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jueves, 29 de enero de 2009

THAT CERTAIN SUMMER

TITULO ORIGINAL
That Certain Summer
AÑO DE ESTRENO
1972
DIRECTOR
Lamont Johnson
PRODUCTORES
Richard Levinson, William Link
GUION
Richard Levinson, William Link
REPARTO
Hal Holbrook (Doug Salter), Martin Sheen (Gary McClain), Joe Don Baker (Phil Bonner), Marlyn Mason (Lauren Hyatt), Scott Jacobi (Nick Salter), Hope Lange (Janet Salter), James McEachin (Señor Early), Jan Shepard (Jody Bonner), Carolyn Bueno (Señora Michele)
CINEMATOGRAFÍA
Vilis Lapenieks
BANDA SONORA
Gil Melle
VESTUARIO
William D. DeCinces
PAÍS DE ORIGEN
Estados Unidos
DISTRIBUIDA POR:
Universal Television
DURACIÓN
73 minutos

GARY McCLAIN: “Si yo fuera una mujer, todo sería normal. ¿Verdad?”
JANET SALTER: “Sí fueras una mujer sabría cómo competir contigo.”

DOUG SALTER: “¿Qué esto?”
GARY McCLAIN: “Es un tarta, mezcla de un feliz cumpleaños y un bienvenido Nick.”
NICK SALTER: “No es mi cumpleaños.”
GARY McCLAIN: “¿Y qué?”
DOUG SALTER: “No se lo diremos a nadie, si tú tampoco lo haces, palabra.”
GARY McCLAIN: “Además creo que deberíamos tener más de un cumpleaños al año. ¿No crees?”
DOUG SALTER: “Piensa un deseo, sopla la vela.”
NICK SALTER: “Me siento ridículo, no es mi cumpleaños.”

SINOPSIS
Doug Salter lleva tiempo divorciado después de que tanto él como su mujer terminaran por aceptar el hecho de que es homosexual.
Ahora vive con su nueva pareja Gary McClain, en San Francisco, y espera la visita de su hijo de catorce años, Nick, que pasará con él el verano. Solo hay un problema, Nick no sabe que su padre que es homosexual. Sin saber cómo explicarle esa noticia a su hijo, Doug y Gary deciden que es mejor que este último se mude con su hermana durante el verano, para que Nick se acostumbre a su presencia poco a poco.
Nick se muestra hostil hacia Gary, pero poco a poco le va aceptando… hasta que descubre la relación que tiene con su padre, y que este es homosexual. Incapaz de digerir esto escapará de casa, provocando que su madre viaje hasta San Francisco y conozca al hombre que la suplanto en la vida de su marido; mientras Doug busca la manera de comunicarse con su hijo.

CURIOSIDADES
Se trata de la primera película de temática gay (con actitud positiva hacia el colectivo), producida para la televisión. Holbrook rechazó inicialmente su papel, aunque a día de hoy alega que no fue debido a que el personaje fuera gay, sino a que el guion le parecía bastante flojo. Fue Carol Rossen, quién se convertiría en su segunda mujer la que le convenció de que aceptase ese papel antes de que otro lo hiciera, y así lo hizo. A la hora de interpretar a Doug sintió que se identificaba con este en ciertos aspectos. Mayormente se debía a que no hacia demasiado, se había separado de su primera mujer, y al principio esto se le había ocultado a sus dos hijos.
Martin Sheen experimentó lo contrario. Se mostró muy interesado por el papel, pero su entorno le advirtieron que interpretar a un homosexual podía acabar con su carrera. Sheen nunca fue capaz de entender esto. Había interpretado a ladrones, secuestradores de niños, violadores y asesinos, pero lo que nadie podía entender era su interés en interpretar a un homosexual.
A día de hoy todavía recuerdo como esto le hizo cuestionarse el tipo de cultura en el que se vivía en los años setenta.
Scott Jacobi ganó un Emmy por su labor interpretativa a la edad de dieciséis años. La película ganó el Globo de Oro a la mejor producción hecha. La película fue novelizada más tarde.

