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jueves, 25 de septiembre de 2014

CARAVAGGIO

TITULO ORIGINAL
Caravaggio
AÑO DE ESTRENO
1986
DIRECTOR
Derek Jarman
PRODUCTOR
Sarah Radclyffe
GUION
Derek Jarman, Suso Cecchi d’Amico, Nicholas Ward Jackson
REPARTO
Nigel Terry (Caravaggio), Sean Bean (Ranuccio), Tilda Swinton (Lena), Michael Gough (Cardenal Del Monte), Dexter Fletcher (Joven Caravaggio), Noam Almaz (Caravaggio de niño), Dawn Archibald (Pipo), Jack Birkett (El Papa), Sadie Corre (Princesa Collona), Una Brandon-Jones (Mujer llorosa), Imogen Claire (Dama con joyas), Robbie Coltrane (Scipione Borghese), Garry Cooper (Davide), Lol Coxhill (Viejo cura), Nigel Davenport (Giustiniani), Vernon Dobtcheff (Amante del arte), Terry Downess (Guardaespaldas), Jonathan Hyde (Baglione), Spencer Leigh (Jerusaleme), Emile Nicolaou (Joven Jerusaleme), Gene October (Modelo), Cindy Oswin (Lady Elizabeth)
CINEMATOGRAFÍA
Gabriel Beristain
BANDA SONORA
Simon Fisher-Turner
VESTUARIO
Sandy Powell
PAÍS DE ORIGEN
Reino Unido
DISTRIBUIDA POR:
British Film Institute
DURACIÓN
93 minutos
 
MADRE DE JERUSALEME: “Las estrellas son los diamantes de los pobres. Los ricos esconden sus diamantes en los sótanos, avergonzados de compararlos con las riquezas del señor que brillan en el cielo.”
 
CARAVAGGIO: “Construí mi mundo como el misterio divino. Encontré el Dios en el vino y lo lleve a mi corazón. Me pinté como Baco y asumí su destino, un desmembramiento orgiástico salvaje. Alzo esta frágil copa y brindo por vosotros, mi público. El carácter del hombre es su destino.”
 
SINOPSIS
El gran pintor Caravaggio está muriendo de envenenamiento por plomo mientras se encuentra en el exilio. Solo está acompañado del sordomudo Jerusaleme, quien ha sido su acompañante y protegido durante largo tiempo.
En su lecho de muerte, el célebre pintor comienza a recordar los momentos más relevantes de su vida. Esta comienza cuando solo era joven callejero, que ya se dedicaba a la pintura y a prostituirse, convertido en todo un rufián. Durante esa época, el joven enferma y es acogido por curas, llamando la atención del Cardenal Del Monte. El Cardenal decide cuidar del desarrollo artístico e intelectual de Caravaggio, pero todo parece indicar que mantiene una relación sexual con el joven.
Ya convertido en adulto, Caravaggio se hace amigo de Ranuccio, quien sirve como modelo para el artista. Acompañado por Ranuccio esta su amante Lena, quien también llama la atención de Caravaggio. El pintor no tarda en tener relaciones con ambos, y cuando las partes interesadas lo descubren, surgen los conflictos. El mayor de todos tendrá lugar cuando Lena quede embarazada, sin saber quién es el padre, y decida casarse con un adinerado burgués.
 
