BEEFCAKE

TITULO ORIGINAL
Beefcake
AÑO DE ESTRENO
1998
DIRECTOR
Thom Fitzgerald
PRODUCTORES
Thom Fitzgerald, Shandi Mitchell
GUION
Thom Fitzgerald
REPARTO
Daniel MacIvor (Bob Mizer), Joshua Peace (Neil E O’Hara), Jack Griffin Mazeika (Red), Carroll Godsman (Delia Mizer), Jonathan Torrens (David), Thomas Cawood (Abogado de Mizer), Dick Sircom (Juez), Thom Fitzgerald (Abogado de LaFleur), Jaime Robertson (Fiscal), Glen Deveau (Soldado), Marla McLean (Cantante de cabaret), Bernard Robichaud (Jukie), Steve MacLaughlin (LaFleur), Andy Smith (Arhur Bob), James Mac Swain (Señor Summers), Timothy Phillips (Bob Mizer a los 12 años), Daniel McLaren, Marc St Onge, Michael Weir, Marc LeBlanc, Joe Dacey, Mark Burt, Brian Breau, Wayne Bedwell, Reuben Lee Aulos, Larry Dunn, Bobby Lawarance, Brad Allen (Ellos mismos)
CINEMATOGRAFÍA
Tom Harting
BANDA SONORA
John Wesley Chisholm, Michael Diabo, John Roby
VESTUARIO
James A Worthen
PAÍS DE ORIGEN
Canadá
DISTRIBUIDA POR:
Strand Releasing
DURACIÓN
97 minutos

AMIGO DE BOB: “Hace frío aquí arriba.”
BOB MIZER: “¿Mejor?”
AMIGO DE BOB: “Sí.”
BOB MIZER: “Todavía falta algo. No me refiero a ti, bobo. Esto servirá de fondo, no es muy romano pero quedará bien.”
AMIGO DE BOB: “¿Por qué siempre haces las fotos tú?”
BOB MIZER: “Soy el director; tú eres la estrella.”
AMIGO DE BOB: “Tú podrías ser la estrella.”
BOB MIZER: “Soy feo. No te muevas. ¡Genial! Un autentico romano.”
DELIA MIZER: “¡Bob! Deja de hacer ruido.”
BOB MIZER: “Es solo el flash mamá.”
DELIA MIZER: “¿Qué estáis haciendo aquí arriba, chicos? ¡Mi vestido de novia! ¡Bob, por el amor de Dios! ¡Apártate! ¿Quién te dijo que podías hacer esto? ¿Quién te ha dado permiso para utilizar la cámara? Mira todos mis vestidos por el suelo. ¡Debería cortaros la cabeza! ¿Dónde esta tu ropa?”
AMIGO DE BOB: “No lo se.”
BOB MIZER: “Los romanos no llevaban ropa. Robert Henry Mizer, ¿estás loco? Que no te vuelva a pillar haciendo esto otra vez, y tú vístete. Tengo que compraros un balón de futbol.”

SINOPSIS
La película narra la vida de Bob Mizer desde sus comienzos en el mundo de la fotografía erótica masculina, cuando esta se camuflaba como material atlético o deportivo para lograr evitar la censura. Dichas fotografías eran publicadas en un tipo de revistas que pasaron a ser denominadas como “Beefcake”. Mostraban a jóvenes musculados y atractivos en poses atléticas, y estaban camufladas como revistas atléticas para evitar la homofobia y pensamiento conservador existente desde la década de 1930 a la de 1950.
El film narra como Bob Mizer acabó por producir la revista conocida como “Physique Pictorial”, que fue pionera en los desnudos masculinos. A lo largo de la película se mezclan hechos históricos con otros ficticios, y se muestran entrevistas a los mismos protagonistas que narran sus experiencias trabajando para este tipo de revistas. Uno de ellos es Joe Dálessandro, que se inició en estas publicaciones y pasó a ser fetiche de Andy Warhol.

