PACIENTE CERO

TÍTULO ORIGINAL

Zero Patience

AÑO DE ESTRENO

1993

DIRECTOR

John Greyson

PRODUCTORES

Louise Garfield, Anna Stratton

GUION

John Greyson

REPARTO

John Robinson (Sir Richard Burton), Normand Fauteux (Cero), Dianne Heatherington (Mary), Richardo Keens-Douglas (George), Bernard Behrens (Doctor Placebo), Charlotte Boisjoli (Maman), Brenda Kamino (Doctora Cheng), Michael Callen (Miss VIH), Marla Lukofsky (Mono verde africano), Von Flores (Ray), Scott Hurst (Michael), Duncan McIntosh (Ross), Cassel Miles (Barry), Benjamin Plener (Ted)

CINEMATOGRAFÍA

Miroslaw Baszak

BANDA SONORA

Glenn Schellenberg

VESTUARIO

Joyce Schure

PAÍS DE ORIGEN

Canadá

DISTRIBUCIÓN

Strand Releasing

DURACIÓN 
95 minutos

SIR RICHARD BURTON: Haz lo que debas. Soy tuyo.

CERO: Tienes el aspecto de las sobras que se dejan en la nevera.

SIR RICHARD BURTON: En estos días, tomar preocupaciones adecuadas son "sine qua non" de los encuentros anónimos.

CERO: Pensabas que me ibas a dar sexo por caridad. Piérdete.

SIR RICHARD BURTON: Pensaba que después de treinta años estarías más predispuesto.

CERO: Olvídalo, todo el plástico que llevas puede hacer que me salga un sarpullido.

SIR RICHARD BURTON: Lo siento, no pretendía insultarte. Solo quería asegurarme de que te quedabas. Supongo que ahora te marcharás.

CERO: Bueno, es tarde y no tengo ningún lugar al que poder ir.

SINOPSIS

Sir Richard Burton es un explorador victoriano que de alguna forma ha logrado beber de la Fuente de la Juventud. Debido a esto ha logrado vivir durante casi doscientos años sin envejecer. Residiendo en Toronto, Canadá, Sir Burton trabaja como taxidermista en un museo dedicado al estudio de enfermedades famosas. Su última exhibición es el “Hall del Contagio”, pero acaba arruinado al no poder conseguir ratas de plaga que considera esenciales. Sin embargo Sir Burton recupera la esperanza al descubrir la existencia del “Paciente Cero”, un azafato franco canadiense que es considerado responsable de traer el SIDA a Norteamérica. Sir Barton desarrolla una gran fascinación por Cero, considerándole un asesino en serie que infectó a múltiples homosexuales.

Mientras tanto, el fantasma del Paciente Cero regresa a la Tierra de forma inexplicable. Todo lo opuesto a la idea de asesino en serie que Burton tiene, Cero es un joven confuso que no logra entender que es lo que está ocurriendo. 

Regresa a casa visitar a sus parientes y amigos, pero solamente Sir Burton es capaz de verle. Ambos se convierten en compañeros y terminan por enamorarse, descubriendo la verdad acerca del SIDA, y como su imagen en los medios de comunicación ha sido distorsionada para promover ideologías basadas en el odio.

CURIOSIDADES

Se trata de una película musical escrita y dirigida por John Greyson. Examina y rebate la leyenda urbana de que el VIH entró en Norteamérica a través de un único individuo, Gaëtan Dugas. Azafato de profesión, Dugas fue conocido como Paciente Cero, y se le culpó de la proliferación del VIH en parte debido al libro “En El Filo de la Duda” (1987), escrito durante los primeros años de la epidemia del SIDA por Randy Shilts. Como muestra de respeto, el personaje del film no hace uso del nombre de Dugas en ningún momento. John Greyson se interesó en crear un contrapunto a la historia del Paciente Cero en 1987, año en que se publicó el mencionado libro. 

El libro describía el estudio inicial en que se hacía a Dugas responsable de la propagación del VIH. Sin embargo, el autor del libro nunca llegó a declarar que esto fuera verdad y Dugas hubiera sido el primero en infectarse.

A principios de 1991, el Centro Cinematográfico Canadiense financió el proyecto de Greyson, que era uno de sus alumnos graduados. Durante el siguiente año, Greyson cooperó con Louise Garfield y Anna Stratton para producir el proyecto, desarrollando también el guion. Durante la primera mitad de 1992, el equipo de producción recibió más financiación por parte de “Telefilm Canadá” y “Ontario Film Development Corporation”. Llegado el mes de junio se habían completado las canciones y el guion, por lo que se inició el proceso de selección de actores. El rodaje comenzó en noviembre de 1992, y finalizó en solo cinco semanas. Se mostró la película por primera vez en el Festival de Cine Internacional de Seattle, hasta que en septiembre de 1993 pasó a emitirse en el Festival de Toronto.

