- Este es un blog meramente informativo, no de descargas (lo cual es ilegal). Los textos de todas las entradas (Citas, sinopsis y críticas) han sido redactados por un servidor, tras duras horas de trabajo.
No concedo permiso para reproducirlos en otros blogs. Ya he encontrado casos en los que han sido plagiados sin mi autorización, y no duraré en seguir tomando
las acciones pertinentes en dichos casos.

- Los comentarios están activados para dar la bienvenida a vuestras críticas sobre las películas, siempre que se respeten las opiniones ajenas. Esto quiere decir que no acepto críticas hacia otras opiniones ni faltas de respeto. Tampoco permito "links" en los comentarios. Cualquier comentario que no siga esa directriz será ignorado y eliminado.

jueves, 18 de mayo de 2017

ESTOS ZORROS LOCOS, LOCOS, LOCOS

TITULO ORIGINAL
Zorro, the Gay Blade
AÑO DE ESTRENO
1981
DIRECTOR
Peter Medak
PRODUCTORES
C. O. Erickson, George Hamilton
GUION
Johnston McCulley, Hal Dresner, Greg Alt, Don Moriarty
REPARTO
George Hamilton (Don Diego Vega / Bunny Wigglesworth), Lauren Hutton (Charlotte Taylor-Wilson), Brenda Vaccaro (Florinda), Ron Leibman (Capitán Esteban), Donovan Scott (Paco), James Booth (Velásquez), Helen Burns (Consuelo), Clive Revill (Garcia), Carolyn Seymour (Dolores), Eduardo Noriega (Don Francisco), Pilar Pellicer (Esposa de Don Francisco), Jorge Russek (Don Fernando), Eduardo Alcaraz (Don José), Carlos Bravo y Fernández (Don Luis Obispo), Roberto Dumont (Ferraro), Jorge Bolio (Pablito), Frank Welker (Narrador)
CINEMATOGRAFÍA
John A. Alonzo
BANDA SONORA
Ian Fraser
VESTUARIO
Gloria Gresham
PAÍS DE ORIGEN
Estados Unidos
DISTRIBUIDA POR:
20th Century Fox
DURACIÓN
93 minutos

DIEGO VEGA: “¡Eres Florindo! ¡Mi hermano Florindo! Después de veinte años, no puedo creerlo.”
BUNNY WIGGLESWORTH: “Bueno, Florindo era hace veinte años cuando papá notó que yo tenía un ligero ramalazo y me embarcó en aquella fragata británica. Dijo que allí me harían un hombre, y por poco lo que me hacen es un bebé.”
DIEGO VEGA: “¿Entonces ya no eres Floro? ¿Ese nombre ya no te hace feliz?”
BUNNY WIGGLESWORTH: “No, no es que no me gustara el nombre, lo que no gustaba era la terminación.”
DIEGO VEGA: “No puedo creer que seas mi hermano. Has cambiado.”
BUNNY WIGGLESWORTH: “Sin embargo tú sigues como siempre, calavera, moreno y…”
DIEGO VEGA: “…romántico.”
BUNNY WIGGLESWORTH: “No, no, no, iba a decir cachondo. ¿Cómo te hiciste lo del pie? ¿Huyendo de una posadera?”
DIEGO VEGA: “No, me lo rompí luchando contra la tiranía, y la injusticia, y ayudando a los desvalidos,  y a los niños…”
BUNNY WIGGLESWORTH: “Estoy seguro de que será una historia fascinante, pero tengo que ir a arreglarme las pestañas.”

SINOPSIS
En la década de 1840, Don Diego de la Vega reside en Madrid hasta que recibe una carta de su padre ordenándole regresar a Los Ángeles, California. Allí, Diego descubre que su padre falleció mientras montaba a caballo, al ser el animal asustado por una tortuga. Diego es recibido por su amigo de juventud Esteban, que está ejerciendo de alcalde hasta que los lugartenientes escojan uno nuevo. Esteban es escogido a pesar de la interferencia de la atractiva activista Charlotte Taylor-Wilson, que ha deducido acertadamente los planes déspotas del nuevo alcalde. Diego se siente atraído hacia Charlotte; y más tarde descubre que su padre era el justiciero conocido como Zorro. Siguiendo su legado, Diego se convierte en el Zorro hasta que sufre una lesión en el pie.
Al poco tiempo, Diego recibe la visita de su hermano gay Florindo, que ha adoptado el nombre de Bunny Wigglesworth, al que comunica lo ocurrido con su padre. Bunny accede a convertirse en el nuevo Zorro mientras Diego se recupera. Sin embargo, utiliza un látigo en lugar de una espada, y sus atuendos son de múltiples colores. Sin embargo, resulta ser un luchador tan formidable como su hermano. Bunny también se verá obligado a actuar como enlace entre su hermano y Charlotte, que se ha enamorado de El Zorro.

