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jueves, 28 de junio de 2018

PACIENTE CERO

TITULO ORIGINAL
Zero Patience
AÑO DE ESTRENO
1993
DIRECTOR
John Greyson
PRODUCTORES
Louise Garfield, Anna Stratton
GUION
John Greyson
REPARTO
John Robinson (Sir Richard Burton), Normand Fauteux (Cero), Dianne Heatherington (Mary), Richardo Keens-Douglas (George), Bernard Behrens (Doctor Placebo), Charlotte Boisjoli (Maman), Brenda Kamino (Doctora Cheng), Michael Callen (Miss VIH), Marla Lukofsky (Mono verde africano), Von Flores (Ray), Scott Hurst (Michael), Duncan McIntosh (Ross), Cassel Miles (Barry), Benjamin Plener (Ted)
CINEMATOGRAFÍA
Miroslaw Baszak
BANDA SONORA
Glenn Schellenberg
VESTUARIO
Joyce Schure
PAÍS DE ORIGEN
Canadá
DISTRIBUIDA POR:
Strand Releasing
DURACIÓN 
95 minutos

SIR RICHARD BURTON: “Haz lo que debas. Soy tuyo.”
CERO: “Tienes el aspecto de las sobras que se dejan en la nevera.”
SIR RICHARD BURTON: “En estos días, tomar preocupaciones adecuadas son ‘sine qua non’ de los encuentros anónimos.”
CERO: “Pensabas que me ibas a dar sexo por caridad. Piérdete.”
SIR RICHARD BURTON: “Pensaba que después de treinta años estarías más predispuesto.”
CERO: “Olvídalo, todo el plástico que llevas puede hacer que me salga un sarpullido.”
SIR RICHARD BURTON: “Lo siento, no pretendía insultarte. Solo quería asegurarme de que te quedabas. Supongo que ahora te marcharás.”
CERO: “Bueno, es tarde y no tengo ningún lugar al que poder ir.”

SINOPSIS
Sir Richard Burton es un explorador victoriano que de alguna forma ha logrado beber de la Fuente de la Juventud. Debido a esto ha logrado vivir durante casi doscientos años sin envejecer. Residiendo en Toronto, Canadá, Sir Burton trabaja como taxidermista en un museo dedicado al estudio de enfermedades famosas. Su última exhibición es el “Hall del Contagio”, pero acaba arruinado al no poder conseguir ratas de plaga que considera esenciales. Sin embargo Sir Burton recupera la esperanza al descubrir la existencia del “Paciente Cero”, un azafato franco canadiense que es considerado responsable de traer el SIDA a Norteamérica. Sir Barton desarrolla una gran fascinación por Cero, considerándole un asesino en serie que infectó a múltiples homosexuales.
Mientras tanto, el fantasma del Paciente Cero regresa a la Tierra de forma inexplicable. Todo lo opuesto a la idea de asesino en serie que Burton tiene, Cero es un joven confuso que no logra entender que es lo que está ocurriendo. 
Regresa a casa visitar a sus parientes y amigos, pero solamente Sir Burton es capaz de verle. Ambos se convierten en compañeros y terminan por enamorarse, descubriendo la verdad acerca del SIDA, y como su imagen en los medios de comunicación ha sido distorsionada para promover ideologías basadas en el odio.