La banda sonora fue dedicada al activista en lucha contra el SIDA, Michael Callen, y otros amigos que habían sido víctimas de la enfermedad. 

Greyson y su equipo quisieron explicar que no solo que no solo querían examinar el mito del Paciente Cero como algo oportunista, sino también celebrar el coraje y descaro de los activistas que habían luchado por los derechos de la gente que vivía con el SIDA.

CRÍTICA PERSONAL

Realizar una comedia musical sobre el SIDA en un periodo en el que la enfermedad era mortal y acababa con múltiples vidas, supone un enorme riesgo. Hay que señalar que las intenciones eran buenas, y que realmente la película se esfuerza en analizar el mito del Paciente Cero, honrando de esta forma a Gaëtan Dugas. La película no critica tampoco el libro de Randy Shilts, que no hizo otra cosa que narrar teorías que circulaban por aquel entonces. Es curioso que la película se estrenará el mismo año que la formidable adaptación del libro, “En El Filo de la Duda” (1993).

Y si bien las intenciones son buenas, resulta inadecuado ese tono de comedia para narrar algo que tanta tragedia ha creado. Ya no se trata de que sea complicado, sino que tanto las canciones como los diálogos no invitan a la risa en ningún momento. De hecho el resultado es más bien el contrario, consiguiendo que el estilo del film sea caricaturesco, absurdo, carente de originalidad y, en ocasiones y aunque no sea la pretensión, ofensivo.

Si a esto añadimos que el momento en que se realizó el film, la situación era todavía más complicada, el nivel de la película desciende todavía más. El mensaje es bueno, pero los medios para llegar al mismo, como dos anos hablando de sus experiencias, son totalmente inadecuados. No es cuestión de que no se pueda crear una comedia con el tema, pero este proyecto carece del cuidado necesario. Un ejemplo de comedia efectiva y formidable sobre el tema de dicha enfermedad llegaría dos años más tarde con “Jeffrey” (1995).

CALIFICACIÓN

4- Insuficiente

LA VERDADERA NATURALEZA DEL AMOR

TÍTULO ORIGINAL

Love and Human Remains

AÑO DE ESTRENO

1993

DIRECTOR

Denys Arcand

PRODUCTOR

Pierre Latour

GUION

Brad Fraser

REPARTO

Thomas Gibson (David), Ruth Marshall (Candy), Cameron Bancroft (Bernie), Mia Kirshner (Benita), Joanne Vannicola (Jerri), Matthew Ferguson (Kane), Rick Roberts (Robert), Aidan Devine (Sal), Robert Higden (Editor), Sylvain Morin (Drag Queen), Ben Watt (Chico native), Karen Young (Cantante), Serge Houde (Vaquero), Alex Wylding (Primera víctima), Polly Shannon (Segunda víctima), Annie Juneau (Tercera víctima), Maurice Podbrey (Director de teatro), Aimée Castle (Traficante de Bernie), Kim Handysides (Ashley Britton)

CINEMATOGRAFÍA

Paul Sarossy

BANDA SONORA

John McCarthy

VESTUARIO

Denis Sperdouklis     

PAÍS DE ORIGEN

Canadá

DISTRIBUCIÓN

Sony Pictures Classics

DURACIÓN

100 minutos

CANDY: En el fondo quieres a alguien que sea especial para ti.

DAVID: Soy muy capaz de ser especial para mí mismo.

CANDY: ¿Te enamoraste de mí?

DAVID: No lo sé.

CANDY: Hay personas que se enamoran para el resto de sus vidas.

DAVID: Yo no.

CANDY: Te equivocas David, todos necesitamos ser amados.

DAVID: Para eso tenemos amigos.

CANDY: No es lo mismo.

CANDY: ¿Tú has sentido que no hay nadie como tú en este mundo?

DAVID: Continuamente.

CANDY: En algún lugar hay una persona esperándome, que siente como yo.

DAVID: Hay muchas personas en el mundo que sienten así.

CANDY: Ojalá.

SINOPSIS

En la ciudad de Edmonton durante la década de 1990, un grupo de amigos reflexionan acercan del significado del amor y lo necesario o no que puede llegar a ser. David es un camarero homosexual que ha abandonado su carrera de actor. Candy se dedica a realizar críticas de libros y fue la antigua amante de David antes de que aceptara su homosexualidad. Ambos son buenos amigos en la actualidad y residen en el mismo apartamento. Mientras Candy sueña con encontrar el amor, considerando que todos necesitan ser amados, David se ha convertido en un joven hermético y convencido de no necesitar a nadie en absoluto.

En su búsqueda del amor, Candy cuestiona su propia sexualidad y decide iniciar una aventura con una lesbiana, convencida de que es lo mejor dado sus fracasos con los hombres. David ha comenzado a conocer a un joven atractivo llamado Kane. Aunque se define como heterosexual, Kane siente una obsesión intensa por David, al que idolatra. 

