TODA LA RABIA

TÍTULO ORIGINAL
All the Rage
AÑO DE ESTRENO
1997
DIRECTOR
Roland Tec
PRODUCTOR
Roland Tec
GUION

Roland Tec
REPARTO
John Michael-Lander (Christopher Bedford), David Vincent (Stewart), Jay Corcoran (Larry), Paul Outlaw (Dave), Merle Perkins (Susan), Peter Bubriski (Tom), Alan Natale (Kenny), Jim Beller (Norbert Pennyfruger), Doug Brandt (Jay), Christopher Casue (Sam), Joe Ceriello Jr (Donny), Ellen Colton (Doctor Diva)
CINEMATOGRAFÍA
Gretchen Widmer
BANDA SONORA
Paul Outland, Roland Tec
VESTUARIO
Sarah Pfeiffer
PAÍS DE ORIGEN
Estados Unidos
DISTRIBUCIÓN

Rialto Pictures
DURACIÓN

105 minutos

CHRISTOPHER: ¿Qué pasa?
LARRY: No he dicho nada.
CHRISTOPHER: Me obligó a mentir, y no empieces a juzgarme. Es un pesado hijo de puta, y tú lo sabias. Los tíos como él exigen deshonestidad. Y debería saber a estas alturas que si llamas dos veces por teléfono, sin respuesta alguna, hay que dejar de intentarlo.
LARRY: No lo pillo Chris. ¿Qué es lo que quieres?
CHRISTOPHER: Quiero a un tío que me lleve al ballet de vez en cuando.
LARRY: Cuando no te lleve al partido de baseball. ¿Verdad?
CHRISTOPHER: Exacto.
LARRY: En definitiva un hombre sensible, culto, inteligente, y atleta. ¿Verdad?
CHRISTOPHER: Exactamente.

SINOPSIS
Christopher Bedford es un hombre que lo tiene todo: trabajo perfecto, dinero, belleza y un cuerpo que le hace ser deseado por todos. Desinteresado en iniciar una relación, se dedica a practicar el sexo casual sin dudar en utilizar o dar falsas esperanzas a todo el que se le acerca. Su teoría es clara, el problema lo tiene quien se niega a leer las señales de rechazo que se dejan claras.
Sus amigos, empeñados en emparejarle, organizan una cena en la que conoce a Stewart, con quien logra encajar y comienza una relación seria sorprendiendo a su círculo más cercano. Sin embargo cuando un guapo usuario del gimnasio que frecuenta se lanza a por él, encontrará su propia relación a prueba.

CURIOSIDADES
Roland Tec, escritor establecido en Nueva York, fue el encargado de crear esta historia que tuvo una recepción muy buena en su estreno cinematográfico, logrando una recaudación considerable. Su estreno fue en el Castro Theatre, en el Festival Internacional de San Francisco de 1997.
La razón de este éxito, más que a la calidad del film, se debe a la cantidad de críticas que disparó en distintas publicaciones, despertando un enorme interés por parte del público. Kevin Thomas, de “Los Ángeles Times”, llegó a decir que era una de las más inteligentes, eróticas y la satírica más divertida creada acerca de los estilos de vida y valores de la comunidad gay. Otros críticos consideraron esto exagerado, se opusieron a calificar la película como una comedia, y algunos criticaron duramente las interpretaciones.
Sin embargo toda esta atención mediática despertó la expectación suficiente como para convertirla, para muchos, en punto de partida del cine independiente gay, que se disparó a mediados de los años noventa.
La película todavía goza de buenas ventas en DVD, de cuya distribución se ocupó Strand Releasing.

