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jueves, 31 de diciembre de 2015

DARE

TITULO ORIGINAL
Dare
AÑO DE ESTRENO
2009
DIRECTOR
Adam Salky
PRODUCTORES
Jason Orans, Mary Jane Skalski
GUION
David Brind
REPARTO
Emmy Rossum (Alexa Walker), Zack Gilford (Johnny Drake), Ashley Springer (Ben Berger), Ana Gasteyer (Ruth Berger), Rooney Mara (Courtney), Sandra Bernhard (Doctora Serena Mohr), Alan Cumming (Grant Matson), Cady Huffman (Doctora Kolton), Wayne Pyle (Alan Berger), Brianne Berkson (Gabby), Chris Riggi (Josh), Brea Bee (Mel Drake), Lucy McMichael (Senorita Davis), Annie Hibbs (Donna), Suzanne Savoy (Deirdre Walker), David Brind (Nick), Michael Braun (Actor), Matthew Garrick (Director del colegio), Emily McNamara (Amiga de Grant)
CINEMATOGRAFÍA
Michael Fimognari
BANDA SONORA
David Poe, Duncan Sheik
VESTUARIO
Caroline Duncan
PAÍS DE ORIGEN
Estados Unidos
DISTRIBUIDA POR:
Image Entertainment
DURACIÓN
100 minutos
 
BEN BERGER: “Esta noche me besaron por primera vez.”
ALEXA WALKER: “¿Qué? ¿Quién?”
BEN BERGER: “También he hecho mi primera mamada. ¿Alexa? ¿Crees que soy asqueroso?”
ALEXA WALKER: “Sí. Lo que quiero decir, es que me parece asqueroso hacer una mamada en tu primera cita. Eres toda una puta, y esa es mi última palabra.”
BEN BERGER: “Así que… ¿Así que no crees...?”
ALEXA WALKER: “Vamos. ¿De verdad creías que no lo sabía?”
 
JOHNNY DRAKE: “Creo que tengo un nuevo amigo.”
DOCTORA MOHR: “Háblame de él.”
JOHNNY DRAKE: “Se llama Ben. Es un pringado del colegio, pero me llevo a casa y nos besamos en la piscina. No soy gay, ni nada parecido. Es sólo que me miraba de esa manera… así que dejé que me besara.”
DOCTORA MOHR: “¿Qué quieres decir con que te miraba de esa manera?”
JOHNNY DRAKE: “No lo sé, es como si no solo me mirase, como si viera algo más en mí. ¿Suena raro?”
DOCTORA MOHR: “No. ¿Cómo te hizo sentir?”
JOHNNY DRAKE: “Me sentí bien, y sabía que necesitaba que le abrazara, así que lo hice. Me sentí relajado, o algo parecido.”
 
SINOPSIS
Alexa Walker está inmersa en su último semestre de colegio, a punto de graduarse. Considerada por todos como la chica buena y ejemplar del instituto, la joven desea convertirse en actriz. Tras presentarse unas pruebas, es rechazada por el director, quien asegura que no ha experimentado riesgo alguno en su corta vida, por lo que no podrá cumplir sus sueños. Johnny Drake es el chico malo del instituto. Sin embargo, el director ve potencia en él como actor. Esto desata los celos de Alexa, dispuesta a todo para alcanzar su objetivo. Por ello, decide conocer mejor a Johnny y termina por perder su virginidad con él.
Ben Berger es un chico tímido y solitario en el instituto, siendo Alexa su única amiga. Ben también esconde un secreto, es homosexual. Al comenzar a sentirse abandonado por Alexa, el joven decide quedar con Johnny en una piscina, donde mantiene su primera relación con él. Por otro lado, Johnny resulta ser más vulnerable, sumergido en su propia soledad. Al desear tener amigos de verdad, se verá manipulado por Alexa y Ben. Las cosas no son siempre lo que parecen
 
CURIOSIDADES
En el año 2005, se estrenó un corto titulado “Dare”, que gozó de un gran éxito y aceptación. Fue dirigido por Adam Salky, quien años más tarde decidió convertir el corto en una película. Esto se debía mayormente a que el corto se había estrenado en cincuenta festivales de cine de todo el mundo, se había hecho con seis premios al mejor corto, y había sido seleccionado por “Strand Releasing” para ser distribuido.
El corto básicamente narraba el encuentro sexual de dos chicos en una piscina, y Salky tuvo claro que dicha escena sería el centro alrededor de la misma.
Para extender la trama, se decidió ampliar la importancia del personaje de Alexa, interpretado por Emmy Rossum. Dicho personaje apenas aparecía en el corte, donde se limitaba a tener una conversación sin palabras con Ben. Salky deseaba explorar más la relación entre ambos amigos, como sus acciones afectaban a dicha relación, y como Alexa se sentía acerca de Johnny. Aunque la acción parecía centrarse más en el personaje de Alexa durante la película, el director señaló que era Johnny quien ejercía de centro emocional de la trama. El guionista del corto, David Brind, también se encargó de elaborar el guion para la película. Adam Fleming tenía un pequeño papel en la película como profesor del instituto. Fleming era quien había interpretado al personaje de Ben en el cortó.
 
