- Este es un blog meramente informativo, no de descargas (lo cual es ilegal). Los textos de todas las entradas (Citas, sinopsis y críticas) han sido redactados por un servidor, tras duras horas de trabajo.
No concedo permiso para reproducirlos en otros blogs. Ya he encontrado casos en los que han sido plagiados sin mi autorización, y no duraré en seguir tomando
las acciones pertinentes en dichos casos.

- Los comentarios están activados para dar la bienvenida a vuestras críticas sobre las películas, siempre que se respeten las opiniones ajenas. Esto quiere decir que no acepto críticas hacia otras opiniones ni faltas de respeto. Tampoco permito "links" en los comentarios. Cualquier comentario que no siga esa directriz será ignorado y eliminado.

jueves, 19 de abril de 2018

FORTY DEUCE

TITULO ORIGINAL
Forty Deuce
AÑO DE ESTRENO
1982
DIRECTOR
Paul Morrissey
PRODUCTORES
Steven Fierberg, Jean-Jacques Fourgeaud
GUION
Alan Bowne
Basado en su obra de teatro del mismo título
REPARTO
Orson Bean (Señor Roper), Kevin Bacon (Ricky), Mark Keyloun (Blow), Tommy Citera (Crank), Esai Morales (Mitchell), Harris Laskaway (Augie), John Ford Noonan (John Anthony), Meade Roberts (Viejo John), Yukio Yamamoto (Chapero), Rudy DeBellis (Toilet John), Steve Steinlauf (Hombre al teléfono), Susan Blond (Escort), Carol Jean-Lewis (Mujer afroamericana)
CINEMATOGRAFÍA
Steven Fierberg
BANDA SONORA
Manu Dibango
VESTUARIO
Gary Lisz
PAÍS DE ORIGEN
Estados Unidos
DISTRIBUIDA POR:
Island Alive
DURACIÓN
89 minutos

RICKY: “Es chaval que está arriba es virgen. Si se coge un buen colocón hará cualquier cosa. No tiene ni idea de nada, nunca sabrá la diferencia.”
AUGIE: “Te deje al mando como un favor especial, eres un mierda. ¿Lo sabes?”

BLOW: “Este crio está muerto.”
MITCHELL: “Traigo café para todos. Uno con leche para Augie, otro solo para Crank, y un vaso de leche para Ricky. Y nada para ti Blow.  ¿Quieres usar mi banco? Primero tendrás que chupármela. Tengo una tostada para Ricky.”
AUGIE: “¡Mierda!”
MITCHELL: “¿Por qué? ¿Queréis que me lo llevé todo?”
(Se da cuenta de lo ocurrido)
MITCHELL: “Y pensar que el único cadáver que había visto era el de mi abuela. Eso sí, era igual de adorable.”

RICKY: “Parece estar cachondo Señor Roper. ¿No quiere comerse una polla?”
SEÑOR ROPER: “Estoy muy cachondo, pero esta hierba es letal.”
BLOW: “Fúmese otro, y así quedará bien jodido.”

SINOPSIS
Ricky es un chapero y traficante que pasa su vida en la Calle 42 de Nueva York. A menudo está acompañado por otros chaperos y amigos como Crank, Blow y Mitchell; mientras que Augie es su chulo. Augie siempre intenta mantener a los chavales bajo control, debido a los problemas en los que se meten de forma constante. Los descontrolados chavales se ven en situaciones insólitas, como cuando acaban perdiéndose en metro al intentar llegar  a un hospital para que a uno de ellos le traten una infección provocada por ladillas. Ricky es de los más propensos a estas situaciones complicadas, de las que siempre intenta escapar usando su particular verborrea.
Pero las cosas se complican cuando un joven de doce años, que se ha fugado de casa, aparece muerto en la cama de Augie. Como siempre, Ricky diseña un plan insólito para deshacerse del cadáver. Para que el plan funcione hay que incriminar a un cliente habitual y pedófilo, conocido como el Señor Roper. Ricky intentará convencerle para mantenga relaciones sexuales con el cadáver del anónimo joven, asegurándole que el joven está dormido. De esta forma, cuando el Señor Roper bien colocado de marihuana, será fácil culparle de haber acabado con la vida del joven. A pesar de lo poco probable de éxito, el peculiar grupo de chaperos deciden organizarlo todo, para así librarse de una situación peligrosa.