CURIOSIDADES
La película se combina con un documental, analizando el mundo de las revistas que en teoría se vendían como revistas de salud y puesta en forma, cuando en realidad eran consumidas por una comunidad homosexual que existía en la clandestinidad propia de la década de 1950. De hecho combina la historia del fotógrafo Bob Mizer y los hechos que llevaron a que fuera juzgado, con entrevistas a estrellas de aquella era perdida. Esto resulta en la mezcla de un estilo biográfico, que aborda historia social con un toque de fantasía, para examinar el estilo voyeurista al homo erotismo que en realidad era vendido por la revista “Physique Pictorial”.
Tras su estrenó, el film fue mostrado en el Festival de Cine Sundance en 1999, y fue nominada para tres Premios de los Genie Awards.

LO MEJOR
La verdad es que me llevé toda una sorpresa con esta película, que con su aporte documental nos muestra aspectos muy interesantes detrás del mundo de la fotografía erótica, y como esta era camuflada como atlética, para ser adquirida por un oculto ambiente homosexual de la época. Se combina de manera efectiva la narrativa sobre la vida y trabajo de Mizer, y las entrevistas de las personas que tuvieron relaciones directas o indirectas con su vida y trabajo.
Igualmente lograda me pareció la estética. No solo se cuidan los detalles del vestuario, entornos, y por supuesto el de los modelos de la época, sino que en ocasiones la estética de la cinematografía emule la calidad de videos de la década, lo que se comprueba al ver las entrevistas, con una cinematografía más actualizada.
En cuanto a la profundidad de los personajes, durante la película me decanté más por el de Delia Mizer, madre del protagonista. Su personaje es el más elaborado, mostrando distintas facetas o reacciones ante los eventos que toman lugar a lo largo de la trama. En general es un trabajo entretenido e interesante, si bien podría haber profundizado más.

LO PEOR
Empiezo por el pobre desarrolló de Bob Mizer, del que apenas se nos muestra su faceta de trabajo, sin elaborar demasiado en el origen de la misma. Tampoco se nos muestra sus reacciones ante el tenso desenlace. Por otro lado, las entrevistas podían haber sido más completas, sobre todo con el propósito de aportar más datos sobre la cultura que rodeaba a las publicaciones. En concreto me hubiera gustado que los entrevistados proporcionaran información acerca de los procesos que llevaban a las publicaciones, y las ideas detrás del origen de las mismas, o sobre el impacto que tenía sobre ellos el que fueran revistas consumidas por la comunidad homosexual.

MI CALIFICACIÓN
7- Buena

THE BIG GAY MUSICAL

TITULO ORIGINAL
The Big Gay Musical
AÑO DE ESTRENO
2009
DIRECTORES
Casper Andreas, Fred M Caruso
PRODUCTORES
Fred M Caruso, Casper Andreas, Jay Arnold, Tom D’Angora, Michael Duling
GUION
Fred M Caruso
REPARTO
Celina Carvajal (Esposa / Eva), Daniel Robinson (Paul /Adán), Joey Dudding (Eddie / Steve), Jeff Metzler (David), Liz McCartney (Patty-Maye), Brian Spitulnik (Michael), Andre Ward (José), Steve Hayes (Dios), Jim Newman (Bruce), Michael Schiffman (Charles), Marty Thomas (Dorothy), Kate Pazakis (Ella misma), Brent Corrigan (Chapero), Jack Aaronson (Él mismo), Casper Andreas (Acomodadora), Jordan Bass (Chico del gimnasio), Jeff Binder (Padre de Eddie), Denise Cormier (Madre de Eddie), Todd Buonopane (Dante), Joshua Cruz (Sebastian), John Hillner (Benny), Ryan Overberg (Scott), Rick Skye (Slice O’Minnelli), Ben Thompson (Esposo / Adán hetero)
CINEMATOGRAFÍA
Jon Fordham
BANDA SONORA
Jack Aaronson, Fred M Caruso, Rick Crom
VESTUARIO
Bobby Pearce
PAÍS DE ORIGEN
Estados Unidos
DISTRIBUIDA POR:
Embrem Entertainment
DURACIÓN
90 minutos

