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jueves, 10 de julio de 2014

PINK FLAMINGOS

TITULO ORIGINAL
Pink Flamingos
AÑO DE ESTRENO
1972
DIRECTOR
John Waters
PRODUCTOR
John Waters
GUION
John Waters
REPARTO
Divine (Divine / Babs Johnson), David Lochary (Raymond Marble), Mary Vivian Pearce (Cotton), Mink Stole (Connie Marble), Danny Mills (Crackers), Edith Massey (Edie), Channing Wilroy (Channing), Cookie Mueller (Cookie), Paul Swift (El Huevero), Susan Walsh (Suzie), Linda Olgeirson (Linda), Pat Moran (Patty Hitler), Nancy Crystal (Sandy Sandstone)
CINEMATOGRAFÍA
John Waters
BANDA SONORA
Inaplicable
VESTUARIO
Van Smith, Divine
PAÍS DE ORIGEN
Estados Unidos
DISTRIBUIDA POR:
Saliva Films, New Line Cinema
DURACIÓN
93 minutos
 
BABS JOHNSON: “El remite dice: Las personas más inmundas del mundo. ¿Pero quién se atreve a usar ese título? ¿Quién es el osado?”
COTTON: “No te preocupes tanto mujer, es solo un regalo de cumpleaños.”
BABS JOHNSON: “No, no es un regalo de cumpleaños Cotton. Presiento que nos traerá problemas. ¿Dios mío! Alguien me ha enviado un maldito zurullo.”
CRACKERS: “Es un zurullo mamá.”
COTTON: “¿Quién puede haber enviado eso?”
EDIE: “¡Ah, un Zurullo! ¡Ah un zurullo!”
BABS JOHNSON: “Esto es un ataque directo a mi divinidad, un ataque directo a la paz y harmonía que hemos disfrutado las últimas semanas aquí, un ultrajante intento de humillarme y estropear mi vida privada. ¡Alguien pagará por esto! ¡Alguien pagará con su vida por este grosero y ofensivo acto!”
CRACKERS: “Mamá, nadie puede enviarte un zurullo y pensar que va a seguir con vida, nadie.”
 
SINOPSIS
La criminal conocida como Divine ha adoptado el seudónimo de Babs Johnson. Reside en una rulot de color rosa a las afueras de Phoenix, Maryland. Vive en compañía de su madre Edie, enferma mental y fanática de los huevos, su hijo delincuente Crackers, y la compañera de este último, Cotton. Divine ha sido nombrada la persona más inmunda del mundo por un tabloide, Divine se hace con dos rivales, celosos de ella por haberse hecho con el mencionado título. Estos son Connie y Raymond Marble, quienes están decididos a acabar con la carrera de Divine, y hacerse con el título de las personas más inmundas del mundo.
Connie y Raymond han organizado un negocio de venta de bebés a parejas gais y lesbianas. Para ello capturan a autoestopistas y las dejan embarazadas, para vender luego sus bebés. Todo el dinero que recaudan lo invierten en heroína que es vendida en los colegios. Para derrotar a Divine, contratan a una investigadora llamada Cookie para que mantenga relaciones sexuales con Crackers y espíe a Divine.
En plena competición, Connie y Raymond descubren por qué Divine se ha hecho con el mencionado título.
 