CURIOSIDADES
Dirigida por Paul Morrissey, amigo y estudiante de Andy Warhol, la película está basada en una obra del mismo título estrenada un año antes. 
El autor de la obra de teatro fue Alan Bowne, que se encargó de adaptar su obra en un guion. Bowne fallecería víctima del SIDA a la edad de cuarenta y cuatro años en 1989, cinco años después del estreno de la película. El film cuenta con la actuación de un entonces desconocido Kevin Bacon, que ya había interpretado el papel de Ricky en la obra de teatro. De hecho Bacon había ganado un Obie Award, premio teatral, por dicha interpretación poco antes del estreno del film. El también conocido Orson Bean recibió crédito como actor protagonista, a pesar de tener una actuación breve en el último tercio de la película.
Compleja e inusual en su estilo de comedia negra, la película no dudaba en embarcarse en el ambiente depresivo de calle 42 de Nueva York en la década de 1980. Paul Morrissey intentó utilizar distintas técnicas. Al igual que en la obra de teatro, intentó crear un corte que separa el primer acto del segundo, dejando la pantalla en negó durante un minuto de duración aproximada. El segundo acto también acto de la división en viñetas de la pantalla, intentando emular el estilo de Brian DePalma. 
Sin embargo este cambio de estilo cinematográfico nunca se explicó más allá del hecho de intentar diferenciar ambos actos.

LO MEJOR
Quiero dejar claro que aunque la película no me gustó, el trabajo interpretativo de los jóvenes actores es excepcional. El problema es el material con el que tienen que trabajar. Me quedé especialmente sorprendido con Kevin Bacon, ya que este trabajo del actor me era por completo desconocido. Bacon resultó convincente como chapero y traficante, pero sobre todo por el estilo en el que intenta hablar sin sentido para salir de todos los problemas en los que se mete. Toda la secuencia del metro, en la que los chaperos intentan llevar a un colega al hospital para que sea tratado de ladillas, me pareció excepcional. También me pareció excepcional el ambiente depresivo de las calles que se transmite.

LO PEOR
Esa mezcla del realismo ambiental y estético choca demasiado con un guion que es meramente absurdo. No es cuestión de no apreciar el humor negro, se trata de que uno percibe que el talento de estos jóvenes actores es absolutamente desaprovechado. Hay ocasiones en las que el guion abusa excesivamente de los monólogos, por lo que me encontré perdiendo interés y aburriéndome.
La segunda parte de la película resulta excesivamente tediosa, y francamente la trama ya se había vuelto tan absurda e irreal que perdí completamente el poco interés que tenía por alguno de los personajes, como el de Bacon. En términos generales pareció que el film comenzaba prometiendo, para acabar decepcionando. No quiero ni pensar como habría sido de tener que usar malos actores.

MI CALIFICACIÓN
4/10

jueves, 12 de abril de 2018

UN AÑO CON TRECE LUNAS

TITULO ORIGINAL
In Einem Jahr Mit 13 Monden
AÑO DE ESTRENO
1978
DIRECTOR
Rainer Werner Fassbinder
PRODUCTOR
Rainer Werner Fassbinder
GUION
Rainer Werner Fassbinder
REPARTO
Volker Spengler (Erwin / Elvira Weishaupt), Ingrid Caven (Rote Zora), Gottfried Jonn (Anton Saitz), Elisabeth Trissenaar (Irene Weishaupt), Eva Mattes (Marie-Ann Weishaupt), Günther Kaufmann (J. Smolik), Lilo Pempeit (Hermana Gudrun), Isolde Barth (Sybille), Karl Scheydt (Christoph Hacker), Walter Bockmayer (Seelenfrieda), Peter Kollek (Alcohólico), Bob Dorsay (Vagabundo), Gerhard Zwerenz (Burghard Hauser)
CINEMATOGRAFÍA
Rainer Werner Fassbinder
BANDA SONORA
Peer Raben
VESTUARIO
Sin acreditar
PAÍS DE ORIGEN
Alemania Occidental
DISTRIBUIDA POR:
Kinowelt Home Entertainment
DURACIÓN 
124 minutos