BENNY: “Todos los días le doy gracias a Dios por haberme traído a Patty Maye. ¿Sabes que hora es?”
PATTY MAYE: “Espero que sí.”
BENNY: “Es hora de oír acerca de Jesús.”
PATTY MAYE: “Amén.”
BENNY: “Pero antes explicaros la palabra del señor, tengo algo muy importante que deciros. Amigos míos, compañeros de sacerdocio, nos encontramos en tiempos difíciles. Queremos extender el mensaje del señor por todo el mundo. ¡Pero se nos esta acabando el dinero! ¿Y saben qué? Todo el dinero de sus carteras, de sus cuentas bancarias y tarjetas de crédito. Pues bien, ese no es su dinero. ¡Es el dinero de Dios! Y Dios necesita que le devolváis su dinero.”
PATTY MAYE: “¡Aleluya!”

PAUL: “Creo que los dos somos bastante patéticos.”
EDDIE: “Creo que me gusta ser patético.”

SINOPSIS
Paul y Eddie son dos actores que han comenzado los prestrenos del nuevo musical “Adán y Esteban: Tal y como Dios les ha hecho”. Curiosamente, sus vidas reflejan de manera extraña a los personajes que están interpretando. Paul esta buscando al hombre perfecto, mientras Eddie intenta averiguar como su sexualidad y fe pueden fusionarse. Tras una cita desastrosa, Paul siente una epifanía. Decide dejar de tener citas, y convertirse en promiscuo, al igual que sus compañeros de camerino.
Por su parte, Eddie todavía tiene que contar a sus padres que es gay, mientras participa en el polémico espectáculo. Eddie sale del armario, diciéndoles la verdad a sus padres, mientras Paul se sumerge en su caza de hombres. Los padres de Eddie quedan devastados por la noticia, mientras Paul ni siquiera es capaz de encontrar una relación sexual satisfactoria. A través del musical, que narra de forma peculiar el Génesis, historias de un campamento que intenta convertir a homosexuales en Heteros, y varios números musicales, los dos tendrán que aceptar que son tal y como Dios los ha hecho.

CURIOSIDADES
Los directores decidieron conceder los papeles principales a actores de Broadway que aceptaran abiertamente su homosexualidad. De hecho el reparto incluye a actores veteranos de teatro, y además cuenta con coreografías de Shea Sullivan y canciones escritas por Rick Crom. Fue la primera película para los dos actores de teatro Daniel Robinson y Joey Dudding, los dos protagonistas. Ambos se mostraron preocupados por el modo en las escenas de sexo iban a ser manejadas en la película, y de hecho Robinson rechazó inicialmente el papel. Llegó a declarar que se sentía superado por la película, y se sentía incomodo con las escenas sexuales y el aparecer desnudado, tildando la película de excesivamente gay para él. A esto añadió también el temor a ser encasillado en papeles gay, y que esta película le quedara marcada como un tatuaje. Sin embargo, terminó por decidir que esta era una buena oportunidad, y tras realizar la película reconoció que las escenas de sexo de la película eran más difíciles de leer, que de interpretar.
La película fue rodada en diecisiete días. Todas las tomas de escenario fueron rodadas en “Actors Playhouse” en West Greenwich Village, en la Ciudad de Nueva York. Las escenas en Central Park fueron rodadas a toda velocidad, ya que el equipo no tenía los permisos requeridos para rodar allí.
La crítica fue diversa, y señaló que al lidiar con el Génesis, en raras ocasiones la “blasfemia” podía entretener, y que a Caruso le había faltado un poco de ingenio para que la comedia funcionara a la perfección, y también que la estructura era algo inusual. Sin embargo, otros señalaron la eficacia del film para realizar una crítica sobre la hipocresía religiosa a través de la comedia.