CURIOSIDADES
Se trata de una película musical escrita y dirigida por John Greyson. Examina y rebate la leyenda urbana de que el VIH entró en Norteamérica a través de un único individuo, Gaëtan Dugas. Azafato de profesión, Dugas fue conocido como Paciente Cero, y se le culpó de la proliferación del VIH en parte debido al libro “En El Filo de la Duda” (1987), escrito durante los primeros años de la epidemia del SIDA por Randy Shilts. Como muestra de respeto, el personaje del film no hace uso del nombre de Dugas en ningún momento. John Greyson se interesó en crear un contrapunto a la historia del Paciente Cero en 1987, año en que se publicó el mencionado libro. 
El libro describía el estudio inicial en que se hacía a Dugas responsable de la propagación del VIH. Sin embargo, el autor del libro nunca llegó a declarar que esto fuera verdad y Dugas hubiera sido el primero en infectarse.
A principios de 1991, el Centro Cinematográfico Canadiense financió el proyecto de Greyson, que era uno de sus alumnos graduados. Durante el siguiente año, Greyson cooperó con Louise Garfield y Anna Stratton para producir el proyecto, desarrollando también el guion. Durante la primera mitad de 1992, el equipo de producción recibió más financiación por parte de “Telefilm Canadá” y “Ontario Film Development Corporation”. Llegado el mes de junio se habían completado las canciones y el guion, por lo que se inició el proceso de selección de actores. El rodaje comenzó en noviembre de 1992, y finalizó en solo cinco semanas. Se mostró la película por primera vez en el Festival de Cine Internacional de Seattle, hasta que en septiembre de 1993 pasó a emitirse en el Festival de Toronto.
La banda sonora fue dedicada al activista en lucha contra el SIDA, Michael Callen, y otros amigos que habían sido víctimas de la enfermedad. 
Greyson y su equipo quisieron explicar que no solo que no solo querían examinar el mito del Paciente Cero como algo oportunista, sino también celebrar el coraje y descaro de los activistas que habían luchado por los derechos de la gente que vivía con el SIDA.

LO MEJOR
Realizar una comedia musical sobre el SIDA en un periodo en el que la enfermedad era mortal y acababa con múltiples vidas, supone un enorme riesgo. Hay que señalar que las intenciones eran buenas, y que realmente la película se esfuerza en analizar el mito del Paciente Cero, honrando de esta forma a Gaëtan Dugas. La película no critica tampoco el libro de Randy Shilts, que no hizo otra cosa que narrar teorías que circulaban por aquel entonces. Es curioso que la película se estrenará el mismo año que la formidable adaptación del libro, “En El Filo de la Duda” (1993).

LO PEOR
Y si bien las intenciones son buenas, resulta inadecuado ese tono de comedia para narrar algo que tanta tragedia ha creado. Ya no se trata de que sea complicado, sino que tanto las canciones como los diálogos no invitan a la risa en ningún momento. De hecho el resultado es más bien el contrario, consiguiendo que el estilo del film sea caricaturesco, absurdo, carente de originalidad y, en ocasiones y aunque no sea la pretensión, ofensivo.
Si a esto añadimos que el momento en que se realizó el film, la situación era todavía más complicada, el nivel de la película desciende todavía más. El mensaje es bueno, pero los medios para llegar al mismo, como dos anos hablando de sus experiencias, son totalmente inadecuados. No es cuestión de que no se pueda crear una comedia con el tema, pero este proyecto carece del cuidado necesario. Un ejemplo de comedia efectiva y formidable sobre el tema de dicha enfermedad llegaría dos años más tarde con “Jeffrey” (1995).

MI CALIFICACIÓN
4/10

jueves, 21 de junio de 2018

EN CASA CON CLAUDE

TITULO ORIGINAL
Being at Home with Claude
AÑO DE ESTRENO
1992
DIRECTOR
Jean Beaudin
PRODUCTORES
Léon G. Arcand, Louise Gendron
GUION
René-Daniel Dubois
Basado en su obra de teatro del mismo título
REPARTO
Roy Dupuis (Yves), Jacques Godin (Inspector), Jean-François Pichette (Claude), Gaston Lepage (Taquígrafo), Hugo Dubé (Policía), Johanne-Marie Tremblay (Esposa del Inspector), Nathalie Mallette (Hermana de Yves), Lothaire Bluteau (Chapero)
CINEMATOGRAFÍA
Thomas Vámos
BANDA SONORA
Richard Grégoire
VESTUARIO
Louise Jobin
PAÍS DE ORIGEN
Canadá
DISTRIBUIDA POR:
Strand Releasing
DURACIÓN
85 minutos