CHRISTOPH HACKER: “¿Qué ocurre? Estás viendo por qué no vuelvo a casa. ¿La ves?”
ELVIRA WEISHAUPT: “Veo cómo te quiero.”
CHRISTOPH HACKER: “Por eso bebes y bebes y engordas, hasta que tu cara se parece a un globo y se vuelve tan fea que da asco, como si fuera una enfermedad como la lepra.”
ELVIRA WEISHAUPT: “Nunca he querido hacerte daño.”
CHRISTOPH HACKER: “Qué asco, no siquiera eres divertida, solo asquerosa, un pedazo de carne asqueroso. ¿Y sabes por qué? No tienes voluntad, ni iniciativa, ni cerebro. No se te ocurre nada, ni te interesas por nada.”
ELVIRA WEISHAUPT: “No es verdad Christoph. Muchas veces busco en mi alma.”
CHRISTOPH HACKER: “Alguien como tú no tiene alma. No eres más que una cosa, una cosa sí, un desperdicio. Nadie se daría cuenta si dejarás de existir.”

ROTE ZORA: “Elvira era una mujer muy bella en los primeros años posteriores a la operación.”
SEELENFRIEDA: “¿Cáncer?”
ROTE ZORA: “No, ninguna enfermedad, se hizo cortar eso que tenéis ahí abajo.”
SEELENFRIEDA: “¿Y qué? No será la causa de la infelicidad. Probablemente en su alma siendo ha sido una mujer.”
ROTE ZORA: “Pues no. Eso es lo importante. Lo hizo porque sí. No parece que tuviera ninguna causa. ¿El alma has dicho tú? Ni siquiera era homosexual.”

SINOPSIS
Erwin Weishaupt estaba casado y tenía una hija, hasta que se enamoró de un hombre heterosexual llamado Anton Saitz. En un intento de ganarse su amor, Erwin se opera y se convierte en Elvira. Sin embargo, Elvira busca el cariño en todos los lugares equivocados, ya que es rechazada por Anton y comienza una terrible relación con un hombre llamado Christoph. 
Tras recibir una paliza al intentar buscar relaciones sexuales en un parque de homosexuales, Elvira se enfrenta al maltrato físico y verbal Christoph. A pesar de las vejaciones que sufre, Elvira depende emocionalmente de él; y queda devastada cuando Christoph decide abandonarla. Incapaz de hacerle cambiar de idea, Elvira encuentra cierto grado de consuelo en su amiga Zora al verse sola de nuevo. Zora decide ayudar a Elvira a encontrar un nuevo propósito.
Las dos juntas recorren lugares y charlan con gente del pasado de Elvira. Primero acuden al matadero donde Elvira trabajaba cuando era un hombre. Después acuden al orfanato donde creció, y charlan con la Hermana Gudrun, que aún le recuerda. La búsqueda de Elvira no es otra que la de encontrar un nuevo sentido para su vida, y algo de afecto verdadero. De esta forma decide acudir al encuentro de Anton una vez más, en busca de alguna resolución.

CURIOSIDADES
La película comienza haciendo alusión al “Año de la Luna” que tiene lugar cada siete años, señalando que las personas más sensibles sufren serias depresiones. Si además ese año contiene trece lunas nuevas, las personas más sensibles pueden sufrir desastres personales a nivel emocional. Es una de las películas más personales de Rainer Werner Fassbinder, siendo creada como reacción a la pérdida de su antiguo amante Armin Meier cuando cometió suicidio. Como forma de explorar el tema de la pérdida emocional y la necesidad de buscar afecto, Fassbinder escogió un personaje transexual.  Elvira vive sus últimos días recorriendo su pasado, antes de suicidarse al no encontrarle sentido a la vida. Se encargó de escribir el guion, producir, de la cinematografía, el montaje y la dirección de la película. Contó con su antigua esposa Ingrid Caven para el papel de Zora, y con su madre Lilo Pempeit para interpretar a la Hermana Gudrun.
Existe una narración que se puede escuchar a lo largo de la película, especialmente en la escena final, por parte de la protagonista. 
Volker Spengler se encargó de trabajar con Fassbinder para grabar dicha narración, que nunca fue guionizada. Se construyó mediante el uso de preguntas por parte de Fassbinder, y respuestas por parte de Volker metido en su papel. Para la escena final, la voz de Fassbinder fue eliminada para que pareciera una simple declaración final. Volker Spengler y Rainer Werner Fassbinder habían trabajado juntos en varias ocasiones. Cuando la película se emitió en el Festival de Cine de Nueva York, en octubre de 1979, el crítico Vincent Canby la elogió de forma considerable. Canby era un gran defensor del trabajo de Fassbinder en los Estados Unidos, y consideró que la película era brillante a la hora de enfocar el concepto de la redención.