CURIOSIDADES
Cuando la película fue estrenada, provocó una inmensa controversia debido al número de actos perversos que se mostraban con detalles explícitos. Desde entonces se ha convertido en una película de culto, y en la más emblemática de John Waters, logrando convertir a la drag queen Divine en una estrella underground. La película fue producida con un presupuesto de solamente diez mil dólares, y rodada mayoritariamente durante los fines de semana en Phoenix, un suburbio de Baltimore, Maryland. 
Bob Adams, amigo de Divine, describió el decorado de la rulot, como una especie de comuna hippie; y señaló que estaban operando fuera de una granja que no tenía agua caliente. Divine y Van Smith decidieron dormir en casa de Susan Lowe en la ciudad.
Debido a esto, debían levantarse antes del amanecer para completar el maquillaje de Divine antes de ser conducidos al decorado por Jack Walsh. Divine a menudo esperaba a ser recogida completamente maquillada, atrayendo bastante atención en la ciudad. La madre de Divine, Frances, declararía haber estado sorprendida ante como su hijo fue capaz de aguantar las lamentables condiciones del decorado, considerando su gusto caro en ropa, muebles y comida. De acuerdo a Waters, la escena final de Divine comiendo los excrementos de un perro es completamente real. También se mostraban escenas eróticas, pornográficas, violentas, y en términos generales muy provocadoras.
La película se estrenó en 1972, en el tercer Festival de Cine Anual de Baltimore, que tuvo lugar en el campus de la Universidad de Baltimore. Se vendieron todas las entradas para tres muestras sucesivas; y es que la película había despertado un interés particular entre los fans del cine underground, después del éxito de “Multiple Maniacs”.
Tras varias muestras en universidades por todos los Estados Unidos, incluyendo Harvard College en 1973, la película fue distribuida en cines por Saliva Films, y más adelante por New Line Cinema. Con esto se logró que la película fuera conocida a nivel nacional. En 1997, y durante el vigésimo quinto aniversario del estreno de la película, volvió a estrenarse. La nueva versión incluyó música mejorada por estéreo, y al contrario de la original, estuvo disponible para el público en compact disc. Al final de la película se incluyó un breve comentario a manos de Waters, y algunas escenas cortadas de la edición original.
 
LO MEJOR
Voy a citar tan solo dos aspectos que me han parecido elogiables. El primero es el hecho de que tuvo que resultar todo un esfuerzo realizar una película de estas características en el año 1972 y, más aún, que no haya caído en el olvido con el paso de los años, haciéndose con fieles fans y defensores.
También debo reconocer que la película logró abducir mi atención y no me aburrió. Es más, llegó a arrancarme alguna que otra carcajada.
 
LO PEOR
Una vez admitidos estos hechos, debo comenzar señalando que el humor basado en la provocación o imposición de lo desagradable nunca me ha llamado la atención. Cuando vi una muestra de esta película en la universidad, la gente a mi alrededor no paraba de emitir sonoras carcajadas. Si bien en algún momento me encontré riendo, la trama me pareció absurda, poco interesante y bastante deslavazada. Entiendo que este tipo de género tiene muchos seguidores, pero siempre me ha producido rechazo. La idea base podría ser efectiva, pero cada vez que veo este tipo de films, me da la sensación de que el creador desea más el molestar y provocar reacciones negativas, que el generar algo divertido. Si bien todo esto pueden ser especulaciones, la película no funcionó para mí.
 
MI CALIFICACIÓN
3/10

jueves, 3 de julio de 2014

MUERTE EN VENECIA

TITULO ORIGINAL
Morte a Venezia
AÑO DE ESTRENO
1971
DIRECTOR
Luchino Visconti
PRODUCTOR
Luchino Visconti
GUION
Luchino Visconti, Nicola Badalucco
Basado en la novela de Thomas Mann
REPARTO
Dirk Bogarde (Gustav von Aschenbach), Mark Burns (Alfred), Marisa Berenson (Frau von  Aschenbach), Björn Andrésen (Tadzio), Silvana Mangano (Madre de Tadzio), Romolo Valli (Director del Hotel), Nora Ricci (Institutriz), Franco Fabrizi (Barbero), Sergio Garfagnoli (Jaschu), Luigi Battaglia (Pícaro), Masha Predit (Turista rusa), Marcello Bonini Olas (Noble de la fiesta del hotel), Nicoletta Elmi (Niña en la mesa), Marco Tulli (Hombre que se desmaya en estación), Leslie French (Agente de Viajes), Antonio Appicella (Vagabundo), Eva Axén (Hermana mayor de Tadzio)
CINEMATOGRAFÍA
Pasqualino De Santis
BANDA SONORA
Gustav Mahler
VESTUARIO
Piero Tosi
PAÍS DE ORIGEN
Italia
DISTRIBUIDA POR:
Warner Bros.
DURACIÓN
130 minutos
 
GUSTAV VON ASCHENBACH: “Un reloj de arena, es curioso. Ahora me viene a la memoria que en casa de mis padres también había uno de esos. El conducto a través del cual cae la arena es tan estrecho, que aparentemente el nivel del baso superior permanece igual, no cambia. Solo un buen rato después se da uno cuenta de que la arena ha ido cayendo, grano a grano, inexorablemente hasta colmar el vaso inferior. Entonces ya nada importa, se ha cumplido el tiempo, y no queda un minuto para pensar.”
 