LO MEJOR
La verdad es que dentro de su simpleza la película resulta hilarante, y realiza un examen y revaluación sobre el uso de la religión para fomentar el odio y la discriminación, cuando debería promover el amor, y recordarnos que no somos quienes para juzgar al prójimo. Por otro lado la película utiliza la fe como vehículo que puede ayudarnos o evitar, en caso de su carencia, a llegar a nuestro destino. En ningún momento se realiza una crítica sobre la religión, sino sobre la utilización partidista de la misma.
El estilo es el de una comedia, aderezada con números musicales, y que nos muestra un paralelismo entre la ficción y lo real. Todos los personajes, ya sean heterosexuales o homosexuales, se muestran de manera excéntrica para acentuar el estilo de comedia de la película. Yo pasé un rato muy divertido.

LO PEOR
No me gusta ver una película que utiliza personajes homosexuales físicamente perfectos, sobre todo cuando se tratan temas que deberían recordarnos la poca importancia del aspecto físico.

MI CALIFICACIÓN
9- Muy buena

DE CABEZA

TITULO ORIGINAL
Head On
AÑO DE ESTRENO
1998
DIRECTOR
Ana Kokkinos
PRODUCTOR
Jane Scott
GUION
Ana Kokkinos
Basado en la novela de Christos Tsiolkas
REPARTO
Alex Dimitriades (Ari), Paul Capsis (Johnny), Julian Garner (Sean), Tony Nikolakopoulos (Dimitri), Elena Mandalis (Betty), Damien Fotiou (Joe), Eugenia Fragos (Sophia), María Mercedes (Tasia), Alex Papps (Peter), Dora Kaskanis (Dina), Vassili Zappa (Vassili), Andrea Mandalis (Alex), Maya Stange (Janet), Nathan Farinella (Joven Ari), Paul Farinella (Joven Peter), Nick Polites (Costas), Wasim Sabra (Charlie), Katerina Kotsonis (Ariadne), Nicholas Pantazopoulos (George),
CINEMATOGRAFÍA
Jaems Grant
BANDA SONORA
Ollie Olsen
VESTUARIO
Anna Borghesi
PAÍS DE ORIGEN
Australia
DISTRIBUIDA POR:
Strand Releasing
DURACIÓN
104 minutos

ARI: “Te dicen que Dios está muerto, pero tío, quieren que tengas un fin. Dicen que mires a tus padres, trabajadores inmigrantes con dos trabajos. Lucha toda una vida, compra una casa a tus hijos, y ese es el fin. Te dicen que seas médico, maestro, se creativo, haz algo, cree en algo, cree en la familia, en el futuro, salva el mundo, cree en el amor. Pero joder, no soy un erudito, tampoco trabajo ni soy poeta.”

ARI: “Soy una puta, un perro y un gilipollas. Los insultos de mi padre me hacen fuerte, los acepto todos. Estoy deslizándome por la cloaca, no lucho, puedo oler la mierda, pero aun respiro. Viviré mi vida, no voy a cambiar el mundo, no voy a cambiar nada. Nadie me recordará cuando muera. Soy marinero, y también una puta, y lo seguiré siendo hasta el fin del mundo."

SINOPSIS
Ari es un joven de diecinueve años, hijo de inmigrantes griegos, que carece de rumbo alguno en su vida. Constantemente se siente aprisionado por las tradiciones y educación conservadora que ha recibido, y por su cada vez más evidente homosexualidad. Incapaz de lidiar con todo esto, se refugia en una vida de excesos marcada por los conflictos familiares, y su descenso en el mundo de las drogas, mientras aliena cada vez más de su entorno y sentimientos.
Sin trabajo ni propósito en la vida, Ari conoce al nuevo compañero de apartamento de su hermano, Sean, hacia el cual se siente inmediatamente atraído, aunque también se siente incapaz de comprometerse con sus propios deseos. Todas estas circunstancias sumadas a su volátil temperamento le llevaran a una encrucijada donde deberá tomar una decisión que encauce su vida, aunque esta sea la equivocada.