Otros amigos poseen una influencia sobre la pareja de amigos. Benita es una joven dominatrix y psíquica, y Bernie es un inseguro hombre de negocios. Ambos son amigos de David, aunque Candy no les soporta. Al mismo tiempo que todos se embarcan en sus respectivas búsquedas y problemas, un asesino en serie tiene atemorizada a la ciudad de Edmonton.

CURIOSIDADES

La película está basada en una obra de teatro titulada “Restos Humano no Identificados y la Verdadera Naturaleza del Amor”, estrenada en año 1989 en Canadá. La obra de teatro fue escrita por Brad Fraser, quien también se encargó de adaptarla al escribir el guion de la película. La versión de la película sigue la trama de la obra de teatro fielmente, girando en torno a un hombre gay y su compañera de piso heterosexual. Examina la búsqueda del amor o la gratificación sexual de los personajes en Edmonton, mientras un asesino en serie amenaza la ciudad.

La obra de teatro original se estrenó en los Teatros de Alberta durante el Festival de Calgary de 1989.

La obra se vio inmediatamente rodeada de controversia debido a su violencia, escenas de nudismo, diálogos directos y honestos, y su explicitud sexual. Sin embargo, recibió unas críticas más que favorables, y fue nombrada como una de las diez mejoras obras del año por el TIME. Durante los siguientes quince años se realizaron producciones en muchos idiomas en países tan dispares como Nueva York o Japón. En su quince aniversario, la obra volvió a los teatros en Calgary.

Aunque la película fue rodada en Montreal, Quebec, la obra de teatro original y el guion de la película narran la acción en Edmonton, Alberta. Existen varios intentos evidentes en el guion, los decorados y los atrezos para identificar Edmonton como lugar de la acción. Fraser se hizo con el Premio Genie por su guion adaptado, mientras Mia Kirshner, Joanne Vannicola y Matthew Ferguson recibieron nominaciones por sus interpretaciones.

CRÍTICA PERSONAL

Personalmente me sentí muy identificado con los diálogos, los cuales reflejan a la perfección las inquietudes sexuales y sentimentales de la comunidad gay en la década de 1990. Hay ocasiones en las que uno no puede evitar apreciar una película por aspectos meramente empáticos, y esta es una de ellas. En mi caso, salí del armario en 1994, en plena década de los noventa. Al ver la película me identifique perfectamente con las dudas, sentimientos, esperanzas y complejidades de los personajes. También debería destacar las interactuaciones de los dos personajes principales con sus amistades y conocidos. El contraste entre el cinismo de David hacia el romanticismo, y la ferviente creencia de que el amor existe de Candy está reflejado de forma magistral. Siendo opuestos en ese sentido, me pareció una brillante idea que los dos estuvieran unidos por una amistad tan sólida.

Y es que además de analizar sentimientos románticos o de amor, así como sensaciones meramente sexuales, la película no se olvida de realzar la importancia del concepto de la amistad, que siempre me pareció más importante en la década de 1990 que en la actualidad.

Debo admitir que el comienzo de la película no me enganchó demasiado al comienzo. Este es uno de esos casos en los que fui quedando más y más fascinado a menudo que la trama se desarrollaba. La cinematografía también podría haber ser pulida.

CALIFICACIÓN

8- Notable

GRIEF

TÍTULO ORIGINAL

Grief

AÑO DE ESTRENO

1993

DIRECTOR

Richard Glatzer

PRODUCTORES

Ruth Charny, Yoram Mandel

GUION

Richard Glatzer

REPARTO

Craig Chester (Mark), Illeana Douglas (Leslie), Alexis Arquette (Bill), Kent Fuher (Jo), Carlton Wilborn (Jeremy), Lucy Gutteridge (Paula), Robin Swid (Kelly), William Rotko (Bill), Shawn Hoffman (Ben), Frank Rehwaldt (Bailarín), Greg Bennett (Bailarín), Mickey Cottrell (Juez), Katherine Connella (Beverly / Ginger), Mary Woronov (Abogada), Mauri Bernstein (Abogado), Jeffrey Hilbert (Antonio), Johanna Went (Marleen), Joan Valencia (Tutti), Beatrice Manley (Loretta), Ian Abercombrie (Stanley), John Fleck (Ben / Chaz), Sloane Bosniak (Susie)

CINEMATOGRAFÍA

David Dechant

BANDA SONORA

Tom Judson

VESTUARIO

Laser Rosenberg

PAÍS DE ORIGEN

Estados Unidos

DISTRIBUCIÓN

Strand Releasing

DURACIÓN
87 minutos

 

JEREMY: Mira, durante las últimas tres semanas he tenido una aventura con Bill. Y me siento incomodo, porque siento que estoy haciendo algo con él…

MARK: ¿Qué Bill?

JEREMY: Bill, Bill de la oficina.

MARK: ¿Qué quieres decir?