CRÍTICA PERSONAL
Me parece una gran idea e historia que consigue atrapar al espectador porque nos muestra algo que conocemos: el prepotente metro-sexual en la comunidad gay (que no se me ofenda nadie, que soy consciente que los hay majos, pocos, pero los hay).
Christopher es un personaje que me interesó desde el principio, pero al mismo tiempo me cautivo porque algunos de sus racionamientos son muy ciertos. Si bien hay gente que utiliza a otra para sus propósitos, también la hay que se niega a ver las cosas tal y como son.
Por otro lado tenemos a Stewart, que no luce un cuerpo escultural, es más bien tímido y romántico, y disfruta de una vida tranquila, lo cual llama la atención de Christopher, que sin embargo no puede evitar acabar aburrido ante semejante cambio. La película puede tender a hacernos ver que Stewart es la víctima, y Chris el malo malísimo. Sin embargo yo no pude evitar preguntarme si esto es tan claro como pueda parecer. Desde mi punto de vista los malos de verdad son los amigos de ambos que a sabiendas de cómo es cada uno, intentan una unión que esta destinada al fracaso. Pero si hay un personaje odioso entre todos ellos este es Larry, el amigo que se vuelve enemigo en cuanto la felicidad acecha a su compañero de aventuras, y le clava el puñal cuando las cosas se tuercen.
Son personajes no exagerados, reales y representantes de nuestra comunidad, aunque quizás no lo más populares. Para mi personalmente Chris representa ese hombre físicamente ideal, y además bien colocado y popular, cuyos defectos nos negamos a ver con tal de engancharnos a la posibilidad de que surja el amor… y claro, acaba por pasar lo que tiene que pasar.
Desde el principio se intuye que al personaje le van a traicionar sus ya establecidas costumbres, y queda claro que no va lograr a triunfar. La película consigue no caer en el costumbrista final feliz, y además nos proporciona una sorpresa final inesperada para Christopher.

Repito: la idea, la historia, y el hilo argumental me parecen excepcionales. ¿Cuál es el problema entonces? Los actores, que realizan en su mayor parte una labor interpretativa bastante deficiente. Michael-Lander tiene algún que otro momento bien trabajado en la película, pero lo que es el resto… un desastre. Interpretaciones mediocres, poco creíbles, que les hacen parecer estudiantes de arte dramático. Uno argumentaría que se trata de cine independiente, pero he visto el suficiente para saber que hay gente de mucho talento en el mencionado género.
Tampoco me gustaron los monólogos, por el personaje de Chris y en blanco y negro, insertados en medio de la narración, me parece que no aportan nada que no digan los hechos de la historia.

CALIFICACIÓN
6- Bien

BEAUTIFUL THING

TÍTULO ORIGINAL
Beautiful Thing
AÑO DE ESTRENO
1996
DIRECTOR
Hettie MacDonald
PRODUCTORES
Tony Garnett, Bill Shapter
GUION
Jonathan Harvey
REPARTO
Glen Berry (Jamie Gangel), Scott Neal (Ste Pearce), Linda Henry (Sandra Gangel), Tameka Empson (Leah Russell), Ben Daniels (Tony), Meera Syal (Miss Chauhan), Martin Walsh (Mister Bennett), Steven M Martin (Ryan McBride), Andrew Fraiser (Jayson), John Savage (Lenny), Julie Smith (Gina), Jeillo Edwards (Rose), Anna Karen (Marlene), Garry Cooper (Ronnie Pearce), Daniel Bowers (Trevor Pearce), John Benfield (Rodney Barr), Dave Lynn (Drag Queen)
CINEMATOGRAFÍA
Chris Seager
BANDA SONORA
John Altman
VESTUARIO
Pam Tait
PAÍS DE ORIGEN
Reino Unido
DISTRIBUCIÓN

Channel Four Films
DURACIÓN
90 minutos
 

JAMIE: ¿Temes que te llamen marica?
STE: ¿Y tú?
JAMIE: Puede… y puede que no.
STE: ¿Lo eres?
JAMIE: ¿Marica?
STE: Gay.
JAMIE: Soy muy feliz. Lo soy cuando estoy contigo. Ya lo he dicho, puedes descojonarte. ¿No te parece gracioso?
STE: No quiero.
JAMIE: Pues yo creo que lo es.
STE: ¿Y por qué no te ríes?
 