ALFRED: “La sabiduría, la verdad, la dignidad humana, todo ha terminado. Ya no hay razón alguna para que no te vayas a la tumba con tu música. Has adquirido un perfecto equilibrio, el hombre y el artista son uno, han tocado fondo juntos. Nunca has poseído la castidad. La castidad es un don de la pureza, no el penoso resultado de la vejez. Y tú eres viejo Gustav, y en todo el mundo no hay impureza más impura que la vejez.”
 
SINOPSIS
Tras perder a su hija y ver como su carrera musical se viene abajo, Gustav Aschenbach se ve aquejado por problemas del corazón. Siguiendo el consejo de su médico, viaja a Venecia para pasar unas vacaciones de reposo. Una vez en la playa, Gustav se fija en un joven polaco llamado Tadzio, cuya belleza se convierte en su obsesión. A pesar de su lucha interior, Gustav no puede negar su atracción hacia el joven, a quien a menudo sigue y observa por las calles de Venecia. Tal es la atracción, que Gustav comienza a buscar escusas para permanecer en Venecia.
Al mismo tiempo, Gustav se comienza a percatar de que algo extraño ocurre en la ciudad. Gustav comienza a preocuparse y sospechar de la existencia de una epidemia. Pronto descubre que el cólera ha tomado Venecia, pero las autoridades lo mantienen oculto para no ahuyentar a los necesarios turistas.
 
CURIOSIDADES
La película está basada en la novela del autor alemán Thomas Mann, publicada en el año 1912 como “Der Tod in Venedig”. La película es relativamente fiel a dicha novela, con algunos cambios y obviando otros aspectos. Thomas Mann escribió el libro tras unas vacaciones en Venecia, en compañía de su familia durante el verano de 1911. Su esposa, Katia Mann ha explicado que su marido quedó fascinado ante un joven de alrededor de trece años, aunque no lo seguía por toda Venecia. El traductor de Mann, Andrzej Dołęgowskiel, revelaría que el joven era el Barón Władysław Moes quien era apodado Władzio o simplemente Adzio.
Se cambió la profesión de Gustav para la película. Mientras en la novela era un escritor, en el film pasa a ser un compositor. De esta forma la música juega un papel crucial en la película, haciendo uso de la música de Gustav Mahler, particularmente el Adagietto de su Quinta Sinfonía, que es utilizado al principio y final de la película, y secciones de su Tercera Sinfonía.
De hecho, Bogarde se inspiró mucho en el personaje de Gustav Mahler a la hora de interpretar al protagonista del film. También se añadieron escenas en las que Aschenbach y Alfred debaten sobre la estética degradada de su música. Esto mantiene un paralelismo con la vida y trabajos de Mahler, lo que se refleja cuando se le toca a Aschenbach un extracto de su trabajo, que en realidad pertenece a Mahler. A pesar de estas diferencias, tanto la novela como la película están elaboradas como un alegato a la belleza perfecta y platónica.
Visconti tuvo serias dificultades para llevar a cabo la película, mayoritariamente debido al rechazo de los productores hacia el homo erotismo que contenía. Tuvo discusiones sobre el reparto y continuos cortes en el presupuesto, pero la “Warner Bros” le permitió llevar el film a cabo debido al éxito de “La Caída de los Dioses”. Bogarde declaró que para adquirir una piel pálida al final de la película, el departamento de maquillaje probó con varias cremas y pinturas faciales, pero ninguna fue satisfactoria. Cuando se encontró una crema adecuada, esta le produjo quemaduras.
El tubo indicaba que no debía usarse sobre la piel, pero el director lo había ignorado al probar pequeñas porciones con miembros del equipo sin problemas.
Tras su estreno, la película se enfrentó a un serio rechazo por parte de la crítica, que ha cambiado radicalmente con el paso del tiempo. Se utilizó ropa de época original, planchada y almidonada al mismo estilo de la misma. La película recibió una nominación al Oscar por Mejor Vestuario, pero perdió la estatuilla contra “Nicolás y Alejandra”.
 