JEREMY: ¿Qué quieres decir con qué quiero decir? Te lo acabo de decir.

MARK: Has esperado tres semanas para decírmelo.

JEREMY: Bill no quería que te lo contara.

MARK: Bill. Bueno Jeremy. ¿Fue Bill a la universidad contigo? ¿Te ayudó Bill a pasar los exámenes orales?

JEREMY: Mira Mark, lo siento.

MARK: ¡No! ¿Te llevó Bill al médico cuando tuviste ladillas?

JEREMY: Mark, no pensé que te importara tanto.

MARK: ¡Una mierda! ¡Por supuesto que lo sabías!

 

SINOPSIS

Mark es un joven que trabaja en el equipo encargado de producir una telenovela, titulada “El Juez del Amor”, en Los Ángeles. Mark ve próximo el aniversario de la muerte del amor de su vida, quien sucumbió víctima del SIDA. Jo es la productora de la serie, que repentinamente decide anunciar que se retira de su trabajo. Sus candidatos para ocupar su puesto son el propio Mark y Paula, adicta al prozac. Al mismo tiempo, Mark se siente fuertemente atraído hacia su compañero de trabajo Bill, quien asegura ser heterosexual. Por otro lado, un buen amigo de Mark llamado Jeremy también siente una fuerte atracción hacia Bill, y no tarda en hacer obvia dicha atracción, lo que provoca que ambos mantengan relaciones sexuales.

Mark también tiene una amistad sincera con Leslie, ayudante de Jo, y aspirante a escritora. A pesar de establecer una relación con Jeremy, Bill no duda en flirtear con Mark llegando a besarle.

La situación toma un giro complicado cuando Jeremy, sintiéndose culpable por su aventura, decide confesarse con Mark.

El joven se ve enfrentado a estas decepciones, mientras observa como Paula consigue hacerse con el puesto.

 

CURIOSIDADES

Se trata de la primera película dirigida por Richard Glatzer, quien también se encargó de elaborar su guion. Glatzer había formado parte del equipo de producción de la serie de televisión “Divorce Court” (1984), por lo que decidió crear una historia de enredo sobre el equipo de producción de una telenovela ficticia titulada “El Juez del Amor”. Contó con un reducido presupuesto de cuarenta mil dólares, y solamente diez días para rodar el proyecto. Deseaba mostrar lo absurdo de la realización de programas de televisión barata, decidiendo introducir cameos divertidos de juicios, para contribuir a la trama. Todo esto surgió poco antes de que los juicios comenzaran a ser utilizados en realities de televisión.

Sin embargo, la inspiración principal de Glatzer era la de crear una película que examinara las dificultades que había experimentado al perder a su amante.

El director declaró que ese había sido el momento más difícil de su vida, así como su inseguridad a la hora de usar ese aspecto en una comedia. Llegó a expresar que en ese momento no estaba seguro de estar creando una comedia, y que en parte se sintió presionado por lo que los espectadores esperaban de él. Solo logró expresar esos sentimientos de manera indirecta, comenzando una trama en la que el protagonista había perdido a su amante, víctima del SIDA. El director dedicó la película a su amante Donald Berry. La película se hizo con premios en el Festival de Cine Gay de San Francisco, y el Festival de Torino. Logró recaudar alrededor de doscientos quince mil dólares durante su corta distribución en taquilla. Con el paso del tiempo fue considerada una película de culto, pero no fue hasta el año 2004, que comenzó a ser distribuida en DVD.

 

CRÍTICA PERSONAL

Lo que más me sorprendió de esta película fue que cuando leí acerca de la misma, la encontré descrita como una comedia. Aunque existen determinados diálogos para arrancar la risa del espectador, la consideré un drama bastante considerable. Sin embargo, me enganché a la historia a través del protagonista Mark, interpretado de forma empática por Craig Chester. Aunque la película no deja de ser una historia de enredo concerniente a las relaciones de un grupo de amigos y compañeros de trabajo, la base del personaje de Mark es bastante dramática.

La película pasa por encima de su pérdida, explicándonos que su pareja murió un año atrás víctima del SIDA. Este me pareció un recurso efectivo, pues nos ayuda a entender los periplos de Mark, enfrentándose a la necesidad de sentir afecto, su pánico a perderlo, y en general todas sus inseguridades. 

Esto le convierte en un protagonista efectivo, alrededor del cual giran el resto de personajes. Comenzaré señalando que muchos de los actores realizan un trabajo algo mediocre. Sin embargo, el mayor defecto lo encontré en el final de la película. Tras exponernos a una serie de enredos entre los protagonistas, se nos ofrece una resolución apresuradamente feliz, sin que parezca que ninguno de los personajes haya solucionado sus problemas básicos ni haya evolucionado. La inclusión de escenas del juzgando, evocando a la serie producida por los personajes, no contribuye nada a la trama y solo resta tiempo que podría haber sido dedicado a un mejor propósito.