CURIOSIDADES
Esta película dirigida y adaptada por Anna Kokkinos esta basada en la novela titulada “Loaded” escrita por Christos Tsiolkas. Se plantea como una historia de desarrollo irónico, que expone temas como la inmigración, el clasismo o la orientación sexual. Tras su estreno, la película ganó gran notoriedad mayormente debido a sus escenas de sexo explicitas, entre las que una escena en la que el personaje de Dimitriades se masturbaba, fue la más controversial. La película también incluía un personaje transexual interpretado por Paul Capsis.
La directora puso énfasis en mostrar el exceso como única forma de expresión, ya fuera en el sexo, las drogas, comportamiento antisocial, rechazo a la familia o la idea de encontrar un empleo. Durante la muestra en Cannes, la audiencia conversó sobre la película durante cinco días después de su estreno, lo que provocó que se realizaran muestras extras. La crítica se mostró mayoritariamente a favor, aunque hubo quien señaló al protagonista como una muestra de autocompasión, algo con lo que Kokkinos se mostró en desacuerdo, señalando que el film mostraba el viaje a través del dolor reconocido. De hecho, lo que más inspiró a la directora a adaptar el film, fue precisamente el personaje de Ari.
La película recibió nueve nominaciones por parte del Instituto de Cine Australiano al Mejor Actor (Alex Dimitriades), Mejor Diseño de Vestuario, Mejor Dirección, Mejor Montaje, Mejor Banda Sonora, Mejor Guion Adaptado, Mejor Sonido, y Mejor Actor Secundario (Paul Capsis). De todas estas nominaciones solo se hizo con el premio al Mejor Montaje.

LO MEJOR
Sería injusto no reconocer una labor de interpretación por parte de los actores, que consiguen que sus personajes sean creíbles en todo momento. Por otro lado me gustó la idea de fusionar la marginación del inmigrante, con la orientación sexual, y la imposibilidad de seguir tu propio destino.

LO PEOR
Esta es una de las ocasiones en las que me encuentro de acuerdo con la crítica minoritaria. Resulta imposible establecer cualquier lazo con el personaje de Ari, que solo refleja la más absoluta autocompasión e inmadurez que he visto en un personaje protagonista. La propia directora se ha mostrado en contra de esta opinión señalada por parte de la crítica, pero si su intención era mostrar un dolor que justificara las acciones de Ari, desde mi punto de vista fracasó estrepitosamente. No hay nada en la película que lograra que sintiera empatía por Ari, al cual percibí como el clásico tío guapo, vago, pagado de si mismo, y empeñado en culpar a todos menos a si mismo, de sus propias acciones. Si bien su entorno familiar es disfuncional, y el personaje de su padre despierta antipatía, no hay nada en la película que justifique la actitud de un muchacho que podría tenerlo todo.
Como suele ocurrir en estos casos, esto provoca que la película provoque rechazo, se torne tediosa, y uno le importe poco el destino del protagonista, que para más inri, tiene uno de los finales más indefinidos que he visto nunca. Mucha elaboración, personajes y tramas secundarias que no llevan la historia a ningún paradero. En definitiva, el resultado es bastante deficiente, a la par que aburrido.

MI CALIFICACIÓN
3- Floja

F. ES UN CABRÓN

TITULO ORIGINAL
F. est un Salaud
AÑO DE ESTRENO
1998
DIRECTOR
Marcel Gisler
PRODUCTORES
Pierre-Alain Schatzman, Ruth Waldburger
GUION
Marcel Gisler, Rudolf Nadler
Basado en la novela de Martin Frank
REPARTO
Frédéric Andrau (Fögi), Vincent Branchet (Beni), Urs Peter Halter (Töbe), Jean-Pierre von Dach (Wäde), Ulrich Bodamer (Schäfer), Jessica Früh (Madre de Beni), Mirjam Hoffmann (Daniela), Sebastian Krähenbühl (Reto), Jeanne Mathis (Hippie), Martin Chenkel (Rich), Valentin Rivillon (Policía), Franch Rainault (Persona de ambulancia), Bettina Schultz (Novia de Rich), Jospeh Schätti (Tiger), Gilles Tschudi (Wirsling), Frédéric Vidal (Hippie), Michel Weder (Hombre)
CINEMATOGRAFÍA
Sophie Maintigneux
BANDA SONORA
Rainer Lingk
VESTUARIO
Claudia Flütsch
PAÍS DE ORIGEN
Suiza
DISTRIBUIDA POR:
Vega Distribution
DURACIÓN
91 minutos