CURIOSIDADES
La película fue parcialmente producida por su protagonista George Hamilton, quien interpretó a dos personajes ficticios de forma cómica en aquel entonces, El Zorro y Drácula. Aunque muchos han declarado que Hamilton interpretó a dos personajes en “Estos Zorros Locos, Locos, Locos”, en realidad interpretó a seis personalidades diferentes. 
Las otras cuatro fueron El Zorro, el Zorro Gay, Ramón Vega y Margarita Wigglesworth. La versión doblada al Castellano cambió los nombres de algunos personajes, como los de Ramón y Esteban que pasaron a ser Florindo y Filiberto. Mientras el Zorro utilizaba un disfraz de color negro, su hermano gay utilizaba otras tonalidades como ciruela, amarillo limón, escarlata, azul o escarlata.
Los productores de la película consideraron que la voz y acento español de la famosa actriz canadiense Helen Burns no era del todo adecuadas para la sirviente del Zorro, Consuelo. Debido a esto, su voz fue doblada por una mujer argentina de setenta años de edad. Era una de las actrices más antiguas de habla hispana en Hollywood, y amiga del bailarín Eduardo Cansino, padre de Rita Hayworth. El tema musical de los créditos y las secuencias de acción fueron compuestas originalmente por Max Steiner y utilizadas en la película “El Burlador de Sevilla” (1948), protagonizada por Errol Flynn.
George Hamilton fue nominado como Mejor Actor de Comedia en los “Globos de Oro”, pero perdió en premio contra Dudley Moore por su papel en “Arthur, el Soltero de Oro”. Tanto Brenda Baccaro como Ron Leibman ganaron los premios Sinker Awards a peor actor, peor actriz y peor pareja. La banda sonora fue nominada a los Razzie Awards.

LO MEJOR
No estoy de acuerdo con los argumentos que consideran esta película una ofensa hacia el colectivo gay. Si bien es cierto que El Zorro Gay es extremadamente amanerado, me da la sensación de que todos los personajes de la película están estereotipados al máximo independientemente de su orientación sexual. Al margen de que no encuentro nada negativo en ser amanerado, el personaje no deja de ser igualmente efectivo en su lucha contra el crimen que su contrapartida heterosexual. Añadido a esto encuentro que hay algunas escenas francamente divertidas, y que George Hamilton resulta divertido y no me dio la sensación de ofender en ningún momento. Algunos diálogos son desternillantes.

LO PEOR
Curiosamente, la versión original me gustó menos que la doblada. Independientemente de que se trate de una comedia, me dio la sensación de que varios actores estaban sobreactuados, particularmente Brenda Baccaro y Ron Leibman. El personaje del ayudante mudo de El Zorro tampoco logró hacerme demasiada gracia. El guion también flaqueaba en determinadas ocasiones y se alejaba de convencerme. De todas formas, la película se deja ver y contiene momentos divertidos.

MI CALIFICACIÓN
6/10

jueves, 11 de mayo de 2017

LA PATATA CALIENTE

TITULO ORIGINAL
La Patata Bollente
AÑO DE ESTRENO
1979
DIRECTOR
Steno
PRODUCTORES
Achille Manzotti, Paolo Infascelli
GUION
Steno, Giorgio Arlorio, Enrico Vanzina
REPARTO
Renato Pozzetto (Bernardo “ Gandhi” Mambelli), Massimo Ranieri (Claudio), Edwige Fenech (Maria), Mario Scarpetta (Walter), Clara Colosimo (Elvira, la portera), Luca Sportelli (Marido de Elvira), Sergio Ciulli (Maravigli), Adriana Russo (Mejor amiga de Maria), Umberto Raho (Médico), Ennio Antonelli (Trabajador), Nazzareno Natale (Trabajador), Giorgio Vigna (Amante de Claudio), Ghirardo Leoni (Director de la fábrica)
CINEMATOGRAFÍA
Emilio Loffredo
BANDA SONORA
Totò Savio
VESTUARIO
Silvio Laurenzi
PAÍS DE ORIGEN
Italia
DISTRIBUIDA POR:
Irrigazione Cinematografica
DURACIÓN
98 minutos

