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jueves, 1 de diciembre de 2016

SOUNDLESS WIND CHIME

TITULO ORIGINAL
Wúshēng fēng líng (無聲風鈴)
AÑO DE ESTRENO
2009
DIRECTOR
Kit Hung
PRODUCTORES
Philip Delaquis, Min Li Marti, Stefan Zuber
GUION
Kit Hung
REPARTO
Yulai Lu (Ricky), Bernhard Bulling (Pascal / Ueli), Marie Omlin (Hermana), Gilles Tschudi (Padre), Ruth Schwegler (Madre), Jun Kanai (Chico), Wella Zhang (Tía Wella), Fung Lee (Dueña de restaurante), Xiaoyan Wang (Popo), Hannes Lindenblatt (Marcus), Wai-Leung Kwok (Steve), Yaxuang Wong (Madre de Ricky), Xijuan Cheng (Médico de la familia), Jackie Leung (Ángel cantante), Ka Yee Chan (Bailarín), So-Foon Wong (Bailarín), Siu-Chun To (Dueño de la tienda), Jimmy Chung (Amigo de Pascal), Joe Ho (Amigo de Pascal)
CINEMATOGRAFÍA
Yue Shi
BANDA SONORA
Claudio Puntin, Insa Rudolph
VESTUARIO
Ida Trieu
PAÍS DE ORIGEN
China (Hong Kong)
DISTRIBUIDA POR:
TLA Releasing
DURACIÓN
110 minutos

RICKY: “Escribo cartas sobre las cosas que no puedo decir en voz alta. Uno no puede cambiar lo que ya ha dicho. A lo mejor te he escrito una carta y nunca te la ha dado, más de una vez y no lo sabes.”

RICKY: “¿Eso es para mí?”
PASCAL: “Sí. ¿Lo quieres?”
RICKY: “No.”
PASCAL: “¿Por qué?”
RICKY: “Solo porque no quiero deberte nada. Lo siento, pero solo estoy siendo sincero.”

RICKY: “¿Sabes? Cuando la gente muere conecta su alma con un animal, y después de su muerte regresa a los siete días. Puede ser como un pájaro, o una polilla.”
UELI: “¿Y por qué?”
RICKY: “Para decir adiós por última vez, y prepararse para la nueva vida.”

SINOPSIS
Ricky se instala con su tía, una mujer que ejerce de prostituta en Hong Kong. Trabaja en un restaurante llevando comidas a domicilio y es más bien introvertido. Su madre permanece en China, enferma de cáncer. Un día, un joven suizo de veintisiete años, llamado Pascal, le roba la cartera. Pascal se encuentra en Hong Kong con su pareja Marcus, que a menudo es extremadamente violento con él. Harto de esa situación, Pascal decide dejar a Marcus, vagabundeando sin ayuda alguna. Ricky le encuentra un día y tras darle de comer, le invita a vivir con él y su tía. Entre los dos jóvenes surge una relación romántica, y Ricky ayuda a su nueva pareja a encajar en Hong Kong.
Sin embargo, la popularidad de Pascal provoca que se pierda en la vida gay de Hong Kong, llegando a embarcarse en una aventura. Esto acrecienta las dudas de Ricky, quien siempre ha sentido dudas sobre si su relación se basa en el verdadero amor, o es consecuencia de simple dependencia. Pascal fallece en un accidente justo cuando ambos intentan reconstruir su relación. 
Devastado, Ricky parte en un viaje a Suiza, donde comienza a buscar datos acerca del pasado Pascal. Allí conocerá a Ueli, un joven de aspecto idéntico a Pascal, pero cuya personalidad es radicalmente diferente.