SINOPSIS

Acostumbrado a los abusos y burlas de sus compañeros de colegio, Jamie es un joven tímido y diferente al resto, hijo de Sandra, madre soltera. Ste es un joven abrumado por los maltratos físicos de sus violentos padre y hermano. Harta de dicho trato, Sandra acoge a Ste en su casa, y este comparte cuarto y cama con Jamie. Entre los dos jóvenes comienza a surgir el amor.
Rodeados de caóticos vecinos en un barrio trabajador, tales como la conflictiva Leah, el amante hippy de Sandra, y sus propios temores y dudas, Jamie y Ste consiguen que su relación salga adelante.
Mientras tanto Sandra se enfrenta a una oportunidad laboral que le obligara a reestablecer sus prioridades, mientras descubre no solo que su hijo gay, sino que además mantiene una relación con el muchacho que ha acogido.
 
CURIOSIDADES

Se trata de una obra de teatro escrita por Jonathan Harvey, también encargado de realizar la adaptación del guion cinematográfico, en el año 1993. El estreno teatral tuvo lugar en el Teatro Bush de Londres, y fue dirigida por MacDonald, también encargada de la dirección del film. Inicialmente se pretendía hacer de ella un proyecto televisivo, pero la acogida fue tal que acabo estrenándose en el cine, y a día de hoy está considerada como una de las mejores películas de temática gay de los años noventa. Uno de los motivos fue su postura positiva acerca de los problemas de dos adolescentes que descubren su propia homosexualidad, en una década en la que predominaron los dramas, en su mayoría centrándose en el auge del VIH.
La historia tiene lugar y fue rodada en Thamesmead, área al sureste de Londres donde reside una mayoritaria clase social trabajadora. Tal fue el éxito de la película que se llegaron a organizar tours por los lugares en la que esta se había filmado. 

También gozó de gran popularidad la banda sonora de la película, cuya intención era intensificar una postura optimista incluso después de las escenas dramáticas. La crítica acompañó a la película elogiando en particular a los personajes no gay, interpretados por Linda Henry y Tameka Empson. Un segmento de la misma crítica encontró el final feliz, inadecuado.
 

CRÍTICA PERSONAL 

Creo que la película destaca gracias a no tirar del recurso de personajes gais guapos, perfectos y repletos de músculos, pero sencillos, normales, y con problemas con los que cualquiera se puede identificar. 

Berry y Neal realizan una labor elogiable como dos muchachos en plena adolescencia, con crisis familiares serias, y el problema añadido de tener que aceptar su propia homosexualidad en medio de esta crisis. A pesar de ello, creo que los mejores personajes de la película son los heterosexuales. Linda Henry es con diferencia lo mejor de toda la película. 

Sobra decir que su personaje está elaborado e interpretado a la máxima perfección. Sin duda también es la que más evoluciona desde la madre egoísta que no quiere ver lo que tiene en frente, a la amiga protectora de Ste enfrentándose a su familia, para acabar descubriendo la homosexualidad de su hijo, y conseguir un trabajo de responsabilidad que le permite revaluarse la vida totalmente. La escena de su entrevista de trabajo es desternillante, y contrasta de una manera asombrosa con el momento en el que descubre que Jamie es gay y habla con él. Es el clásico ejemplo de mujer trabajadora de armas tomar, que adopta una postura completamente defensiva con su hijo, y con el novio de este. 

En conjunto es una película remarcable, con algún que otro fallo derivado del exceso de líneas argumentables, pero en definitiva un gran logro en el mundo de la temática gay. 