LO MEJOR
Lo más elogiable de la película es el personaje interpretado por Volker Spengler, con gran sensibilidad y genialidad. Más allá de orientaciones o identidades sexuales, la película es capaz de generar empatía al abordar el tema de la soledad, y la necesidad de afecto. 
Va un poco más allá estableciendo que ese afecto comienza por el amor propio, y que al carecer del mismo puede generar una insana dependencia. Sin embargo este problema se aborda desde la comprensión, la empatía e incluso los remordimientos del director por sus experiencias personales. La película también cuenta con algún que otro monologo fascinante. También analiza el uso de un viaje al pasado para encontrar un nuevo propósito en el futuro.

LO PEOR
Al pecar de excesivamente personal, la película se torna tediosa y en ocasiones pretenciosa para un espectador que desconoce la mente del director. Es excesivamente larga, contando con escenas que me parecen superfluas y completamente innecesarias. Toda la escena del matadero me pareció de particular mal gusto, esforzándose demasiado en un intento de lucimiento y originalidad.

MI CALIFICACIÓN
6/10

jueves, 5 de abril de 2018

LA CONSECUENCIA

TITULO ORIGINAL
Die Konsequenz
AÑO DE ESTRENO
1977
DIRECTOR
Wolfgang Petersen
PRODUCTOR
Bernd Eichinger
GUION
Alexander Ziegler, Wolfgang Petersen
Basado en la novela de Alexander Ziegler
REPARTO
Jürgen Prochnow (Martin Kurath), Ernst Hannawald (Thomas Manzoni), Werner Schwuchow (Educador Diethelm), Hans-Michael Rehberg (Guardián Rusterholz), Hans Putz (Enrico), Elizabeth Fricker (Babette), Walo Lüönd (Giorgio Manzoni), Edith Volkmann (Señora Manzoni), Erwin Kohlund (Director Reichmuth), Alexis von Hagemeister (Clemens Krauthagen)
CINEMATOGRAFÍA
Jörg-Michael Baldenius
BANDA SONORA
Nils Sustrate
VESTUARIO
Josef Satzinger, Gabriele Gräfin Zu Solms
PAÍS DE ORIGEN
Alemania Occidental
DISTRIBUIDA POR:
Interat Filmverleih
DURACIÓN
100 minutos

SEÑORA MANZONI: “Thomas, solo queremos lo mejor para ti”
THOMAS MANZONI: “¿Ah sí? ¿Por eso me habéis metido en un trabajo que odio y que no me deja tiempo para ver a Martin?”
SEÑORA MANZONI: “Nunca confiaste en nosotros lo suficiente.”
THOMAS MANZONI: “Puede que tuviera que haberos dicho antes que no me gustaban las chicas.”
GIORGIO MANZONI: “¡Para inmediatamente! Tú no eres maricón. O me vas a decir que tus compañeros de trabajo te dan por el culo”
MARTIN KURATH: “Señor Manzoni, por favor. Déjenos vivir la vida que deseamos.”
GIORGIO MANZONI: “Sal inmediatamente de aquí.”
THOMAS MANZONI: “Yo me voy con él.”
GIORGIO MANZONI: “¡Repite eso!”
THOMAS MANZONI: “¡Adelante, pégame!”
SEÑORA MANZONI: “¡Giorgio por favor!”
GIORGIO MANZONI: “Vete si quieres, pero no quiero volver a verte nunca más por aquí.”

SINOPSIS
Martin Kurath es un actor homosexual que ha sido condenado a prisión al descubrirse su relación con un menor de edad. En prisión conoce a Thomas Manzoni, un joven de quince años que además es el hijo del alcaide. Tras cooperar en una obra de teatro de la prisión, ambos terminan por enamorarse e iniciar una relación que no dejará a nadie indiferente. Un año después, Martin completa su condena y decide iniciar una vida con Thomas, para lo cual ambos hablan con la familia del joven. Negándose a aceptar la homosexualidad de su hijo, el padre de Thomas le expulsa de casa. Martin y Thomas se instalan juntos, y el joven continúa sus estudios.
Sin embargo el padre de Thomas decide denunciar a su propio hijo provocando su arresto, con la intención de separarle de Martin e impedir que viva como homosexual. 
Thomas es condenado a un brutal reformatorio, donde los agresivos métodos de sus encargados hacen mella en el joven. Martin elabora un plan para rescatarle del reformatorio haciéndose pasar por un psicólogo asignado al horrible lugar. También confía en un buen amigo para que cuide de Thomas hasta que pueda obtener su permiso en residencia en Alemania. Sin embargo, el amigo de Martin terminará por traicionar su confianza.