LO MEJOR
En su totalidad la película me sorprendió y pareció muy buena. Considerando el año en el que estrenó, me parece abordó un tema complicado y polémico, un muchacho de catorce años enfrentándose al hecho de que su padre sea homosexual.
Si tengo que destacar algo es la labor de Scott Jacobi. Me quede francamente impresionado porque el personaje más realista de toda la película me pareció Nick. Para ser un chaval de dieciséis años, consigue abordar un papel francamente difícil. No en vano se llevó un Emmy por su actuación.
La película me encanta porque te permite ver a los adultos constantemente metiendo la pata para abordar sus problemas, lo cual precisamente destaca la actitud del muchacho como más racional. Doug no quiere admitir su homosexualidad, pero le impone a su amante haciéndolo pasar como un amigo. Como es natural el chico reacciona constantemente con una absoluta confusión, hasta que descubre la verdad, y las cosas encajan.
Otra escena que me pareció soberbia fue la conversación entre Janet, la ex mujer de Doug, y el nuevo amante de su marido, Gary. Probablemente es el momento más tenso de toda la película hasta que ambos se percatan de que no hay motivo por el que deban estar enfrentados. El final de la película es realista, y no se intenta vender el clásico “ahora que todos hemos dicho la verdad, todo queda arreglado”. El personaje de Nick reacciona como lo haría un chaval de catorce años que se encuentre en esa situación, y más todavía a principios de los años setenta.
En conjunto me parece una película valiente, ágil, y sobre todo, bien interpretada por su excelente reparto. Creo que, además, es de las escasísimas películas que conozco que trate el tema de un hijo lidiando con el hecho de que su padre sea homosexual.

LO PEOR
Quizás el argumento de un padre que debe explicar su homosexualidad a su hijo al principio de los años setenta no encuentre tantos obstáculos como debiera. La ex mujer de Doug me pareció demasiado comprensiva con su ex marido, y sin embargo bastante hostil con su nueva pareja, pero aun así la película sigue funcionando y sigue teniendo enormes dosis de realismos. La conversación final de Doug y Nick flaquea en algunos aspectos, aunque sigue siendo eficiente dentro del argumento.

MI CALIFICACIÓN
9/10

jueves, 22 de enero de 2009

LA TERNURA DE LOS LOBOS

TITULO ORIGINAL
Die Zärtlichkeit der Wölfe
AÑO DE ESTRENO
1973
DIRECTOR
Ulli Lommel
PRODUCTORES
Rainer Werner Fassbinder
GUION
Kurt Raab
REPARTO
Kurt Raab (Fritz Haarmann), Jeff Roden (Hans Grans), Margit Carstensen (Frau Lindner), Ingrid Caven (Dora), Wolfgang Schenck (Comisario Braun), Barbara Bertram (Elli), Rainer Werner Fassbinder (Wittowski), Heinrich Giskes (Lungis), Friedrich Karl Praetorius (Kurt Fromm), Karl von Liebezeit (Herr Engel), Walter Kaltheuner (Schumacher), El Hedi ben Salem (Französischer Soldat), Rainer Will (Victima), Hans Tarantik (Victima), Christoph Eichhorn (Victima), Johannes Wacker (Victima), Oliver Hirschmüller (Victima)
CINEMATOGRAFÍA
Jürgen Jürges
BANDA SONORA
Peer Raben
VESTUARIO
Katharina Shüttler
PAÍS DE ORIGEN
Alemania Occidental
DISTRIBUIDA POR:
Tango Film
DURACIÓN
95 minutos

FRITZ HAARMANN: “Tomen mi vida. No me da miedo ni la muerte, ni el hacha del ejecutor. Para mi supone un alivio. Con gusto entregaré mi muerte y sangre, como compensación, a los brazos de Dios y la Justicia. Puede que hubiera treinta o cuarenta. No lo sé. De algunas de las víctimas, no sabéis nada. Pero aquellos a los que estéis buscando no se encuentran entre ellos. En su lugar, yo poseí a aquellos que eran los más hermosos.”

SINOPSIS
La policía en Hanover se enfrenta a un serio problema cuando esqueletos de jóvenes muchachos comienzan a aparecer en el río. Para descubrir la identidad del asesino en serie responsable de los asesinatos, el Comisario Braun solicita la ayuda de un conocido delincuente pederasta gay, Fritz Haarman, para que se infiltre en la sociedad de criminales que tan bien conoce, y les ayude a resolver el caso.
Lo que el comisario desconoce es que el asesino no es otro que Fritz, que invita a jóvenes desamparados, y otros chaperos, a su apartamento. Durante el acto sexual desgarra la yugular de sus víctimas para beber su sangre, y vende su carne a sus vecinos. Fritz es conocido en su comunidad por su carácter generoso, e incluso cuando sus amigos comienzan a sospechar de él, deciden guardar silencio. Su amante Hans Grans, sintiéndose presionado por la presión que Fritz ejerce en su relación; y su vecina Frau Lindner, con la que nunca ha logrado llevarse bien, pueden tener la llave para librarse del “Vampiro de Hannover”, y así poder vivir en paz.