El final me dejó bastante desencajado, y no porque fuera un final feliz, sino porque fue lo único irrealista de toda la película. Aunque la imagen de la madre de Jamie bailando al lado de su hijo y su pareja es efectiva para resaltar su postura protectora acerca de su hijo, queda un hilo argumental pendiente que es fundamental, la familia de Ste. ¿Se pondría Ste a bailar con su pareja en la plaza a riesgo de que su violento padre y hermano le vean?¿En qué momento del film logra superar ese pánico que siente hacia ellos? Creo que se pone tanto énfasis no solo en Jamie, pero además muchos personajes secundarios, que se descuida completamente el personaje de Ste y su evolución en el film. Nada en contra de un final feliz, pero debe tener sentido y encajar en la historia.
 
CALIFICACIÓN
8- Notable

FRISK

TÍTULO ORIGINAL

Frisk

AÑO DE ESTRENO

1995

DIRECTOR

Todd Verow

PRODUCTORES

John Gerrans, Marcus Hu

GUION

James Derek Dwyer, George LaVoo, Todd Verow

Basado en la novela de Dennis Cooper

REPARTO

Michael Gunther (Dennis), Craig Chester (Henry), Michael Stocks (Uhrs), Raoul O’Connell (Kevin), Jaie Laplante (Julian), Parker Posey (Ferguson), James Lyons (Pete), Mark Ewert (Joven Dennis, Jan-victima 1, victima 4), Eric Dekker (John-víctima 2), Alexis Arquette (Víctima 3), Michael Waite (Gary), Alyssa Wendt (Susan), Dustin Schell (Fotógrafo), Joan Jett Black (Silver), Timothy Innes (Warren), Roberto Friedman (Camarero), Peter Searle (Finn)

CINEMATOGRAFÍA

Greg Watkins

BANDA SONORA

Lee Ranaldo, Coil

PAÍS DE ORIGEN

Estados Unidos

DISTRIBUCIÓN

Strand Releasing

DURACIÓN

88 minutos 

DENNIS: Déjame empezar por el comienzo, o por lo que por lo menos parece el comienzo. Cuando tenía trece años pasaba horas en una librería. Pete, el dueño, me permitía ojear el material porno siempre que fuera discreto. Al principio pensé que me echaría si me acercara al material porno gay, pero no lo hizo. La piel es la piel, esa era su filosofía. De alguna manera no era el único que lo encontraba sexy. No creo que Pete andará detrás de mí, nunca intentó nada.

SINOPSIS

Maltratado en su niñez, Dennis ha desarrollado una atracción hacia las transgresiones sexuales. Tras conocer a un masoquista, Henry, al que había observado en fotos en las que se suponía aparecía muerto, y mudarse a San Francisco. Cuando Henry es asesinado Dennis se obsesiona transformando este hecho en una elaborada fantasía en la que el mismo es la víctima. Las fantasías pasan a convertirse en necesidades homicidas.

Primero actúa solo contra un chapero, y acaba uniéndose con una pareja heterosexual con gustos similares, en el asesinato de otra víctima.

Dennis confiesa todos estos hechos en una serie de cartas a sus dos antiguos amantes, Julian y su joven hermano Kevin, quienes inseguros de que este diciendo la verdad o inventándolo todo, deciden viajar a San Francisco para enfrentarse a él.

CURIOSIDADES

La película está basada en la novela de culto “Cacheo”, del escritor Dennis Cooper. Está narrada en primera persona, con diálogos del resto de los personajes, por el protagonista, un asesino en serie gay. El libro es el segundo de la pentalogía de George Miles, y provocó que el autor se convirtiera en el primer gay amenazado de muerte por un sector de la comunidad gay que le acusó de homofobia internalizada. La película fue prohibida en Reino Unido debido al material explicito que contenía en relación a sexo agresivo, abuso de poder y asesinato.

Durante las primeras proyecciones se distribuyeron notas de producción que ayudaran a la audiencia a seguir una narrativa que no era lineal, pero la película fue abucheada a pesar de esto, y por lo general, una gran parte de los espectadores abandonaban las salas.