CLAUDIO: “Comprendo que ya has comprendido lo que soy.”
GANDHI: “No, no creo haber comprendido.”
CLAUDIO: “Claro que lo has comprendido, no seas hipócrita.”
GANDHI: “Que no, que ya me estás dando por… perdona.”
CLAUDIO: “No hombre, sé muy bien lo que estás pensando. Venga dilo, después de todo no es tan grave. ¿Sabes?”
GANDHI: “Oye eso tampoco, a mí me parece que un poco grave sí que es.”
CLAUDIO: “Hay tantas formas de describirlo ¿Cuál prefieres? Homosexual, pederasta, diferente. Ahora se usa diferente o mariconazo como decís vosotros.”
GANDHI: “Oye que conste que lo has dicho tú.”
CLAUDIO: “Sí, pero tú lo piensas.”

GANDHI: “Oye Claudio, estos gilipollas piensan que tú y yo… pero yo no estoy enamorado de ti.”
CLAUDIO: “Eso siempre lo he sabido. Pero podríamos ser buenos amigos.”
GANDHI: “Claro que podemos ser buenos amigos.”
CLAUDIO: “Para una persona como yo, es muy bonito tener por amigo a un hombre. Amigo y basta.”
GANDHI: “También para mí es muy importante tener un amigo. Aunque sea diferente, pero amigo y basta.”

SINOPSIS
Conocido por sus amigos como Gandhi, Bernardo Mambelli es un militante comunista convencido que trabaja en fábrica de pintura. Allí es respetado por sus amigos por su valentía, por defender los derechos de los trabajadores en el sindicato, y por su afición al deporte y el boxeo en particular. También mantiene una relación con María, a veces complicada por sus aficiones que chocan con las de ella. Una noche, Gandhi es testigo de cómo un grupo de neonazis le propinan una brutal paliza a un joven de aspecto frágil. Sin dudarlo, se enfrenta al grupo logrando ahuyentarlo. El joven se llama Claudio y no desea ir al hospital para que la policía no intervenga.
Ghandi le lleva a su casa sin dudarlo cuidando de sus heridas, aunque sus prejuicios le cobran una mala pasada al descubrir que Claudio es homosexual. En el tiempo que Claudio vive con él, Ghandi se ve enfrentado a dichos prejuicios al comenzar a apreciar al joven. Al ver como la comunidad homosexual sufre constantes agresiones y ataques, tampoco duda en acudir en ayuda de aquellos necesitados. Sin embargo, la cotilla de su portera, sus compañeros de trabajo y María comienzan a sospechar que quizás Ghandi sea homosexual. Esto creará complicaciones en la vida de Ghandi.

CURIOSIDADES
La película está escrita y dirigida por Steno, nombre artístico de Stefano Vanzina que lo adquirió como homenaje a la escritora Flavia Steno, una autora muy popular de Italia. Acostumbrado a manejar el género de la comedia, Steno diseñó la película como una comedia inteligente. 
Cuando algunos señalaron que la película hacia uso de algunos estereotipos homosexuales, el director lo afirmó y señaló que era una herramienta que usaba en esta comedia precisamente para criticar los prejuicios. Añadió que los personajes heterosexuales también estaban muy estereotipados para señalar también sus faltas. El título de la película hace referencia al juego en el que un globo se va inflando, amenazando con estallar en cualquier momento.
De hecho deseaba que el guion fuera respetuoso en un intento de criticar a la izquierda más radical y sacar ciertos esqueletos fuera del armario. De hecho se había basado en el hecho de que en la década de 1970, Pier Paolo Pasolini había sido expulsado del Partido Comunista solo por haber sido acusado de ser homosexual. De hecho, en la película intentó diferenciar entre lo valido de ciertas ideas, y la hipocresía de aquellos que las manipulaban. La película contiene varias de citas del escritor e icono gay Oscar Wilde, o canciones como “Amado Mío” o un irónico “Tango Diferente” compuesto por Toto Savio para la película. 
Más que criticar el comunismo más convencional, el director criticaba esa facción que soñaba con la Unión Soviética como país para imitar.