CURIOSIDADES
Kit Hung comenzó a escribir el guion de esta película alrededor del año 2004, cuando tan solo tenía veintisiete años de edad. Hung se encontraba entonces estudiando en Chicago, y una compañera le ayudó a elaborar el guion. La historia original giraba alrededor de dos personajes, un hombre y una mujer. Sin embargo, su compañera abandonó el proyecto tras graduarse y debido a una debilitada condición física. Debido a esto, el personaje femenino fue eliminado del guion. La historia evolucionó convirtiéndose en radicalmente diferente del concepto original. Inicialmente, Hung se planteó que la película se convirtiera en una coproducción entre Hong Kong y Nueva York. Sin embargo, cuando el joven escritor se mudó a Suiza, la ubicación de la trama también cambió. 
La trama no es lineal y da saltos atrás y adelante en el tiempo. De esta forma, depende del espectador el encajar todos los fragmentos para crear un orden cronológico. En Suiza, Kit Hung encontró a un productor local que le ayudó a recaudar los fondos para llevar a cabo su proyecto.
A la hora de financiar la película, la mitad de los fondos procedieron del “Consejo para el Desarrollo del Arte de Hong Kong”. Una vez hubo recibido el dinero, logró rodar las escenas que debían tener lugar en Suiza. Antes de iniciar ese proceso, había realizado varias pruebas para seleccionar a sus actores en Nueva York. Allí recibió a más de trescientos candidatos, mientras que en Suiza solo recibió a siete personas interesadas. Debido a la nueva ubicación, Hung terminó por escoger a su actor en Suiza y Bernhard Bulling interpretó a Pascal. La personalidad del personaje protagonista, Ricky, se basó en un amigo del propio Hung llamado Chet Lam. De hecho, la historia fue originalmente escrita para él. También transformó la historia para que fuera parcialmente autobiográfica. 
La película fue realizada tras el suicidio de un amigo de Hung, y la muerte de los padres de su pareja, suizos también. De hecho, hay una escena en la que se toca el violín ante unas tumbas, que son las de dichos padres, como homenaje.

LO MEJOR
Hay ocasiones en las que una trama fragmentada y presentada en desorden logra cautivar al espectador, a pesar de que este no entienda del todo lo que está ocurriendo. El mérito se debe en parte a la buena química que los actores Yulai Lu y Bernhard Bulling logran transmitir. No pude evitar sentirme enganchado a esa relación basada en la dependencia, pero con atisbos de cariño evidente, y subirme a la montaña rusa de su evolución. Hay muchas dudas que quedan clarificadas a lo largo de la trama, aunque otras no queden claras del todo. La muerte de Pascal queda bastante clara al principio, mientras que su viaje a Suiza y encuentro con Ueli quedan libres de interpretación. 
Pero lo importante no es si dicha fase es real u onírica, sino que conlleva un proceso de cierre emocional, o catarsis, para el personaje de Ricky. La música y cinematografía contribuyen a un flujo de emociones que me dejaron bastante impresionado.

LO PEOR
El problema es que da la sensación de el director Hung deja bastantes cosas en el tintero y carentes de explicación. Toda la trama alrededor de la mochila recuperada, y no voy a mencionar más, me dejó bastante confundido. Da la sensación de que Kit Hung se reserva aspectos muy personales de su vida, que solamente él es capaz de identificar en la película. Otras escenas parecen insertadas a calzador sin propósito alguno.

MI CALIFICACIÓN
7/10

jueves, 24 de noviembre de 2016

RABIOSO SOL, RABIOSO CIELO

TITULO ORIGINAL
Rabioso Sol, Rabioso Cielo
AÑO DE ESTRENO
2009
DIRECTOR
Julián Hernández
PRODUCTOR
Roberto Fiesco
GUION
Julián Hernández
REPARTO
Jorge Becerra (Kieri), Javier Oliván (Tari), Guillermo Villegas (Ryo), Giovanna Zacarías (Tatei, el corazón del cielo), Joaquín Rodríguez (Andrés), Juan Carlos Torres (Umberto), Fabian Storniolo (Sergio), Harold Torres (Bruno), Clarissa Rendón (Meche), Baltimore Beltran (Boxeador), Rubén Santiago (Jonás), Rubén Ángel (Muchacho del mercado)
CINEMATOGRAFÍA
Alejandro Cantú
BANDA SONORA
Arturo Villela
VESTUARIO
Laura García de la Mora
PAÍS DE ORIGEN
México
DISTRIBUIDA POR:
David Distribución
DURACIÓN
191 minutos

TATEI: “¿Por qué, Kieri, están enjutas tus mejillas, demacrada tu cara, triste tu corazón, maltratado tu semblante, lleno de ansiedad tu vientre?”
KIERI: “¿Cómo podría no estar lleno de ansiedad mi corazón? ¡Mi amigo a quién yo amo, ha desparecido!”
TATEI: “No tiembles. ¿Dónde está tu gran valor? Escucha, levántate, ármate de valor y ve a ayudarlo.”
KIERI: “¿Cuál es el camino? ¿Cuáles las señas? ¿Qué haré? ¿A dónde iré?”
TATEI: “La travesía es difícil, muy largo el viaje. Eres joven Kieri, tu corazón te impulsa. Ve, encuéntrate con él, y salva al mundo de ésta desgracia.”