Todd Verow declaró que cuando el film se estrenó en el Festival Gay y Lésbico de San Francisco de 1996, generó una gran polémica. La reacción del público fue bastante hostil, y la mayoría abandonaron la sala antes de que se finalizara la proyección. Sin embargo asegura que algunos volvieron más tarde para felicitarle. Verow ha admitido que la película no es para todos, y que si uno espera ver imágenes positivas del mundo gay, esta no es su película; mientras que si el corazón de un asesino en serie late en el interior del espectador, esta será sin duda su película.

CRÍTICA PERSONAL 

La idea en la que película está basada no es mala, sobre todo en lo referente al análisis de las motivaciones de un asesino en serie… pero solo la idea.

Perfecto ejemplo de cómo tomar una buena idea, y descuartizarla en pedacitos por empeñarse en escandalizar, en lugar de enganchar a la audiencia. Deslavazada, sin una dirección centrada ni un propósito definido, la película se convierte en un auténtico aburrimiento, lo cual imposibilita la capacidad del espectador de lograr encajar los eternos saltos en trama, y la indefinida personalidad de sus personajes, con unos actores que necesitan seriamente reemprender, sí que ya lo habían hecho, su labor interpretativa.

El intento de muchos directores de querer crear polémica con escenas comprometidas y, hasta cierto punto, desagradables no consiguen impresionarme… porque carecen de sentido argumental alguno.

No soy un puritano de los que se escandalicen por cierto nivel gráfico en una escena, pero como mínimo exijo que ese despliegue vaya acompañado de un propósito. Ese es el mayor problema del cine actual, que quiere escandalizar al espectador con determinadas escenas que lo muestran todo, cuando lo más efectivo en el cine, y lo que más puede impresionar al espectador, es una sugerencia bien definida, y acompañada de elementos que la sostengan y le den propósito dentro de un fin. La película que no logra hacer pensar al espectador, inevitablemente acaba por aburrirle soberanamente. Yo me pase la película esperando que acabara el suplicio.

Para añadir aún más, el reparto realiza una pésima labor con interpretaciones carentes de talento alguno, y que solo consiguen acentuar el soberano aburrimiento.

Lo sorprendente del tema es que a alguno de ellos, aunque solo dos o tres, los he visto en otros Films realizando un trabajo realmente bueno. Cuando se encuentra conteniendo la risa en una escena diseñada para escandalizar, y aterrar, se saca la conclusión de que las cosas no están saliendo bien Esto lleva a la conclusión de que quizás el problema sea una mala dirección.

En definitiva es un ejemplo de cómo no hacer las cosas en el mundo del cine.

CALIFICACIÓN

1- Muy mal

LAS AVENTURAS DE PRISCILLA REINA DEL DESIERTO

TÍTULO ORIGINAL

The Adventures of Priscilla, Queen of the Dessert

AÑO DE ESTRENO

1994

DIRECTOR

Stephan Elliott

PRODUCTORES

Al Clark, Michael Hamlyn

GUION

Stephan Elliott

REPARTO

Terence Stamp (Bernadette Bassenger), Hugo Weaving (Anthony Belrose / Mitzi Del Bra), Guy Pearce (Adam Whitely / Felicia Jollygoodfellow), Bill Hunter (Bob), Sarah Chadwick (Marion), Julia Cortez (Cynthia), Mark Holmes (Benjamin), Ken Radley (Frank), Alan Dargin (Aborigen), June Marie Bennett (Shirley)

CINEMATOGRAFÍA

Brian J. Breheny

BANDA SONORA

Guy Gross

VESTUARIO

Tim Chappel & Lizzy Gardiner

PAÍS DE ORIGEN

Australia

DISTRIBUCIÓN

Gramercy Pictures & PolyGram

DURACIÓN

104 minutos

BERNADETTE: Es curioso, aquí estamos sentados criticando a este pueblo apestoso, pero en cierto modo se defienden de nosotros. No sé si ese feo muro de separación lo han puesto para que no nos puedan coger, o no podamos salir. ¡Venga! No te deprimas hombre, hay que ir aprendiendo. Yo se pegar porque he aprendido. Ser hombre un día, y mujer al siguiente no resulta nada fácil.