LO MEJOR
La verdad es que me llevé una grata sorpresa con una película que consideraba iba a ser una vulgar comedia. Lo más esencial de la trama es el proceso a través del cual un comunista algo radical es capaz de desarrollar una sólida amistad con un homosexual. Es cierto que existen estereotipos en la película pero no son utilizados para ofender, sino para criticar los prejuicios basados en los mismos. Renato Pozzetto realiza una gran labor y tiene algunos momentos sinceramente desternillantes. Me encontré riendo a través de toda la trama ante las situaciones de enredo de los personajes. Massimo Ranieri también realiza un gran trabajo interpretando a un frágil homosexual que encuentra la seguridad en la más inesperada persona. La química entre ambos actores es evidente y me gustó la forma en que la película critica la hipocresía, los prejuicios, y pone valor en el poder de la amistad por encima de las diferencias políticas, ideológicas o basadas en la orientación sexual. 
Teniendo en cuenta el año en que se produjo, hay que otorgarle un valor añadido.

LO PEOR
Aunque la trama tiene un buen comienzo y un excelente final, reconozco que hay escenas metidas a calzador. En particular me refiero a la escena en la que Claudio redecora la casa de Ghandi, cuyo propósito no se llega a explicar. También se me antojan innecesarias las escenas de destape femenino tan típicas de la época.

MI CALIFICACIÓN
8/10

jueves, 4 de mayo de 2017

OLVIDAR VENECIA

TITULO ORIGINAL
Dimenticare Venezia
AÑO DE ESTRENO
1979
DIRECTOR
Franco Brusati
PRODUCTOR
Franco Brusati
GUION
Franco Brusati, Jaja Fiastri
REPARTO
Mariangela Melato (Anna), Eleonora Giorgi (Claudia), Erland Josephson (Nicky), Nerina Montagnani (Caterina), David Pontremoli (Picchio), Hella Petri (Marta), Armando Brancia (Propietario del restaurante), Fred Personne (Rossino), Peter Boom (Nieto de Caterina), Siria Betti (Esposa de Rossino), Alessandro Doria (Nicky de niño), Paolo Roversi (Rossino de niño), Anne Caudry (Anna de niña), Daniela Guzzi (Claudia de niña)
CINEMATOGRAFÍA
Romano Albani
BANDA SONORA
Benedetto Ghiglia
VESTUARIO
Luca Sabatelli
PAÍS DE ORIGEN
Italia
DISTRIBUIDA POR:
Cineriz, Gaumont
DURACIÓN
110 minutos

PICCHIO: “Insiste para que venga a Milán.”
ANNA: “Sí, sí, lo sé. Me lo ha dicho Nicky y te lo agradezco mucho, pero no es posible.”
PICCHIO: “¿Por qué?”
ANNA: “Porque no estoy preparada. Porque tengo miedo. Porque no saldría bien.”
PICCHIO: “En casa hay sitio para todos.”
ANNA: “Nicky tampoco podría con todos sus viajes. Y en el fondo nunca se ha movido de aquí. Siempre la misma cara, siempre el mismo cuerpo, pero perseguidos durante años a través de otras caras y otros cuerpos. No te ofendas Picchio, pero cuando Nicky se acuesta contigo abraza un sueño.”
PICCHIO: “¿Y qué importa?”
ANNA: “Yo en cambio solo he conocido a Claudia en mi vida. Solo he hecho el amor con ella, y he empezado a odiarla como me odio a mí misma. El día en que nací, Marta empezó a morirse.”
PICCHIO: “Eso no es cierto.”
ANNA: “Mira Picchio, mira. Este es el retrato de mis padres. ¿Y sabes quién les sacó los ojos hace más de veinte años? Claudia y yo. Lo hicimos en esta misma habitación. Todo cambia a nuestro lado, crece, madura, muere. Pero nosotras no. Nos quedaremos siempre igual. Ridículas y siniestras como dos niñas de piedra en un cementerio.”
PICCHIO: “¿Quién dice eso?”
ANNA: “Nunca hemos conocido nada que sea distinto a nosotras, nada que sea real. De hecho creo que podríamos vivir simplemente mirándonos en un espejo.”

