GUION
Richard O’Brien, Jim Sharman
Basado en el musical de Richard O’Brien
REPARTO
Tim Curry (Doctor Frank N. Furter), Susan Sarandon (Janet Weiss), Barry Bostwick (Brad Majors), Richard O’Brien (Riff Raff), Patricia Quinn (Magenta), Nell Campbell (Columbia), Jonathan Adams (Doctor Everett V. Scott), Peter Hinwood (Rocky Horror), Meat Loaf (Eddie), Charles Gray (Criminólogo), Jeremy Newson (Ralph Hapschatt), Hilary Labow (Betty Munroe)
CINEMATOGRAFÍA
Peter Suschitzky
BANDA SONORA
Richard Hartley, Richard O’Brien
VESTUARIO
Sue Blane
PAÍS DE ORIGEN
Reino Unido
DISTRIBUIDA POR:
20th Century Fox
DURACIÓN
100 minutos

FRANK N. FURTER: “Brad y Janet… ¿qué os parece?”
JANE WEISS: “Bueno, no me gustan los hombres demasiado musculosos.”
FRANK N. FURTER: “¡No lo he hecho para ti!”

BRAD MAJORS: “¡Tú!”
FRANK N. FURTER: “Sí, Brad. ¿Pero verdad que es bonito?”
BRAD MAJORS: “¿Qué has hecho con Janet?”
FRANK N. FURTER: “Nada. ¿Crees que debería?”
BRAD MAJORS: “Me has engañado. No lo he hecho nunca.”
FRANK N. FURTER: “Sí, lo sé. Pero no está tan mal. ¿Verdad? Ni la mitad de mal. Creo que lo disfrutarás de verdad. Tan Suave, tan sensual.”
BRAD MAJORS: “¡No! ¡Para! Oh, Janet. ¡Janet!”
FRANK N. FURTER: “Janet ya debe de estar dormida. ¿Quieres que te vea así?”
BRAD MAJORS: “¿Así? ¿Así, cómo? Tú eres el culpable. ¡Creí que eras ella!”
FRANK N. FURTER: “Brad, admítelo. Te ha gustado, ¿verdad? Entregarse al placer no es un crimen. Brad, ya has perdido tanto tiempo. No hace falta que Janet lo sepa. No se lo diré.”
BRAD MAJORS: “¿Prometes no decírselo?”
FRANK N. FURTER: “Por la tumba de mi madre.”

SINOPSIS
Recién prometidos en matrimonio, Brad Majors y Janet Weiss conducen en medio de una terrible tormenta y acaban llegando a un siniestro castillo. Al entrar, con la intención de usar un teléfono, se encuentran con una peculiar fiesta, y terminan por conocer al Doctor Frank-N-Furter, un dulce travesti de Transilvania. La llegada de Brad y Janet no tiene lugar durante una fiesta cualquiera en una noche cualquiera. Esa es la noche en la que Frank anuncia estar listo para dar vida a su nueva creación. Esta es denominada Rocky Horror, un adonis musculado y apuesto diseñado para darle placer absoluto. Sin embargo, Frank se enfrenta al hecho de que puede no resultar atractivo para su creación.
Brad y Janet se quedan en el castillo durante una noche agitada en la que Frank seduce y mantiene relaciones sexuales con ambos. Janet también mantiene relaciones con el vulnerable Rocky, y el Doctor Everett Von Scott llega en busca de su sobrino Eddie, previamente asesinado por Frank. Todo esto culminará en enfrentamientos y revelaciones acerca del origen de los habitantes del castillo. Pero la vida de Brad y Janet habrá cambiado para siempre.