FOGI: “¿Has visto la película de las vainas gigantes? ‘La Invasión de los Ladrones de Cuerpos’. Te comen la identidad, los sentimientos. Adquieres un virus nada más nacer, que se desarrolla muy lentamente, y según que personas, a la edad de treinta años se llega a un punto crítico. A los cuarenta se acabó, la gente de cuarenta esta desolada. No se siente nada, solo te limitas a producir. Ya no hay generosidad ni corazón, solo sacrificio. Una vida llena de sacrificio.”

BENI: “Llegué a no decir una sola palabra en todo el día, excepto ‘sí’ o ‘no’. Y a sentir una felicidad completamente nueva, no ser responsable de nada. En mi cabeza ya no había palabras, solo unos ojos y una boca. Y el sueño de un perro que duerme.”

BENI: “Me sentí ligero y casi vació. En este vació, había tristeza, pero también consuelo. Por supuesto, me pregunte una y otra vez, y todavía lo hago, si le habría querido incluso más, y de forma diferente, si no hubiera muerto. Si nuestros caminos volvieran a cruzarse Fogi, intentaría quererte todavía más, para que nada pudiera separarnos. La próxima vez sería más fuerte, lo juro, la próxima vez…”

SINOPSIS
A la edad de dieciséis años, Beni estudia en un colegio mayor de la ciudad de Zúrich, donde sueña con la posibilidad sufra un cambio radical. Esa oportunidad se presenta cuando asiste a un concierto de rock, donde se enamora con desmedida de Fogi, en cantante de un grupo conocido como “The Minks”. Beni había escrito una carta a Fogi con anterioridad. Fogi tiene veintiséis años, diez años más que Beni, y se fija también en el joven Beni.
Fogi contrata a Beni para que le asista en sus conciertos, y no tarda en surgir entre ellos una relación sexual. Sin embargo, para Beni es mucho más, y se enamora perdidamente de Fogi, que con el tiempo se muestra indiferente ante la relación. Sin embargo, esto solo empuja a Beni a sumirse cada vez más en su devoción hacia Fogi, convirtiéndose en su esclavo personal, aun cuando la indiferencia de este aumenta. Los dos permanecen juntos hundiéndose en la alineación, la adicción a las drogas y la autodestrucción.

CURIOSIDADES
Marcel Gisler se encargó de dirigir esta película, participando también en la adaptación del guion, que esta basado en la novela del mismo titulo publicada por el autor Martin Frank. La película es una coproducción entre Francia y Suiza, y contó con un presupuesto muy limitado. La idea era mostrar un análisis de las relaciones y atracciones obsesivas, en la que identidad personal desaparece para complacer sin resultados, y como esta puede desencadenar en desastre.
La película se estrenó en 1998 en el Festival de Cine Internacional de Toronto, donde volvió a ser mostrada en el mismo festival del siguiente año. En 1999, se mostró la película en el Festival de Cine de Locarno, en Suiza. Con un reparto de actores desconocidos, la película pasó por otros festivales sin pena ni gloria, siendo desapercibida en el género de temática gay.

LO MEJOR
La película tiene un buen comienzo, mostrándonos como una atracción obsesiva puede ser destructiva.