CURIOSIDADES
La película está basada en hechos reales. Fritz Haarmann asesinó a veinticuatro muchachos, entre los años 1919 y 1924, mientras mantenían relaciones sexuales.
Lo hacía mordiendo la yugular de sus víctimas y bebiendo su sangre, acto que también reconoció en su momento le excitaba. Este modus operandi le ganó el apelativo de vampiro, aunque otros le llegasen a considerar un hombre lobo. Nunca se encontraron pruebas de que vendiera la carne de sus muchachos a posteriori, y el nivel de implicación de Hans Grans tampoco quedo del todo claro.
La intención de la película era la de mostrar el lado humano del que había sido un monstruo. Esa era la idea inicial de Kurt Raab cuando propuso el proyecto a Fassbinder. Este último consideraba que la idea era demasiada arriesgada y, aunque se negó a convertirse en director del proyecto, deicidio que solo sería su productor, mientras que Ulli Lommel accedió a dirigir la que se convirtió en su primera película. Raab no solo fue el guionista, sino que asumió la tarea de interpretar el papel de Fritz, pues su historia le había fascinado siempre, y consideraba que el hecho de ser gay ayudaría de alguna manera a la verosimilitud del personaje en su totalidad.
Considerando que Fritz había sido calificado como vampiro debido a sus ataques, Raab decidió afeitarse la cabeza con el propósito, en combinación con su palidez, de lograr un cierto aspecto de Nosferatu.
Como la película tenía un presupuesto mínimo, fue rodada en Bockum, un pueblo cercano a Colonia. Allí el equipo consiguió acceder a todo su vestuario en el teatro local, y al mismo tiempo obtuvo la colaboración de lugareños, como extras, para la película.
La limitación de presupuesto hizo también necesario mover la ubicación histórica de los hechos, que tomaron lugar entre 1919 y 1924, a la Alemania post Segunda Guerra Mundial. Esto era debido mayormente al acceso a lugares que correspondieran a un marco histórico realista, y por otro lado al vestuario que el equipo tenía a su disposición. Curiosamente, solo se muestran dos ataques de Fritz en la película, uno de ellos en el momento del arresto. El primero de los ataque fue cortado en algunos países.
Otro cambio histórico consistió en la traición del amante de Fritz, Hans, a este delatándolo a la policía, cuando en realidad ambos fueron arrestados en su momento.
Kurt Raab falleció víctima del SIDA en el año 1988.

LO MEJOR
Considerando que la historia es un hecho real, la película se muestra interesante, aunque en algunos aspectos se desvíe de la realidad. El uso de los tonos oscuros a lo largo del filme, y de una banda sonora lúgubre ayudan considerablemente a crear una atmosfera de tensión. Los dos ataques que se pueden presenciar logran ponerle a uno los pelos de punta, y Kurt Raab triunfa a la hora de interpretar el lado psicópata del personaje. Por otro lado si me fascinó el aspecto otorgado al apartamento del asesino, rancio, ajado, sucio, y con unos tonos grises oscuros que simbolizan la mente de su dueño.
Los lugares elegidos para el desarrollo de la acción son perfectos, y en especial encontré particularmente tensa la escena en la que la vecina le sigue hasta el río, para presenciar cómo se libra de los cadáveres.
Y es que si algo me pareció soberbio, fue la interpretación de Margit Carstensen como su angustiada vecina. Carstensen realiza un trabajo sin igual a la hora de transmitirnos su angustia, cuando poco a poco se va dando cuenta de que convive en el mismo edificio con un monstruo.