SINOPSIS
Marta es una antigua cantante de ópera que ha criado a los sobrinos de su primer marido, Ricky y Anna, como si fueran sus hijos. La peculiar familia ha residido en una villa rural, hasta que Ricky decide marcharse a Milán. Allí, Nicky inicia una relación con Picchio, un apuesto joven al que le lleva varios años. 
Por su parte, Anna permanece en la villa donde se encarga del cuidado de la granja, a pesar de haber mantenido una relación dificultosa con Marta desde que era una niña. También mantiene una relación amorosa con Claudia, a quien conoce desde la infancia. Claudia ha sido la única persona capaz de penetrar en la mente y el corazón de Anna.
Por su parte, Marta es consciente de la homosexualidad de Nicky y Anna, pero esto nunca le ha molestado. Nicky decide visitar la villa junto a Picchio, que se siente un poco incómodo ante la situación de conocer a la familia de su amante. El propósito de Marta es llevarse a las dos parejas en un viaje a Venecia. Durante la visita, Nicky es invadido por los recuerdos de su infancia en la villa, sintiendo una inmensa nostalgia. Sin embargo, el plan de viajar a Venecia se viene abajo ante la muerte repentina de Marta. Anna y Claudia deben plantearse si seguir en el único lugar que han conocido, o partir y dejar sus recuerdos atrás junto a Nicky y Picchio.

CURIOSIDADES
Escrita, producida y dirigida por el milanés Franco Brusati, la película forma parte de la nueva ola de cine italiano de la década de 1960. Curiosamente, la homosexualidad de todos los personajes protagonistas se sugiere de forma discreta, mostrándose en contra de una promoción publicitaria que no se correspondía. Al mismo tiempo, la película hace extenso uso de los flashbacks y el simbolismo para examinar la vida presente y pasada de las dos parejas, una gay y otra lesbiana. También examina temáticas como la incapacidad de despegarse de un entorno, cuando este ha sido el único que se ha conocido, y  de los sentimientos de nostalgia que se sienten al reencontrarse con el pasado.
La película fue elogiada por crítica y público, llegando a ser considerada como una obra de arte. Sin embargo, hubo sector entre los espectadores homosexuales que lamentaron que las relaciones fueran sugeridas y no analizadas en profundidad. Esto no impidió que la película recibiera numerosos premios en su país de origen. 
También fue candidata al Oscar a la Mejor Película Extranjera, aunque perdió la estatuilla contra la película “El Tambor de Hojalata” (1979).

LO MEJOR
Hay que elogiar la excelente cinematografía que logra sumergir al espectador en la vida de la campiña italiana. Algunas escenas están dotadas de una belleza extraordinaria. La película hace un uso inteligente de los flashbacks, para explicar determinados aspectos del pasado de los personajes protagonistas. Por otro lado, también me encantó ver una película de la década de 1970 en la que el hermano y hermana son gay y lesbiana. De alguna forma, me pareció una forma de motivar una unión necesaria, que me parece bastante ausente en nuestra comunidad a fecha de hoy. Otros aspectos con los que me identifique fueron la dificultad de romper con el pasado, y la extraordinaria forma en la que se logra transmitir sentimientos de nostalgia.

LO PEOR
Supongo que resulta extraño darle un aceptable a una película tan elogiada. Sin embargo, hay varios aspectos que no funcionaron conmigo. Principalmente, la trama tiende a disiparse y alejarse de la intención original del director, sobre todo en escenas que me resultaron innecesarios. La homosexualidad de los cuatro protagonistas hay que deducirla durante la mayor parte del metraje. Aunque se aborda en pequeños diálogos a la segunda mitad. Personalmente eché de menos momentos afectivos entre las dos parejas, tanto la gay como la lesbiana. De no ser porque se menciona que son dos parejas, sería imposible deducirlo. Y es que aunque se aprecia la nostalgia y otros temas, no se logra profundizar lo suficiente en los personajes, que para mí son el elemento más importante del film.