CURIOSIDADES
La película está basada en un popular musical, que cuenta con la participación de los espectadores y ha sido presentado constantemente desde 1973. Richard O’Brien vivía como un actor desempleado en Londres durante el principio de la década de 1970. Para mantenerse ocupado escribió el musical durante un invierno. Desde que era joven O’Brien había sido un fan de las películas de ciencia ficción y las de terror de “Serie B”. Deseaba combinar elementos del humor involuntario del cine de terror de “Serie B”, el dialogo aciago de ese género, el culto al cuerpo al estilo de Steve Reeves y el rocanrol en un musical. 
De esta forma concibió y escribió su obra musical en contraste con el estilo musical británico característico de los años setenta. De esta forma, Richard O’Brien llegó a declarar que el “Glam Rock” le había permitido ser él mismo por primera vez.
O’Brien le mostró una parte del guion todavía inconcluso al director australiano Jim Sharman. Este decidió dirigirlo en un espacio pequeño y experimental del Royal Court Theater de la plaza Sloane Square, en Chelsea, Londres. O’Brien había aparecido brevemente en el “Jesucristo Superstar” dirigido por Sharman. El director logró reclutar al diseñador de producción Brian Thomson y a Sue Blane para diseñar el vestuario. Poco después el equipo se completó con el productor Michael White y el director musical Richard Hartley. Inicialmente el título iba a ser “Vinieron de Denton High”, pero se cambió al título actual que fue sugerido por Sharman.
El musical se estrenó en el mencionado teatro que solamente contaba con sesenta asientos. 
Sin embargo no tardó en extenderse a teatros de mayor capacidad hasta como el “Chelsea Classic Cinema”, que contaba con doscientos treinta localidades, en agosto de 1973. Finalmente se estableció en el King’s Road Theater, que contaba con quinientas localidades, durante seis años. Convirtiéndose en un musical de culto, no tardó en conseguir hacerse famoso. Cuando Lou Adler asistió al musical, no dudó en hacerse con los derechos para estrenarlo en el “Roxy Theater” de Los Ángeles. El repetido éxito en distintos teatros fue lo que provocó que la obra de teatro se convirtiera en una película de culto.

LO MEJOR
Todo en esta película es formidable, comenzando con una originalidad que logró romper los convencionalismos de la década de 1970. Careció de importancia que críticos y sectores sociales la vapulearan, porque la película se convirtió en todo un mito conocido por la inmensa mayoría.
Conseguir esto en 1975, con escenas sexualmente provocadoras y completamente inusuales, es todo un logro. Todo el reparto realiza un trabajo sobresaliente, pero siempre me he sentido fascinado con el personaje brillantemente interpretado por Tim Curry. El actor consiguió acaparar mi atención en todo momento, y siempre será el más dulce travesti. “No lo sueñes… hazlo.”

LO PEOR
No hay nada negativo que yo haya sido capaz de encontrar en esta película.

MI CALIFICACIÓN
10/10

jueves, 22 de marzo de 2018

DOMINGO, MALDITO DOMINGO

TITULO ORIGINAL
Sunday Bloody Sunday
AÑO DE ESTRENO
1971
DIRECTOR
John Schlesinger
PRODUCTORES
Joseph Janni, Edward Joseph
GUION
Penelope Gilliatt
REPARTO
Peter Finch (Doctor Daniel Hirsh), Glenda Jackson (Alex Greville), Murray Head (Bob Elkin), Peggy Ashcroft (Señora Greville), Tony Britton (George Harding), Maurice Denham (Señor Greville), Bessie Love (Operadora), Vivian Pickles (Alva Hodson), Frank Windsor (Bill Hodson), Thomas Baptiste (Profesor Johns), Richard Pearson (Paciente), June Brown (Paciente), Russell Lewis (Tímothy Hodson), Marie Burke (Tía Astrid), Hannah Norbert (Madre de Daniel), Harold Goldblatt (Padre de Daniel)
CINEMATOGRAFÍA
Billy Williams
BANDA SONORA
Ron Geesin
VESTUARIO
Jocelyn Rickards
PAÍS DE ORIGEN
Reino Unido
DISTRIBUIDA POR:
United Artists
DURACIÓN
110 minutos

DANIEL HIRSCH: “En el colegio no ves la hora de marcharte. La gente te dice que el mundo no te va a gustar. Yo no les creí, y tenía razón. Cuando era pequeño estaba deseando ser mayor. Ellos te decían que la infancia es la mejor época de la vida; y era mentira. Y ahora querría que estuviera conmigo y me dicen, ‘eras su segundo plato, mejor que te hayas librado de él’. Y les digo, ‘ya lo sé, pero le echo de menos’… simplemente. Me dicen, ‘nunca te hizo feliz’. Y yo contesto, ‘pero si soy feliz, y además le adoro’. Podía darme las pastillas para mi tos. Toda mi vida he buscado a alguien valiente y lleno de recursos. Él no es así, pero algo… teníamos algo. Solo he venido por esta tos.”