LO PEOR
El ritmo en la primera mitad de la película es demasiado lento, llegando a aburrir en ocasiones. La intención del equipo era mostrar el lado humano de un monstruo, y también considero que esto es algo en lo que fracasan. Simplemente podemos ver que sus vecinos le aprecian por la ayuda que les presta; pero, aparte de esto Raab no consigue mostrar otro aspecto que no sea la demencia de su personaje, incluso cuando se hace pasar por Sacerdote. Por otro lado no se logra analizar, de hecho creo que ni se intenta, la motivación de Fritz. Se nos muestra su desesperación por el trato despectivo que recibe de su amante, pero no se consigue una conexión con aquello que le lleva a convertirse en asesino en serie.
El cambio de ubicación cronológica de los hechos no funciona tampoco, pues resta intensidad. Fritz es un ejemplo de la depravación en un marco temporal que contaba con una Alemania sumergida en la miseria y la corrupción (y luego dio lugar al auge y triunfo del nazismo como consecuencia de ello).

MI CALIFICACIÓN
5/10

jueves, 15 de enero de 2009

PINK NARCISSUS

TITULO ORIGINAL
Pink Narcissus
AÑO DE ESTRENO
1971
DIRECTOR
James Bidgood
PRODUCTOR
James Bidgood
GUION
James Bidgood
REPARTO
Bobby Kendall, Don Brooks, Charles Ludlam
CINEMATOGRAFÍA
James Bidgood
BANDA SONORA
Gary Goch, Martin Jay Sadoff
VESTUARIO
James Bidgood
PAÍS DE ORIGEN
Estados Unidos
DISTRIBUIDA POR:
Sherpix Inc.
DURACIÓN
71 minutos
 
SINOPSIS
La película narra visualmente como un joven (Bobby Kendall), obsesionado por su increíble belleza, y dedicado a la dura vida de las calles y la prostitución, utiliza su pequeño apartamento como instrumento de viaje para sus fantasías.
De esta manera, entre las visitas de su cliente, observamos cómo se recrea en sí mismo través de elaboradas historias fantásticas, en las que su narcisismo le llega a convertirse siempre en el personaje central de cada una de ellas. Entre ellas se imagina como un torero, el bailarín de un harem, una ninfa en comunicación con la naturaleza, o un emperador romano decidiendo la suerte de un esclavo.
La vivacidad de sus fantasías nos revela como su narcisismo es su mayor trampa, ya que acaba por reinventarse como cliente de si mismo: y también logra hacernos ver el enorme contraste de la belleza de sus fantasías con los tonos oscuros de su realidad.
 
CURIOSIDADES
Considerada todo un clásico del género gay Underground, “Pink Narcissus” fue producida en el interior del pequeño apartamento neoyorquino de James Bidgood durante un periodo de siete años.
Este utilizó película de 8 mm para su rodaje. Más concretamente desde el año 1963 hasta el año de 1970. Solo hay una escena, la climática escena final, que fue rodada en otro lugar, más concretamente otro apartamento diáfano en Manhattan.
Después de siete años de incesante producción, la película estrenada sin consentimiento del director en el año 1971, debido mayormente a la exasperación de aquellos que la financiaban (que estaban hartos del perfeccionismo del director). Esto no fue lo único negativo, sino que además su creador la encontraba inconclusa, debido que había escenas adicionales que él consideraba necesarias para completarlas (recordemos que el film dura poco más de una hora).
Fue por estos motivos que James Bidgood decidió aparecería como “Anónimo” en los créditos finales. La película era un proyecto visual, por lo que no existía un guion escrito, pero Bidgood si había creado un guion gráfico, que destruyó al contemplar el resultado final.
Al no querer ser reflejado como el creador de la película se dispararon los rumores sobre quién estaba tras el acreditado “Anónimo”. La inmensa mayoría de estos señalaron a Andy Warhol, sobre todo considerando la estética. Fue a mediado de la década de los noventa cuando el escritor Bruce Benderson, que estaba obsesionado con la película, comenzó su propia investigación para localizar al verdadero creador, y a base de diferentes fuentes y pistas logró descubrir que se trataba de James Bidgood.
 