CURIOSIDADES
La película es una narración ficticia de la vida del pintor Michelangelo Meri Caravaggio, nacido en 1573, y fallecido en 1610. Fue uno de los pintores más grandes, y también de los más controvertidos, del Renacimiento Italiano. Sus cuadros eróticos de santos desnudos provocaron un gran escándalo en la época. Derek Jarman tuvo serias dificultades para llevar a cabo esta película, que se extendieron durante siete largos años. Su película se basa en el triángulo amoroso, y ficticio, entre Caravaggio, su amigo y modelo Ranuccio, y la compañera de este, Lena.
El director hizo uso de varios de los cuadros más famosos del pintor, trasladándolos a la película a través de fotografías cuidadosamente elaboradas de cuadros vivientes. Dichas obras se mezclan con la trama, sirviendo de punto de partida para sus personajes y episodios narrativos. De esta forma, la película funde hechos, ficción, leyendas e imaginación. Esta fue la primera ocasión en la que Derek Jarman trabajó con Tilda Swinson, quien interpretaba al personaje de Lena.
Swinson terminaría por convertirse en su musa, y colaboraría con el director en repetidas ocasiones.
Derek Jarman hizo un uso consciente de repetidos anacronismos durante toda la película. Se puede ver a Caravaggio en un bar iluminado con luces eléctricas, a un personaje utilizando una calculadora, y el protagonista hace uso de una máquina de escribir, y fuma en repetidas ocasiones. Otros ejemplos son los apreciables sonidos de bocinas de coches, que se escuchan en el estudio del pintor, u otra escena en la que Ranuccio repara y limpia una motocicleta. La intención era hacer uso de una teoría revisionista, que el propio Caravaggio aplicaba a sus cuadros.
La película causó furor, generando acusaciones de todo tipo, desde que su obra había sido irreverente, hasta que su interpretación de la nunca probada homosexualidad del pintor, así como sus impulsos violentos. La película fue presentada al trigésimo sexto Festival de Cine Internacional de Berlín, donde ganó el Oso de Plato al mayor logro individual.
 
LO MEJOR
En este caso hay varias cosas que elogiar. Comenzaré con el elenco de actores que realiza un trabajo excepcional. El triángulo que se forja entre los tres personajes principales es muy interesante, y a la vez creíble. Los tres actores derrochan pasión, aunque siento, como siempre, una especial predilección por Tilda Swinson, a quien siempre he considerado multifacética.
El guion es poesía en estado puro, y casi lamento que en ocasiones sea escaso. Hay determinados monólogos narrativos que se me quedaron grabados a fuego. El aspecto artístico nunca ha sido el punto débil de Jarman, aunque siempre tiende a explotarlo en exceso. Destacaría el uso de cuadros vivientes para marcar distintos episodios narrativos, los cuales me impresionaron considerablemente.
 
LO PEOR
Siempre he tenido el mismo problema con el cine de Derek Jarman. Desde mi punto de vista, sus narraciones se centran en exceso en lo artístico, lo que provoca que la narrativa se vuelva en extremo lenta. Esto me parece doblemente sorprendente considerando que la película solo dura hora y media. Por otro lado, nunca he entendido el uso de anacronismos, por muy artística que sea la razón detrás del uso de los mismos. Nunca le he encontrado el sentido a este recurso, que además chirría con creces en esta ocasión al chocar con el realismo que alcanza la ambientación del siglo diecisiete.
 
MI CALIFICACIÓN
7/10

jueves, 18 de septiembre de 2014

EL BESO DE LA MUJER ARAÑA

TITULO ORIGINAL
Kiss of the Spider Woman
AÑO DE ESTRENO
1985
DIRECTOR
Héctor Babenco
PRODUCTORES
Francisco Ramalho Jr, David Weissman
GUION
Leonard Schrader
Basado en la novela de Manuel Puig
REPARTO
William Hurt (Luis Molina), Raúl Julia (Valentin Arregui), Sonia Braga (Leni Lamaison / Marta / Spider Woman), José Lewgoy (Alcaide), Milton Gonçalves (Pedro), Míriam Pires (Madre), Nuno Leal Maia (Gabriel), Fernando Torres (Americo), Patricio Bisso (Greta), Herson Capri (Werner), Denise Dumont (Michele), Nildo Parente (Lider de la Resistencia), Antônio Petrin (Clubfoot), Wilson Grey (Lacayo), Miguel Falabella (Teniente), Joe Kantor (Juez), Luis Roberto Galicia (Enfermera)
CINEMATOGRAFÍA
Rodolfo Sánchez
BANDA SONORA
Nando Cordeiro, John Neschling
VESTUARIO
Patricio Bisso
PAÍS DE ORIGEN
Brasil, Estados Unidos
DISTRIBUIDA POR:
Embrafilme, FilmDallas Pictures
DURACIÓN
121 minutos
 