INSPECTOR: “¿De qué tenías miedo? Si tenías miedo, ¿por qué nos has llamado? ¿Por qué no ha desaparecido? ¿Por qué has llamado a la policía para decir que había un cadáver en un apartamento? ¿Por qué has llamado una hora después para decir que lo habías matado tú? ¿Si tenías miedo, por qué has montado el numerito del teléfono para obligarnos a venir? ¿Cómo has robado las llaves del juez? ¿Por qué has exigido que viniéramos a buscarte? ¿Por qué has llamado a los periódicos de Montreal? ¿Por qué no quieres decir tu nombre? Vamos continúa…”
YVES: “Cuando desperté no me lo creía. Era como cuando a veces estas con una persona y tienes la impresión de que ya has vivido ese momento. De que se lo has contado a alguien, y dices esto ya lo he soñado. ¿No te lo había contado? El otro no está seguro. Era lo mismo. Había andado más de una hora, estaba sentado en un templete, y todo el tiempo que había caminado tenía el recuerdo de algo que no sabía si había hecho. Y al despertarme me decía que no era posible que lo hubiera hecho. No podía ser.”

INSPECTOR: “Escúchame, hace más de treinta años que veo diez culitos como el tuyo cada día, de todas clases. Unos lo hacen para pagarse los estudios y lo dejan cuando tienen dinero. Otros porque están con el ácido, lo hacen una noche y nunca más. Otros para no morirse de hambre; y por fin los que lo hacen simplemente por placer. Los he visto grandes y pequeños, gordos y escurridos, algunos tienen cincuenta años y dan miedo. Algunas noches me despierto sudando y creo haber olido su perfume. La vida es dura y los tontos tienen pocas oportunidades. Tú no habías nacido y yo ya lo sabía.”

SINOPSIS
Durante una calurosa noche de verano en Montreal, dos hombres se encuentran practicando sexo sobre el suelo linóleo de una pequeña cocina. 
Ambos se encuentran entre los restos de lo que ha sido una cena romántica. Yves es un chapero adicto al ácido y al sexo, que constantemente se encuentra en zonas de cruising. Claude es un estudiante y un escritor prometedor que procede de una familia respetable. También es consciente de que Yves es un chapero, pero esa es la situación que encuentra especialmente excitante. Durante el momento del orgasmo, Yves recoge un cuchillo de cocina del suelo, y corta la garganta de Claude sin dudarlo.
Tres días más tarde, Yves realiza una llamada telefónica y decide entregarse, aunque también alerta a la prensa. El escéptico Inspector que recibe el caso no tarda en frustrarse con el joven, que solo acepta haber cometido el crimen. Yves se niega a revelar su nombre, dirección o contestar a otras preguntas del interrogatorio. El Inspector piensa que el joven solo quiere adquirir notoriedad por el actor que ha cometido, razón por la que ha convocado a la prensa, e intenta conseguir alguna explicación coherente por la que el crimen haya podido tener lugar.