LO MEJOR
Creo que definiría esta película como la manera en la que el egocentrismo nos hace iniciar un viaje, que culmina transformándonos en aquello que más detestamos. Sin duda es una película complicada de juzgar, así como se trata de una película inusual, que además ha sido tildada de incompleta por su creador.
Siempre me ocurre lo mismo cada vez que la veo (unas cinco veces), comienza enganchándome por su estética simbolismo y uso de la música, pero a la media hora, siempre observo como voy perdiendo interés y se va volviendo monótona y aburrida.
Sin embargo, aquí escribo sobre lo que me ha gustado, y hubo muchos aspectos del film que me parecieron originales, imaginativos, y sin duda alguna artísticos.
El uso de los tonos lavanda y colores brillantes, mostrados durante las fantasías de Kendall, contrasta de una manera efectiva con los tonos grises y negros de su mundo real. Esto crea el simbolismo más remarcado e importante de toda la película, y también me encantó el uso del teléfono como barrera entre un mundo y el otro. Hay otros ejemplos del mencionado simbolismo que me parecieron formidables. Entre ellos Kendall aplastando su propia inocencia, en forma de mariposa, el sexo prostituido como urinarios, o la manera en la que el narcisismo acaba atrapando a aquel que sufre del mismo.
Y es que la secuencia de fantasías siguen un ciclo concreto, desde la inocencia, hasta la caída del creador de las fantasías, que acaba convertido en aquello que más detesta (cliente de chaperos). La música acompaña esta evolución de una manera igualmente efectiva y la película, al contrario de la opinión de muchos, resulta fácil de interpretar.
Hay otras cosas que hay que elogiar. James Bidgood hace un uso de la cámara, particularmente la iluminación, excepcional para intensificar la belleza de Kendall, y esto lo podemos ver en particulares planos espectaculares. También hay que reconocer la osadía de Bidgood a la hora de crear un drama erótico en esa franja de tiempo, aunque quizás esto fuera lo que provocase lo limitado de su distribución.
 
LO PEOR
Muchos aluden que las personas que no han sabido apreciar la película, no han sabido interpretar el elaborado uso del simbolismo por parte de Bidgood. No puedo estar de acuerdo en absoluto con esta afirmación, que además encuentro pretenciosa.
El problema que encuentro con esta película es el ritmo, y no la capacidad interpretativa del espectador. Creo que cuando se crea un film carente de dialogo, y que requiere de la constante atención del espectador. Aunque el uso del simbolismo es elogiable, su uso tiende a ser en ocasiones bastante repetitivo y carente de aportes adicionales; y la estética (juzgada por algunos como rococó) puede llegar a ser bastante cargante también. Encuentro que hay muchas escenas que sobran, pues si fueran eliminadas, no dañarían de ninguna manera el hilo narrativo (que al contrario de lo que muchos piensen está siempre presente). Esto me parece peculiar considerando que Bidgood pretendía realizar escenas adicionales a los setenta y un minutos del film.
Al final todo esto provoca que la película caiga en lo monotemático del propio narcisismo, y que lo que había empezado como una idea original e interesante, acabe por tornarse en algo aburrido y repetitivo. Por estos motivos le doy a la película un aprobado justo, lo cual me parece algo más equitativo (desde mi punto de vista personal), ya que solo he conocido gente que ha odiado o adorado la película.
 
MI CALIFICACIÓN
5/10

jueves, 8 de enero de 2009

LOS CHICOS DE LA BANDA

TITULO ORIGINAL
The Boys in the Band
AÑO DE ESTRENO
1970
DIRECTOR
William Friedkin
PRODUCTORES
Mart Crowley, Kenneth Utt, Dominick Dunne, Robert Jiras
GUION
Mart Crowley
REPARTO
Kenneth Nelson (Michael), Peter White (Alan), Leonard Frey (Harold), Cliff Gorman (Emory), Frederick Combs (Donald), Laurence Luckingbill (Hank), Keith Prentice (Larry), Robert La Tourneaux (“Tejas”), Reuben Greene (Bernard)
CINEMATOGRAFÍA
Arthur J. Ornitz
BANDA SONORA
No hace uso (se escuchan una selección de canciones)
VESTUARIO
W. Robert La Vine
PAÍS DE ORIGEN
Estados Unidos
DISTRIBUIDA POR:
National General Pictures
DURACIÓN
119 minutos
 
MICHAEL: “¿Qué te hace tanta gracia?”
HAROLD: “La vida, la vida es un verdadero cachondeo. ¿No piensas lo mismo Mike?”
MICHAEL: “Estas fumado.”
LARRY. “¡Felicidades Harold!”
MICHAEL: “Estas fumado, y llegas tarde. Habíamos quedado en que vendrías entre las ocho y media y las nueve, eres un mierda.”
HAROLD: “Lo que soy es un marica de treinta y tantos años, judío y picado de viruelas. Y si tardo un poco en arreglarme, y tengo la necesidad de fumarme unos pitillos de hierba antes de salir a la calle, es asunto mío, de nadie más que mío. ¿Has comprendido nena? Me alegro de verte.”
 