SINOPSIS
Daniel Hirsh es un médico judío que reside en Londres ocultando su homosexualidad, y embarcado en una relación con el joven veinteañero y escultor Bob Elkin. 
Sin embargo también es parte de un triángulo amoroso, ya que Bob Elkin también mantiene una aventura con Alex Greville, una mujer en la treintena que además es parte del círculo de amigos Daniel. Esta relación es particularmente complicada porque Daniel es consciente de que Bob mantiene relaciones con Alex; y Alex es consciente de la relación de Daniel con Bob. A pesar de esto, tanto Daniel como Alex están dispuestos a aguantar esta situación al tener pánico ante la idea de perder a Bob, que libremente va de uno al otro en el extraño triangulo.
Alex comienza sentir que su relación con Bob está relacionada con su decepcionante vida profesional, matrimonio fracasado y dificultosa infancia. Daniel Hirsch siente que la relación simboliza su oportunidad de escapar de su origen judío y reprimido. Tanto el uno con el otro son conscientes de que la situación no puede durar, algo que se convierte en una realidad cuando Bob anuncia que abandonará el país. 
El joven ha recibido la oportunidad de abrir su propia galería de arte en Nueva York. Es entonces cuando Daniel y Alex tendrán que aceptar que el momento de aceptar el cambio ha llegado.

CURIOSIDADES
La película fue importante en su momento al mostrar un personaje homosexual exitoso, bastante bien integrado, y sin problemas a la hora de aceptar su homosexualidad. En ese aspecto, la película supuso un cambio bastante radical al compararse con la película previa de Schlesinger, “Cowboy de Medianoche” (1969). Las películas de la década de 1960 y 1970 tendían a mostrar a los homosexuales como personas alienadas y serios problemas de autoestima. La película fue estrenada un año antes de la masacre de civiles irlandeses a manos del Ejército Británico en Derry. Dicho evento sería conocido como “Bloody Sunday”, y ha dado lugar a confusiones relacionadas con la trama de la película.
Alan Bates fue el actor originalmente escogido por John Schlesinger para interpretar a Daniel Hirsch.
Sin embargo no fue capaz de aceptar el trabajo al estar entonces involucrado con la película “El Mensajero” (1971). Fue reemplazado por Ian Bannen, que abandonó el proyecto tras dos semanas de rodaje. En realidad fue despedido al mostrarse excesivamente nervioso ante tener que besar a otro actor ante las cámaras, y el daño que esto podía provocar en su carrera. Dicha obsesión llegó a hacer que no fuera capaz de recitar sus diálogos de forma efectiva. Finalmente el papel recayó en Peter Finch, aunque el papel de Daniel Hirsch había sido escrito como un personaje mucho más joven. Tiempo después, Bannen declaró que perder el papel había supuesto un serio problema en su carrera, y que siempre se había sentido arrepentido. Varias actrices como Edith Evans o Thora Hird rechazaron el papel de la madre de Glenda Jackson, la Señora Greville, de forma educada. Alegaron que el proyecto les parecía demasiado arriesgado. Peggy Ashcroft aceptó el papel cuando el director se sentó con ella para explicarle los elementos de la historia, que le parecieron interesantes. 
Daniel Day-Lewis debutó en esta película a la edad de catorce años. Interpretó a un vándalo y no fue acreditado por ello. Describió la experiencia como “gloriosa”, al recibir dos libras por destrozar coches caros aparcados delante de una iglesia.
La película recibió cuatro nominaciones a los Oscar, pero no logró hacerse con ninguna estatuilla. Recibió nominaciones al Mejor Director y Mejor Guion Original, perdiendo contra “Contra el Imperio de la Droga” y “Anatomía de un Hospital” respectivamente. Peter Finch y Glenda Jackson fueron nominados a Mejor Actor y Actriz. Perdieron las estatuillas contra Gene Hackman y Jane Fonda por sus papeles en “Contra el Imperio de la Droga” y “Klute” respectivamente.