VALENTIN ARREGUI: “¡Imbécil! ¡No sabes un carajo! ¡No distinguirías lo que es la realidad ni aunque te la metiesen por el culo!”
LUIS MOLINA: “¿Por qué iba a pensar en la realidad en una cloaca como esta?”
VALENTIN ARREGUI: “¡Eres peor de lo que pensaba! ¡Creo que te vales de esas películas para meneártela!”
LUIS MOLINA: “Si no me dejas, no pienso volver a hablarte nunca más.”
VALENTIN ARREGUI: “¡Deja de llorar! ¿Pareces una mujer vieja!”
LUIS MOLINA: “Eso es lo que soy. Eso es lo que soy.”
VALENTIN ARREGUI: “¿Y qué tienes aquí entre las piernas, eh? ¡Dime linda señorita!”
LUIS MOLINA: “Es un accidente, si yo tuviera valor ya me la habría cortado.”
VALENTIN ARREGUI: “¡Y seguirías siendo un hombre! ¡Un hombre! ¡Un hombre encarcelado! ¡Igual que los maricones que los Nazis quemaron en los hornos!”
LUIS MOLINA: “No me mires así, te lo suplico. Así no.”
 
SINOPSIS
Valentin Arregui y Luis Molina comparten celda en Brasil, durante la época de la dictadura en 1975. Arregui ha sido encarcelado por pertenecer a un grupo de izquierdas revolucionario, es un preso político. Molina es un homosexual condenado a ocho años de cárcel por haber seducido a un menor de edad. Para entretener a Arregui, Molina comienza a narrarle la trama de una película de propaganda Nazi, y ambos comienzan a conocerse mejor, comenzando a iniciar una curiosa amistad. Sin embargo, Arregui se siente enfermo en ocasiones, siempre después de comer.
El director de la prisión le ha ofrecido un trato a Molina. Si este comienza a actuar como espía para la policía secretad de Brasil, y consigue los nombres del resto del grupo revolucionario, conseguirá la libertad. Para ayudar Molina en esa tarea, han comenzado a envenenar a Arregui mediante las raciones de comida. Esto ayuda a que los cuidados de Molina hacia su compañero de celda provoquen que Arregui comience a confiar en él. Pero todo el cuidadoso plan comienza a complicarse cuando Molina se enamora de Arregui.
 
CURIOSIDADES
La película está basada en la novela del mismo título, publicada por Manuel Puig en el año 1976. El autor, de origen argentino, fue el primero en adaptar su propia novela en la forma de una obra de teatro, dos años antes del estreno de la película. Ocho años después del estreno de la película, también se estrenaría un musical basado en la misma historia y estrenado en el año 1993.
Los actores se vieron en dificultades para encontrar la química necesaria para realizar sus escenas. Con la intención de entender mejor que requerían el uno del otro, William Hurt sugirió que realizaran un experimento. En este intercambiaron sus papeles, de forma que Hurt actuó como Valentin y Raúl Julia como el personaje de Molina. El experimento funcionó tan bien que William Hurt llegó a sugerirle al director, Hector Babenco, que también intercambiaran sus papeles para la película. Obviamente, esto no tuvo lugar, aunque el experimento sirvió para que ambos actores entendieran mejor a sus personajes.
Durante un día de descanso en la producción, William Hurt y una amiga fueron secuestrados a punta de pistola en San Pablo, Brasil. Se les ordenó que se pusieran mirando a la pared, lo que les hizo pensar que iban a ser ejecutados. Hurt se negó y comenzó a gritar a los criminales, por lo que estos optaron por escapar. Hurt decidió no contar lo ocurrido durante la producción de la película, ya que temía poner en riesgo el resto del proyecto.
La trama de la película incluye una película dentro de la película, siendo el personaje de Molina quien narra al de Valentin Arregui. La trama es la de una película ficticia titulada “Her Real Glory”, supuestamente producida en Alemania por los Nazis, durante la Segunda Guerra Mundial. Dicha película ficticia, dentro de la otra, tiene la función de reflejar la historia de Molina y Arregui. William Hurt logró hacerse con el Oscar al Mejor Actor por su interpretación. La película también fue nominada a Mejor Película, Mejor Director y Mejor Guion Adaptado. Sin embargo, en estas tres categorías perdió contra “Memorias de África”.
A pesar de esto, fue la primera película independiente en ser nominada al Oscar como Mejor Película.
 