SINOPSIS
Kieri y Ryo son dos hombres que sienten un amor incondicional, el uno por el otro. Sin embargo, circunstancias provocan que esa devoción reciproca no pueda durar. 
Ryo es capturado por un joven llamado Tari, también obsesionado con él; y Kieri se embarca en un viaje largo y dificultoso para encontrarle. Sin que Kieri lo sepa, es el propio “Corazón del Cielo” quien se está encargando de guiarlo y protegerlo durante esa búsqueda. Antes de que Kieri sea capaz de encontrar a su compañero, Ryo pierde la vida después de haber escapado y haberse enfrentado a diferentes obstáculos.
“El Corazón del Cielo” todavía otorga una última oportunidad a Kieri, quien deberá probar su amor hacia Ryo para que ambos se reúnan en la muerte y regresen a la vida como seres mitológicos.

CURIOSIDADES
En esta película, Julián Hernández aborda al amor como “una epopeya ancestral, como una lucha mítica en la que la pérdida y la muerte son fases inevitables del dulce dolor que ayuda a tocar la felicidad absoluta”. 
El guion de la película surgió un día que el director invitó a Valentina Leduc  y Juan Carlos Rulfo para que participaran en la creación de un grupo denominado “Los Cineminutos del Calvario”. Durante aquel año, el 2000, Hernández escribió un guion titulado “Rubato Lamentoso”. La trama consistía en dos personajes que se perseguían el uno al otro, tras ser abandonados en medio del desierto. Unos años más tarde, y a partir de ese guion, el director creó uno nuevo que desarrollaba la misma idea con algunas diferencias. En lugar de dos personajes decidió que la historia contendría a tres personajes. Uno de esos personajes secuestraba a otro y lo mantenía oculto en una prisión bajo la arena. Sin embargo, el guion pasó a ser reservado para otra ocasión. Tras el estreno de “El Cielo Dividido” en el Festival de Berlín de 2006, Hernández decidió pedir apoyo para otra película al IMCINE. Presentó el mencionado guion, que contenía veintidós páginas y el productor Roberto Fiesco le solicitó que lo extendiera para que su estructura fuera la de un largometraje. De esta forma surgió “Rabioso Sol, Rabioso Cielo”.
La película carece de diálogos debido a que Hernández consideraba que la historia era sencilla y no había parte alguna en la que requiriera de diálogos. El director deseaba crear películas que se narraran a través de las imágenes siendo fáciles de comprender, y aseguró creer haber tenido éxito en dicho propósito. Se declaró seguro a la hora de hacer uso de las imágenes lo suficiente para realizar una película que no estuviera centrada en el dialogo. Sin embargo, el director incluyó voces en off al comienzo de la película, algunas de las frases habiendo sido extraídas de la película “La Otra Virginidad” (1974) de Juan Manuel Torres.
La versión de la película emitida en los cines tuvo un corte de una hora de duración. Hernández consideró que era una buena estrategia para la exhibición comercial, aunque la versión original de ciento noventa y un minutos permanecería registrada en la Cineteca Nacional. No eliminó planos, sino todo un fragmento de una hora de duración. El director creó la frase “El cielo siempre se acuerda de los hombres capaces de sentir amor” para resumir la trama. 
La película no habla de los hombres como género, sino de la humanidad y la búsqueda del amor.

LO MEJOR
No voy a negar que la cinematografía esté meticulosamente cuidada, y que el uso de la luz sea formidable para crear algunos planos formidables. Hernández presta gran cuidado a estos aspectos, y el resultado visual es en ocasiones espectacular. También debo admitir que a pesar de la lentitud de la trama, la última hora del film contenía aspectos que robaron mi atención.