LO MEJOR
No solo fue una película osada y atrevida para la época, sino que mostró a personajes que bien pudieran asemejarse a cualquiera. 
La idea de un triángulo amoroso bien podría parecer poco novedosa, pero me fascinó que en este caso los dos “satélites” fueran conscientes el uno del otro. Peter Finch realiza un gran trabajo con un personaje que considero lo único salvable del film. El personaje de Daniel Hirsch no solo es inusual por su éxito y estatus social, sino porque refleja a la perfección ese rechazo a ciertas normas establecidas, comprendiendo que debe jugar a su juego perfectamente. Sus diálogos y monólogos son excepcionales.

LO PEOR
Glenda Jackson también realiza un gran trabajo, pero su personaje me pareció demasiado “histérico”, sin profundizar excesivamente en él. Lo pero desde mi punto de vista es el personaje de Bob Elkin, ya que carece de interés alguno y resulta completamente plano, tanto como el actor Murray Head. Con un personaje tan superficial, el triángulo amoroso pierde credibilidad.

MI CALIFICACIÓN
7/10

jueves, 15 de marzo de 2018

LA ESCALERA

TITULO ORIGINAL
Staircase
AÑO DE ESTRENO
1969
DIRECTOR
Stanley Donen
PRODUCTOR
Stanley Donen
GUION
Charles Dyer
REPARTO
Richard Burton (Harry Leeds), Rex Harrison (Charlie Dyer), Cathleen Nesbitt (Madre de Harry), Avril Angers (Señorita Ricard), Stephen Lewis (Jack), Beatrix Lehmann (Madre de Charlie), Pat Heywood (Enfermera), Michael Rogers (Cantante Drag), Royston Starr (Cantante Drag), Jake Kavanagh (Chico del coro), Dermot Kelly (Sepulturero), Gordon Heath (Cartero), Neil Wilson (Policía), Shelagh Fraser (Monitora de scouts), Gwen Nelson (Matrona)
CINEMATOGRAFÍA
Christopher Challis
BANDA SONORA
Dudley Moore
VESTUARIO
Clare Rendlesham
PAÍS DE ORIGEN
Reino Unido
DISTRIBUIDA POR:
20th Century Fox
DURACIÓN
96 minutos

HARRY LEEDS: “Tú y tu puto sarcasmo. Para ti es fácil, conservas tu figura. Pero yo estoy acabado, aunque por dentro sigo siendo el mismo. Por dentro llevo pantalones italianos ajustados, Charlie. ¿Pero quién lo sabe? ¿Quién quiere verme con pantalones ajustados? Soy como la oreja de una cerda, un símbolo fálico, marchitado y pasado de moda.”
CHARLIE DYER: “Que cosas tan sucias dices. Mantén el orgullo, mantenlo.”
HARRY LEEDS: “He renunciado a esperar comprensión de tu parte.”
CHARLIE DYER: “¿De qué te quejas? ¿De qué te quejas? Todos nos devaluamos. ¿Qué me dices de mis varices? Mis piernas son como perchas de loro cagadas.”
HARRY LEEDS: “Tú todavía eres guapo por fuera.”
CHARLIE DYER: “Oh, vale.”

CHARLIE DYER: “Estoy tan asustado Harry.”
HARRY LEEDS: “No tengas miedo Charlie; no tengas miedo. Ya veremos; ya veremos. Construiremos una escalera que llegue hasta el cielo, y no estaremos solos volando tan alto. ¿Has intentado rezar Charlie?”

SINOPSIS
Harry y Charlie han sido pareja durante treinta años. A pesar de tenerse verdadero cariño, tienden a enfrentarse en ataques verbales bastante crudos, con la intención de hacerse daño pero al mismo tiempo para admitir que siguen necesitándose a pesar del paso del tiempo. Ambos viven encima de la peluquería de Harry, denominada “Chez Harry”. Con ellos vive la madre de Harry, una anciana inválida y propensa a los ataques de histeria. Este no es el único problema  de Harry, que sufre de alopecia cubriéndose con un turbante, y negándose a llevar la peluca que tiene, debido a sus crecientes inseguridades. Charlie es un antiguo actor que vive del legado de un simple anuncio televisivo, y su trabajo más famoso, que todavía se emite. 
Sin embargo conserva el ego característico de su profesión.
La relación de ambos perdura a pesar de los constantes ataques entre ambos, con Charlie culpando a Harry de desear su fracaso para que pueda desarrollar una relación más dependiente hacia él. La tensión entre ambos aumenta cuando Charlie recibe una citación para ser juzgado, tras haberse insinuado a un agente de policía sin ser consciente de su identidad. Otro inminente evento que no ayuda a la situación es el de la visita de Cassie, hija de Charlie a la que no ha visto desde que naciera veinte años atrás.