LO MEJOR
Toda una obra de arte, que consigue entrelazar temáticas dispares desde la homosexualidad, pasando por la amistad, hasta la política. Evidentemente, lo más destacable es el trabajo de William Hurt y Raúl Julia en sus papeles protagonistas. Es complicado que la narrativa de una película se concentre mayoritariamente entre dos personajes en el mismo espacio reducido; pero el trabajo de ambos actores, bajo la dirección de Héctor Babenco, solventa sin problema alguno esa dificultad. La película está llena de diálogos excepcionales, y las narraciones cinematográficas del personaje de Hurt están repletas de dobles lecturas más que interesantes. Resulta formidable la escena de la historia de la Mujer Araña.
Pocas veces se examina la amistad entre un homosexual y un heterosexual de forma tan remarcable. El desarrollo de esa amistad es elaborado, detallado y, lo más importante, creíble.
La película me fascinó de principio a fin, y nos sumerge en la época de la clandestinidad homosexual, en un ambiente hostil, excepcionalmente. Esto ha convertido la película en todo un clásico indispensable el en cine de temática Gay.
 
LO PEOR
No hay nada negativo que yo haya sido capaz de encontrar en esta película.
 
MI CALIFICACIÓN
10/10

jueves, 11 de septiembre de 2014

EL DIPUTADO

TITULO ORIGINAL
El Diputado
AÑO DE ESTRENO
1978
DIRECTOR
Eloy de la Iglesia
PRODUCTORES
Carlos Orengo, J.A. Pérez Giner
GUION
Eloy de la Iglesia, Gonzalo Goicoechea
REPARTO
José Sacristán (Roberto Orbea), María Luisa San José (Carmen), José Luis Alonso (Juanito), Enrique Vivó (Eusebio Moreno Pastrana), Agustín González (Carrés), Queta Claver (Madre de Juanito), Ángel Pardo (Nes), Juan Antonio Bardem (Juan), Fernando Marín (Policía), Aldo Grilo (Periodista argentino), Ramón Reparaz (Policía interrogador), Fabián Conde (Anfitrión de primera orgía), Alejo Loren (Anfitrión de segunda orgía), Ramón Centenero (Lector de ficha policial), María Jesús Hoyos (Policía comunista), Tony Valento (Médico de la cárcel), Fernando Chinarro (Policía)
CINEMATOGRAFÍA
Antonio Cuevas
BANDA SONORA
Inaplicable
VESTUARIO
Cornero
PAÍS DE ORIGEN
España
DISTRIBUIDA POR:
Universal Films Española S.A.
DURACIÓN
107 minutos
 
NES: “Conmigo no te hagas el estrecho. Te voy a presentar a unos chicos que vas a saber tú lo que es bueno. Y además puedes estar tranquilo, que mientras les sueltes la pasta… y tampoco mucha, o sea que por mil pelas tienes a los que quieras y encantados.”
ROBERTO ORBEA: “¿Pero hay tantos que se dedican a esto?”
NES: “La tira y cada vez más.”
ROBERTO ORBEA: “Es que yo, como político, pues… compréndelo, no puedo arriesgarme a que alguno me reconozca.”
NES: “¿Reconocerte? No digas chorradas. Esos chavales pasan completamente del rollo político, que coño te van a reconocer. Si fueras un cantante, un futbolista o uno de la tele, pero tú.”
ROBERTO ORBEA: “Comprendí que era cierto. En plena clandestinidad, nosotros éramos absolutamente desconocidos no solo para estos chicos, sino también para la gran mayoría de la gente. Fui conociendo a distintos muchachos. Eran pequeñas aventuras, siempre dentro del coche, con prisas, con temores, en descampados oscuros y solitarios. Por supuesto, ninguno me reconoció. Por primera vez, la clandestinidad me resultó una ventaja.”
 
SINOPSIS
Durante la época del franquismo, Roberto Orbea se dedica a militar en un partido de izquierdas, lo que provoca que termine por ser arrestado y enviado a Carabanchel. Roberto es homosexual, pero siempre se ha visto refugiado en la clandestinidad. Se llega a casar con su compañera de militancia, Carmen, a quien le confiesa todo su pasado. Durante su estancia en Carabanchel, Roberto conoce a un joven chapero llamado Nes. Al salir de la cárcel, Roberto comienza varios escarceos con jóvenes proporcionados con Nes, y termina por confesárselo a su mujer, quien lo acepta con tal de que el matrimonio siga adelante.
En 1977, Roberto Orbea consigue convertirse en diputado, y está a punto de ser nombrado en Secretario General de su partido. Es entonces, cuando Nes le presenta a un joven, y menor de edad, llamado Juanito.
Este ha sido contratado por políticos de la extrema derecha para que les ayude a desprestigiar al político. Lo que comienza a ser una relación solo por dinero, comienza a convertirse en una atracción real. Cuando Carmen comienza a formar parte de esta extraña relación, Juanito comienza a arrepentirse, pero puede ser demasiado tarde.
 