CURIOSIDADES
La película está basada en una obra de teatro escrita por René-Daniel Dubois, estrenada en el año 1985. Dubois se encargó de adaptar la ya entonces polémica obra en un guion, que fue dirigido por Jean Beaudin. Aunque la película fue rodada en color, las escenas de flashback fueron rodadas en black y negro. La trama aborda el interrogatorio de un inspector de policía a un chapero que ha confesado el asesinato de un amante, pero que se niega a colaborar más allá de la confesión. La relación entre el chapero y su amante es la que se muestra en blanco y negro; mientras todo el interrogatorio se muestra en color. La película comienza con la escena del asesinato, justo después de un intenso encuentro sexual. Dicha sexual fue la que provocó una intensa polémica, al ser tildada de extremadamente gráfica.
La intención de la historia creada por Dubois es la invitar al espectador a contemplar la posibilidad del vacío solitario de un futuro inimaginable. Gran parte de la crítica ha definido tanto la obra como el film como un estudio de personajes profundo y bien cuidado. 
Dicha mayor parte de la crítica aclamó la película, que por otro lado no logró destacar en taquilla. En los Genie Awards, premios cinematográficos de Canadá, la película recibió nueve nominaciones. Fue nominada a Mejor Película, Mejor Dirección, Mejor Actor (Jacques Godin), Mejor Dirección Artística, Mejor Cinematografía, Mejor Montaje, Mejor Sonido, Mejor Montaje de Sonido y Mejor Banda Sonora. Solo logró hacerse con un premio en la última categoría, que recayó en el compositor Richard Grégoire. La película también fue seleccionada para ser emitida en Festival de Cannes de 1992.

LO MEJOR
Adaptar una obra de teatro con un reparto mínimo, y cuya trama recae de forma casi exclusiva sobre dos personajes, siempre es una apuesta arriesgada. Nunca he sido un gran fan de este tipo de estudios sobre personajes, aunque debo reconocer que la película tiene aspectos interesantes.
Primeramente debo destacar la labor de Jacques Godin, que desde mi punto de vista es lo único que consigue que la película sea aceptable. La película también realiza un análisis interesante sobre la raíz de las motivaciones que nos pueden llevar a hacer algo inverosímil, casi inhumano.

LO PEOR
Personalmente encontré la película bastante aburrida. Una vez eliminado el misterio de quien es el asesino nada más comenzar, analizar las motivaciones de un chapero para cometer el crimen carecía de importancia. Un dialogo entre dos personajes durante casi hora y media es complicado, pero el estilo narrativo en los diálogos me pareció poco creíble. Roy Dupuis no me convenció nada en el papel del chapero, y llegaría a señalar que el guion no ayudó. Sobreactuado y dotado de una capacidad expresiva casi intelectual, el personaje me pareció todo lo posiblemente alejado de la realidad.

MI CALIFICACIÓN
5/10

jueves, 14 de junio de 2018

EL LENGUAJE PERDIDO DE LAS GRÚAS

TITULO ORIGINAL
The Lost Language of Cranes
AÑO DE ESTRENO
1991
DIRECTOR
Nigel Finch
PRODUCTOR
Ruth Caleb
GUION
Sean Mathias
Basado en la novela de David Leavitt
REPARTO
Brian Cox (Owen), Eileen Atkins (Rose), Angus Macfadyen (Philip), Corey Parker (Elliot), René Auberjonois (Geoffrey), John Schlesinger (Derek), Cathy Tyson (Jerene), Richard Warwick (Frank), Nicholas Le Prevost (Nick), Ben Daniels (Robin), Frank Middlemass (Alex), Nigel Whitmey (Winston), Edmund Kente (Bob), Paul Cottingham (Chico porno), Tom Marden (Chico porno), Sjaak Van De Bent (Cantante), Adam Matalon (Portero), Ben McVeigh (Niño en la grúa)
CINEMATOGRAFÍA
Remi Adefarasin
BANDA SONORA
Julian Wastall
VESTUARIO
James Keast
PAÍS DE ORIGEN
Reino Unido
DISTRIBUIDA POR:
British Broadcasting Corporation (BBC)
DURACIÓN 
87 minutos

DEREK: “Seguro que os preguntareis que es un portal de los deseos. Un portal de los deseos es una puerta entre los lugares que pensabais que eran reales, y los que suponíais que eran imaginarios. A un lado de dichos portales hay algún lugar que parece normal: la escuela, el patio, el dormitorio. Al otro lado hay un acceso hacia un mundo desconocido. Veréis, imaginad una casa construida sobre una línea que divide dos espacios temporales. Sería la una en punto en el dormitorio, y la dos en la cocina y podrías perderte la comida. ¿Qué pasaría con la hora que perderías al atravesar la casa para tomar un bocadillo? Una casa así es el tipo de lugar en que se podría encontrar un portal de los deseos. Un lugar en el que el tiempo está partido.”