MI CALIFICACIÓN
5/10

jueves, 27 de abril de 2017

OCAÑA, RETRATO INTERMITENTE

TITULO ORIGINAL
Ocaña, retrato intermitente (Ocaña, retrat intermitent)
AÑO DE ESTRENO
1978
DIRECTOR
Ventura Pons
PRODUCTOR
Josep María Forn
GUION
Ventura Pons
REPARTO
José Pérez Ocaña, Camilo, Guillermo, Nazario, Paco De Alcoy, María De la Rambla
CINEMATOGRAFÍA
Lucho Poirot
BANDA SONORA
Aurelio Villa
VESTUARIO
Miquel Sanchis
PAÍS DE ORIGEN
España
DISTRIBUIDA POR:
Producciones Zeta
DURACIÓN
85 minutos

OCAÑA: “Es lo normal y es lo natural que dicta la sociedad. El macho es lo natural. El hombre que va con el hombre, y ya estoy cargando un poco el rollo este de la homosexualidad, yo tampoco creo en los homosexuales. Yo lo único que creo es en las personas.”

OCAÑA: “Yo no soy hombre de amores largos porque la relación es dependencia, un contagio de un intelectual. Son muy enajenantes y es verdad. A mí me gusta estar más libre, me gustan mucho los amores, pero pa mí es muy difícil vivir con la gente.”

OCAÑA: “El salir travestido a la calle, así me mira más la gente y así yo me puedo meter más con la gente y puedo provocar. Todo el travestismo este, y todo el vestirme de mujer es una cosa que a mí me llega desde pequeño. Como la sociedad a mí me ha jodido tanto y como yo me despierto, que me he quitado la venda de los ojos, como dicen las coplas, pues puedo decirle a la gente muchas cosas que tengo en el buche. Entonces cuando salgo a la calle, uno de mis mayores placeres es provocar. Provocar a la gente, provocar a las mujeres que van con sus maridos. Decirles que me encontré en un water a su marido ligando, o en un jardín, porque yo soy Pasoliniano. Me fascinan los retretes.”

SINOPSIS
Esta película documental es una visión íntima sobre la vida y pensamientos de José Pérez Ocaña, personaje relevante en la vida de la Rambla y la Plaza Real de la Barcelona de la transición durante la década de 1970. Ventura Pons entrevista a Ocaña en la propia casa del artista, donde este examina varios recuerdos de su pasado, y nos dejar ver un atisbo del mundo imaginativo y artístico que procede de su subconsciente. Analiza el cómo las dificultades de su vida, por pertenecer a una minoría en la diversidad social, le han marcado e impulsado a desarrollar el arte del provocar como rebeldía. También se muestra abierto a diferencias sociales, religiosas, políticas o sexuales, asegurando que siempre ha odiado las etiquetas.
En cada segmento de sus declaraciones, el espectador podrá comprobar que Ocaña solamente se muestra en contra de las convenciones sociales y la represión sexual. 
El documental no solo hace uso de sus declaraciones, sino también de algunas de sus actuaciones, públicas o privadas, en las que el artista se transformaba para evocar una parodia respetuosa del folclore popular.

CURIOSIDADES
Ventura Pons creó este proyecto para examinar la vida de José Pérez Ocaña, personaje que se solía ver por las Ramblas de Barcelona, donde a menudo se travestía (o transformaba), con la clara intención de provocar y romper las normas establecidas e impuestas por la sociedad. Nacido en Cantillana, Sevilla, abandonó su hogar en 1971 a la edad de veinticuatro años, para instalarse en Barcelona. Allí dedicó su juventud para expresarse mediante el arte, mayormente la pintura aunque también disfrutara actuando. Cuando Ventura Pons contactó con él para crear esta película documental, el artista contaba con treinta años de edad.
El documental puede ser apreciado desde dos perspectivas. 
La primera nos permite examinar el fenómeno de la transición en lugares como Barcelona o Sevilla; y la segunda aprender aspectos de la vida personal del personaje en cuestión. Ocaña no solo aborda temas como la estratificación social, la vida política, la religión o el arte, sino que realiza una comparativa de su vida en los últimos años del franquismo con su vida en la transición en una gran urbe. A pesar de no declararse religioso, siempre sintió una gran fascinación por las imágenes religiosas, mayormente de vírgenes y santos por su variado colorido.
El artista falleció el 18 de Septiembre de 1983, a los treinta y seis años de edad. Había regresado a Cantillana para participar en unas fiestas de carnaval, para las que había confeccionado un disfraz de sol elaborado con papel, tela y bengalas. Por desgracia, las bengalas provocaron que su disfraz ardiera y sufriera serias quemaduras. 
Aunque su cuerpo se recuperaba de las quemaduras, Ocaña falleció debido a una hepatitis provocada por el daño que sus órganos habían sufrido. El 26 de abril de 2014, recibió el Premio Honorifico “Adriano Antinoo” en Sevilla, por haber luchado por la igualdad de derechos estando sumergido en un sector discriminado de la diversidad. Su hermana recogió el mencionado premio.