LO MEJOR
A pesar de tardar algo en arrancar, la trama me pareció francamente interesante, sobre todo al basarse en un análisis de como las apariencias pueden ser engañosas. La película tiene cierto aire parecido a los films adolescentes de la década de 1980, aunque llevada a un nivel considerablemente superior. Los tres actores que interpretan a los protagonistas realizan una labor interpretativa de matrícula de honor, convenciendo en todo momento con su trabajo. Sin embargo, debo reconocer que me quedé fascinado con el personaje de Johnny, ya que su evolución a lo largo de la trama fue la única que me convenció. La idea de un solitario atormentado dentro de la fachada de chico de malo no era original, pero director y guionistas triunfaron a la hora de crear más capas sobre el mismo. El final me pareció acertado y alejado de convencionalismos.
 
LO PEOR
Sin embargo, la trama tiene aspectos excesivamente incoherentes, y los personajes de Alexa y Ben no me convencieron nada en su evolución. El cambio que ambos sufren se muestra de forma radical e inverosímil, y no se analiza tan bien como al de Johnny. Particularmente, me decepcionó el desarrollo de Ben, el personaje homosexual, que pasa de representar la ingenuidad a lo más mezquino sin la suficiente explicación o evaluación. Es una lástima porque la película tenía el potencial de ser un proyecto sobresaliente, quedando simplemente en una buena película que no destaca demasiado.
 
MI CALIFICACIÓN
6/10

jueves, 24 de diciembre de 2015

MI NOMBRE ES HARVEY MILK

TITULO ORIGINAL
Milk
AÑO DE ESTRENO
2008
DIRECTOR
Gus Van Sant
PRODUCTORES
Dan Jinks, Bruce Cohen
GUION
Dustin Lance Black
REPARTO
Sean Penn (Harvey Milk), Emile Hirsch (Cleve Jones), Josh Brolin (Dan White), Diego Luna (Jack Lira), James Franco (Scott Smith), Alison Pill (Anne Kronenberg), Victor Garber (Alcalde George Moscone), Denos O’Hare (Senador John Briggs), Joseph Cross (Dick Pabich), Stephen Spinella (Rick Stokes), Lucas Grabeel (Danny Nicoletta), Jeff Koons (Art Agnos), Ashlee Temple (Dianne Feinstein), Wendy Tremont King (Carol Ruth Silver), Steven Wiig (McConnely), Kelvin Han Yee (Gordon Lau), Howard Rosenman (David Goodstein), Ted Jan Roberts (Dennis Peron), Robert Chimento (Phillip Burton), Zachary Culbertson (Bill Kraus), Mark Martinez (Sylvester)
CINEMATOGRAFÍA
Harris Savides
BANDA SONORA
Danny Elfman
VESTUARIO
Danny Glicker
PAÍS DE ORIGEN
Estados Unidos
DISTRIBUIDA POR:
Focus Features
DURACIÓN
128 minutos
 
HARVEY MILK: “Os pido esto, que si al final hay un asesinato, quiero que cinco, diez, cien, mil personas se alcen. Si una bala entra en mi cerebro, que destruya las puertas de todos los armarios. Os pido que el movimiento continúe, porque no importa el beneficio personal, ni el ego, ni el poder. Solo importa que las minorías estén ahí arriba, y no solo los gais, sino los negros, y los asiáticos, y los ancianos, y los minusválidos, las minorías. Sin esperanza, las minorías se rinden. Ya sé que no se puede vivir solo de esperanza, pero sin esperanza no merece la pena vivir. Así que tú, y tú, y tú tenéis que darles esperanza. Tenéis que darles esperanza.”
 
SINOPSIS
En el año 1970, en la ciudad de Nueva York, Harvey Milk cumple cuarenta años de edad. Es entonces cuando conoce a Scott Smith, un joven con quien comienza una relación.
Ambos deciden mudarse a San Francisco, donde abren su propia tienda “Castro Camera”, en un vecindario que no tarda en convertirse en predominantemente gay. Frustrado por los constantes problemas de discriminación, Harvey se convierte en activista gay, y decide presentarse a concejal de distrito para luchar contra los problemas a los que su minoría se enfrenta. Tras fracasos en las campañas de 1973, 1975 y 1976, Harvey consigue hacerse con un puesto en el Distrito 5, en 1977. Sin embargo, su relación con Scott se ve dañada en el proceso, y ambos acaban por separarse.
Tras iniciar una relación con el conflictivo Jack Lira, Harvey se embarca en su campaña para conseguir acabar con la discriminación de los homosexuales o la Iniciativa Briggs. Harvey consigue sus objetivos, pero su nueva relación también se deteriora, mientras hace nuevos enemigos políticos como Dan White. Esto culminará en su asesinato.
 