CURIOSIDADES
Se trata de la adaptación de la obra de teatro del mismo título de Charles Dyer, encargado de adaptarla, estrenada tres años atrás del estreno del film. La obra original solamente contenía a los dos personajes protagonistas, una pareja gay de avanzada edad que reside encima de la peluquería que poseen en el East End de Londres. 
Los personajes se llaman Charles Dyer, nombre del guionista, y Harry Leeds, anagrama de su propio nombre. La acción tenía lugar durante el transcurso de una noche, en la que la pareja discutían su pasado volátil aunque lleno de cariño, y lo que supondría el futuro si no estuvieran el uno con el otro.
Al adaptar su obra para crear la película, Dyer amplió la historia para incluir el barrio de sus personajes protagonistas, añadió varios personajes como sus respectivas madres, y amplió el periodo de la trama a un total de diez días. Debido a las leyes de impuestos en el Reino Unido, las estrellas del film insistieron en que la película fuera rodada en Paris. Este requisito aumentó considerablemente al presupuesto y los ya inflados sueldos de los actores. Rex Harrison cobró un millón de dólares, y Richard Burton un millón doscientos cincuenta mil. Elizabeth Taylor, casada entonces con Richard Burton, se encontraba rodando “El Único Juego de la Ciudad” (1970) al mismo tiempo que la película se encontraba en producción.
Aunque la trama de su película se tenía lugar en Las Vegas, Taylor exigió rodar en Paris al director George Stevens para poder estar cerca de su marido. Esto también incrementó considerablemente el presupuesto de su película.
La película fue un fracaso de taquilla y vapuleada por la crítica y sectores reivindicativos de la comunidad homosexual. Muchas asociaciones tildaron el film de homófobo y concretarse en estereotipos dañinos.

LO MEJOR
Empezaré criticando esa hipocresía de la época que tilda la película de homófoba. Esto generalmente es resultado de lo que denominaría “plumofobia”. La película me pareció formidable y no se concentró en ningún tipo de estereotipos. He tenido la suerte de conocer a muchas personas similares a los protagonistas, y no creo que nadie deba de decidir cómo deben de ser o actuar.
Dicho esto, la historia es extraordinaria al reflejar la vida de una pareja gay de ya avanzada edad, con sus miedos, problemas, alegrías, angustias, y discusiones. 
La película aborda diferentes temas, mayormente esa inevitabilidad del pasar los años y el miedo que conlleva. El personaje de Harry me pareció especialmente fascinante por sus inseguridades, miedos y negación del pasar de los años, cuando se ve enfrentado a esa realidad al cuidar de su anciana madre. Por su parte el personaje de Charlie se enfrenta también a esos temores, más el definitivo que es acabar solo y condenado.
En términos generales me pareció una película muy arriesgada y valiente para su década, ya que trataba determinados temas que eran todavía tabú. Es complicado defender un film con solo dos personajes, cosa que se logra con creces.

LO PEOR
No hay nada negativo que yo haya sido capaz de encontrar en esta película.

MI CALIFICACIÓN
10/10

jueves, 8 de marzo de 2018

TEOREMA

TITULO ORIGINAL
Teorema
AÑO DE ESTRENO
1968
DIRECTOR
Pier Paolo Pasolini
PRODUCTORES
Franco Rossellini, Manolo Bolognini
GUION
Pier Paolo Pasolini
REPARTO
Terence Stamp (El Visitante), Silvana Mangano (Lucia, la madre), Massimo Girotti (Paolo, el padre), Anne Wiazemsky (Odetta, la hija), Laura Betti (Emilia, la sirvienta), Andrés José Cruz Soublette (Pietro, el hijo), Ninetto Davoli (Angelino, el mensajero), Carlo de Mejo (Muchacho), Adele Cambria (Emilia, segunda sirvienta), Luigi Barbini (Chico en la estación), Giovanni Ivan Scratuglia (Segundo chico), Alfonso Gatto (Médico)
CINEMATOGRAFÍA
Giuseppe Ruzzolini
BANDA SONORA
Ennio Morricone
VESTUARIO
Marcella De Marchis
PAÍS DE ORIGEN
Italia
DISTRIBUIDA POR:
Euro International Film
DURACIÓN 
98 minutos