CURIOSIDADES
La película surgió como un proyecto de Eloy de la Iglesia para reflejar sus convicciones, y como muchos de sus trabajos de la década de 1970, centrándose a menudo en formas violentas de protesta y reivindicación. De hecho, Eloy de la Iglesia había sido militante del Partido Comunista en España en dicha década, con lo que ese de periodo se puede apreciar varias de sus convicciones de la época. En este caso en particular, el director se basó en un caso real concerniente a un dirigente del PSP (Partido Social Popular). El proyecto indignó a un sector del PCE (Partido Comunista de España), que intentó convencerle para que lo abandonara.
Evidentemente, el director siguió adelante y su película bien puede considerarse la primera de temática gay del periodo sucesivo al franquismo. Fue excesivamente controvertida, no solo por su temática política, sino por la historia en la que presentaba a un político homosexual sumergido en un mundo más bien sórdido. Con el paso de los años, el director llegó a confesar haberse sentido decepcionado por lo que denominaba “comunismo dogmático”. Declaró que el deseo del partido al que había pertenecido tenía el deseo de ser tolerante y abierto. Sin embargo, según su opinión, en aquel entonces el partido se había percatado de la necesidad de tener que acceder a masas más bien conservadores para poder conseguir votos.
 
LO MEJOR
Una película considerablemente impactante, aunque debo admitir que pasó muchos años desapercibida para un servidor.
La trama se considerablemente osada, sobre todo tratándose de un film estrenado en plena transición democrática española. Se trata de una de esas películas en las que los personajes secundarios me impresionaron mucho más que los principales. Debo elogiar la representación del mundo de los chaperos a finales de la década de 1970. El trabajo de José Luis Alonso y Ángel Pardo me impresionó considerablemente, por lo creíble de sus interpretaciones.
La película tiene la efectividad de examinar el mundo homosexual en un periodo en el que la única forma de lidiar con dicha orientación sexual era la más absoluta de las clandestinidades. En ese sentido, el film tiene cierto aire claustrofóbico que me pareció de lo más creíble considerando las circunstancias.
 
LO PEOR
Aun reconociendo que José Sacristán es un actor formidable, la forma en la que su personaje fue diseñado me pareció excesivamente plana.
Dicho diseño se refleja de forma inevitable en la interpretación del excelso actor. Bien parece que al personaje de Roberto no le afecte nada, pues a menudo que las situaciones se tornan complicas, el político sigue siendo inmutable. Todo lo entiende, todo lo acepta, todo lo intenta arreglar, sin ni siquiera mostrar un atisbo de humanidad. Esto se debe a lo que denominaría como su excesivo altruismo. No me creí su relación marital, y tampoco una defensa de ideologías que habría sido más efectiva de haber mostrado cierta objetividad. Los malos son muy malos; y los “buenos” son muy buenos.
 
MI CALIFICACIÓN
6/10

jueves, 4 de septiembre de 2014

TE AMO... PERO YO NO

TITULO ORIGINAL
Je t’aime Moi Non Plus
AÑO DE ESTRENO
1976
DIRECTOR
Serge Gainsbourg
PRODUCTORES
Claude Berri, Jacques-Eric Strauss
GUION
Serge Gainsbourg
REPARTO
Jane Birkin (Johnny), Joe Dallesandro (Krassky), Hugues Quester (Padovan), Reinhard Kolldehoff (Boris), Gérard Depardieu (Campesino a caballo), Jimmy Davis (Moïse), Maïté Nahyr (Prostituta), Liliane Rovère (Cliente del motel), Gillian Gill (Artista de Strip-Tease), Josiane Lévêque (Artista de Strip-Tease), Doris Thomas (Artista de Strip-Tease), Raoul Delfosse (Patrón de motel), Michel Blanc (Obrero), Alain David (Obrero), Arlette Emmery (Artista de Strip-Tease), Ramon Pipin (Músico del baile), Shitty Télaouine (Músico del baile), Sharon Glory (Músico del baile), Yves-Antoine Spoto (Músico del baile), Claudia Butenuth
CINEMATOGRAFÍA
Willy Kurant
BANDA SONORA
Serge Gainsbourg
VESTUARIO
Jeannette Descamps
PAÍS DE ORIGEN
Francia
DISTRIBUIDA POR:
AMLF
DURACIÓN
89 minutos
 