CURIOSIDADES
El proyecto surgió en 1991, cuando Oliver Stone planeaba producir una película sobre la vida de Harvey Milk, llegando a escribir un guion titulado “El Alcalde de Castro Street”. Un año después, Gus Van Sant fue escogido para dirigir la película, pero terminó por alejarse del proyecto, en 1993, aludiendo diferencias creativas. El director regresó al proyecto en 2007, con la intención de basarlo en un guion de Dustin Lance Black. Bryan Singer intentó llevar a cabo “El Alcalde de Castro Street”, pero dicho proyecto quedó estancando debido a la huelga de guionistas. De esta forma, Van Sant llevó a cabo el proyecto con Sean Penn como actor principal. Inicialmente, Matt Damon iba a interpretar el papel de Dan White, pero no pudo hacerlo debido a conflictos con otros trabajos. Debido a esto, el papel recayó en Josh Brolin.
El equipo de producción relacionado con diseño y vestuario realizó un extensivo estudio de la historia de la comunidad gay de San Francisco, a través de los archivos de la Sociedad Histórica GLTB de la ciudad.
Allí también tuvieron acceso a objetos personales de Harvey Milk, donándolos a la institución por Scott Smith. El equipo también entrevistó a numerosas personas que habían conocido a Milk. También visitaron la tienda de fotografía en Castro Street, llegando a comprarla por un par de meses para que fuera utilizada en la producción. El rodaje también tuvo lugar en el ayuntamiento de San Francisco, aunque la oficina de White, donde Milk fue asesinado, fue recreada en otro lugar debido a que ya tenía un aspecto demasiado moderno.
Con una gran acogida por parte de espectadores y crítica, la película recibió ocho nominaciones a los Oscars, haciéndose con dos estatuillas. Una fue al Mejor Guion Original, y la segunda al Mejor Actor, Sean Penn. Las otras seis nominaciones fueron a la Mejor Película, Mejor Director, Mejor Actor Secundario (Josh Brolin), Mejor Banda Sonora Original, Mejor Montaje y mejor Diseño de Vestuario. En las cinco primeras categorías perdió contra “Slumdog Millionaire”, en la última contra “La Duquesa”.
 
LO MEJOR
Con un reparto semejante, y una ambientación tan detallada, es difícil por no decir imposible equivocarse. Al margen de la historia política, muy bien detallada y narrada, lo que más me fascinó de la película, fue ese examen de como una vida absorbida por la política puede afectar a la vida personal. Más que el análisis de la vida política de Harvey Milk, innegablemente interesante, me fascinó ese análisis de su vida personal. Siempre me han encantado los proyectos que humanizan y hacen vulnerable a un personaje de gran entereza y triunfo. Harvey no presenta como un personaje perfecto, lo cual me pareció todo un acierto. Al margen de sus logros por los derechos, y su ayuda innegable a jóvenes en necesidad de ayuda, me encantó ver como dicha dedicación terminaba por apartarle de la felicidad. Mayormente, esto se concentra en su pareja Scott. La película narra de una forma muy emotiva el comienzo y transcurso de dicha relación, por lo que es imposible no desarrollar empatía en ese aspecto.
La segunda relación, con Jack Lira, se presenta de forma más conflictiva y finalmente trágica. De esta forma la película reta al espectador a plantearse cuestiones como la necesidad de sacrificar todo lo personal por una buena causa. Añadido a esto, no cabe duda de que se trata de una película enormemente informativa y educativa, pues siempre he considerado necesario rememorar y homenajear esa parte de una historia de nuestro colectivo, lamentablemente todavía poco conocida para muchos.
En términos generales, no vi problemas ni idealizaciones, sino una historia que básicamente es muy humana, y que logra conectar con el espectador, al margen de las ideas de cada uno. Solo lamento que no fuera tan reconocida como lo merecía.
 
LO PEOR
No hay nada negativo que yo haya sido capaz de encontrar en esta película.
 
MI CALIFICACIÓN
10/10

jueves, 17 de diciembre de 2015

QUEMAR LAS NAVES

TITULO ORIGINAL
Quemar las Naves
AÑO DE ESTRENO
2007
DIRECTOR
Francisco Franco Alba
PRODUCTORES
Francisco Franco Alba, Laura Imperiale, María Navarro
GUION
Francisco Franco Alba, María Reneé Prudencio
REPARTO
Irene Azuela (Helena), Ángel Onésimo Nevares (Sebastián), Claudette Maillé (Eugenia), Bernardo Benítez (Juan), Ramón Valdés (Ismael), Aida López (Chayo), Juan Carlos Barreto (Efraín), Jessica Segura (Aurora), Alberto Estrella (Emilio), Diana Bracho (Catalina), Úrsula Pruneda (Madre Margarita), Ricardo Blume (Padre Miguel), Pablo Bracho (Padre Chacón), Juan Costa (Darío), Juan Ángel Esparza (Empleado del colegio), Jose Carlos Fernat (Grandote), Julia Robles (Borracha), Arnoldo Rodarte (Campesino), Rosa María Rivera (Mujer de la limpieza)
CINEMATOGRAFÍA
Erika Licea
BANDA SONORA
Alejandro Giacomán, Joselo Rangel
VESTUARIO
Bertha Romero
PAÍS DE ORIGEN
México
DISTRIBUIDA POR:
Instituto Mexicano de Cinematografía
DURACIÓN
104 minutos