PIETRO: “Ya no me reconozco. Aquello que me hacía semejante a otros ha sido destruido. Me parecía a los demás a pesar de mis defectos, los míos y los de mi mundo. Tú alteraste el orden natural de las cosas. No me di cuenta durante el tiempo de tu estancia. Lo empiezo a comprender ahora que te marchas. Al perderte tomo consciencia de mi diversidad. ¿Qué pasará conmigo? Viviré con mi otro yo, que ya no tiene nada que ver conmigo. Las raíces de mi diversidad deben encontrarse, tal y como tú me enseñaste. ¿Y cuál es mi verdadera naturaleza afligida? Sin desearlo no lo podré superar con todo y todos contra mí.”

SINOPSIS
Un hombre misterioso conocido únicamente como el Visitante se involucra en la vida de una típica familia burguesa Italia. El enigmático hombre no tarda en iniciar aventuras sexuales con cada uno de los habitantes de la casa. 
Una es la doncella religiosa Emilia, otro el hijo sensible Pietro, otra la madre reprimida Licia, otra la hija tímida Odetta y el atormentado padre Paolo. Durante esos encuentros el Visitante se entrega en todo momento, sin pedir nada a cambio. Impide que la doncella se suicide y la consuela con cariño. Se hace amigo y se acuesta con el asustadizo hijo calmando sus dudas y ansiedad, y otorgándole confianza. Desarrolla una relación íntima emocional con la hija sobreprotegida, eliminando sus pensamientos inocentes acerca de los hombres. Seduce a la aburrida e insatisfecha madre, dándole placer sexual y sentido del propósito. Y cuida y consuela al desesperanzado padre enfermo.
El problema surge el día en el que el Visitante anuncia que debe marcharse, dejando a toda la familia sumida en la desesperanza. Cada uno de los miembros de la familia siente incertidumbre sobre el futuro, sin el desconocido que ha formado parte de sus vidas y les ha dado un nuevo sentido.

CURIOSIDADES
La película es considerada como la segunda parte del “Ciclo Mítico” de Pier Paolo Pasolini, que incluye los films “Edipo Rey” (1967) “Pocilga” (1969) y “Medea” (1969). Al ser estrenada la derecha religiosa y el Vaticano criticaron el contenido sexual de la película; mientras otros la consideraron ambigua y visionaria. Durante el Festival de Cine de Venecia, la película recibió un premio de la Oficina de Cine Católica Internacional. Pero el premio fue retirado tras las críticas emitidas por el Papa Pablo VI. Una vez finalizado el festival, la película fue confiscada por la policía italiana, y Pasolini acusado de obscenidad, aunque fue absuelto. Los académicos la juzgaron de forma diferente elogiando su franqueza y ambigüedad.
A la hora de desarrollar críticas, muchos académicos se concentraron en los argumentos filosóficos de la película, ignorando las técnicas cinematográficas de la misma. Maurizio Viano argumento que Pasolini intentaba ser teórico en esta película, para ser reconocido como tal en la historia del cine.
Otra interpretación general de la película se basó que la historia era una crítica de la burguesía social, así como de la aparición y nueva relevancia del consumismo. En su trabajo biográfico “Pier Paolo Pasolini”, Enzo Siciliano asumió que con la película el director deseaba expresar sus dificultades como homosexual. Sin embargo Viano creía que el énfasis de Pasolini no era la homosexualidad, sino la sexualidad en general. Su argumento era que después de todo el personaje principal mantenía relaciones con todos los habitantes de la casa, independientemente de su género.
Otra interpretación más convincente para muchas, era que la trama era Marxista y Maquiavélica. Muchos pensaron que como declarado comunista, Pasolini deseaba realizar una crítica sobre la decadencia de la burguesía y el proletariado del sur de Italia. Ambos aspectos de la sociedad necesitaban de la aparición de un gran personaje, modelado a partir de la idea Maquiavélica del Principe, para agitar las consciencias y poner al país en el camino acertado. 
El hombre viril interpretado por Terence Stamp simbolizaba ese necesario liderazgo, revelando las verdades ocultas de los personajes y liberándoles para que pudieran alcanzar su potencial. Pasolini escribió y publicó la novela del mismo título el mismo año del estreno de la película.