LO PEOR
Lo siento mucho, pero no logro pillarle el tranquillo a las obras de Julián Hernández. Entiendo que esta sea una película narrada poéticamente a través de imágenes, analogías y metáforas, y entiendo que este estilo de cine fascine a un gran número de personas. Sin embargo, a mi éste estilo de películas me resultan tediosas, pretenciosas y extremadamente aburridas. 
No es cuestión de no entender la historia, que desde luego no la entendí hasta que pude leer un interesante artículo sobre el film, sino que no me interesa entenderla. Existen películas que son complejas, pero despiertan el interés del espectador por comprender que se está narrando o cual es la intencionalidad. En mi caso, solo investigue sobre este film para documentarme para este blog. Si a esto añadimos que la película dura más de tres horas… pues apaga y vámonos.
Al escuchar algunas entrevistas, pude observar ese aspecto pretencioso que he definido. El director asegura que su uso de las imágenes es lo suficientemente explícito para seguir la trama. Resulta ofensivo para quien ha tenido serias dificultades para entender lo que pretendía narrar. La primera vez que vi la película no había entendido nada. La segunda, había leído gran cantidad de información sobre la trama, y las cosas eran comprensibles, pero las imágenes no me bastaron. Mi enhorabuena a quien lograra entenderlo todo a la primera. Aún con la trama clara en mi cabeza, a la película le sobraba hora y media, y me parece curioso que un director tan seguro de si mismo no se atreviera a estrenar la versión íntegra en los cines.

MI CALIFICACIÓN
3/10

jueves, 17 de noviembre de 2016

WEEKEND

TITULO ORIGINAL
Weekend
AÑO DE ESTRENO
2011
DIRECTOR
Andrew Haigh
PRODUCTOR
Tristan Goligher
GUION
Andrew Haigh
REPARTO
Tom Cullen (Russell), Chris New (Glen), Jonathan Race (Jamie), Laura Freeman (Jill), Loretto Murray (Cathy), Johnathan Wright (Johnny), Sarah Churm (Helen), Vaxuhall Jermaine (Damien), Joe Doherty (Justin), Kieran Hardcastle (Sam), Mark Devenport (Heterosexual en bar), Steve Blackman (Heterosexual en bar), Julius Metson Scott (Paul), Martin Arrowsmith (Martin), Caroline Woolley (Chica de la fiesta), Caroline Cawley (Chica de la fiesta)
CINEMATOGRAFÍA
Ula Pontikos
BANDA SONORA
James Edward Barker
VESTUARIO
Sin acreditar
PAÍS DE ORIGEN
Reino Unido
DISTRIBUIDA POR:
Peccadillo Pictures
DURACIÓN
97 minutos

GLEN: “Es como cuando has tenido los mismos amigos durante demasiado tiempo. Terminan por convertirse, todo se cementa.”
RUSSELL: “¿Qué? ¿Y eso es algo malo?”
GLEN: “Por supuesto  que es algo malo. No quiero ser puto cemento, gracias. Es igual que cuando terminan por no dejarte ser tú mismo. No te dejan ser otra versión de ti  mismo que no sea la antigua, o la versión que ellos quieran que seas.”

GLEN: “¿Sabes cómo es cuando duermes con alguien que no conoces por primera vez?”
RUSSELL: “Sí.”
GLEN: “Es como si te convirtieras en un lienzo en blanco, lo que te da la oportunidad de proyectar en el lienzo lo que quieres ser. Eso es muy interesante, porque es algo que todo el mundo hace.”
RUSSELL: “¿Y tú crees que lo he hecho?”
GLEN: “Claro que lo has hecho. Bueno, lo que pasa es que mientras proyectas quien deseas ser… se abre una grieta entre quien quieres ser, y quien eres en realidad. Y en esa grieta puedes ver que es lo que te impide convertirse en quien deseas ser.”

SINOPSIS
Una noche de viernes, Russell acude a una fiesta organizada por sus amigos heterosexuales. Russell trabaja como socorrista en una piscina, y se marcha alegando tener que trabajar el sábado, pero acude a un bar gay por su cuenta. Allí conoce a Glen, un joven al que trabaja en una galería de arte y desea convertirse en artista. Ambos acaban manteniendo una relación sexual esa noche, tras consumir alcohol. A la mañana siguiente, los dos comienzan a conversar y conocerse. A pesar de existir una conexión entre ambos, son bastante diferentes. Russell vive parcialmente en el armario, y es poco predispuesto a expresar su homosexualidad en público. Sin embargo, desea una relación estable. Glen es más abierto en lo relativo a su homosexualidad, pero tras una relación desastrosa no desea implicarse en una relación.
A pesar de esas diferencias, la atracción entre ambos es innegable. Pero el sábado, Glen revela que el domingo abandonara el país para embarcarse en dos años de estudios en Estados Unidos, lo que deja a Russell devastado. El tiempo que les queda por compartir, lo emplearan en conocerse, conversar y sacar todo el provecho de esa peculiar relación que cada uno sea capaz.