SEBASTIÁN: “¿Se ve padre, verdad? La ciudad.”
JUAN: “Desde lejos. Yo me largo de aquí en cuanto pueda.”
SEBASTIÁN: “¿A dónde?”
JUAN: “Al mar, a Mazatlán. De ahí soy.”
SEBASTIÁN: “Nunca he ido.”
JUAN: “¿A Mazatlán?”
SEBASTIÁN: “Al mar.”
JUAN: “¿Ves esos pinches cerros? Cierra los ojos. Que los cierres. Ahora imagínate que son de agua en vez de tierra. Y que te caen todos encima. Ábrelos.”
HERMANA MARGARITA: “¿Y por qué manda quemar las naves?”
ESTUDIANTE: “Pues para que nadie pueda regresar hasta que conquisten Méjico.”
HERMANA MARGARITA: “Exacto. Ahora bien, usted ya me dio el contexto histórico de la novela. Pero lo que estamos hablando es de las figuras metafóricas. ¿A qué se refiere uno cuando dice ‘quemar las naves’? Se refiere a que para poder irte, tienes que romper con lo que dejas atrás, para que ya no puedas regresar aunque te de miedo.”

SINOPSIS
En la ciudad de Zacatecas, los hermanos Sebastián y Helena residen en una destartalada casa, cuidando de su madre Eugenia. La mujer está muriendo víctima del cáncer, y los dos hermanos se ven atrapados en la ciudad, dejando de lado a sus aspiraciones para cuidar de ella en sus últimos momentos. Helena es quien más en serio se lo ha tomado, ejerciendo una figura autoritaria y dominante, que a menudo oculta sus sentimientos. A sus diecinueve años, Helena sueña con poder viajar por el mundo para convertirse en artista del pop, como su madre, estudiando idiomas mientras realiza su tarea. Sebastián es un joven introvertido, que asiste a una escuela católica. Sus sueños son mucho más simples, deseando abandonar la ciudad y trasladarse a la costa para poder ver el mar.
Las cosas cambian cuando un joven problemático, llamado Juan, llega al colegio.
La atracción entre Juan y Sebastián es casi instantánea, y el segundo ve la primera oportunidad de dejar atrás sus lazos familiares. Las cosas se complican cuando la madre de ambos hermanos fallece. Helena sigue determinada a permanecer en casa, arrastrando a Sebastián sin darle opción a expresar su opinión. Helena siente una atracción incestuosa hacia su hermano, y la relación de ambos se verá a prueba al descubrirse la homosexualidad de Sebastián.

CURIOSIDADES
Se trata de la primera película de Francisco Franco Alba, quien también participó en la producción y elaboración del guion. Anteriormente había participado en series de televisión y cortos, con lo que quiso plantearse un reto creando una película que tratara temas como la reivindicación personal, la pérdida, la adolescencia y las relaciones sexuales. Sin embargo, quiso ir más allá abordando también temas tabú como la homosexualidad, o el incesto, lo cual incrementó el reto considerablemente. El título es de gran importancia, y representa la base de la película.
Está basado en un dicho mejicano que alude a la necesidad de cortar todos los lazos entre personas, o personas y lugares, haciendo referencia a como Hernán Cortes hizo quemar sus naves al llegar a América, para evitar motines o deserción.
La película fue rodada en Zacatecas, contando con todo el apoyo de su gobernadora, Amalia García. El film contó con música original de Alejandro Giacomán y canciones compuestas por Joselo Rangel, e interpretadas por Julieta Venegas y Eugenia León. La película tuvo una gran aceptación por parte de crítica y espectadores. Fue estrenada en octubre de 2007, en el Festival de Cine Internacional de Morelia. Tal fue la revelación del film, que se hizo con dos premios: el Ariel de Oro a Irene Azuela como Mejor Actriz, y el Arel de Plata por su Mejor Música Original.

LO MEJOR
Quien haya sentido la sensación de estar dividido entre sus lazos familiares, y sus sueños personales apreciará esta película de forma inmediata. Personalmente, identifique el miedo como base de toda la trama. Pero lo que la hace especialmente interesante es que se trata de un miedo lógico. La división que se examina es fascinante, y me resultó interesante ver que la frase base del film era “No tengas miedo a vivir tu propia vida”. Helen y Sebastián son caras opuestas de la misma moneda, con personalidades completamente distintas, pero compartiendo el mismo problema. Es cierto que el personaje de Sebastián produce más empatía por su lado introvertido y personalidad condescendiente, lo que es cuanto menos curioso es que el personaje más sacrificado y qué más da es el de Helena.
Sin duda tenemos labores interpretativas magistrales, y que me dejaron francamente impresionado. Cada personaje está perfectamente definido, y resulta fascinante examinarlo.
Pero sobre todo me sorprendió la relación entre Sebastián y Juan, y me identifique de forma profunda con las dudas de elegir por uno mismo, cuando tenemos lazos forjados que no podemos romper.

LO PEOR
Dicho esto, lamenté que el personaje de Helena estuviera diseñado de forma tan radical. Antes de nada, aclararé que la interpretación de Irene Azuela es sobresaliente, y que desde mi punto de vista es un problema de guion. Siendo, sin duda, el personaje más sacrificado, me molestó que se otorgara poca atención a desarrollar empatía hacia ella. El tema del incesto me pareció bastante forzado, poco definido y en resumidas cuentas innecesario.