CURIOSIDADES
La película está basada en la novela autobiográfica del mismo título escrita por Alexander Ziegler y publicada en 1975. El personaje de Martin Kurath está basado en el propio escritor y sus vivencias. Ziegler había estudiado arte dramático en el “Seminario Max Reinhardt” en Viena durante los años 1960 y 1961. También había trabajado como actor para la serie de televisión “Boys and Girls”, creada por Fred Mallow. En el año 1966 fue arrestado y condenado a dos años de prisión por su relación homosexual con un chico de dieciséis años llamado Stephan. 
Durante su tiempo en prisión escribió su primer libro “Laberinto” (1966). Una vez salió de prisión, Ziegler trabajó como periodista y autor en la revista gay alemana “DU&ICH” entre los años 1971 y 1979. Durante esa etapa escribió el libro en que está inspirada la película, así como varios artículos.
Suizo de origen, Alexander Ziegler quiso que el libro sirviera para procesar sus experiencias personales, y sirviera como advertencia sobre las consecuencias que determinadas acciones podían desencadenar. El autor participó de forma activa con el director Wolfgang Petersen para crear el guion. El film fue creado para ser estrenado en televisión, y fue rodado en blanco y negro. La película desencadenó una ávida polémica por el tema a tratar, la homosexualidad que retrataba, y ciertas escenas gráficas en una escena en la que se visionaba pornografía heterosexual. Esto provocó que la película fuera censurada en numerosos canales. Sin embargo, con el tiempo consiguió provocar que se iniciará un dialogo sobre el tema de la homosexual, de forma parecida a los trabajos de Roger Peyrefitte en Francia.

LO MEJOR
La película tiende a ser complicada porque la relación que muestra era considerada ilegal en la época, y es complicado ser moralista al respecto. Sin embargo, la trama es tratada y llevada a cabo con suma delicadeza, logrando despertar empatía y respecto hacia la dificultad de las relaciones homosexuales en una época en la que las mismas eran perseguidas. La moraleja base es que en ocasiones las decisiones que tomamos pueden provocar “consecuencias” desastrosas. De ahí el título, que hace referencia no solo a la decisión del padre de Thomas, que acaba con consecuencias desastrosas, sino a la decisión tomada por la pareja. Las intenciones pueden ser buenas en ambos casos, pero el resultado es igualmente desastroso. Esto me hizo pensar que más que enseñar, el director intentaba reflexionar o hacer pensar que toda acción tiene una consecuencia que no podemos predecir.
Emocionalmente la película consigue conmover y despertar sentimientos encontrados, no solo en lo relativo a la relación y el destino al que la misma se encuentra. Toda la trama del reformatorio resulta devastadora y genera una impotencia basada en la empatía.

LO PEOR
EL problema es que la trama deja muchas lagunas, mayormente en lo relativo al personaje del padre de Thomas. Si bien su decisión genera consecuencias devastadoras, la película evita tratar el efecto que esto provoca sobre él. Esto hace que el mensaje base de la trama pierda efectivamente, porque el responsable no vuelve a aparecer. El film también da un salto muy apresurado desde la trama del reformatorio al reencuentro entre los dos protagonistas.

MI CALIFICACIÓN
8/10

jueves, 29 de marzo de 2018

THE ROCKY HORROR PICTURE SHOW

TITULO ORIGINAL
The Rocky Horror Picture Show
AÑO DE ESTRENO
1975
DIRECTOR
Jim Sharman
PRODUCTORES
Lou Adler, Michael White
GUION
Richard O’Brien, Jim Sharman
Basado en el musical de Richard O’Brien
REPARTO
Tim Curry (Doctor Frank N. Furter), Susan Sarandon (Janet Weiss), Barry Bostwick (Brad Majors), Richard O’Brien (Riff Raff), Patricia Quinn (Magenta), Nell Campbell (Columbia), Jonathan Adams (Doctor Everett V. Scott), Peter Hinwood (Rocky Horror), Meat Loaf (Eddie), Charles Gray (Criminólogo), Jeremy Newson (Ralph Hapschatt), Hilary Labow (Betty Munroe)
CINEMATOGRAFÍA
Peter Suschitzky
BANDA SONORA
Richard Hartley, Richard O’Brien
VESTUARIO
Sue Blane
PAÍS DE ORIGEN
Reino Unido
DISTRIBUIDA POR:
20th Century Fox
DURACIÓN
100 minutos

FRANK N. FURTER: “Brad y Janet… ¿qué os parece?”
JANE WEISS: “Bueno, no me gustan los hombres demasiado musculosos.”
FRANK N. FURTER: “¡No lo he hecho para ti!”