  

CALIFICACIÓN

6- Bien

PHILADELPHIA

TÍTULO ORIGINAL

Philadelphia

AÑO DE ESTRENO

1993

DIRECTOR

Jonathan Demme

PRODUCTORES

Jonathan Demme, Edward Saxon

GUION

Ron Nyswaner

REPARTO

Tom Hanks (Andrew Beckett), Denzel Washington (Joe Miller), Jason Robards (Charles Wheeler), Antonio Banderas (Miguel Álvarez), Joanne Woodward (Sarah Beckett), Robert W. Castle (Bud Beckett), Mary Steenburgen (Belinda Conine), Ann Dowd (Jill Beckett), Lisa Summerour (Lisa Miller), Charles Napier (Juez Lucas Garnett), Roberta Maxwell (Juez Tate), Buzz Kilman (Crutches), Karen Finley (Doctora Gillman), Robert Ridgely (Walter Kenton), Bradley Whitford (Jamey Collins), Ron Vawter (Bob Seidman), Anna Deavere Smith (Anthea Burton)

CINEMATOGRAFÍA

Tak Fujimoto

BANDA SONORA

Howard Shore

VESTUARIO

Colleen Atwood

PAÍS DE ORIGEN

Estados Unidos

DISTRIBUCIÓN

TriStar Pictures

DURACIÓN
125 minutos

 

BIBLIOTECARIO: Señor, aquí tiene el suplemento. Tenía razón, respecto al VIH hay una sección relativa a la discriminación.

ANDREW BECKETT: Gracias, muchísimas gracias.

BIBLIOTECARIO: Si quiere tenemos una sala privada para investigación.

ANDREW BECKETT: Estoy bien aquí, gracias.

BIBLIOTECARIO: ¿No estaría más cómodo en la sala de investigación?

ANDREW BECKETT: No. ¿No sería usted el que estaría más cómodo?

JOE MILLER: Oh, Beckett. ¿Cómo está?

ANDREW BECKETT: Letrado.

BIBLIOTECARIO: Como quiera señor.

 

SINOPSIS

Andrew Beckett es un exitoso abogado al que se le ha ofrecido convertirse en nuevo socio de su prestigiosa firma.

Sin embargo, cuando sus jefes descubren que está enfermo de SIDA, proceden a despedirle haciendo que parezca que ha realizado una grave incompetencia con un caso importante. Andrew solicita la ayuda de un abogado llamado Joe Miller, quien siendo homófobo rechaza inicialmente el trabajo. Sin embargo, Miller cambia de opinión y decide llevar el caso.

Enfrentado al poderoso equipo de la antigua firma de Andrew, Joe Miller se sumerge en la vida de Andrew enfrentándose a sus propios prejuicios. Por su parte, Andrew cuenta con el apoyo de su familia y pareja Miguel. Cuando su enfermedad comienza a empeorar gravemente, el abogado sacará fuerzas de flaqueza para conseguir que por lo menos se haga justicia.

 

CURIOSIDADES

Tras los créditos finales se revela que los eventos de la película fueron parcialmente inspirados en un caso real.

Se trata de una demanda por discriminación contra el SIDA por parte de Geoffrey Bowers en el año 1987. También se inspiraron en el valor y amor de la familia Angius y muchos otros que habían experimentado dicha discriminación. Sin embargo, la familia de Bowers presentó una demanda contra la producción alegando que las similitudes con el caso de su hijo eran excesivas, aunque se logró llegar a un acuerdo.

A la hora de escoger un actor que interpretara al personaje se consideraron a actores como Daniel Day-Lewis, Michael Keaton y Andy Garcia. Finalmente, se optó por contar con Tom Hanks debido al afecto que despertaba en el público, ya que esto haría que una película con un tema tan controvertido llegara a todo el mundo. Originalmente, y para contrarrestar el papel de Tom Hanks, el director Jonathan Demme consideró elegir a un actor de comedia para interpretar el papel de Joe Miller. Algunas opciones incluyeron a Bill Murray y Robin Williams, pero cuando Denzel Washington mostró interés en el papel se lo concedió.

Esto se debía a que Demme llevaba algunos años deseando trabajar con el actor. Tom Hanks tuvo que perder casi catorce kilos de peso para sus escenas en el juzgado. Sin embargo, se le solicitó a Denzel Washington que ganara algunos kilos para su papel. Para angustia de Hanks, que tuvo que pasar hambre para el papel, Washington a menudo consumía barras de chocolate.

En la escena de la fiesta de disfraces, los personajes de Andrew y Miguel utilizan uniformes militares. Esto fue realizado a propósito, ya que en el momento del rodaje se prohibía a gays y lesbianas que sirvieran en las fuerzas armadas de los Estados Unidos. Clinton había prometido acabar con esa prohibición, pero se limitó a permitir que los homosexuales y lesbianas sirvieran, siempre que no hicieran pública su orientación sexual. Esta ley continuó en vigor hasta septiembre de 2011. Las escenas en el juzgado no fueron rodadas en un decorado, sino en un juzgado verdadero que les fue cedido por la ciudad. El director deseaba que el público que no estuviera familiarizado con el SIDA viera la película.