MI CALIFICACIÓN
8/10

jueves, 10 de diciembre de 2015

TRANSAMERICA

TITULO ORIGINAL
Transamerica
AÑO DE ESTRENO
2005
DIRECTOR
Duncan Tucker
PRODUCTOR
William H. Macy
GUION
Duncan Tucker, William H. Macy
REPARTO
Felicity Huffman (Sabrina “Bree” Osbourne), Kevin Zegers (Toby Wilkins), Graham Greene (Calvin Muchas Cabras), Fionnula Flanagan (Elizabeth Schupak), Burt Young (Murray Schupak), Carrie Preston (Sydney Schupak), Elizabeth Peña (Margaret), Dabby Burstein (Doctor Spikowsky), Maurice Orozco (Fernando), Craig Bockhorn (Sargento), Jon Budinoff (Alex), Venida Evans (Arletty), Raynor Scheine (Bobby Jensen), Kelly O’Donnell (Kelly), Calpernia Addams (Calpernia), Bianca Leigh (Mary Ellen), Stella Maeve (Taylor), Sandi Alexander (Sandi), Melissa Sklarz (Melissa), Felicia Kittles (Felicia), David Harrison (David), Forrie Smith (Sammy), Grant Monohon (Autoestopista)
CINEMATOGRAFÍA
Stephen Kazmierski
BANDA SONORA
David Mansfield
VESTUARIO
Danny Glicker
PAÍS DE ORIGEN
Estados Unidos
DISTRIBUIDA POR:
The Weinstein Company, IFC Films
DURACIÓN
103 minutos
 
TOBY WILKINS: “¿Sabías que ‘El Señor de los Anillos’ es gay?”
BREE OSBOURNE: “¿Cómo dices?”
TOBY WILKINS: “Hay una gran torre negra. ¿Vale? Y apunta hacia esa especie de enorme vagina en llamas, y es como el símbolo del mal absoluto. Y… Sam y Frodo tienen que entrar en esa cueva y depositar su anillo mágico dentro de ese pozo de lava hirviendo. Pero en el último momento Frodo no puede, y entonces Gollum le arranca el dedo de un bocado. Gay.”
 
ELIZABETH SCHUPAK: “Fíjate en tu vida, nunca has sabido atenerte a una decisión. Diez años de universidad y ni un título. ¿Cómo sabemos que no cambiaras de idea también en esto?”
BREE OSBOURNE: “Porque lo sé.”
ELIZABETH SCHUPAK: “No te hagas esa cosa espantosa por favor. Echo de menos a mi hijo.”
BREE OSBOURNE: “Mamá, nunca tuviste un hijo.”
ELIZABETH SCHUPAK: “¿Cómo puedes decir algo así?”
BREE OSBOURNE: “Ya entiendes como se sentí cuando contrataste detectives privados.”
 
SINOPSIS
Anteriormente Stanley Schupak, la transexual Bree Osbourne reside en el sur de California. Allí se entera de que por fin ha recibido aprobación para someterse a una operación de cambio de sexo. Sin embargo, antes de poder hacerlo, su terapeuta Margaret le exige que resuelva un problema del pasado. Bree ha recibido una llamada telefónica de un joven de diecisiete años llamado Toby Wilkins, que busca a su padre biológico, Stanley. El joven se encuentra en una celda en Nueva York, ya que ha vivido de las drogas y la prostitución. Se encuentra solo en el mundo, ya que su madre se ha suicidado, y su padrastro le ha echado de casa.
Sin más remedio, Bree viaja a Nueva York a buscar a Toby, haciéndose pasar por una trabajadora social cristiana. Sin revelar su identidad o transexualidad, Bree paga la fianza de su hijo, aceptando a llevarle a Los Ángeles, donde Toby tiene sus propias ambiciones.
El viaje supondrá todo un proceso de autodescubrimiento para ambos, que se enfrentaran a sus respectivos pasados.
 