BRAD MAJORS: “¡Tú!”
FRANK N. FURTER: “Sí, Brad. ¿Pero verdad que es bonito?”
BRAD MAJORS: “¿Qué has hecho con Janet?”
FRANK N. FURTER: “Nada. ¿Crees que debería?”
BRAD MAJORS: “Me has engañado. No lo he hecho nunca.”
FRANK N. FURTER: “Sí, lo sé. Pero no está tan mal. ¿Verdad? Ni la mitad de mal. Creo que lo disfrutarás de verdad. Tan Suave, tan sensual.”
BRAD MAJORS: “¡No! ¡Para! Oh, Janet. ¡Janet!”
FRANK N. FURTER: “Janet ya debe de estar dormida. ¿Quieres que te vea así?”
BRAD MAJORS: “¿Así? ¿Así, cómo? Tú eres el culpable. ¡Creí que eras ella!”
FRANK N. FURTER: “Brad, admítelo. Te ha gustado, ¿verdad? Entregarse al placer no es un crimen. Brad, ya has perdido tanto tiempo. No hace falta que Janet lo sepa. No se lo diré.”
BRAD MAJORS: “¿Prometes no decírselo?”
FRANK N. FURTER: “Por la tumba de mi madre.”

SINOPSIS
Recién prometidos en matrimonio, Brad Majors y Janet Weiss conducen en medio de una terrible tormenta y acaban llegando a un siniestro castillo. Al entrar, con la intención de usar un teléfono, se encuentran con una peculiar fiesta, y terminan por conocer al Doctor Frank-N-Furter, un dulce travesti de Transilvania. La llegada de Brad y Janet no tiene lugar durante una fiesta cualquiera en una noche cualquiera. Esa es la noche en la que Frank anuncia estar listo para dar vida a su nueva creación. Esta es denominada Rocky Horror, un adonis musculado y apuesto diseñado para darle placer absoluto. Sin embargo, Frank se enfrenta al hecho de que puede no resultar atractivo para su creación.
Brad y Janet se quedan en el castillo durante una noche agitada en la que Frank seduce y mantiene relaciones sexuales con ambos. Janet también mantiene relaciones con el vulnerable Rocky, y el Doctor Everett Von Scott llega en busca de su sobrino Eddie, previamente asesinado por Frank. Todo esto culminará en enfrentamientos y revelaciones acerca del origen de los habitantes del castillo. Pero la vida de Brad y Janet habrá cambiado para siempre.

CURIOSIDADES
La película está basada en un popular musical, que cuenta con la participación de los espectadores y ha sido presentado constantemente desde 1973. Richard O’Brien vivía como un actor desempleado en Londres durante el principio de la década de 1970. Para mantenerse ocupado escribió el musical durante un invierno. Desde que era joven O’Brien había sido un fan de las películas de ciencia ficción y las de terror de “Serie B”. Deseaba combinar elementos del humor involuntario del cine de terror de “Serie B”, el dialogo aciago de ese género, el culto al cuerpo al estilo de Steve Reeves y el rocanrol en un musical. 
De esta forma concibió y escribió su obra musical en contraste con el estilo musical británico característico de los años setenta. De esta forma, Richard O’Brien llegó a declarar que el “Glam Rock” le había permitido ser él mismo por primera vez.
O’Brien le mostró una parte del guion todavía inconcluso al director australiano Jim Sharman. Este decidió dirigirlo en un espacio pequeño y experimental del Royal Court Theater de la plaza Sloane Square, en Chelsea, Londres. O’Brien había aparecido brevemente en el “Jesucristo Superstar” dirigido por Sharman. El director logró reclutar al diseñador de producción Brian Thomson y a Sue Blane para diseñar el vestuario. Poco después el equipo se completó con el productor Michael White y el director musical Richard Hartley. Inicialmente el título iba a ser “Vinieron de Denton High”, pero se cambió al título actual que fue sugerido por Sharman.
El musical se estrenó en el mencionado teatro que solamente contaba con sesenta asientos. 
Sin embargo no tardó en extenderse a teatros de mayor capacidad hasta como el “Chelsea Classic Cinema”, que contaba con doscientos treinta localidades, en agosto de 1973. Finalmente se estableció en el King’s Road Theater, que contaba con quinientas localidades, durante seis años. Convirtiéndose en un musical de culto, no tardó en conseguir hacerse famoso. Cuando Lou Adler asistió al musical, no dudó en hacerse con los derechos para estrenarlo en el “Roxy Theater” de Los Ángeles. El repetido éxito en distintos teatros fue lo que provocó que la obra de teatro se convirtiera en una película de culto.