KRASSKY: “¿Por qué te llaman Johnny?”
JOHNNY: “Me llaman así porque no tengo ni pechos ni un culo grande. ¿Y tú cómo te llamas?”
KRASSKY: “Krassky, pero tú puedes llamarme Kras.”
JOHNNY: “Krass, es un nombre divertido.”
KRASSKY: “¿Lo es jovencita?”
 
SINOPSIS
Krassky y Padovan son amantes y camioneros dedicados a la recogida de desperdicios en una zona desolada. Al parar en una estación de servicio, ambos conocen a una joven camarera apodada Johnny, por su aspecto masculino. Johnny se ha visto sometida al aislamiento, y siempre ha soñado con el amor y no tarda en sentirse atraída hacia Krassky. Sorprendentemente, Krassky también comienza a sentirse atraído hacia Johnny, debido a su aspecto de muchacho. Ambos se conocen, y finalmente terminan por besarse en un bar. Esto desata los celos de Padovan, que termina por sentirse dejado de lado y desarrolla rechazo hacia Johnny.
Sin embargo, la relación entre Krassky y Johnny no tarda en comenzar a complicarse. El jefe de Johnny no tarde en advertir que Krassky es homosexual, y se lo hace saber a la joven. Cuando la pareja comienza a tener relaciones sexuales, Krassky solo consigue desarrollar una erección mediante el sexo anal. Johnny sufre mucho durante las relaciones, a menudo gritando sin parar. Esto provoca que la pareja termine por ser expulsada de varios moteles por el escándalo que provocan.
 
CURIOSIDADES
Probablemente se trate de una de las películas más polémicas de la década de 1970. Para hablar de la película, es necesario la canción más popular de su banda sonora, del mismo título. La canción fue originalmente prohibida en muchos países de toda Europa, incluyendo España, Islandia, Italia, Polonia, Portugal, Reino Unido, Suecia y Yugoslavia, y siendo denunciada públicamente por el Vaticano. Dicha canción está considerada como la máxima canción de amor por su letra provocativa.
Fue compuesta y escrita por el director de la película, Serge Gainsbourg, y grabada en el año 1968. Cuando la canción volvió ser lanzada en el año 1969 se convirtió en todo un éxito, en esta ocasión alcanzando el número uno en el Reino Unido, probablemente en parte debido a la expectación resultante de su previa prohibición. Brigitte Bardot, entonces amante de Gainsbourg, participó en la grabación.
Su controversia principal se debía a la forma explícita en la que se describía un acto sexual, en la forma de dialogo imaginario entre dos amantes. La película fue la primera de Gainsbourg, que no dudó en utilizar su polémica canción en la banda sonora. Sí la canción ya era de por sí provocativa, la película lo fue aún más. Se trataba de una descripción profundamente nihilista de la relación sexual entre un hombre homosexual y una muchacha de aspecto masculino, que llegaban a mantener relaciones anales. Los elementos más recurrentes del film se repitieron en el resto del trabajo Gainsbourg, siendo estos el sexi y la muerte.
También es una de las primeras películas en las que aparece Depardieu, aunque muy brevemente, en este caso interpretando a un homosexual propenso a la bestialidad. La película fue rechazada en el Reino Unido por la BBFC, aunque finalmente se distribuyó sin cortes en video, en el año 1993.
Deliberadamente, la trama de la película no está centrada, siendo la contradicción humana otro tema recurrente. Esto se puede apreciar en el propio título cuya traducción más apropiada sería “Te Amo, Yo tampoco”.
 