ADAM: ¿Sabes cómo se gana la vida tu padre?

BENJI: Sí.

ADAM: Entonces supongo que sabes que no le gustan las chicas.

BENJI: ¿Tiene novio en este momento?

ADAM: No.

BENJI: Mamá tampoco, tuvo una novia pero se le pasó. ¿Te vienes a jugar a mi cuarto? Tengo un ordenador.

ADAM: Claro.

SINOPSIS

Anthony Belrose trabaja como Drag Queen bajo el seudónimo de Mitzi, junto a su amigo Adam, cuyo nombre artístico es Felicia. Tras una misteriosa llamada de teléfono, Belrose acepta un trabajo como artista invitado en un hotel de Alice Springs. Además de Adam, decide invitar a su amiga Bernadette, antes conocida como Ralph, que acaba de perder a su amante.

Los tres se embarcan en un viaje a través del desierto australiano a bordo de su autobús, bautizado como Priscilla. Durante el viaje encontraran amigos, enemigos, y se enfrentaran a todo tipo de actitudes desde la tolerancia a la homofobia. Pero cuando Adam y Bernadette se enteren de que Anthony está casado y tiene un hijo, saltará la sorpresa.

  

CURIOSIDADES

A pesar de haber sido estrenada hace relativamente poco, la película se ha convertido en todo un clásico del cine de temática gay, particularmente famosa por las excelentes interpretaciones de sus protagonistas, y un vestuario de tal originalidad que le proporcionó un Oscar de la Academia.

El personaje de Hugo Weaving estaba basado en una Drag Queen de Sydney conocida como Cindy Pastel, que como el personaje estaba casado y tenía un hijo. Tim Curry rechazó el papel, que le fue ofrecido originalmente. También se pensó en Tony Curtis (Con Faldas y a lo Loco), y en Jaye Davidson (Juego de Lagrimas); pero se consideró que era mejor contar con actores que la audiencia no se pudiera imaginar vestidos de mujer. Los tres protagonistas declararon que encontraron la experiencia de vestirse de mujer liberadora.

La Drag Queen que aparece durante los créditos finales, no es otro que Tim Chappel, encargado del vestuario. Prácticamente todo el equipo aparece en algún momento u otro de la película. Bill Hunter tuvo las mayores dificultades ya que estaba rodando “La Boda de Muriel” al mismo tiempo.

Julia Cortez aportó el vestido a lo gata con cremallera, para la escena de las pelotas de ping pong.

Casi toda la película está rodada en escenarios reales a lo largo del paisaje australiano. El autobús, Priscilla, pertenecía a la banda de rock conocida como “The Whitlams”.

Tal fue el éxito de la película, que las Drag Queens se pusieron de moda durante la mitad de los años noventa, aunque casi todos los intentos de imitar este film se quedaron muy por debajo del nivel establecido por Priscilla. La película fue adaptada en un musical que ha funcionado bastante bien desde su estreno en 2006.

CRÍTICA PERSONAL

Me encanta lo sutilmente que combina momentos francamente divertidos, hasta desternillantes, con otros de un drama francamente realista. Hay momentos en los que uno no puede evitar preguntarse de que se está riendo, y ahí es donde reside lo ingenioso del brillante guion.

Luego hay otros instantes que son simplemente diseñados para que la carcajada irrumpa.

Weaving, Pearce y Stamp realizan una formidable labor representando a tres personajes que aunque no lo parezca son francamente diferentes entre sí, pero a los que las circunstancias unen de una manera muy particular. Las interpretaciones y números musicales que realizan están cuidadas con esmero. Por supuesto el imaginativo vestuario es formidable, y lleno de detalles hilarantes.