JERENE: “Un niño de unos tres años vivía con su madre, una adolescente perturbada, en un bloque ruinoso. La madre, que apenas lo alimentaba o cuidaba de él, a menudo lo dejaba solo. Al final llamaron a los asistentes sociales. Encontraron al niño considerablemente bien, teniendo cuenta lo gravemente desatendido que había estado. Pero sus juegos eran distintos de todo lo que habían visto hasta entonces. De repente elevaba los brazos y los detenía con una sacudida. Se levantaba sobre sus endebles piernas, y luego se dejaba caer. Hacía ruidos entrecortados y extraños, una especie de chirrido con la garganta. Los asistentes miraron por la ventana y vieron una grúa en el solar de un edificio cercano. Se dieron cuenta de que el niño la estaba imitando. Cuando esta se elevaba él se elevaba. Cuando se inclinaba, él se inclinaba. El niño había encontrado su propio lenguaje. El lenguaje de las grúas.”

SINOPSIS
Philip es un joven homosexual que reside en Londres, mantiene una relación con un americano llamado Elliot. Philip trabaja en una empresa editora, y considera que ha llegado la hora de declarar su homosexualidad ante sus padres. Estos se quedan sorprendidos ante dicha revelación, y su madre Rose le comunica que necesitará tiempo para lidiar con ese hecho. Sin embargo su padre Owen toma la noticia de forma más personal, ya que ha llevado una doble vida durante años. Owen también es gay y ha pasado años visitando bares y cines gay de forma clandestina, engañando a los miembros de su familia.
Por su parte, Elliot ha sido adoptado y criado por una pareja gay, Derek y Geoffrey. Sus padres le vistan, y tras pasar un tiempo con ellos decide que ha llegado el momento de cortar con Philip y decide trasladarse a Paris. Philip mantiene una amistad con Jerene, quien era compañera de apartamento de Elliot. Jerene revela estar escribiendo una tesis doctoral sobre los idiomas y el comportamiento. Su estudio incluye el idioma secreto que dos jóvenes gemelos regresaron, y el de un niño desatendido que comenzó a imitar el movimiento de la grúas.

CURIOSIDADES
Se trata de una película británica realizada para ser estrenada en la televisión por la cadena de la BBC. Formaba parte de su serie “Screen Two”, una antología dramática de la cadena. Está basada en la novela del mismo título, escrita por David Leavitt y publicada en el año 1986. Aunque la trama de la novela tenía lugar en Nueva York y contaba con personajes americanos, la película tiene lugar en Londres. Aunque la mayoría de los personajes del film son británicos, los personajes de Elliot, Geoffrey y Winston son americanos, y la trama no dista mucho de la de la novela.
La película fue destacable por la representación de la homosexualidad, para aquel entonces, en una producción televisiva. A pesar de ser realizada para la televisión, la película se emitió en el Festival de Cine de Londres de 1991, durante el mes de noviembre. Tras esto fue emitida por la BBC en febrero de 1992. El film fue emitido en Estados Unidos cuatro meses más tarde, en junio, a través del canal PBS.
Sin embargo la película fue censurada antes de ser emitida en los Estados Unidos, sufriendo algunos cortes. A la hora de distribuir la película en VHS, los cortes se conservaron en dicho país. La cadena PBS había sido objeto de varios ataques por parte de grupos conservativos durante el comienzo de la década de 1990. El motivo era que había emitido varias películas de temática homosexual, que incluía escena de desnudos. Fue por este motivo por el que se realizaron los mencionados cortes en “El Lenguaje Perdido de las Grúas”.