Por eso decidió contar con Bruce Springsteen para ayudar con este propósito. Tanto la película como la canción “Streets of Philadelphia” fueron una gran influencia para despertar concienciación sobre la enfermad, y eliminar parte de su estigma. La escena final muestra como la familia de Andrew observa videos de la niñez del personaje. Dichos videos eran los de la infancia del propio Tom Hanks.

La película contó con cinco nominaciones a los Oscars, dos de ellas en la misma categoría (Mejor canción). Tom Hanks se hizo con el Oscar al mejor actor, y su buen amigo Bruce Springsteen ganó otro por su canción “Streets of Philadelphia”. La otra canción nominada era “Philadelphia” de Neil Young. La película también fue nominada al mejor Guion Original y mejor Maquillaje, perdiendo contra “El Piano” y “Señora Doubtfire” respectivamente.

 

CRÍTICA PERSONAL

No cabe duda de que esta película marcó un antes y un después en la concienciación global sobre el problema del VIH, y la discriminación que la enfermedad del SIDA provocaba. Tom Hanks realiza un trabajo espectacular, logrando la difícil tarea de establecer empatía en el público, en un tiempo en el que tema era cuanto menos escabroso. Denzel Washington está al mismo nivel, mostrando un análisis detallado del problema de los prejuicios, y la forma de enfrentarse a estos para acabar con la homofobia. Es una película conmovedora de principio a fin.

No tengo más remedio que declarar que lo peor de la película, bajo mi modesta opinión, fue la pésima labor interpretativa de Antonio Banderas. Casi me atrevería a decir que se trata de su peor trabajo como actor. Su interpretación me resultó sobreactuada, y en ocasiones ridícula.

 

CALIFICACIÓN

9- Muy bien

A TOUCH OF FEVER

TÍTULO ORIGINAL
Hatachi No Binetsu
AÑO DE ESTRENO
1993
DIRECTOR
Ryosuke Hashiguchi
PRODUCTOR
Akira Ishigaki
GUION
Ryosuke Hashiguchi
REPARTO
Yoshihiko Hakamada (Tatsuru Shimamori), Reiko Kataoka (Yoriko Suzuki), Masashi Endô (Shinichirô Miyajima), Sumiyo Yamada (Atsumi), Koji Sato (Amo), Bunmei Harada (Kawakubo), Kouta Kusano (Takashi), Yôichi Kawaguchi (Ohta), Hiroshi Ôkôchi (Cliente), Tarô Ishida (Padre de Yoriko), Wakaba Irie (Madre de Yoriko)
CINEMATOGRAFÍA
Junichi Tozawa
BANDA SONORA
Akira Isono, Ryuji Murayama, Kôhei Shinozaki
VESTUARIO
Sin acreditar
PAÍS DE ORIGEN
Japón
DISTRIBUCIÓN

Pia
DURACIÓN

114 minutos

SHINICHIRÔ MIYAJIMA: Quiero probar que puedo llegar a ser alguien, que tengo valía.
TATSURU SHIMAMORI: A menudo pienso en convertirme en algo irreal.
SHINICHIRÔ MIYAJIMA: ¿Qué quieres decir con irreal?
TATSURU SHIMAMORI: Algo fuera de este mundo.
SHINICHIRÔ MIYAJIMA: No existe tal cosa. Hacia tiempo que no tenía la oportunidad de sincerarme con alguien. Es agradable.

SHINICHIRÔ MIYAJIMA: Conseguir un amante, o conseguir un amigo: ¿Qué crees que es más difícil?
ATSUMI: Me pregunto cual de las dos cosas es más difícil. ¿Conseguir un amante? No se, supongo que deberías ser más feliz.
SHINICHIRÔ MIYAJIMA: Es muy difícil, especialmente entre hombres.
ATSUMI: Lo mismo ocurre con las mujeres. Las relaciones entre hombres me parecen más simples.
SHINICHIRÔ MIYAJIMA: ¿Estas subestimando las relaciones gay?
ATSUMI: Como si tú lo supieras todo. Para tu información, las relaciones heterosexuales no son más fáciles.

SINOPSIS
Tatsuru es un estudiante universitario dedicado a la prostitución, que ha aprendido a mantener a raya sus sentimientos y emociones para poder realizar su trabajo sin que este afecte su vida personal. Shinichirô es un estudiante de bachiller también dedicado a la prostitución, trabajo que aborrece, y del cual se ve incapaz de desconectar. Las amigas de ambos muchachos, Yoriko y Atsumi, intentan ejercer de anclas a ese mundo de adolescentes que ambos están ignorando.
Cuando Tatsuru y Shinichirô se conocen forjan una grata amistad, llegando a vivir juntos, que con el tiempo empuja al último a enamorarse del primero. Sin embargo, el pánico al rechazo, y resquebrajar una ilusión más, harán que Shinichirô se cierra a admitir sus sentimientos, aún cuando la oportunidad para ello se presentan. Ambos jóvenes deberán enfrentarse a sus miedos y debilidades para hacer frente a su futuro.