LO MEJOR
No cabe la menor duda sobre la extensiva disertación que se puede realizar sobre la trama de esta obra de arte. Personalmente, siempre he admirado el equilibrio que manifiesta entre la muerte y la belleza, convirtiendo dicha combinación en un aforismo hacia la perfección. Sin entrar en cuestiones excesivamente filosóficas, describiría la película como una belleza de impacto emocional brutal.
La cinematografía es tan exquisita que no precisa de excesivos diálogos, pues comunica por sí sola. La decadencia de Gustav es paralela a la de una Venecia asolada por el cólera. Igual que el temor a la vejez y sus implicaciones le llevan a adorar y amar a la juventud que ya no podrá poseer. Al mismo tiempo, se defiende la idea de la belleza y la perfección como algo ambiguo, dependiendo de la perspectiva de cada una. Es una película simplemente perfecta.
 
LO PEOR
No hay nada negativo que yo haya sido capaz de encontrar en esta película.
 
MI CALIFICACIÓN
10/10

jueves, 26 de junio de 2014

BEHIND THE CANDELABRA

TITULO ORIGINAL
Behind the Candelabra
AÑO DE ESTRENO
2013
DIRECTOR
Steven Soderbergh
PRODUCTORES
Gregory Jacobs, Susan Ekins, Michael Polaire
GUION
Richard LaGravenese
Basado en la novela de Scott Thorson y Alex Thorleifson
REPARTO
Michael Douglas (Liberace), Matt Damon (Scott Thorson), Dan Aykroyd (Seymour Heller), Rob Lowe (Doctor Jack Startz), Debbie Reynolds (Frances Liberace), Scott Bakula (Bob Black), Boyd Holbrook (Cary James), Tom Papa (Ray Arnett), Nicky Katt (Mister Y), Cheyenne Jackson (Billy Leatherwood), Paul Reiser (Señor Felder), David Koechner (Abogado de adopciones), Peggy King (Vocalista televisiva), Eric Zuckerman (Lou), Jane Morris (Rose Carracappa), Garrett M. Brown (Joe Carracappa), Pat Asanti (George Liberace), Casey Kramer (Dora Liberace),
CINEMATOGRAFÍA
Peter Andrews
BANDA SONORA
Marvin Hamlisch
VESTUARIO
Ellen Mirojnick
PAÍS DE ORIGEN
Estados Unidos
DISTRIBUIDA POR:
HBO
DURACIÓN
118 minutos
 
LIBERACE: “En algún momento, a lo largo de esas treinta y seis horas de tratamiento, me desperté y vi una monja con el hábito blanco al lado de mi cama. Le dije que quería rezar; y me dijo que no malgastara mis fuerzas, y me aseguró que iba a vivir. Al día siguiente mis riñones empezaron a funcionar. Los médicos no daban crédito, me confesaron que no tenían ninguna esperanza. Así que pedí ver a la monja para agradecerle que me hubiera dado fuerzas y me dijeron: no, aquí no hay ninguna monja que encaje con esa descripción. Aquí no hay monjas que lleven el hábito blanco. Entonces lo supe. Supe que no habría podido sobrevivir si ser gay fuera el pecado que decía la iglesia. Conseguí salvarme porque Dios me mira siempre con ojos benévolos. Esa monja era una mensajera.”
 
SINOPSIS
En el año 1977, Scott Thorson es un joven de dieciocho años que trabaja como entrenador de animales para películas. Scott conoce a Bob Black, un productor de Hollywood, en un bar gay de Los Ángeles. Siguiendo su consejo, Scott abandona su hogar de acogida para buscar un trabajo con mejores ingresos. Bob le llega a Las Vegas donde asisten a una actuación de Liberace. Tras el espectáculo, Scott conoce a Liberace a través de Bob, y el artista se siente inmediatamente atraído hacia el atractivo joven. Scott se define como bisexual, y está harto de vivir con familias de acogida, por lo que termina por mudarse a la mansión de Liberace.
Esto cambia la vida de Scott de forma radical, ya que el joven se ve sumergido en una vida de lujos y excesos, comenzando una aventura con el pianista legendario. Con el paso del tiempo, Scott comienza a sentirse asfixiado en su nuevo papel, ya que Liberace le mantiene oculto al mundo. Esto se debe a que el artista sigue en el armario, a pesar de su personalidad extravagante y afeminada.
Scott se ve forzado a someterse a operaciones de cirugía plástica para conservar su aspecto juvenil y termina por revelarse. Sin embargo, cuando Liberace encuentra un nuevo joven, los problemas de Scott comienzan.
 