LO MEJOR
Si hay algo que me sorprendió de esta película fue la presentación de un tema desde una perspectiva original. Son muchas las películas que tratan sobre el tema de un joven que debe salir del armario ante sus padres, pero lo sorprendente de esta es que al hacerlo despierta de la necesidad de su propio padre de salir del armario también. Curiosamente, los personajes de los padres de Philip me parecieron muchísimo más interesantes. 
Esa sensación de afrontar una realidad muy distinta a la vivida durante décadas en un matrimonio ficticio, se transmite a la perfección gracias al excelente trabajo de Brian Cox y Eileen Atkins. Sus hilos argumentales son excepcionales. También me fascinaron los extractos anotados más arriba, sobre todo el relativo a la necesidad de desarrollar una distinta forma de comunicarse, para terminar por aceptarse a uno mismo.

LO PEOR
Considerando la historia que se narra es bastante intensa, la reacción de los personajes y resolución me parece demasiado apresurada aunque resulte creíble. Los personajes de Philip y Elliot me parecen poco desarrollados, y su corta historia en el film bastante poco interesante.

MI CALIFICACIÓN
8/10

jueves, 7 de junio de 2018

RESIDENT ALIEN

TITULO ORIGINAL
Resident Alien
AÑO DE ESTRENO
1990
DIRECTOR
Jonathan Nossiter
PRODUCTOR
Jonathan Nossiter
GUION
Jonathan Nossiter
REPARTO
Quentin Crisp, Peter Walker, Gilbert Stafford, Gus Rogerson, Michaela Murphy, Felicity Mason, Fran Lebowitz, Guy Kettelhack, John Hurt, Richard Seiburth, Hunter Madsen, Sting, Michael Musto, Sally Jesse Raphael, Shi Ringer, Tom Steele, Al Goldstein, Inga, Lenny Dean, Robert Patrick, Penny Arcade, Patrick Angus, Paul Bridgewater, Orshi Drozdick, Emile de Antonio, David McDermott, Peter McCough, Trey Spiegel, Franco The Great, Holly Woodlawn
CINEMATOGRAFÍA
John R. Foster
BANDA SONORA
Inaplicable
VESTUARIO
Inaplicable
PAÍS DE ORIGEN
Estados Unidos
DISTRIBUIDA POR:
Films Around the World
DURACIÓN
85 minutos

STING: “Cuando voy por la calle, la gente sabe quién soy y normalmente son muy agradables conmigo. Me dicen hola, que les encanta mi música, o la odian, pero me lo dicen a la cara. Soy británico y vivo en Nueva York, pero creo que los ingleses nos volvemos más ingleses todavía en América. Se nos da bien porque la gente nos encuentra encantadores, agradables y cultos. Y lo somos, pero mucho más en este país. Así que cuando decidí escribir una canción sobre Quentin, pensé mucho en mí mismo.”

ESPECTADORA: “Durante tu introducción, me pareció horrible oírle referirse a la diferencia entre homosexuales y la gente de verdad. Yo soy una persona de verdad, y me siento ofendida. También creo que este tipo de declaraciones son la mayor causa de la homofobia. Creo sinceramente que deberías tener cuidado a la hora de decir cosas como esa. ¿O de verdad piensas que no somos personas de verdad?”
QUENTIN CRISP: “Lo haré, tendré mucho cuidado. Yo personalmente no me siento como una persona de verdad. Pienso que soy artificial, una invención.”

QUENTIN CRISP: “Soy la imagen gay que tiene una persona triste.”