LO MEJOR
Durante la primera mitad de la película me sentí un poco interesado por el personaje de Terence Stamp, y su relación con la familia. Algunos diálogos me parecieron interesantes.

LO PEOR
Debo empezar alegando que nunca discutiré la aceptada noción de que Pasolini fue un gran cineasta. Dicho esto, tengo que reconocer que nunca me he sentido mínimamente interesado por sus trabajos. Por lo general, este tipo de cine siempre me ha parecido bastante pretencioso, sobre todo cuando es acogido con confusión y se critica al espectador que no ha entendido el supuesto genial mensaje. 
En mi caso, más que no entender el mensaje, me encontré con que no me interesaba lo más mínimo el intentarlo. La película no tardó en tornarse tediosa, aburrida e insufrible. Ni siquiera la encontré escandalosa, ya que de ser así algo me habría afectado.
Siempre me ha dado la sensación que la intención de Pasolini era más la de provocar que la de transmitir mensaje alguno. Cuando uno está interesado en transmitir un mensaje, no lo hace tan imposible. El hecho es que a la hora de investigar esta película me encontré con infinidad de interpretaciones por parte de numerosos académicos. Aunque existen algunos elementos comunes, no me dado la sensación de un consenso general sobre la trama y su propósito.
Esto me lleva a pensar que el director ha fracasado, o solamente ha tenido el propósito de confundir y despertar una polémica que acaba por difuminarse con el tiempo.

MI CALIFICACIÓN
2/10

jueves, 1 de marzo de 2018

LOS CHICOS DEL CUERO

TITULO ORIGINAL
The Leather Boys
AÑO DE ESTRENO
1964
DIRECTOR
Sidney J. Furie
PRODUCTOR
Raymond Stross
GUION
Gillian Freeman
REPARTO
Rita Tushingham (Dot), Colin Campbell (Reggie), Dudley Sutton (Pete), Gladys Henson (Abuela), Avice Landone (Madre de Reggie), Lockwood West (Padre de Reggie), Betty Marsden (Madre de Dot), Martin Matthews (Tío Arthur), Johnny Briggs (Brian), James Chase (Les), Geoffrey Dunn (Señor Lunnis), Dandy Nichols (Señorita Stanley), Carmel McSharry (Conductora del autobús), Sylvia Stiles (Transeúnte), Valerie Varnam (Brenda), Jill Mai Meredith (June), Elizabeth Begley (Recepcionista), Brian Phelam (Hombre en jeans), Oliver MacGreevy (Mercader marino), Sylvia Kaye (Profesora), Sandra Caron (Estudiante)
CINEMATOGRAFÍA
Gerald Gibbs
BANDA SONORA
Bill McGuffie
VESTUARIO
Harry Haynes
PAÍS DE ORIGEN
Reino Unido
DISTRIBUIDA POR:
British Lion-Columbia
DURACIÓN
108 minutos

REGGIE: “Es mi mujer, esa es la razón por la que uno se casa, para estar juntos pase lño que pase.”
PETE: “Hemos sido felices juntos. ¿Verdad?”
REGGIE: “Claro que sí Pete.”
PETE: “¿Has podido contar conmigo? ¿Has podido hablar conmigo de cualquier cosa? He escuchado todos tus problemas. He estado ahí para ti.”
REGGIE: “Has sido un gran amigo Pete.”
PETE: “Entonces no entiendo nada.”
REGGIE: “Tienes que intentar entenderlo Pete.”
PETE: “No lo consigo. No puedo encontrar ninguna razón por la que quieras volver con Dot.”
REGGIE: “¡Por el amor de Dios, Pete! ¡Necesito una mujer!”