CURIOSIDADES
Steven Soderbergh comenzó a discutir con Michael Douglas acerca de la idea de hacer una película sobre Liberace durante la producción de “Traffic” (2000). Sin embargo, el director tenía problemas para encontrar un ángulo que diferenciara a la película de una película biográfica tradicional. En el verano de 2008, Soderbergh contactó con el guionista Richard LaGravenese, ofreciéndole la idea de adaptar el libro de memorias del antiguo amante de Liberace, Scott Thorson. El título de dicho libro era “Behind the Candelabra: My Life with Liberace” (Detrás del Candelabro: Mi Vida con Liberace). En septiembre de 2008, se anunció el proyecto de forma oficial. Matt Damon estaba a punto de firmar para interpretar a Scott Thorson, y Michael Douglas estaba inmerso en discusiones acerca de interpretar a Liberace.
El siguiente año, Douglas y Damon firmaron de forma oficial para interpretar a los dos personajes. Sin embargo, Soderbergh tuvo serias dificultades para financiar la película, considerada como “demasiado gay”, por lo que el film pasó varios años en desarrollo. Durante ese tiempo de espera, Douglas y Damon confirmaron que estaban decididos a interpretar a los personajes a pesar de cualquier retraso que tuviera lugar. Finalmente, el proyecto fue seleccionado por “HBO Films”, y rodado con un presupuesto de veintitrés millones de dólares en solo treinta días del año 2012. Al promocionar la película, Soderbergh explicó que sería su último trabajo como director, por el momento. También fue la última película con una banda sonora del compositor Marvin Hamlisch, quien falleció en agosto de 2012.
La película tuvo una excelente acogida por parte de la crítica. Se hizo con once Premios Emmy, entre los cuales se encontraban el de Mejor Miniserie o Película para televisión,  y el de Mejor Actor Protagonista para Michael Douglas.
La película también recibió dos Globos de Oros para la Mejor Miniserie o Película para televisión, y para Michael Douglas como Mejor Actor. Curiosamente, Matt Damon también había sido nominado como Mejor Actor perdiendo contra Douglas. Rob Lowe también fue nominado como Mejor Actor de Reparto, pero no logró hacerse con el premio.
 
LO MEJOR
Sería absurdo no reconocer que gran parte de lo excepcional en esta película es su increíble reparto. También debo reconocer que aunque no soy un gran fan de Michael Douglas, me sorprendió a niveles insospechados. Su interpretación de Liberace es simplemente sobresaliente. Afortunadamente, Matt Damon no se queda corto, y se percibe una gran química entre ambos actores que logran hacer que la relación insana de Liberace y Thorson sea perfectamente creíble. Al mismo tiempo, creo que es importante tener en cuenta que la película se basa en la novela de Thorson, por la que la historia se trasmite desde su perspectiva.
Creo que la genialidad de la película se basa en la decisión de Soderbergh de intentar no decantarse por ninguno de los dos personajes. Ambos tienen sus virtudes y sus faltas, y ninguno provoca empatía pues no dejan de ser manipuladores. Dentro de ese aspecto, sorprende como la película logra conmover en determinadas ocasiones. Simultáneamente, realiza un evocador análisis sobre el miedo a la vejez, el deseo eterno por y hacia la juventud, y la capacidad de corromper tanto  a quien necesita como al que tiene dinero.
 
LO PEOR
No hay nada negativo que yo haya sido capaz de encontrar en esta película.
 