LO MEJOR
Curiosamente no vi está película hasta realizar una extensiva investigación sobre la misma. Me parece curioso como algo que fue tan escandaloso en la década de 1970, ahora dista mucho de serlo. De hecho, puedo asegurar haber visto películas mucho más escandalosas de esa década.
Entrando en la trama, comenzaré por elogiar el triángulo amoroso que se desarrolla en la misma. Se examina desde una perspectiva inusual la atracción de una joven hacia un hombre homosexual, y la peligrosa dependencia que puede desarrollar hacia él. De hecho, el personaje de Johnny es mostrado como una víctima debido a su romanticismo, idealismo e ingenuidad inicial, muy propia de su juventud. Sin embargo, acaba por verse enganchada a una relación imposible, aunque sin la intención de dañar nadie. Padovan representa los celos desbocados, y la desesperación que estos pueden provocar. Krassky es un personaje más bien poco definido, que parece guiarse por su deseo de experimentar, y encajar en la sociedad de la única forma viable.
La banda sonora y la cinematografía me parecieron excepcionales, con algunas escenas memorables que sirven de simbología para un extraño concepto del romanticismo, igualmente fascinante.
 
LO PEOR
La trama se desarrolla con excesiva rapidez, lo que provoca que el desarrollo, de los sentimientos, que se muestran no sea explorado al nivel de todo su potencial. Las escenas de las prácticas sexuales entre Krassky y Johnny me parecieron algo exageradas. Los gritos de la actriz me parecieron excesivos, y debo reconocer que en ocasiones me provocaban simple hilaridad. Los diálogos también me parecieron demasiado simples, dependiendo en exceso del simbolismo de las imágenes.
 
MI CALIFICACIÓN
7/10

jueves, 28 de agosto de 2014

EL FUNCIONARIO DESNUDO

TITULO ORIGINAL
The Naked Civil Servant
AÑO DE ESTRENO
1975
DIRECTOR
Jack Gold
PRODUCTOR
Barry Hanson
GUION
Philip Mackie
Basado en la autobiografía de Quentin Crisp
REPARTO
John Hurt (Quentin Crisp), Liz Gebhardt (Estudiante de arte), Patricia Hodge (Profesora de Ballet), Stanley Lebor (Señor Pole), Katherine Schofield (Señora Pole), Colin Higgins (Thumbnails), John Rhys-Davies (Barndoor), Stephen Johnstone (Joven Quentin), Antonia Pemberton (Señorita Longhurst), Lloyd Lamble (Señor Crisp), Joan Ryan (Señora Crisp), Frank Forsyth (Médico de familia), Shane Briant (Norma), Ron Pember (Propietario del “Gato Negro”), Roger Lloyd Pack (Liz), Adrian Shergold (Gloria), Derek West (Freda), David Fielder (June), Dennis Chinnery (Hombre de negocios), Jiggy Bhore (Recepcionista), Graham Armitage (Señor Dunsmore)
CINEMATOGRAFÍA
Mike Fash
BANDA SONORA
Carl Davis
VESTUARIO
Martin Baugh
PAÍS DE ORIGEN
Reino Unido
DISTRIBUIDA POR:
Independent Television (ITV)
DURACIÓN
77 minutos

DUEÑO DE BAR GAY: “Hola Quentin.”
QUENTIN CRISP: “Hola.”
DUEÑO DE BAR GAY: “¿Dime una cosa? ¿Te ha visto entrar alguien?”
QUENTIN CRISP: “Me parece que no me ha visto entrar nadie.”
DUEÑO DE BAR GAY: “Procura asegurarte de que tampoco te vean salir.”
QUENTIN CRISP: “Si así lo quieres. ¿Qué pasa? ¿Qué es lo que quieres? ¿Qué me vaya?”
DUEÑO DE BAR GAY: “Sí, compréndelo, los demás se sienten incomodos.”
QUENTIN CRISP: “¿Crees que un tuberculoso con tos hace sentir incomodos a los tuberculosos sin tos?”
DUEÑO DE BAR GAY: “Quentin escúchame. Si viene la policía, todos somos normales. Pero estando tú, nos detendrían, y a mí me tocarían seis meses de cárcel.”
QUENTIN CRISP: “Y tú no quieres ser un mártir de la causa.”
DUEÑO DE BAR GAY: “Quentin, ¿puedo ver tu tarjeta de socio?”
QUENTIN CRISP: “Sí, ¿por qué no? Ahora mismo.”
DUEÑO DE BAR GAY: “(La rompe). El motivo es que somos normales.”