LO MEJOR
Siempre es interesante ver este tipo de documentales que nos introducen en la vida de alguien que no conocemos, independiente de si compartimos su ideología o no. Ocaña me pareció un personaje francamente interesante, con algunos aspectos que sinceramente admiré y opiniones que comparto pues no han quedado desfasadas a día de hoy. Al margen de presentar un personaje que bien podría merecer ser inmortal, la película nos da una idea de cómo era el ambiente homosexual en la España de la transición. El transformismo estaba en pleno auge, y los que se dedicaban al mismo tendían a ser luchadores por los derechos. 
Entre las ideas que me fascinaron de Ocaña se encontraban su aversión a las etiquetas, y sobre todo su explicación de cómo una educación extremadamente religiosa desembocaba en la represión sexual.
LO PEOR
El documental podría haber estado mucho mejor preparado y elaborado. Me hubiera gustado más ver una sesión de preguntas con sus consecuentes respuestas. Y es que el mayor problema es que Ocaña aborda un tema interesante, pero en poco tiempo tiende a divagar perdiendo el hilo de algún argumento que se me antojaba francamente interesante. En alguna ocasión también da la sensación de pecar de sobrado, y en otras de contradecirse sin que Pons sepa encauzar la entrevista para abordar estos ligeros deslices.

MI CALIFICACIÓN
6/10

jueves, 20 de abril de 2017

LOS PLACERES OCULTOS

TITULO ORIGINAL
Los Placeres Ocultos
AÑO DE ESTRENO
1977
DIRECTOR
Eloy de la Iglesia
PRODUCTOR
Óscar Guarido
GUION
Eloy de la Iglesia, Rafael Sánchez Campoy
REPARTO
Simón Andreu (Eduardo), Tony Fuentes (Miguel), Charlo López (Rosa), Beatriz Rossat (Carmen), Antonio Corencia (Raúl), Germán Cobos (Ignacio), Ana Farra (Madre de Eduardo), Ángel Pardo (Nes), Queta Claver (Madre de Miguel), Antonio Iranzo (Padre de Carmen), Antonio Gamero (Mirón en el parque), Josele Román (Pili), Carmen Platero (Olga), Pilar Vela (Criada), Carmen Luján (Madre de Carmen), Rafael Vaquero (Amigo de Eduardo), Antonio Victo (Hijo de Ignacio), Amparo Climent (Hija de Ignacio), Paco España (Él mismo),
CINEMATOGRAFÍA
Carlos Suárez
BANDA SONORA
Carmelo A. Bernaola
VESTUARIO
Antonio Muñoz
PAÍS DE ORIGEN
España
DISTRIBUIDA POR:
Film Bandera S.A.
DURACIÓN
95 minutos

MADRE DE EDUARDO: “A ti, ¿Qué te ocurre Eduardo? ¿Qué te ha pasado hoy?”
EDUARDO: “¿A mí? Estoy perfectamente.”
MADRE DE EDUARDO: “No. Yo enseguida lo adivino. Es como, como si de repente te apagaras. Es una tristeza que escondes muy dentro, muy encerrada. Pero que se te asoma en los ojos, en la cara, en la voz.”
EDUARDO: “Mamá, si estas mala, lo que tienes que hacer es preocuparte de…”
MADRE DE EDUARDO: “Cuando tenías catorce o quince años lo descubrí por primera vez. Una noche al volver del colegio vi que estabas sufriendo por algo, algo que ni siquiera tú mismo sabías bien. Tú no te comportabas como tu hermano. Tú no sentías como él. Y cuando te ponías triste, también era una tristeza diferente.”
EDUARDO: “Pero mamá, ¿por qué no me has hablado nunca de esto hasta ahora?”
MADRE DE EDUARDO: “Compréndelo. Yo tenía que hacer mi papel y preguntarte de vez en cuando si te decidías o no a casarte, y decir a las amistades que eras un poco especial. Disimular, pero no solo ante los demás sino también ante mi misma. ¿Comprendes? Pero Eduardo, no te quedes solo, por favor. Procura no quedarte solo.”