SINOPSIS
A la edad  de setenta y tres años, el escritor y maestro melancólico de los argumentos ocurrentes y agudos, Quentin Crisp (1908-1999) se convirtió en un británico residente en la Ciudad de Nueva York. La cámara de Jonathan Nossiter acompaña a Crisp por las calles de Manhattan en las que se encuentra como en casa, llevando maquillaje, asistiendo a un escenario improvisado, o emitiendo declaraciones irónicas características de él. Nossiter también graba a Crisp conversando con el actor John Hurt, que se encargó de interpretarlo en la película televisiva basada en su autobiografía, “El Funcionario Desnudo” (1975).
El documental también incluye escenas de su participación en el famoso programa de debate de Sally Jesse Raphael, o momentos personales como cenas con diversas amistades. También se incluyen declaraciones de personas que conocieron a Crisp, que comentan su vida como hombre abiertamente gay, pero con estilo afeminado. 
Sus amigos analizan su lugar en la historia de la lucha social de los homosexuales. Sting también explica los motivos que le llevaron a escribir la canción “Englishman in New York”, tras conocer al peculiar personaje.

CURIOSIDADES
Jonathan Nossiter escribió, produjo y dirigió este hibrido entre documental e historia ficticia. Nossiter nació en el seno de una familia judía en los Estados Unidos de 1961. Su padre Bernard Nossiter era corresponsal internacional del “Washington Post” y el “New York Times”, por lo que Jonathan fue criado en países como Francia, Inglaterra, Italia, Grecia o la India. Estudió pintura en “Beaux Arts” de París, y el “Instituto de Arte de San Francisco”. También estudió Griego Clásico en “Dartmouth College”.
Tras pasar una temporada trabajando como ayudante de teatro en Inglaterra, se mudó a Nueva York. Allí consiguió un trabajo moviendo muebles para la película “Atracción Fatal” (1987). 
Esto le ayudó a conseguir el puesto de ayudante del director Adrian Lyne, durante el resto del rodaje del film. Fue durante ese rodaje cuando Nossiter tuvo la oportunidad de conocer a Quentin Crisp. Ambos forjaron una sólida amistad, lo que provocó que Crisp aceptara protagonizar su documental sobre su propia vida. Nossiter también logró contar con John Hurt, buen amigo de Crisp, que había aceptado interpretar su personaje en la exitosa película televisiva “El Funcionario Desnudo” (1975). Dicha película narraba su vida hasta el momento en que se había mudado a la Ciudad de Nueva York. El documental autobiográfico fue estrenado en los Festivales de Cine de Toronto y Berlín en el año 1990. En el año 1991, pasó a tener una distribución limitada en cine.
Quentin Crisp falleció nueve años después del estreno del documental, a la edad de noventa años, víctima de un ataque al corazón. John Hurt volvería a interpretarle en la película “An Englishman in New York” (2009), que precisamente narraba su vida tras mudarse a Nueva York.

LO MEJOR
Soy un gran fan del personaje de Quentin Crisp, por haber sido un luchador sin apoyo alguno en una época de lo más difícil; y por lo fascinante que resultó comprobar lo difícil que le fue encajar en una comunidad gay moderna. Ese aspecto de su vida me ha parecido fascinante, así como su negativa a ser convencional o a ser políticamente correcto. Me entristece que haya gente joven que no sepa siquiera quien fue, incluyendo a los fans de Sting que adoran la canción “Englishman in New York”. El documental contiene alguno de sus excelentes debates, participaciones públicas y por encima de todo, una conversación con el actor John Hurt que le interpretó de forma esplendida. Es interesante escuchar las opiniones de aquellas personas que fueron cercanas al personaje, así como ciertos análisis sobre su forma de proceder ante diferentes asuntos y polémicas.

LO PEOR
Aun siendo un gran fan del personaje, encontré que el documental estaba muy deslavazado, desorganizado, y carecía de una línea argumental que evolucionara tal y como se realiza en otros documentales. Creo que uno de los factores en contra del documental fue la inexperiencia de Nossiter, que a pesar de contar con la cooperación de personajes importantes dentro y fuera del mundo del arte. Estos factores provocan que el director se vea superado por el proyecto, solo salvable por la genialidad y autenticidad de Crisp.

MI CALIFICACIÓN
6/10