LO MEJOR
Todo en esta película es formidable, comenzando con una originalidad que logró romper los convencionalismos de la década de 1970. Careció de importancia que críticos y sectores sociales la vapulearan, porque la película se convirtió en todo un mito conocido por la inmensa mayoría.
Conseguir esto en 1975, con escenas sexualmente provocadoras y completamente inusuales, es todo un logro. Todo el reparto realiza un trabajo sobresaliente, pero siempre me he sentido fascinado con el personaje brillantemente interpretado por Tim Curry. El actor consiguió acaparar mi atención en todo momento, y siempre será el más dulce travesti. “No lo sueñes… hazlo.”

LO PEOR
No hay nada negativo que yo haya sido capaz de encontrar en esta película.

MI CALIFICACIÓN
10/10

jueves, 22 de marzo de 2018

DOMINGO, MALDITO DOMINGO

TITULO ORIGINAL
Sunday Bloody Sunday
AÑO DE ESTRENO
1971
DIRECTOR
John Schlesinger
PRODUCTORES
Joseph Janni, Edward Joseph
GUION
Penelope Gilliatt
REPARTO
Peter Finch (Doctor Daniel Hirsh), Glenda Jackson (Alex Greville), Murray Head (Bob Elkin), Peggy Ashcroft (Señora Greville), Tony Britton (George Harding), Maurice Denham (Señor Greville), Bessie Love (Operadora), Vivian Pickles (Alva Hodson), Frank Windsor (Bill Hodson), Thomas Baptiste (Profesor Johns), Richard Pearson (Paciente), June Brown (Paciente), Russell Lewis (Tímothy Hodson), Marie Burke (Tía Astrid), Hannah Norbert (Madre de Daniel), Harold Goldblatt (Padre de Daniel)
CINEMATOGRAFÍA
Billy Williams
BANDA SONORA
Ron Geesin
VESTUARIO
Jocelyn Rickards
PAÍS DE ORIGEN
Reino Unido
DISTRIBUIDA POR:
United Artists
DURACIÓN
110 minutos

DANIEL HIRSCH: “En el colegio no ves la hora de marcharte. La gente te dice que el mundo no te va a gustar. Yo no les creí, y tenía razón. Cuando era pequeño estaba deseando ser mayor. Ellos te decían que la infancia es la mejor época de la vida; y era mentira. Y ahora querría que estuviera conmigo y me dicen, ‘eras su segundo plato, mejor que te hayas librado de él’. Y les digo, ‘ya lo sé, pero le echo de menos’… simplemente. Me dicen, ‘nunca te hizo feliz’. Y yo contesto, ‘pero si soy feliz, y además le adoro’. Podía darme las pastillas para mi tos. Toda mi vida he buscado a alguien valiente y lleno de recursos. Él no es así, pero algo… teníamos algo. Solo he venido por esta tos.”