MI CALIFICACIÓN
10/10

jueves, 19 de junio de 2014

ELLIOT LOVES

TITULO ORIGINAL
Elliot Loves
AÑO DE ESTRENO
2012
DIRECTOR
Terracino
PRODUCTORES
Terracino, Elizabeth Gardner
GUION
Terracino
REPARTO
Fabio Costaprado (Elliot), Elena Goode (Madre de Elliot), Quentin Araujo (Joven Elliot), Jermaine Montell (Kiko), Elaine del Valle (Tía Carmen), Guillermo Iván (Fabian), Robin de Jesús (Hector), Will Bethencourt (Camarero polaco), Alfredo Narciso (Tío George), Monte Bezell (Joe), Joshua Cruz (Jesse), Erin Fogel (Señorita Mills), Rafael Sardina (Mikey), Cedric Leiba Jr. (Nuevo chico de Kiko), Dalia Davi (Tía Denise), Charlotte Norsworthy (Alice Banks), Nicolina Capitanio (Nicolina), Marisa Viola (Enfermera Henderson), Denia Brache (Abuela Ayende), Antoni Porowski (Padre de Elliot), Rene Ramirez (Luis), Bobby DeJesus (Freddie), Edward Cruz (Octavio), Benjamin Bauman (Danny)
CINEMATOGRAFÍA
Saro Varjabedian
BANDA SONORA
Arthur Retiz
VESTUARIO
Javier Rosa
PAÍS DE ORIGEN
Estados Unidos
DISTRIBUIDA POR:
TLA Releasing
DURACIÓN
92 minutos
 
MADRE DE ELLIOT: “No puedo hacer esto sola. Continuó jodiéndolo todo, y no logro que las cosas salgan bien. Necesito que le des una oportunidad a Danny.”
ELLIOT: “Mamá, no estás sola. Me tienes a mí. Se supone que tengo que cuidar de ti. Creí que estábamos de acuerdo.”
MADRE DE ELLIOT: “Solo eres un chico; y yo también soy solo una chica. No puedo hacer esto sola. Creí que podría.”
ELLIOT: “Mamá, lo estás haciendo muy bien. Además, puedo cuidar de ti. Prácticamente he cuidado de mí mismo.”
MADRE DE ELLIOT: “Danny estará pronto en casa, y no me va a esperar siempre, necesito que me prometas una cosa…”
ELLIOT: “¡No!”
MADRE DE ELLIOT: “¡Elliot! No lo entiendes. No puedo hacer esto sola.”
ELLIOT: “No estás sola. Me tienes a mí. Nos tenemos el uno al otro.”
MADRE DE ELLIOT: “No eres lo suficientemente bueno para mí. No te quiero. Eres un jodido error. ¿No lo entiendes?”
 
SINOPSIS
Con nueve años de edad, Elliot mantiene una relación conflictiva con su madre. Cuando están solos parecen inseparables, pero cuando su madre se embarca en una de sus relaciones desastrosas, Elliot queda en último plano. El joven se ve víctima de algunas de las parejas de su madre, en ocasiones sufriendo maltratos. En lugar de apoyarle, su madre siempre le considera el centro de todos sus problemas llegando a definirle como un error. De hecho, Elliot es el resultado de una breve relación de su madre cuando era adolescente, y su padre nunca quiso saber nada de él. Durante su infancia, Elliot se ve obligado a actuar a menudo como un adulto.
Con veintiún años Elliot ya ha logrado aceptar su propia homosexualidad. Mantiene una postura ingenua y optimista sobre el amor.
Sin embargo, haber estado sometido al ambiente familiar de su madre y sus relaciones le ha dejado huella. Elliot busca el amor en los lugares equivocados con la gente equivocada. Añadido a esto, entrega si corazón ante el más leve de los flirteos, confundiendo encuentros y relaciones esporádicas con amor; y quedando defraudado al no conseguir lo que espera.
 
CURIOSIDADES
Terracino y Juan Caceres, su compañero de producción, estuvieron intentando realizar esta película durante un total de seis años. En dos ocasiones, compañías adquirieron los derechos, pero terminaron por irse a pique. Varios productores explicaron que la película era demasiado complicada y ambiciosa para ser llevada a cabo; y otras compañías ofrecieron grandes presupuestos, pero a cambio de compromisos como rodar en Los Ángeles, que la película fuera “menos latina”, que se eliminara la violencia sobre Elliot durante su infancia, que la película fuera menos gay, y de esta forma la lista se expandía.
Terracino se negó en rotundo a cambiar su historia, y prefirió esperar hasta que pudiera realizar la película. En el año 2009, esto fue posible con la cooperación de Elizabeth Gardner, Directora Ejecutiva del Festival de Cine Latino Internacional de Nueva York. Tuvieron que rodar durante los fines de semana y hacer uso de la ayuda del personal y voluntarios del festival.
Terracino tenía muchas dudas acerca del proyecto, y la mayoría se disiparon cuando quedó impresionado con la motivación de Quentin Davis Araujo, el actor de once años que interpretaba al joven Elliot. Cuando rodó su primera escena, la cual tuvo lugar en el primer día de rodaje, se sorprendió ante la confianza del muchacho, y esto ayudó a que el director recuperara la misma en el rodaje. La película está compuesta por dos actos. El primero narra la vida de Elliot con veintiún años y su fatídica búsqueda del amor, y el segundo su infancia en compañía de su madre. Los eventos de ambos actos se intercalan a lo largo de la película aunque cada acto se narra de forma cronológica.
 