CURIOSIDADES
La idea inicial para el guion surgió de una conversación entre el guionista y director Duncan Tucker, y la actriz intersexual Katherine Connella. Mientras discutían sobre sus percepciones de los hombres y mujeres, ya que habían sido compañeros de apartamento durante meses, Connella sorprendió a Tucker al revelar que había sido criada como un hombre. Tras esto, Tucker decidió crear una película que tratara sobre eventos relacionados con una transexual, a punto de ser operada, y su reencuentro con su hijo del pasado.
En lugar de utilizar a un actor, el director decidió hacer uso de una actriz que se metiera en ese papel, eligiendo a Felicity Huffman. La actriz aceptó entusiasmada tras leer el guion, y se metió en el papel de tal forma que decidió actuar como Bree durante todo el día a lo largo de todo el rodaje. Esto incluyó hacer uso del tono de voz baja que Bree debía poseer, de manera que nunca lo perdiera.
La actriz declaró que si dejaba de usar dicho tono, terminaría por perderlo. La película incluye escenas de desnudo, y se creó una prótesis de pene para Huffman, necesaria para una escena en la que estaba orinando. De forma humorística, Huffman apodó a su pene Andy durante el rodaje. La actriz tuvo que rodar sus escenas finales con antelación, debido a que se había hecho con un papel en la serie “Mujeres Desesperadas” (2004).
Muchas de las escenas incluyeron el uso de la improvisación.
En una, el director le solicitó a Huffman que comenzara a golpear a Kevin Zegers en el estómago y el hombre.
El joven actor no salió de su papel, y al director le gustó el resultado. Sin saber que la película sería todo un éxito, el vestuario fue donado a la caridad tras la finalización del rodaje. Felicity Hoffman recibió una nominación al Oscar como Mejor Actriz, perdiendo la estatuilla contra Reese Witherspoon por su papel en “En la Cuerda Floja”. La película recibió una segunda nominación a la Mejor Canción, “Travelin’ Thru”, de Dolly Parton. Perdió la estatuilla contra la canción “It's Hard out Here for a Pimp” de la película “Hustle & Flow”.
 
LO MEJOR
Soy un gran fan de las películas que muestran una relación forjándose a lo largo de un viaje. Añadido a esto, la película es sencillamente perfecta. Felicity Hoffman me dejó completamente boquiabierto, de hecho tardé en reconocerla hasta que transcurrieron unos veinte minutos del film. Cualquier elogio hacia la actriz me parece insuficiente.
Pero es que además, Kevin Zegers me dejó igualmente sorprendido, consiguiendo que su papel me convenciera al cien por cien. El viaje no es solo cuestión de atravesar el país, de ahí la genialidad del título, sino del viaje personal de los dos protagonistas, cautivando y enganchado desde el primer momento. Se hace uso de un humor muy inteligente, desarrollado en unos diálogos simplemente formidables. Finalmente resaltaré el hecho de que los dos personajes logran conectar gracias a sus respectivos tormentos.
 
LO PEOR
No hay nada negativo que yo haya sido capaz de encontrar en esta película.
 
MI CALIFICACIÓN
10/10

jueves, 3 de diciembre de 2015

NATE & MARGARET

TITULO ORIGINAL
Nate & Margaret
AÑO DE ESTRENO
2012
DIRECTOR
Nathan Adloff
PRODUCTORES
Nathan Adloff, Ash Christian
GUION
Nathan Adloff, Justin D.M. Palmer
REPARTO
Natalie West (Margaret), Tyler Ross (Nate), Conor McCahill (James), Gaby Hoffman (Darla), Charles Solomon (Gregory Maddock), Cliff Chamberlain (Jeffrey Tomlinson), Danny Rhodes (Matthew), Allison Latta (Rebecca), Sadieh Rifai (Danielle), Shawn Ryan (Joey), John Ainsworth (Agente Martin), Angela LaRocca (Mary), Kathryn Cord (Emmi), Brian Levin (Brian), Michael Kutza (Heckler), Michael Emery (Chad), Holly Martin Baker (Cassey), Billy Baker (Timmy)
CINEMATOGRAFÍA
Brian Levin
BANDA SONORA
Kevin O’Donnell
VESTUARIO
Gwen Smuda
PAÍS DE ORIGEN
Estados Unidos
DISTRIBUIDA POR:
Breaking Glass Pictures
DURACIÓN
80 minutos
 
MARGARET: “¿Estas saliendo con alguien? ¿Quién?”
NATE: “Se llama James.”
MARGARET: “¿Dónde lo conociste?”
NATE: “Hace un par de semanas, en una fiesta de Darla.”
MARGARET: “¿Pensabas decírmelo algún día?”
NATE: “Con el tiempo.”
MARGARET: “Normalmente me lo cuentas todo.”
NATE: “Bueno, sí, pero nunca había tenido una relación.”
MARGARET: “Así que ya es una relación.”
NATE: “No te lo conté porque sé que estas en contra de salir con gente.”
MARGARET: “No importa lo que yo piense.”
NATE: “Sí que importa, y podrías decir que estas contenta por mí.”
MARGARET: “Sé que podría. No, no, es genial. Lo digo en serio, es genial. ¿Te gusta?”
NATE: “Por supuesto, mucho.”
MARGARET: “Entonces deberías habérmelo dicho. Eres mi mejor amigo.”
NATE: “Tú también eres mi mejor amiga.”
MARGARET: “Bueno, pues los mejores amigos se cuentan estas cosas.”
 
SINOPSIS
Nate y Margaret se han convertido en mejores amigos a pesar de sus evidentes diferencias. Nate solo tiene diecinueve años, proviene de un pueblo pequeño, y ha descubierto recientemente su homosexualidad. Estudia cinematografía y disfruta con sus proyectos. Margaret tiene cincuenta y dos años, trabaja en una cafetería y sueña con dedicarse a la comedia presentando sus propios monólogos. Ambos son personas solitarias, razón por la que han conectado de forma especial, y se apoyan en sus sueños y proyectos.
Un día, durante una fiesta de su amiga Darla, Nate conoce a otro joven James que se siente atraído hacia su dulzura e ingenuidad. Aunque Nate se siente intimidado, también se siente atraído hacia James, y ambos comienzan una relación.
Debido a esta, Nate descuida a Margaret, y no acude a su primera presentación como monologuista en un club. Esto se debe en parte a que Margaret está en contra de las relaciones. Aunque Nate quiere mantener la relación, pronto resulta obvio que James no desea compartirle con nadie más. Esto pondrá a prueba una importante amistad.
 