SINOPSIS
Daniel Hirsh es un médico judío que reside en Londres ocultando su homosexualidad, y embarcado en una relación con el joven veinteañero y escultor Bob Elkin. 
Sin embargo también es parte de un triángulo amoroso, ya que Bob Elkin también mantiene una aventura con Alex Greville, una mujer en la treintena que además es parte del círculo de amigos Daniel. Esta relación es particularmente complicada porque Daniel es consciente de que Bob mantiene relaciones con Alex; y Alex es consciente de la relación de Daniel con Bob. A pesar de esto, tanto Daniel como Alex están dispuestos a aguantar esta situación al tener pánico ante la idea de perder a Bob, que libremente va de uno al otro en el extraño triangulo.
Alex comienza sentir que su relación con Bob está relacionada con su decepcionante vida profesional, matrimonio fracasado y dificultosa infancia. Daniel Hirsch siente que la relación simboliza su oportunidad de escapar de su origen judío y reprimido. Tanto el uno con el otro son conscientes de que la situación no puede durar, algo que se convierte en una realidad cuando Bob anuncia que abandonará el país. 
El joven ha recibido la oportunidad de abrir su propia galería de arte en Nueva York. Es entonces cuando Daniel y Alex tendrán que aceptar que el momento de aceptar el cambio ha llegado.

CURIOSIDADES
La película fue importante en su momento al mostrar un personaje homosexual exitoso, bastante bien integrado, y sin problemas a la hora de aceptar su homosexualidad. En ese aspecto, la película supuso un cambio bastante radical al compararse con la película previa de Schlesinger, “Cowboy de Medianoche” (1969). Las películas de la década de 1960 y 1970 tendían a mostrar a los homosexuales como personas alienadas y serios problemas de autoestima. La película fue estrenada un año antes de la masacre de civiles irlandeses a manos del Ejército Británico en Derry. Dicho evento sería conocido como “Bloody Sunday”, y ha dado lugar a confusiones relacionadas con la trama de la película.
Alan Bates fue el actor originalmente escogido por John Schlesinger para interpretar a Daniel Hirsch.
Sin embargo no fue capaz de aceptar el trabajo al estar entonces involucrado con la película “El Mensajero” (1971). Fue reemplazado por Ian Bannen, que abandonó el proyecto tras dos semanas de rodaje. En realidad fue despedido al mostrarse excesivamente nervioso ante tener que besar a otro actor ante las cámaras, y el daño que esto podía provocar en su carrera. Dicha obsesión llegó a hacer que no fuera capaz de recitar sus diálogos de forma efectiva. Finalmente el papel recayó en Peter Finch, aunque el papel de Daniel Hirsch había sido escrito como un personaje mucho más joven. Tiempo después, Bannen declaró que perder el papel había supuesto un serio problema en su carrera, y que siempre se había sentido arrepentido. Varias actrices como Edith Evans o Thora Hird rechazaron el papel de la madre de Glenda Jackson, la Señora Greville, de forma educada. Alegaron que el proyecto les parecía demasiado arriesgado. Peggy Ashcroft aceptó el papel cuando el director se sentó con ella para explicarle los elementos de la historia, que le parecieron interesantes. 
Daniel Day-Lewis debutó en esta película a la edad de catorce años. Interpretó a un vándalo y no fue acreditado por ello. Describió la experiencia como “gloriosa”, al recibir dos libras por destrozar coches caros aparcados delante de una iglesia.
La película recibió cuatro nominaciones a los Oscar, pero no logró hacerse con ninguna estatuilla. Recibió nominaciones al Mejor Director y Mejor Guion Original, perdiendo contra “Contra el Imperio de la Droga” y “Anatomía de un Hospital” respectivamente. Peter Finch y Glenda Jackson fueron nominados a Mejor Actor y Actriz. Perdieron las estatuillas contra Gene Hackman y Jane Fonda por sus papeles en “Contra el Imperio de la Droga” y “Klute” respectivamente.

LO MEJOR
No solo fue una película osada y atrevida para la época, sino que mostró a personajes que bien pudieran asemejarse a cualquiera. 
La idea de un triángulo amoroso bien podría parecer poco novedosa, pero me fascinó que en este caso los dos “satélites” fueran conscientes el uno del otro. Peter Finch realiza un gran trabajo con un personaje que considero lo único salvable del film. El personaje de Daniel Hirsch no solo es inusual por su éxito y estatus social, sino porque refleja a la perfección ese rechazo a ciertas normas establecidas, comprendiendo que debe jugar a su juego perfectamente. Sus diálogos y monólogos son excepcionales.

LO PEOR
Glenda Jackson también realiza un gran trabajo, pero su personaje me pareció demasiado “histérico”, sin profundizar excesivamente en él. Lo pero desde mi punto de vista es el personaje de Bob Elkin, ya que carece de interés alguno y resulta completamente plano, tanto como el actor Murray Head. Con un personaje tan superficial, el triángulo amoroso pierde credibilidad.

MI CALIFICACIÓN
7/10