CURIOSIDADES
Se trata de la segunda película Andrew Haigh tras el film documental “Greek Pete” y varios cortos. De hecho, Haigh comenzó a trabajar en el guion de “Weekend” antes de realizar su primera película. Sin embargo, a la hora de encontrar financiación para la película, se encontró con que todos rechazaban el proyecto. Debido a esto, Haigh decidió aparcar “Weekend” durante unos meses. Tras el estreno de su primera película reescribió el guion y volvió a intentar encontrar financiación, fracasando de nuevo. Finalmente, logró recaudar un presupuesto limitado de alrededor de ciento veinte mil libras. El director ha declarado que lo más complicado fue conseguir el dinero.
El rodaje tuvo lugar en Nottingham, Reino Unido, durante un periodo de solo dieciséis días y medio. El tiempo limitado no solo se debió al presupuesto limitado, sino a que Haigh deseaba que la rapidez otorgara sentimiento de intensidad a la trama que tenía lugar durante cuarenta y ocho horas. El equipo de producción solamente contó con entre diez y quince personas. Con el deseo de otorgar realismo al film, el director hizo uso de luz natural y localizaciones reales. Los actores que interpretaban a los protagonistas eran desconocidos. Tom Cullen declaró que parte de la acción y el dialogo fueron improvisados. Daba igual lo que Cullen improvisara y lanzara a Chris New, ya que éste reaccionaba de forma instintiva. El actor también explicó que al comenzar a rodar cada escena, nunca estaban seguros de cómo esta iba a terminar.
Al ser distribuida en cines de todo el mundo, la película sufrió censura en algunos lugares, más concentradamente en Italia. En dicho país, solo diez cines la emitieron cuando el obispo la tildó de indecente e inservible. 
La película tuvo una excelente acogida tanto por espectadores como por la crítica, logrando hacerse con varios premios. Tom Cullen pasó a formar parte de la aclamada serie “Downton Abbey”.

LO MEJOR
Es gratificante ver una película romántica que no hace uso de sensiblerías o clichés. Sobre todo, cuando se nos narra una historia que queda claro llegara a su final, algo que encontré refrescante y original. Pero lo que hay alabar sin rastro de duda alguna son los trabajos de Tom Cullen y Chris New. Su labor interpretativa es de matrícula de honor, llegando a salvar algunos fallos en el guion, que bien se podría haber mejorado considerablemente para el propósito de la trama. Lo impactante es que a pesar de que uno no pueda tener algo en común con los personajes, es extremadamente fácil conectar con éstos. La empatía es tal que desemboca en uno de los finales más emotivos que he podido ver.

LO PEOR
Los actores son sobresalientes y la idea muy original. Sin embargo, aprecié aspectos de la trama que dañaban un poco su realismo. Personalmente consideró que si una pareja tiene solo cuarenta y ocho horas para conocerse, hablar sobre los derechos de los homosexuales o los problemas sociales que conlleva ser gay es irrelevante. El dialogo debería haberse concentrado exclusivamente en un mayor análisis el uno del otro, así como de los motivos por los que la atracción ha surgido.

MI CALIFICACIÓN
8/10

jueves, 10 de noviembre de 2016

PLAN B

TITULO ORIGINAL
Plan B
AÑO DE ESTRENO
2009
DIRECTOR
Marco Berger
PRODUCTOR
Martín Cuinat
GUION
Marco Berger
REPARTO
Manuel Vignau (Bruno), Lucas Ferraro (Pablo), Mercedes Quinteros (Laura), Damián Canduci (Victor), Ana Lucia Antony (Ana), Carolina Stegmayer (Verónica), Antonia de Michelis (Madre de Victor), Ariel Nuñez Di Croce (Javier), Khaled El nabawy (Adel Abdelaziz)
CINEMATOGRAFÍA
Tomas Perez Silva
BANDA SONORA
Pedro Irusta
VESTUARIO
Laura Wissenkov
PAÍS DE ORIGEN
Argentina
DISTRIBUIDA POR:
SP Films
DURACIÓN
106 minutos