CURIOSIDADES
“Hatachi No Binetsu” supuso todo un éxito comercial, lo cual fue sorprendente considerando el tema que trataba. La película fue por ese motivo todo un avance en las películas de temática gay en Japón.
Se trata de la primera película de Ryosuke Hashiguchi, que se encargó de escribir el guión de la misma, y que realizaría más proyectos de temática gay. Su intención era la de mostrar dos caracteres opuestos característicos en la sociedad adolescente japonesa, uno frío cerrado y negando sus emociones, y otro que se dejase guiar por ellos. Una vez realizado esto, pretendía mostrar el choque de ambos caracteres, inmersos en un mundo tan complicado como el de la prostitución adolescente.
El titulo de la película fue traducido internacionalmente como “A Touch of Fever” (Golpe febril), o “Slight Fever of a Twenty Year Old” (Fiebre ligera de un veinteañero), aunque no ha sido traducida al español.

CRÍTICA PERSONAL
Hay determinados aspectos que me gustaron de la película. El tema de la prostitución es manejado desde una forma inusual y efectiva. Por un lado tenemos a Tatsuru que ha optado por convertirse en un bloque de hielo. No da lugar a cabida alguna de emociones y sentimientos, lo que le permite dedicarse a la prostitución sin que esto le afecte y deprima. Sin embargo esto se torna como un arma de doble filo, ya que dicha indiferencia termina por extenderse a todos los aspectos de su vida personal.
El opuesto es demostrado en el personaje de Shinichirô. Este es más apasionado, se deja llevar por sus sentimientos, y son estos los que provocan que aborrezca el estilo de vida que ha optado por tomar. Sin embargo, esta “debilidad” emocional es la que le permite sentir emociones, y terminar por enamorarse de su compañero de trabajo y amigo.
Ryosuke Hashiguchi toma estos dos opuestos radicales, y hace que la trama gire en torno a ellos de una manera original, hasta que la personalidad de uno termina por afectar a la del otro.
El gran problema de la película es que fracasa a la hora de aprovechar ambos opuestos de una manera efectiva. El primer problema es la gran duración del film, que adquiere un ritmo lento, cansino, aburrido, y en ocasiones completamente irrelevante. A la mitad de la película percibí como mi interés en el desarrollo de la trama decrecía exponencialmente. Un ejemplo de esto es lo indefinido acerca del pasado de ambos protagonistas, o de las circunstancias que les han llevado a la situación que se nos muestra. Dicha indefinición hace imposible entender las motivaciones y comportamientos de ambos.
Esto se refleja en la relación de los protagonistas que parece no llegar a ningún puerto concreto, ni bueno ni malo. Esto, mezclado con unas interpretaciones a menudo mediocres, hace que la experiencia cinematográfica sea insuficiente, y que el espectador se pregunte el final cual ha sido el propósito de la línea argumental a la que ha sido sometido durante casi dos interminables horas.

CALIFICACIÓN
4- Insuficiente

EL BANQUETE DE BODA

TÍTULO ORIGINAL
Xi Yan
AÑO DE ESTRENO
1993
DIRECTOR
Ang Lee
PRODUCTORES
Ang Lee, Ted Hope, James Schamus
GUION
Ang Lee, Neil Peng, James Schamus
REPARTO
Winston Chao (Wai-Tung Gao), Mitchell Lichtenstein (Simon), May Chin (Wei-Wei), Sihung Lung (Señor Gao), Ya-lei Kuei (Señora Gao), Dion Birney (Andrew), Jeanne Kuo Chang (Secretaria de Wai-Tung), Michael Gaston (Juez de paz), Yung-Teh Hsu (Bob Law), Neal Huff (Steve), Eddie Johns (Haskell), Chih Kuan (Abuela Tien), Dean Li (Director Wang), John Nathan (Joe), Tien Pien (Viejo Chen), Marny Pocato (Miriam), Hannah Sullivan (Mariane), Vanessa Yang (Mao Mei)
CINEMATOGRAFÍA
Lin Jong
BANDA SONORA
Mader
VESTUARIO
Michael Clancy
PAÍS DE ORIGEN
Taiwán
DISTRIBUCIÓN

Samuel Goldwyn Company
DURACIÓN

106 minutos

SEÑOR GAO: Feliz cumpleaños Simon.
SIMON: ¿Habla usted mi idioma?
SEÑOR GAO: Un poco. Feliz cumpleaños.
SIMON: Mi cumpleaños, casi lo había olvidado. Pero dígame. ¿Cómo lo ha sabido?
SEÑOR GAO: Observo, relaciono, deduzco. Wai-Tung es mi hijo, así que tú también lo eres.
SIMON: Viejo zorro. Muchas gracias, gracias. Cuando se lo diga…
SEÑOR GAO: No, ni a Wai Tung, ni a su madre, que todos ignoren lo que yo se. Será nuestro secreto.
SIMON: ¿Pero por qué?
SEÑOR GAO: Por la familia. Si no les hubiera permitido mentir, nunca habría conseguido a mi nieto.
SIMON: No acabo de entenderlo.
SEÑOR GAO: No despiertes al león dormido.