SINOPSIS
Eduardo es un banquero y solitario que ya ha entrado en la cuarentena. Vive su homosexualidad en secreto, pues su avanzada posición económica y social se vería en peligro de conocerse su orientación sexual. Sin embargo, esto no le impide hacer uso de todos los recursos su disposición, mayormente el dinero, para conquistar a muchachos jóvenes, la mayoría chaperos. Un día, al pasar por una universidad, Eduardo se fija en un joven llamado Miguel, un atractivo joven que procede de una familia humilde. Eduardo queda fascinado con el joven, y dicha fascinación aumenta al ver que es un joven trabajador que desea sacar a su familia adelante.
Para pasar tiempo con él, le contrata en una compañía dirigida por su amigo Raúl, con quien tuvo una relación en el pasado. Para ayudarle a escribir a máquina su proyecto de novela, Miguel empieza a acudir al apartamento de Eduardo todas las tardes. Por su parte, Miguel es heterosexual, tiene una novia llamada Carmen, y una aventura con una cuarentona llamada Rosa. Apreciando de veras a Miguel, y consciente de que nunca habrá nada entre ambos, Eduardo decide decirle la verdad con la esperanza de que por lo menos puedan ser buenos amigos. Pero las cosas no serán tan sencillas.

CURIOSIDADES
Eloy de la Iglesia concibió la película con la intención de analizar la problemática homosexual de forma objetiva y dialéctica. Deseaba que a través de la película la gente pudiera ver que ocurría dentro de un mundo de marginado y condenado tanto por las derechas e izquierdas. 
En plena década de 1970, dicho problema afectaba a un amplio porcentaje del país, y según el director se requería de iniciar un amplio debate al respecto. Sin embargo, y a pesar de ya había pasado un año desde la muerte del dictador Franco en España, la censura seguía todavía intentando resistirse. Cuando se presentó “Los Placeres Ocultos” al examen de dicha entidad, la película fue prohibida y no se pudo presentar en los diferentes cines de España. Los críticos reaccionaron dando buenas calificaciones a la película, no solo por su calidad sino porque ya estaban hartos de que la censura se resistiera. Sin embargo, fue necesario esperar un año para que la película fuera finalmente estrenada.
El guion fue escrito por Eloy de la Iglesia con la colaboración de Rafael Sánchez Campoy y Gonzalo Goicoechea. El título inicial del proyecto había sido “La Acera de Enfrente”. Sin embargo, el director ya había previsto que se vería enfrentado a problemas con la censura. Debido a esto, decidió cambiar el título al considerarlo demasiado atrevido. 
Siendo una de las primeras películas que abordaba la homosexualidad, sin caer en clásicos clichés preconcebidos, la película fue controvertida a pesar de ser considerablemente “blanca”. Los problemas con la censura provocaron que durante la noche de estreno en Madrid, varias manifestaciones a favor de los derechos de los homosexuales. El director aseguró que era la primera vez que veía a un grupo gay en Madrid expresarse en público, con sus pancartas y exigencias. El famoso transformista Paco España tuvo una aparición en la película, así como en otras de temática gay. Fue la primera película del joven Tony Fuentes, uno de los protegidos del director. Sin embargo, su voz fue doblada por la de Pedro Mari Sánchez.

LO MEJOR
Formidable joya del cine de temática gay español en plena transición democrática, la película aborda temas muy humanos para acercar al espectador a un colectivo ignorado y marginado. 
Sin embargo, no por ello omite otros aspectos oscuros como la prostitución masculina. Si hay algo que me sorprendió fue el análisis sobre el temor a acabar solo a través del personaje de Eduardo, debido a la entonces ausencia de una familia. La película también aborda la temática adolescente quinqui, que comenzó abordarse a finales de la década de 1970 y durante la siguiente. La película también está dotada de grandes diálogos, algo que yo siempre he apreciado para sostener una trama que invite a la reflexión. También cabe destacar las interpretaciones de actores como Simón Andreu, Ana Farra, o Charo López. La verdad es que este film fue toda una sorpresa.

LO PEOR
La película va concentrando una tensión que desemboca justo a punto de finalizar la película. Debido a esto, el final me pareció algo acelerado sin abordar determinados aspectos de la trama que se me antojaron inconclusos. El final no me convenció.

MI CALIFICACIÓN
9/10