Otro choque que me pareció de lo más original es como al final, y tras enfrentarse a todo tipo de intolerancia, es el personaje de Hugo Weaving, el que se da cuenta de que ha de hacer lo mismo con sus propios prejuicios, cuando se trata de reunirse con su hijo.

La idea de un niño que no encuentra nada de lo que le rodea fuera de lo común resultó bastante innovador en esta película, y viene probar lo que una educación basada en la mentalidad abierta puede conseguir.

Le escena entre Benji y Adam es de las mejores, por su simpleza y efectividad, de hecho es el único momento en el que vemos a Adam dejar de sobreactuar en toda la película.

Todos estos aspectos al final triunfan al dejar claro que no importa cuál sea el problema, o la adversidad que se presente, es una actitud positiva la que consigue que todo pueda ser superado.
No hay nada en esta película que pueda encontrar negativo, de hecho considero que se ha convertido en un referente a imitaciones que no han sabido estar a la altura. Aunque debo dejar claro que muchas de las bromas pierden fuerza al ser dobladas al castellano.

CALIFICACIÓN

10- Sobresaliente

EN EL FILO DE LA DUDA

TÍTULO ORIGINAL

And the Band Played On

AÑO DE ESTRENO

1993

DIRECTOR

Roger Spottiswoode

PRODUCTORES

Sarah Pillsbury, Midge Sanford

GUION

Arnold Schulman

Basado en la novela de Randy Shilts

REPARTO

Matthew Modine (Doctor Don Francis), Alan Alda (Doctor Robert Gallo), Ian McKellen (Bill Kraus), Glenne Headly (Doctora Mary Guinan), Richard Masur (William Darrow), Saul Rubinek (Doctor Jim Curran), Lily Tomlin (Doctora Selma Dritz), Jeffrey Nordling (Gaëtan Dugas), Donal Logue (Bobbi Campbell), B.D. Wong (Kico Govantes), Patrick Bauchau (Doctor Luc Montagnier), Nathalie Baye (Doctora Françoise Barre), Phil Collins (Eddie Papasano), Steve Martin (El Hermano), Richard Guere (El Coreógrafo), David Marshall Grant (Dennis Seeley), Ronald Guttman (Doctor Jean-Claude Chermann), Anjelica Huston (Doctora Betsy Reitz), Ken Jenkins (Doctor Dennis Donohue), Richard Jenkins (Doctor Marc Conant), Tchéky Karyo (Doctor Willy Rozenbaum), Peter McRobbie (Doctor Max Essex), Charles Martin Smith (Doctor Harold Jaffe)

CINEMATOGRAFÍA

Paul Elliott

BANDA SONORA

Carter Burwell

VESTUARIO

Patti Callicott

PAÍS DE ORIGEN

Estados Unidos

DISTRIBUCIÓN

HBO

DURACIÓN

141 minutos

ROGER GAIL LION: Esta no es una cuestión política. Esta no es cuestión sanitaria. Esta no es una cuestión gay. Esta es una cuestión humana, y pretendo no ser derrotado por ella. He venido hoy aquí con la esperanza de que mi epitafio no lea que morí a causa del papeleo.

SINOPSIS

En el año 1981 surge una nueva epidemia que afecta mayormente a la comunidad gay, colapsando el sistema inmunológico de quienes la contraen. Mientras en número de afectados, y las muertes se incrementan, la burocracia provocada por políticos, intereses de notoriedad a nivel médico, y la negativa a sacrificar grandes cantidades de dinero en la industria de los bancos de sangre empeoran las cosas.

Finalmente se identifica el virus, se crean tests para saber quién lo puede haber contraído, y se analiza la sangre donada, pero solo cuando la enfermedad ya está fuera de control y ha comenzado a afectar a toda la población, sin hacer distinciones de orientación sexual.