SINOPSIS
En 1908, en Surrey, Inglaterra, Spencer Charles y Marion Pratt dan a luz a su cuarto hijo Dennis, quien mostró un comportamiento afeminado desde su infancia. Al entrar en la veintena, Dennis cambia su nombre por el de Quentin Crisp, convirtiéndose en un declarado exhibicionista homosexual. Tras hacer nuevos amigos en el Café del Gato Negro, comienza a pintarse los labios y las uñas y se tiñe el pelo de color rojo. Con su nuevo y femenino aspecto, Quentin Crisp comienza a pasear por las calles de Londres, llamando la atención, llegando a prostituirse y a menudo convirtiéndose en víctima de la violencia homófoba.
Quentin Crisp se ve involucrado en el mundo artístico y bohemio del Soho, se hace con amigos tan variopintos como una estudiante de arte, una profesora de ballet, y otros personajes homosexuales.
Sin embargo, Quentin se ve marginado en locales homosexuales que le acusan de no ser normal, y llega a ser declarado perverso sexual al intentar ingresar en el ejército durante la Segunda Guerra Mundial, quedando exento. Su vida está repleta de constantes contratiempos, que Quentin acepta con total pasividad. Cuando es arrestado por supuestamente acosar a un transeúnte, Quentin utilizará el juicio para realizar la interpretación de su vida.

CURIOSIDADES
Se trata de una película producida para ser estrenada directamente en televisión. La película está basada en la novela autobiográfica del mismo título, publicada por Quentin Crisp en el año 1968. El título hace referencia al trabajo de Quentin Crisp como modelo nudista de arte. Dichos modelos eran contratados por colegios y universidades, y al final eran pagados por Departamento de Educación. De esta forma, esencialmente podrían ser considerados funcionarios que están desnudos durante su horario de oficina.
La idea del libro surgió a consecuencia de una entrevista de radio con Crisp en el año 1964, que fue realizada por su excéntrico amigo Jonathan Cape. Cuando el libro fue publicado, solamente logró vender tres mil quinientas copias. Sin embargo, se convirtió en todo un éxito de ventas tras el estreno de la película. Quentin Crisp aparece al principio de la película, introduciendo al espectador a la misma. Crisp declara su esperanza de que el actor que le interpreta lo haga mejor de lo que él se ha interpretado a si mismo durante toda su vida.
John Hurt se encargó de interpretar al polémico personaje, y fue alabado por su interpretación. Se hizo con el BAFTA al Mejor Actor en el año 1976, y la producción ganó el Prix Italia del mismo año.

LO MEJOR
La cuestión no es juzgar a un personaje en el que se basa una película, lo que suele ser un error muy común, sino jugar la película en su conjunto. 
De primeras me parece una película muy avanzada a su tiempo, examinando la vida de un personaje real que evidentemente es polémico. Al ver al verdadero Quentin Crisp presentando la película, me llevé una gran sorpresa al ver la labor interpretativa de John Hurt, la cual solamente puedo tildar como excepcional. Sumergiéndome más en la trama del film, me concentré más en la actitud social que rodea al personaje de Crisp, que en el propio personaje. La película aborda el famoso tema de la supuesta “normalidad”, y es el mismo protagonista quien lanza la pregunta “¿qué es ser normal?”.
Hay aspectos tanto negativos como positivos acerca del polémico personaje, pero es su entorno lo que resulta más crudo, pues la libertad de ser como uno desee es el mensaje primario. Me sorprendió inmensamente la escena, citada más arriba, en la que el dueño del bar gay llega a repudiar al protagonista. 
En términos generales, la película aborda innumerables cuestiones debatibles y polémicas para haber sido estrenada en la década de 1970. Logra mezclar situaciones humorísticas, mayoritariamente en diálogos, con otras situaciones que son fuertemente dramáticas. Es sin duda toda una joya, que no tiene nada que envidiar a otras exitosas estrenadas más recientemente.

LO PEOR
No hay nada negativo que yo haya sido capaz de encontrar en esta película.

MI CALIFICACIÓN
10/10