BRUNO: “Me tienes que hacer un favor. Tengo que ir a un casting.”
PABLO: “¿Un casting?”
BRUNO: “Me llamaron para una propaganda. Vieron mi foto no sé dónde o me eligieron por foto. En Ecuador, se filma para Islandia. Le tengo que dar un beso a un chavo.”
PABLO: “El otro día estando borracho me diste un beso. ¿No te acordas?”
BRUNO: “El otro día estaba borracho.”
PABLO: “¿Qué me estas, jodiendo? Me estás jodiendo.”

PABLO: “¿Viste que cuando vos sos chico, pon con doce años, invitas a un amigo a dormir a tu casa, apagas la luz y te quedas horas charlando?”
BRUNO: “De verdad que estaba bueno eso. ¿Sabes que estaría buenísima? Ir al pasado con un grabador, y grabar esas conversaciones.”
PABLO: “Me gusta como ves el mundo a esa edad. ¿No?”
BRUNO: “¿Vamos al cine un día?”
PABLO: “Vale. ¿A que vino eso?”
BRUNO: “No lo sé, asociación libre.”

BRUNO: “Te quería decir que estoy enamorado de vos. Estoy completamente enfermo. No sé lo que pasó, no lo pude manejar. Se me fue de las manos.”

SINOPSIS
La relación entre Bruno y Laura ha llegado a su fin, aunque ambos siguen viéndose de vez en cuando. Sin embargo, Laura ha iniciado una nueva relación con un hombre llamado Pablo. Superado por los celos, Bruno diseña su propia venganza, la cual comienza estableciendo una amistad con Pablo en el gimnasio al que ambos acuden. Su primer plan consiste en manipular a Pablo para que termine por acostarse con otra mujer, y así erosionar su relación con Laura. Sin embargo, el primer plan de Bruno no logra funcionar.
A través de su amigo Victor, Bruno descubre que Pablo pudo haber sentido una atracción hacia otro hombre en el pasado. 
Debido a esto Bruno diseña su “Plan B”, en el que comienza a intentar seducir a Pablo. Lo hace fingiendo que ambos son pareja ante una muchacha, y con el pretexto de tener que besar a un chico para un anuncio. Sin embargo, lo inesperado tiene lugar cuando ambos forjan una sólida amistad, y Bruno comienza a experimentar sentimientos más profundos hacia su amigo. Aunque esto puede ser reciproco, las cosas se complican cuando Pablo se percata del plan que Bruno ha concebido.

CURIOSIDADES
Se trata del primer largometraje escrito y dirigido por el argentino Marco Berger, quien previamente había dirigido algunos cortos. La idea de la película surgió como expresión del deseo que el propio Berger había tenido de vivir un “amor de película”, una fantasía. El director definió la película como la hija de su corto “El Reloj” (2008), en lo relativo a su técnica cinematográfica, angulación de cámara y forma, aunque no como extensión del mencionado corto. 
Mayormente se debe a que “El Reloj” habla sobre la imposibilidad, mientras que “Plan B” habla sobre la posibilidad. Sin embargo los personajes protagonistas fueron extraídos de su otro corto “Una Última Voluntad” (2008), en el que un hombre a punto de perder la vida pide el último deseo de recibir un beso en un cuarto lleno de hombres. Los protagonistas cuentan con treinta años de edad.
“Plan B” contó con un presupuesto muy escaso, el uno por ciento de cualquier película apoyada por el Instituto Nacional de Cine y Artes Audiovisuales de Argentina. El equipo artístico y técnico fue compuesto por amigos que compartieran su pasión por el cine. La película tuvo que ser rodada en solamente diez días. La idea era la de crear una comedia dramática que cuestionara las convenciones sociales y los prejuicios. Los protagonistas conectan mayormente mediante el recuerdo de vivencias de la infancia, pues supuestamente es la época en la que dichos prejuicios todavía no existen. De esta forma, examina el tema de la identidad sexual, más allá de cualquier etiqueta.