SINOPSIS
Wai-Tung Gao vive en Estados Unidos con su pareja Simon, pero con la sombra de sus padres desde Taiwán, que desconociendo la homosexualidad de su hijo continúan presionándole para que se case y les de un nieto que perpetúe la familia. Por otra parte, Wei-Wei es la inquilina de Wai-Tung que pende de un hilo al no tener nacionalidad americana, con la constante amenaza de inmigración.
Es entonces cuando Simon decide que Wai-Tung y Wei-Wei pueden formar un matrimonio de conveniencia. Los padres de él quedarán contentos, y Wei-Wei podrá obtener la residencia. Las cosas se complican cuando los padres de Wai-Tung se presentan para la boda que resulta ser una simple ceremonia civil. Al encontrarse con un antiguo amigo de la familia, este les ofrecerá un banquete de boda tradicional, y el singular trío se verá cada vez más inmerso en una farsa, que no hará sino complicar las cosas.

CURIOSIDADES
Son muchos los críticos que han señalado a esta película como la responsable de llevar una relación sentimental al público general, y tratar al mismo tiempo los conflictos familiares involucrados en ese proceso.
Ang Lee escribió la historia de esta película seis años antes de que se decidiera a llevarla a la gran pantalla, y cinco años antes de su primera película “Manos que Empujan”. La primera parte de la película la baso en la historia verdadera de un amigo suyo llamado Neil Peng. Se trata de la primera de tres películas de temática gay de Ang Lee, a la que siguió “En Terreno Vedado” y “Destino: Woodstock”. El propio Ang Lee se decidió a aparecer en un Cameo como uno de los invitados al banquete.
Fue la película más rentable del año 1993, consiguiendo recaudar casi veinticuatro millones de dólares con un presupuesto de un millón. Esto le dio un ratio de coste-ganancia de 23:6, mientras que “Parque Jurásico” había obtenido un ratio de 13:8. La película fue nominada al Oscar y a los Globos de Oro como Mejor Película Extranjera aunque no logró hacerse con ellos. Sin embargo si logró alzarse con el Oso de oro del Festival de Berlín.
En diciembre de1993, la película fue convertida en novela por Yūji Konno, y publicada en Japón.

CRÍTICA PERSONAL
Evidentemente la película hace uso de un excepcional humor inteligente, pero lo sorprendente es que logra mezclarlo con temas verdaderamente relevantes aún a día de hoy.
Y es que lo que más impresionó fue la representación de los padres de Wai-Tung. La razón es simple, pues pude ver la película cuando estaba en la universidad, y en una época en la que salir del armario ante mis padres me producía un intenso terror. La película muestra esa dificultad de manera muy explicita, pero sin otorgar el papel de villano a ninguna de las partes, lo que es un error muy común cuando se tratan los conflictos familiares en este tipo. En este caso, no tenemos malos y buenos, sino que podemos entender las posturas de ambas partes.
En el caso de Wai-Tung se entiende perfectamente el miedo al rechazo, y a disgustar a sus padres, en caso de que estos descubrieran su homosexualidad, más aún considerando que se trata de un hijo único. Evidentemente esto es algo con lo que cualquier gay puede sentirse identificado. Wei-Wei también es un personaje que acaba por mostrar la sensibilidad bajo su dureza exterior, y uno puede entender su angustia al verla vivir la boda que siempre ha deseado, pero que en realidad no deja de ser una farsa absoluta. Pero lo formidable del film es que te empuja a entender la postura de sus padres, como se rompen sus ilusiones, y como a pesar de terminar por aceptar la situación, el evento les marca de por vida. Yo me encontré simpatizando mucho con esos personajes, pues mientras Wai-Tung y su circulo volvían a su vida habitual, la de ellos había cambiado inexorablemente. Toda esta temática esta mezclada con una excelente banda sonora que sabe mantener ese nivel nostálgico y emocional necesario a la hora de tratar estos temas.
De hecho es una de las pocas películas de temática gay que he compartido con mi familia, y creo que es la mejor de Ang Lee, superando de lejos a “Brokeback Mountain”.
No hay nada negativo que yo haya sido capaz de encontrar en esta película.

CALIFICACIÓN
10- Sobresaliente