LO PEOR
Voy a partir del titulo de la película “Fogi es un Bastardo”, que parece predisponer al espectador ante la aparición de una víctima y un culpable. Pero la realidad es que ambos personajes me parecieron víctimas, Fogi de su egoísmo y egocentrismo, y Beni de su sometimiento llegando a una esclavitud virtual, sin saber de verdad que es el amor. Fogi es un bastardo, pero Beni es tonto de remate y se niega a aceptar la realidad. El problema base de la película es que los dos personajes se nos presentan así, sin realizar un análisis de estos, que ayude al espectador a comprender que situaciones han provocado que ambos acaben como esto. Esto me parece un grave error en el cine, pues provoca que el espectador termine por perder interés alguno por el destino de ambos personajes. De esta forma, el supuestamente emotivo final pierde toda capacidad de emocionar, pues ya nos importa poco lo que pueda sucederles a ambos personajes.
La lástima es que la idea es buena, ya que pocas veces se exploran las relaciones obsesivas o destructivas, pero sin una base sólida todo lo que se construya encima termina por desmoronarse. Añadido a esto, existen escenas que pecan de ser en exceso rebuscadas, que aportan poco, y que terminan en convertirse tediosas. Por estos motivos, yo me encontré deseando que la película terminara cuando había visto una tercera parte de la misma. Es importante señalar una cinematografía bastante pobre, unas interpretaciones considerablemente pobres, y una carencia de atisbo alguno de donde los sentimientos de los protagonistas proceden. Todos hemos sentido el encaprichamiento a temprana edad, pero para que llegue al nivel del de Beni, tienen que darse una serie de circunstancias que no se nos explican en ningún momento. La película queda muy por debajo del nivel de la predecesora del mismo director, “Die Blaue Stunde”, que si aborda alguno de estos temas de manera sumamente eficaz. El resultado aquí es una chapuza.

MI CALIFICACIÓN
2- Mala

BILLY'S HOLLYWOOD SCREEN KISS

TITULO ORIGINAL
Billy’s Hollywood Screen Kiss
AÑO DE ESTRENO
1998
DIRECTOR
Tommy O’Haver
PRODUCTOR
Meredith Scott Lynn
GUION
Tommy O’Haver
REPARTO
Sean P Hayes (Billy Collier), Brad Rowe (Gabriel), Meredith Scott Lynn (Georgiana), Richard Ganoung (Perry), Matthew Ashford (Whitey), Armando Valdes-Kennedy (Fernando), Paul Bartel (Rex Webster), Holly Woodlawn (Holly), Christopher Bradley (Andrew), Robbie Cain (Joshua), Carmine D Giovinazzo (Gundy), Mark Allen Anderson (Peter), Bonnie Biehl (Connie Rogers), Chad Boardman (Drag Chorus), Les Bosay (Les), Kimberly Campoli (Natalie), Mark Conley (Raymond), Kimiko Gelman (Donna), Niles Jenson (Diedre)
CINEMATOGRAFÍA
Mark Mervis
BANDA SONORA
Alan Ari Lazar
VESTUARIO
Julia Bartholomew
PAÍS DE ORIGEN
Estados Unidos
DISTRIBUIDA POR:
Trimark Pictures
DURACIÓN
92 minutos

BILLY COLLIER: “Se llamaba Kent Barlett, era un niño travieso que vivía en mi misma calle. Creo que lo único que teníamos en común era nuestra afición a los libros. Así que un día que estaba en su casa, me llevó al sótano para enseñarme la colección de revistas pornográficas de su padre. A esa edad, el sexo era solo una palabra mala, ya me entiendes. Por eso no tuve problemas en decirle que me gustaban más los hombres que las mujeres desnudas. No se como sabía eso con tan poca edad. Me imagino que era la sensación de que en algún momento de mi vida, se convertiría en algo más serio, como si el destino de mi vida sexual estuviera codificado en mi subconsciente. No sabía que significaba que me gustaran los hombres desnudos, y creo que Kent tampoco lo sabía, aunque lo averiguaríamos pronto. Kent comenzó a portarse de manera extraña. Ni me hablaba, ni se sentaba a mi lado en el autobús. Un viernes subió al autobús con sus amigos, todos iban a la fiesta de noveno cumpleaños. Intenté aparentar normalidad, pero al salir del autobús, fui corriendo a casa para que nadie me viera llorar. Cuando llegué a casa, mi madre me preguntó que pasaba, y se lo conté. Llamó a la madre de Kent, y le preguntó por qué no había sido invitado. Cuando colgó, también estaba llorando. La madre de Kent le había explicado lo que había ocurrido. A lo mejor Kent le había preguntado de manera inocente que significaba que me gustaran los hombres desnudos. Ahora la Señora Barlett no quería que me acercara a Kent. Nunca había visto a mi madre llorar, y me dolió mucho ver que era tan frágil como yo. Después de llorar juntos me dijo que celebraríamos nuestra propia fiesta. Mi cumpleaños era semanas después del de Kent. Ella ya tenía mi regalo, la Polaroid.”