LO MEJOR
Empezaré por alabar el trabajo de Manuel Vignau y Lucas Ferraro a la hora de interpretar a Bruno y a Pablo, aunque Ferraro destaca ostensiblemente. Tanto la trama sobre un plan de venganza que se vuelve contra su creador, como la historia de amor y su evolución me parecieron excepcionales. Los personajes protagonistas se alejan de clichés relacionados con el mundo gay y, aunque estos sean reales y existan, el resultado es unos personajes que llegan a todo el mundo. De manera secundaria se examina el tema de los celos, con una alegoría clara al perro del hortelano, que ni come ni deja comer. Bruno no desea, pero no puede consentir que lo que no desee sea deseado. Sin embargo es el personaje de Pablo el que despierta más empatía, pues es mostrado como una víctima de una venganza que nunca podría esperar, pues no ha hecho para merecerla. Existen diálogos bastante interesantes, casi todos concentrados en recuerdos de la infancia, en la que los personajes profundizan, o en la provocación para poner a prueba la atracción mutua. 
En términos generales me pareció una gran primera película de Marco Berger.

LO PEOR
Creo que el mayor problema de la película es que Berger se concentra de forma excesiva en el trabajo de interpretación, y termina por descuidar aspectos como la cinematografía. Esta resulta bastante deficiente, con colores apagados, escenas excesivamente oscuras y carentes de una buena iluminación. Esto provoca que, aunque los actores realicen un buen trabajo, la atmosfera en la que se desenvuelven dañe la interpretación. Por otro lado, la duración me pareció algo excesiva, sobrando unos quince minutos de metraje.

MI CALIFICACIÓN
7/10

jueves, 3 de noviembre de 2016

VERDE VERDE

TITULO ORIGINAL
Verde verde
AÑO DE ESTRENO
2012
DIRECTOR
Enrique Pineda Barnet
PRODUCTOR
Santiago Llapur
GUION
Enrique Pineda Barnet
REPARTO
Héctor Noas (Alfredo), Carlos Miguel Caballero (Carlos), Farah Maria (Dama seductora), Rocío García (Pintora), Waldo Franco (Turista vieja), Adrián Olivares Chapiau (Stripper), Beatriz Viña (Puta insistente), Eldis González (Barman), Alejandro Padrón (Baterista), Alain Ortíz (Amigote de Carlos), Daniel Pacheco (Amigote de Carlos), Ernesto Santana (Amigote de Carlos), Armando Corrales (Amigote de Carlos), Dayron Moreno (Amigote de Carlos), Guillermo Castellón (Estibador), Ariel Albóniga Carmona (Pareja gay), Javier Casas (Pareja gay), Alejandro Olarriz (Marinero), Alexander Seguí (Marinero), Romel Mohamed Elazzeh (Marinero), Jorge Yera Viqueira (Marinero), Dayron Naranjo (Marinero)
CINEMATOGRAFÍA
Raúl Rodríguez Cabrera
BANDA SONORA
Juan Piñera
VESTUARIO
Gabriel Hierrezuolo
PAÍS DE ORIGEN
Cuba
DISTRIBUIDA POR:
Instituto Cubano del Arte e Industrias Cinematográficos
DURACIÓN
74 minutos

ALFREDO: “Oiga macho, ‘verde, verde da maduro’. ¿Sabes?”
CARLOS: “¿Qué cosa?”
ALFREDO: “Piénselo y verá. Sirve para todo, verde, verde, maduro. Aplíqueselo a la vida. Cuando las cosas parecen más verdes, más verdes, caen maduritas. El odio es cariño.”
CARLOS: “Yo soy hombre a todas.”
ALFREDO: “Sí, sí, dime con quién andas y te diré de lo que careces.”
CARLOS: “Oye. ¿En tu barco lo saben?”
ALFREDO: “¿Y de que deben saber? ¿De mí? A mi camarote vienen marineros, oficiales, todo tipo de gente. Lo mismo doy una aspirina, que un condón, que un consejo. Trato una diarrea y una gonorrea. Les canto boleros, oigo sus problemas y hasta les escribo sus cartas de amor. Soy el más popular y el más libre del barco.”
CARLOS: “¿Pero saben que tú eres...?”
ALFREDO: “Mi lema es, soy popular y si me lo piden hago tacto rectal. Mira, uno no anda por ahí diciendo lo que le gusta comer. No existe un helado de chocolate para la mujer y otro para el hombre. Tú no llevas un cartelito que dice, ‘yo como coctel de ostiones’. El que lo quiera saber te lo pregunta. Y tú le respondes, ‘a mi lo que me gusta es el marisco’. O directamente, ‘me gustan los ostiones, ¿quieres comerlos conmigo?’. No estás ofendiendo a nadie, estás haciendo una invitación.”