SINOPSIS
Dot y Reggie son dos adolescentes que pertenecen a la clase trabajadora. Reggie pertenece a una pandilla de moteros caracterizados por sus chaquetas de cuero, y lleva tiempo saliendo con Dot. Ambos se casan y tienen su boda perfecta, lo cual es aparentemente el inicio de un idilio perfecto. Sin embargo, tras una luna de miel desastrosa, Dot comienza a mostrar una actitud radicalmente distinta. Se muestra chillona, egoísta y la situación comienza a provocar problemas en el reciente matrimonio. Reggie comienza a distanciarse de su esposa y pasar más tiempo con su pandilla de moteros, especialmente con un joven llamado Pete. También pierde interés en mantener relaciones con su esposa.
Las cosas empeoran cuando Reggie comienza a cuidar de su abuela cuando queda viuda, enfureciendo todavía más a Dot. Reggie queda sorprendido al oír como su esposa se queja de no poder ir al cine por dedicar tiempo a su abuela. Por otro lado, Pete se muestra más comprensivo, apoyando a Reggie e instalándose con él en casa de su abuelo. 
Ambos comienzan a compartir cama, aunque Reggie ignora que Pete es homosexual y desea que ambos acaben juntos. Dot también comienza a verse con otro motero llamado Brian, y la situación se va volviendo cada vez más explosiva.

CURIOSIDADES
La película está basada en una novela escrita por Gillian Freeman, que también se encargó de crear el guion de la película. La idea surgió cuando un editor y agente literario de Londres, llamado Anthony Blond, le sugirió que escribiera una historia al estilo de “Romeo y Romeo” establecida en los suburbios del sur de Londres. El libro fue publicado en 1961, y Freeman utilizó el seudónimo de Eliot George, en honor a Mary Ann Evans, autora del siglo XIX que utilizaba el seudónimo de George Eliot. Freeman fue acreditada con su propio nombre como autora del guion basado en la novela de Eliot George.
La novela original era muy explícita en lo referente a la homosexualidad, y la relación sexual entre los personajes de Reggie y Pete. 
También dejaba bien claro que Dot quedaba embaraza de otro hombre, intentando manipular a Reggie después. Otro cambio significativo era que la banda de moteros a la que Reggie y Pete pertenecían era parte de una red criminal. La novela finalizaba con un robó perpetrado por los dos personajes. A la hora de adaptar la novela y crear el guion, se realizaron cambios considerables. Reggie y Pete no llegaban a mantener relaciones sexuales, y el primero ignoraba la homosexualidad del segundo hasta el final. También se eliminó toda actividad criminal de la historia. La razón era conseguir que la historia fuera más “aceptable” para los espectadores de 1964.
De hecho no se mencionaba que Pete fuera homosexual en ninguno momento de la película, limitándose a sugerirlo claramente al final de la misma. Curiosamente, la película logró burlar el Código Hays de Hollywood de la época, siendo estrenada a pesar del tema que abordaba de forma tangencial.

LO MEJOR
Hay que entender y apreciar el gran riesgo de abordar ciertos temas en la primera década de 1960. Evidentemente, esta no fue la primera película en burlar la censura, y a aun así no se atrevió a conservar muchas cosas de la novela. La película no oculta que el triángulo que se presenta contiene un elemento homosexual. Destacaría la interpretación de Colin Campbell, cuyo personaje Reggie es el único que consiguió despertar una total empatía cuando vi la película. Campbell es fascinante al descubrirse tanta inseguridad y vulnerabilidad debajo de una apariencia de “hombre duro”. Lo que sí consiguió fue mantenerme en vilo acerca del desarrollo de la situación, y también me pareció que funcionaba muy bien como crítica a los matrimonios prematuros y sus evidentes consecuencias.

LO PEOR
Me temo que en el afán de agradar, y al cambiar tan drásticamente la película, el personaje de Pete sufrió bastante. Muchos podrían interpretar que el personaje homosexual está ahí exclusivamente para acabar con el matrimonio y conseguir a Reggie cueste lo que cueste. Hubiera estado bien el profundizar en sus sentimientos y motivaciones. Rita Tushingham tampoco me convenció en el papel de Dot, particularmente en las escenas en las que discute con Reggie. En estas me pareció bastante sobreactuada. El final tampoco me pareció efectivo, al no lograr cerrar muchas de las tramas. En esa ocasión era muy necesario un dialogo entre Pete y Reggie, siendo el segundo el que pierde al mantener una actitud bastante homófoba. Creo que sin intentarlo, se convierte al personaje homosexual en el villano de forma injusta.

MI CALIFICACIÓN
5/10