LO MEJOR
Lo primero que destacaría de esta película es la efectividad con la que se combinan la comedia y el drama, logrando no sobrecargar al espectador con ambos estilos. No es casualidad que el drama se concentre en la línea argumental del joven Elliot, pero me sorprendió gratamente ver como la segunda línea argumental muestra la positividad y optimismo del personaje, derivando en momentos de comedia. Me gusta la temática del joven más enamorado del concepto del amor que de alguien en particular. A pesar de necesitar pulir sus dotes interpretativas, Fabio Costaprado logró convencerme y ganarme con el personaje de Elliot. Quizás porque todos hemos sido jóvenes y hemos idealizado el amor; pero también por ese entusiasmo tan característico, y tan sumido en la confusión, de alguien joven en busca del amor. Sin embargo, quienes más me impresionaron fueron Quentin Araujo en el papel del joven Elliot, y Elena Goode en el papel de su madre.
Ambos llevan a cabo algunas de las escenas más impactantes, logrando convencer en todo momento.
 
LO PEOR
Es una lástima, pero el final me pareció excesivamente apresurado. Con esto no critico el final feliz, sino el modo en que se lleva a cabo pareciendo meramente fortuito. Eche en falta una confrontación posterior entre el personaje de Elliot y su madre, sobre todo viendo el pasado al que el muchacho había sido sometido. Sin embargo, me encontré con un final apresurado, que desaprovechaba grandes oportunidades en la narración.
 
MI CALIFICACIÓN
7/10

jueves, 12 de junio de 2014

AUGUST

TITULO ORIGINAL
August
AÑO DE ESTRENO
2011
DIRECTOR
Eldar Rapaport
PRODUCTOR
Samantha Manalang
GUION
Eldar Rapaport, Brian Sloan
REPARTO
Murray Bartlett (Troy), Daniel Dugan (Jonathan), Adrian Gonzalez (Raul), Edward Conna (Director de la Firma), Kevin McShane (Radio DJ), Hank Ignacio (Bebé), Bernhard Forcher (Sean), Maria Chung (Lynn), Brad Stanley (Devon), Tyler Lee (Marido hetero), Angelica Lee (Esposa hetero), Massimo Quagliano (Ligue), Hillary Banks (Nina), Brenda Lanie (Cajera del Deli), Brian Sloan (Reportero), Todd Gaebe (Camarero de la galería), Samantha Manalang (Camarera de la galería), Scott Romstadt (Ligue 2), Joe Aaron (Abogado), David LeBarron (Bob), Tod Macofsky (Ken), Mike Vaughn (Nick)
CINEMATOGRAFÍA
James Adolphus
BANDA SONORA
Yuval Ron
VESTUARIO
Denia Skinner
PAÍS DE ORIGEN
Estados Unidos
DISTRIBUIDA POR:
eRap Film Productions
DURACIÓN
99 minutos
 
RAÚL: “Veo que ahora llevas el mismo corte de pelo.”
TROY: “¿Corte de pelo?”
RAÚL: “Corte de pelo, tu cabeza, rapada.”
TROY: “Él quiso hacerlo.”
RAÚL: “Ustedes se parecen cada vez más.”
TROY: “No es verdad.”
RAÚL: “¡La puta! Están iguales, ande pregúntele a cualquiera.”
TROY: “¿Quieres que él vuelva?”
RAÚL: “¿Qué? ¡No!”
TROY: “Entendería que lo quisieras.
RAÚL: “No quiero.”
TROY: “Se muda conmigo. ¿No te contó?”
RAÚL: “En realidad me había dicho que ya vivís juntos.”
TROY: “En serio. Bueno, prácticamente ya vivimos juntos; pero el todavía no se ha mudado oficialmente. Me parece que es por vos.”
RAÚL: “Tiene treinta años. Ya es mayorcito para saber lo que hace.”
 