SINOPSIS
Billy Collier es un joven aspirante a fotógrafo, inseparable de su Polaroid, pero que no ha logrado triunfar, y también ha sufrido constantes frustraciones en el campo del amor. Tomando un café en compañía de su amiga Georgiana conoce a un atractivo camarero llamado Gabriel, al cual logra convencer para que participe en su nuevo proyecto fotográfico como modelo. Acostumbrado a vivir en su propio mundo de fantasías, Billy siente una atracción inmediata hacia Gabriel, que se va acrecentando. Sin embargo, no es capaz de discernir si es heterosexual, homosexual, o simplemente siente curiosidad. La amistad entre ambos se acentúa, y esta a punto de convertirse en algo más.
Las cosas se complican cuando el fotógrafo Rex Webster intenta atraer a Gabriel para que se convierta en su modelo de ropa interior en la Isla de Catalina, disparando los celos de Billy. El joven se decide a viajar tras Gabriel, en compañía de su amiga Georgiana, con la intención de expresarle sus sentimientos, y con la esperanza de que sus fantasías se vuelvan realidad.

CURIOSIDADES
La película es un remake de un corto realizado por el propio Tommy O’Haver titulado “Catalina”. De hecho esta fue la primera película que dirigió, encargándose también de adaptar su propio guion. Por su parte, Meredith Scott Lynn se encargó de producir la película, interpretando también al personaje de Georgiana, amiga y compañera de apartamento del protagonista. Pero la razón por la que la película alcanzó la fama, fue porque lanzó a la fama al actor Sean Hayes, que posteriormente obtuvo el papel de Jack McFarland en la serie de comedia gay “Will & Grace”, que aumentaría aun más su fama. De hecho su personaje fue el más popular de la serie para gran parte de sus seguidores.
La película combina dos temáticas, la vida real de Billy, y su mundo particular de fantasías, que es mostrada en secuencias humorísticas, basadas en un estilo particular del cine de la década de 1950 y las películas de Fred Astaire. Muchos de los recuerdos de Billy se muestran en la forma de fotografías Polaroid, cuya cámara tiene una importancia relevante para el personaje. Muchas escenas de la película están acompañadas de música cantadas por divas de diferente reconocimiento. Muchas de estas canciones son interpretadas en playback de una tropa de Drag Queens que son utilizadas como recurso humorístico a lo largo de la película.
El film fue nominado para el Gran Premio Especial del Festival de Cine Deauville, y para el Premio del Gran Jurado del Festival de Cine Sundance, aunque no se hizo con ninguno de estos premios. Sin embargo, se hizo con el Premio Rosebud a la Mejor Película del Festival de Cine Gay & Lesbico Verzaubert.

LO MEJOR
La verdad es que me encanta Hayes como actor de comedia, y debo reconocerme como uno de los que le consideran la gran estrella de “Will & Grace”. Pero volviendo a esta película, debo reconocer que me impresiona todavía más. Se debe a su habilidad de realizar su trabajo de comedia, pero al mismo tiempo su capacidad de incorporar una inocencia al personaje de Billy, que lo convierte en peligro.
Me pareció fascinante la forma en que la película representa al amor idealizado, y como este nos ciega en determinadas ocasiones, o nos empuja a complicarnos la vida en exceso. Se juega con las fantasías que a veces construimos, y se le añade actuaciones y música que nos trasladan a un estado de nostalgia. Al mismo tiempo, el personaje de Gabriel nos muestra es duda inherente a la orientación sexual, y el como solventarla. En términos generales la película combina el humor, el romanticismo, el idealismo, la inseguridad y la fascinación de las posibilidades abiertas con un estilo original y sobresaliente

LO PEOR
No hay nada negativo que yo haya sido capaz de encontrar en esta película.

MI CALIFICACIÓN
10- Excelente