SINOPSIS
Un hombre huye desesperadamente por un laberinto, buscando una salida que no encontrará. En su fuga tropieza con apariciones que le bloquean el paso: una dama seductora, algunos personajes escapados de un bar singular, una pintora, un barman armado, un stripper, una anciana turista, un estibador acechante.
En un bar del puerto, Alfredo, paramédico de navegación mercantil, conoce a Carlos, informático aspirante a aviador. 
El navegante invita a Carlos a su hangar en el puerto. Allí, Alfredo intenta seducir a Carlos y embarcarse en una relación sexual con él. Aunque Carlos siente el mismo deseo, la presión de la vergüenza, el que dirán, y la obsesión con demostrar su hombría provocan situaciones tensas. En un tira y afloja, Carlos cede e intenta escapar repetidas veces, cuando en realidad intenta escapar de sí mismo.

CURIOSIDADES
Enrique Pineda Barnet aseguró haber tenido muchas influencias a la hora de crear está película, aunque señaló que muchas de estas habían surgido subconscientemente. Sin llegar a tener diecisiete años, antes del año 1950, escribió un poema titulado “Elegía de la Vida”. En aquel entonces estudiaba en el Instituto de la Víbora y lo grabó junto a Carlos  Piñeiro, quien tocó “La Catedral Sumergida de Debussy” al piano. El director ha señalado dicho poema como un origen remoto de la película. El poema aborda el sentimiento de vergüenza y la imposibilidad de superarla. 
Otra inspiración surgió a raíz de la muerte de Miguel Navarro, Roberto Garriga y otros personajes de la cultura que fueron asesinados en escenas homofóbicas.
Al mismo tiempo, la idea de “Verde verde” surgió de un corto que Enrique Pineda Barnet creado en 1970 y titulado “First (Así Como Somos)”. La idea era analizar las contradicciones internas, y el destrozo que estás pueden provocar en una persona. El mismo tema se examinó en la película “Verde verde”, aunque de una forma más brutal y cruda. A través de la homosexualidad, realiza un análisis del hombre y sus sufrimientos individuales. El guion del corto fue concebido como si fuera un monologo teatral, incluyendo elementos de la plástica del cine. La película extendió este concepto con una conversación que disecciona el sentimiento de culpa, el remordimiento que surge de la presión social en el individual.
La película también hace usa del simbolismo, utilizando entre otras cosas la obra plástica de Rocío García. 
A través de sus pinturas, el director creó la atmósfera y la visualidad iconográfica de los personajes. García se negó a someter su arte a los requisitos de la película, entregando cuadros y bocetos que la narración le inspirara a ella. A partir de estos, fue el director quien desarrolló su guion.

LO MEJOR
No voy a negar que la película cuente con dos actores que realizan una excelente labor interpretativa. Héctor Noas resulta extremadamente seductor en su interpretación, aunque Carlos Miguel Caballero se lleva la palma logrando transmitir con gran detalle el sufrimiento interno producto de la incapacidad de superar sus sentimientos de vergüenza. La película posee un guion con diálogos que se tornan verdaderamente interesantes en ocasiones.

LO PEOR
Lo primero que me vino a la cabeza al ver la película, fue que me parecía un plagio de “Querelle” (1982), sobre todo en lo relativo a la estética y ambientación. 
Al mismo tiempo, este tipo de guiones funcionan mucho mejor en teatro que en la gran pantalla. El problema de la película es que su trama se estira como un chicle, es un tira y afloja constante que al final termina por convertirse en aburrido. La trama se concentra en tres ubicaciones cerradas, en su mayoría en la residencia del personaje de Alfredo. Esto provoca que la ya tediosa historia se torne más difícil de soportar.
La idea de examinar la incapacidad de admitir la homosexualidad por presiones sociales o machistas no es mala, pero tampoco es suficiente para crear un largometraje con dos únicos personajes en una conversación perpetua. Los simbolismos me parecieron pretenciosos, y no me inspiraron el menor interés.

MI CALIFICACIÓN
3/10