CURIOSIDADES
Se trata de la primera película de Nathan Adloff, quien también participó en el proceso de producción y la creación del guion. Inicialmente, la historia fue concebida de forma distinta. El personaje de Nate siempre se mantuvo igual, y estaba basado en el propio Adloff cuando estaba en la universidad. El segundo personaje era diferente, también iba a tener diecinueve años y sería el mejor amigo de Nate residiendo en el mismo edificio. Se comenzó a crear el guion con estos aspectos en mente, hasta que Adloff conoció a Natalie West, quien interpretaría a Margaret. El otro guionista, Justin Palmer, la conocía por sus interpretaciones en los teatros de Chicago.
Ambos guionistas le sugirieron a West cambiar el personaje del mejor amigo para que fuera una mujer de avanzada edad, y la actriz aceptó.
Adloff mantiene muchas similitudes con el personaje de Nate. En su primer año de universidad, el director estaba estudiando cinematografía, era ingenuo y acababa de salir del armario, y estaba lidiando con salir chicos por primera vez, experimentando el cometer errores propios de esa edad. Nunca tuvo un amigo o amiga del estilo de Margaret, que fue concebida por Palmer, quien exploró su temor a actuar en público a través de ella. De esta forma, la historia fue concebida como un análisis de la amistad y los problemas que pueden dañarla. Adloff deseaba alejarse de estereotipos o chicos extremadamente atractivos, deseando darle al proyecto un aire fresco.
 
LO MEJOR
La verdad es que me llevé una muy grata sorpresa con esa película.
Siempre me han gustado mucho los análisis sobre la amistad, y las crisis que la misma atraviesa. Pero es que además, en este caso, se nos regala una amistad inusual que me pareció francamente interesante. Los dos personajes principales están interpretados de forma brillante. Natalie West resulta conmovedora como esa amiga de edad más avanzada, todavía con sus sueños y sus inseguridades, pero sobre todo su temor a la soledad. Tyler Ross transmite la ingenuidad y dulzura de su personaje a la perfección. Resulta encantador, y logró hacerme experimentar de nuevo esas confusiones propias que se sienten al enfrentarse a una primera relación. La química entre ambos actores es evidente, y sus personajes se benefician de la misma.
Añadido a esto, agradecí que la película se alejara de utilizar actores propios de anuncios para ropa interior. Tenemos personajes cuyos dilemas resultan creíbles, sobre todo al no estar encerrados en cuerpos perfectos.
La necesidad de afecto es un elemento esencial de toda la trama, y se transmite con perfecta naturalidad. En ocasiones como esta, una trama simple con un objetivo claro funciona a la perfección, y logra triunfar donde otras pretensiones fracasan.
 
LO PEOR
Hay dos aspectos que podrían haber sido mejorados para crear una película sobresaliente. El primero es el guion, que aunque refleja el realismo del día, no logra explorar la trama con la necesaria profundidad. El segundo es la resolución de la propia trama, que me pareció acelerada.
 
MI CALIFICACIÓN
8/10

jueves, 26 de noviembre de 2015

GOING DOWN IN LA-LA LAND

TITULO ORIGINAL
Going Down in La-La Land
AÑO DE ESTRENO
2011
DIRECTOR
Casper Andreas
PRODUCTORES
Casper Andreas
GUION
Casper Andreas
Basado en la novela de Andy Zeffer
REPARTO
Matthew Ludwinski (Adam Zeller), Allison Lane (Candy), Michael Medico (John Vastelli), Casper Andreas (Nick), John Schile (Ron), Jesse Archer (Matthew), Bruce Vilanch (Missy Manhandler), Judy Tenuta (Zinnea), Alec Mapa (Él mismo), Brent Bailey (Dean), Scott DeFalco (Frank), Angelina Hong (Kim), William Thomas Jones (Robert), Kurt Scholler (Esclavo), Todd Sherry (Collin), Mark Cirillo (Fan de Alec Mapa), William Jackson (Actor mayor), Leah Rachel (Sophie), Sherry Weston (Actriz mayor), Linda Larson (Directora de casting), Billy Snow (Chico del gimnasio)
CINEMATOGRAFÍA
Timothy Naylor
BANDA SONORA
Michael W. Barry
VESTUARIO
Sarah Jeanne Mgeni
PAÍS DE ORIGEN
Estados Unidos
DISTRIBUIDA POR:
Embrem Entertainment, La-La Land Films
DURACIÓN
104 minutos
 