CURIOSIDADES

Película producida originalmente para la televisión por la cadena HBO, que acabó siendo estrenada en el cine en muchos otros países. Surgió poco después del éxito arrollador de Filadelfia, estando basada en el libro del mismo título escrito por Randy Shilts. Dicho libro fue el primer estudio crítico sobre la aparición del VIH, y despertó tanto interés como una ferviente polémica tras su lanzamiento. Uno de los aspectos que se eliminaron a la hora de adaptarlo en la película, fue eliminar la controversial crítica a la comunidad gay durante el surgir de la epidemia. En lugar de mostrar un aspecto humano de la víctima de la enfermedad, muestra el lado oscuro de cómo la burocracia política, médica, y empresarial probablemente fue responsable parcialmente de la falta de control sobre esta pandemia. La verdad detrás de las rencillas del Doctor Gallo, y la incapacidad de comunicación para resolver un problema fueron marcadas de manera terrorífica.

Desde un principio se pretendió que el reparto fuera estelar pero el proyecto intimidó a muchos, pues era una crítica sangrante, en la industria del cine. Cuando Richard Guere aceptó un pequeño papel, a riesgo de su carrera según algunos, se rompió esta barrera y actores como Steve Martin, Alan Alda, Phil Collins o Angelica Huston se mostraron dispuestos a aparecer. La película, tal y como ocurre con la verdad, levantó muchas ampollas. La crítica se mostró variada, y las voces negativas alegaron la falta de un marco humano, sin entender que el libro obviaba este para centrarse en la vergüenza de la burocracia en distintos niveles.

CRÍTICA PERSONAL

La película goza de un reparto estelar entregado a sus interpretaciones, lo cual eleva su calidad a proporciones inmensurables.

Pero aparte de eso, es necesario señalar que es una película sobresaliente a nivel informativo, sobre los acontecimientos alrededor de la aparición del VIH a lo largo de los años ochenta. Lo aterrador de la película es que triunfa al mostrar el egoísmo humano a distintos niveles, mientras la epidemia del siglo veinte se cebaba a velocidades vertiginosas con la población de nuestro planeta.

Creo que día de hoy se ha sufrido un nuevo brote de confianza en lo relativo al VIH, mayormente tras su nueva clasificación como enfermedad crónica y no mortal en países civilizados; y que esta película consigue funcionar como recordatorio de las terribles consecuencias de negarse a ver las evidencias.

Alan Alda realiza una gran interpretación del Doctor Gallo, más obsesionado con llevarse el crédito médico relativo al virus, que con las víctimas del mismo, e Ian McKellen, como siempre, resulta excepcional en su papel.

Resulta aterrador comprobar hechos reales, básicamente pura burocracia, que provocaron el caos relativo a la aparición de este virus, y que por consecuente frenaron lo que podía haber sido una respuesta temprana ante esta amenaza

La película está plagada de grandes citas, y gran número de escenas que no pueden provocar otra cosa que acongojar el corazón de una persona sensible. Devastadora la escena en la que el matrimonio descubre que la mujer, tras recibir una transfusión, está infectada, debido a que los bancos de sangre se han negado a realizar tests en sus suministros, o el momento en el que el personaje de Ian McKellen descubre que también está infectado. Aunque estas solo son dos ejemplos de un gran número de grandes escenas protagonizadas por el amplio reparto.

Si quieres aprender las razones que impidieron una respuesta más rápida ante la aparición del VIH, esta es tu película. Te emocionará y aterrará al mismo tiempo.

Sinceramente, no puedo encontrar un aspecto negativo de la película, aunque por señalar algo no me gustó el enmarque que se le da al CDC (Centro para el Control y Prevención de Enfermedades Contagiosas), casi caracterizándolos como santos, algo que dista algo de la realidad. La traducción del título pierde bastante significado, ya que la expresión “And the Band Played On” hace referencia a como la vida de muchos continuó sin prestar atención a la aparición del virus, hasta que este terminó por afectarles a ellos también.

CALIFICACIÓN

9- Muy bien