SINOPSIS
Tiempo atrás, Troy y Jonathan mantenían una relación que culminó en una dolorosa ruptura. Tras pasar varios años en España, Troy regresa a Los Ángeles, donde decide llamar a Jonathan por teléfono para quedar a tomar un café. Lo que parece un encuentro inocente se convierte en un ritual de flirteos, ya que ambos se sienten invadidos por recuerdos del pasado. Sin embargo, las cosas han cambiado. Tras la ruptura, Jonathan encontró consuelo junto al atractivo Raúl, quien ha terminado por convertirse en su nueva pareja.
Jonathan se ve atrapado entre sus deseos y recuerdos, ya que nunca fue capaz de recuperarse del trauma de ser abandonado por Troy. La llegada de este y la inminente atracción de Jonathan amenazan a su relación con Raúl. Por otro lado, Troy se encuentra emocionalmente vulnerable, e intenta revivir su romance veraniego con Jonathan, lidiando entre una nueva vida en Los Ángeles y su ya establecida carrera en Barcelona.
 
CURIOSIDADES
En año 2005, el Director Eldar Rapaport creó un corto de dieciséis minutos titulado “Postmortem”. Dicho cortó abordaba la ruptura entre los personajes de Troy y Jonathan, y su encuentro años después. De hecho, el corto también contaba con Murray Bartlett y Daniel Dugan para interpretar a los protagonistas. La acción del corto tenía lugar al comienzo del mes de agosto. Debido a la positiva recepción del corto, Rapaport decidió expandir la acción del corto para crear una película que se estrenaría seis años más tarde. La idea era la de explorar como el encuentro entre los dos personajes afectaría a sus vidas.
La trama de la película salta a lo largo de distintos momentos en el tiempo y perspectivas de los personajes. De esta forma ofrece historias superpuestas para proyectar un sentimiento circular y repetitivo.
Explora la forma en la que podemos intentar romper ciclos de hábitos, y tomar decisiones difíciles sobre nuestras vidas y relaciones personales. Sutilmente, explora temes como la elección del momento oportuno, las emociones entrelazadas, y la complejidad de tomar decisiones. Rapaport nunca tuvo en mente que la película sirviera para proporcionar respuestas, sino para que el espectador se plantee como habría sido el transcurso de su vida en caso de tomar otras elecciones.
Mientras se rodaba una escena en la galería de arte, el equipo se vio enfrentado a un vecino del piso superior que protestaba  por la intrusión golpeando el techo. Sus esfuerzos persistentes provocaron daños mínimos a uno de los cuadros de la pared.
 
LO MEJOR
Me gustó la idea de examinar el como la vida nos lleva a revisitar emociones del pasado, en este caso antiguas relaciones. En ese sentido tenemos una película que logra mostrar como en ocasiones idealizamos aspectos de nuestro pasado, tendiendo a que omitamos aspectos negativos.
 
LO PEOR
Encontré que la acción era lenta y aburrida, y que los personajes eran planos y carentes de emoción alguna. Es uno de estos casos en los que se opta por contar con elenco de actores atractivos, pero que son incapaces de proporcionar cualquier tipo de interpretación emocional creíble. La trama se basa en un triángulo básicamente emocional, pero encontré que ni los diálogos ni las interpretaciones respaldaban dicha idea. El hecho de que una película de hora y media se centré de manera tan intensa en tres personajes no ayuda a crear una historia convincente. Lo que podía funcionar, escasamente, en un corto de dieciséis minutos se convierte en un chicle que se parte en dos después de estirarlo con la intención de crear una película.
Tenemos una relación que se rompe, cuyos miembros se reencuentran y crean tensión al interferir en la relación de uno de ellos. Solo con esta idea como base se puede crear una historia interesante, y de enorme intensidad emocional. Sin embargo, los personajes no gritan, no se enfadan, no muestran sufrimiento… en definitiva no muestran emoción alguna. Se intenta compensar esto con escenas sexuales que no contribuyen. La banda sonora que acompaña a esta deficiencia provoca somnolencia, y para cuando había transcurrido la mitad del film, poco me importaba el destino de sus personajes.
 
MI CALIFICACIÓN
3/10