CANDY: “John te ha plantado así y nunca has tenido que firmar nada, así que no tienes ninguna obligación.”
ADAM ZELLER: “Le hice una promesa. Además me envió un cheque cuando me envió mis cosas.”
CANDY: “¿Cinco mil dólares? ¿De verdad cree que puede comprarte tan fácilmente? ¿Tienes alguna idea de lo que podría valer esta historia? Y esta es la oportunidad que ambos hemos estado esperando Adam. Es tu oportunidad. ¿Quién sabe a qué podría llevarte? Trabajos de actor, un lugar en un reality, programas de televisión. Es algo muy grande.”
ADAM ZELLER: “No podría hacerle eso.”
CANDY: “Bueno, a lo mejor podrías dejar que yo me encargara. Podría contar mi versión de la historia, aprobada por ti, y ambos seríamos famosos.”
ADAM ZELLER: “Eso es todo lo que te importa. ¿Verdad?”
CANDY: “No seas tonto, también me importa el dinero.”
 
SINOPSIS
Adam Zeller es un joven actor que ha sido incapaz de iniciar su carrera en Nueva York. Debido a esto decide mudarse a Los Ángeles para probar fortuna, instalándose con Candy, su excéntrica amiga mantenida por su prometido. Sin embargo, encontrar trabajo no resulta sencillo, por lo que Adam termina por buscar trabajo por recepcionista, aunque acaba por ser despedido. Finalmente, consigue un trabajo en una productora de porno gay llamada “Jet Set Productions”, tras conocer a un joven llamado Nick. Inicialmente, Adam solo trabaja como asistente detrás de las cámaras, aunque Nick consigue convencerle para que termine por trabajar como actor pornográfico. Esto es en parte debido a que Candy deja de ser mantenida por su prometido, y los dos amigos tienen dificultades económicas.
Adam termina por trabajar como chapero para gente importante en la industria; y se embarca en una relación destructiva con Nick, que además es drogadicto. Las cosas parecen cambiar cuando Adam conoce a John, un actor exitoso que parece enamorarse de él.
Sin embargo, cuando el pasado pornográfico de Adam sale a la luz, la relación de ambos se verá puesta a prueba.
 
CURIOSIDADES
Dirigida por Casper Andreas, la película está basada en la novela escrita por Andy Zeffer. Inicialmente, el mencionado escritor deseaba formar parte en la creación del guion, pero Andreas optó por hacerlo de forma independiente, pues deseaba que la película gozara de una identidad completamente distinta a la de la novela. El director decidió eliminar una gran cantidad de los elementos que figuraban en la novela, y en el proceso el guion pasó por diferentes niveles para que la acción fuera seguida y se limitara a la trama principal del personaje de Adam. Andreas declaró que lo más interesante de la novela era el analizar las distintas formas en las que los personajes justificaban las cosas horribles que llegaban hacer, siempre para alcanzar la fama y la gloria. El director deseo concentrarse en explorar ese tipo de viaje personal, y el cómo alguien puede comprometerse para alcanzar dichos goles.
La producción de la película fue financiada parcialmente gracias a las recolectas que surgieron de la página web Kickstarter. El objetivo inicial era el de recaudar diez mil dólares, pero se logró recaudar alrededor de catorce mil dólares y medio en un periodo de veintiocho días. Gran parte de la crítica se mostró sorprendida ante el cambio de dirección que experimentó Casper Andreas con la película. Acostumbrados a sus comedias de gran simpleza, observaron un análisis fuera de lo habitual, concentrado en el mundo de Hollywood.
 
LO MEJOR
Es cierto que cuando acudí a ver la película en el Festival de Cine Gay de Madrid, esperaba otra de las comedias a las que Casper Andreas nos tenía acostumbrados. Esto no es necesariamente negativo, ya que una comedia sin pretensiones a menudo funciona perfectamente.
Sin embargo, me quedé gratamente sorprendido al ver una trama que albergaba una trama seria. No se trata de prostituir el cuerpo de uno mismo para alcanzar la gloria, sino de prostituir los ideales que nos definen. Andreas realiza un análisis sobradamente valido sobre este aspecto, separando ambos factores. El personaje de Adam está muy bien estructurado en ese sentido, haciendo creíble el viaje a través del cual se embarca. Es cierto que el actor Matthew Ludwinski podría haber otorgado más capas a su interpretación, pero en términos generales convence.
Me encantó el análisis realizado en torno a las relaciones destructivas, y el cómo una vez uno se adentra en un círculo vicioso, resulta muy complicado salir del mismo. También se hace un análisis factible del poder económico, así como del poder psicológico que se puede establecer sobre el prójimo.
 
LO PEOR
El mayor problema que observé, es que Andreas se quedaba a medio camino entre lo que constituye una comedia y lo que constituye un drama. La trama no se decanta claramente por ninguno de estos extremos, lo que provoca que no acabe de funcionar. Y es que en este caso en particular, la historia tiene el potencial de proporcionar un drama de grandes dimensiones. Sin embargo, cada vez que se roza ese aspecto dramático, aparece alguna broma del estilo Andreas, que rompe esa linealidad y arruina más de una escena. Por otro lado, escoger un final de cuento de hadas, en medio de una trama cruda y realista me resultó forzado y poco realista. También transmite un mensaje equivocado.
  
MI CALIFICACIÓN
7/10