SINOPSIS
Es el cumpleaños de Harold, y sus amigos más cercanos, “Los Chicos de la Banda”, le dan una fiesta en el apartamento de Michael, su mejor amigo.
Entre los muchos regalos de Harold se encuentra “Tejas”, un chapero. La fiesta comienza con risas y bailes, hasta que aparece en el apartamento Alan, un antiguo amigo de Michael de la universidad, claramente afectado, y llegando tarde Harold completamente fumado. La tensión empieza a aumentar, ya que Alan se muestra homofóbico y agresivo, y Michael vuelve a beber, así como el resto de los comensales.
Sospechando que Alan necesita salir del armario, Michael organiza un retorcido juego. Cada uno de los invitados deberá llamar a aquella persona de la que estuvieron enamorados, y por la que aún sienten algo, y confesar sus verdaderos sentimientos. Pero el juego puede volverse en contra del anfitrión al mismo tiempo que pone a prueba la amistad del grupo.
 
CURIOSIDADES
“Los Chicos de la Banda” surgió originalmente como creación teatral de Mart Crowley, y se estrenó en Nueva York en el año 1968.
Dos años más tarde, el propio Crowley se embarcó en llevar su obra a la gran pantalla. Para ello volvió a reunir al mismo reparto que había utilizado dos años atrás. El proyecto tuvo serias dificultades, sobre todo considerando que solo había pasado un año desde los disturbios de “Stonewall”, que generaron la conocida manifestación del Orgullo Gay. Aunque la crítica fue en parte favorable hacía la película, es curioso notar que muchos periódicos que se animaron a elogiarla se negaron a editar su previa publicidad.
Esto no impidió que la que hubiera sido la primera obra de teatro de temática gay, se convirtiera en la primera película del mismo estilo producida a gran escala. La comunidad gay en la década de los setenta era muy susceptible a la caracterización de personajes homosexuales en el cine, y hubo quejas (como con otras películas de los setenta) que argumentaban el abuso de estereotipos. Sin embargó el tiempo le ha otorgado la categoría de clásico, sobre todo por la excepcional manera en la que trata distintos temas, entre los que destaca uno muy ignorado en el cine gay… los sentimientos del homosexual que ya no es joven ni atractivo, y las dificultades que esto conlleva.
Considerando que la narración transcurre a finales de los años sesenta, cuando ser gay en Estados Unidos era un delito, esta dificultad se tornaba aún mayor. Los actores Kenneth Nelson, Leonard Frey, Frederick Combs y Robert La Tourneaux, fallecieron víctimas del SIDA.
 
LO MEJOR
Personalmente creo que pocas películas de temática gay han logrado unir tantos argumentos de una manera tan efectiva. Opino que la película puede dar una excelente idea al espectador de lo que suponía ser gay a finales de los años sesenta. Esto se ve reflejado al abordarse temas tan dispares como el envejecer solo, la incapacidad de la aceptación personal, la homofobia, la necesidad de vivir ocultado, la fidelidad, el impacto producido por el primer amor, la relación amor odio entre amigos, el alcoholismo, la importancia del aspecto físico, la prostitución o las trabas sociales para alcanzar la felicidad propia, a lo largo de los años. Todo esto se aprecia con mayor claridad al entender que la acción de la película transcurre antes de los Disturbios de Stonewall, que marcaron un antes y un después en los derechos del homosexual en Estados Unidos.
Y es que tenemos una película que bien podría abarcar una tesis doctoral al completo, y particularmente complicada de analizar brevemente.
“Los Chicos de la Banda” es de esas películas que se pueden diseccionar hasta la saciedad, y que no importa las veces que uno la vea, pues siempre logrará sacar algo. También intenta engañar al espectador repetidamente, y lo consigue de una manera muy efectiva. Ejemplos de esto los podemos apreciar en como una fiesta aparentemente alegre se torna tensa e incluso violenta; o en como Harold se nos presenta como el personaje más deleznable y amargado, para que nos demos cuenta más tarde de que las apariencias pueden engañar. Estos giros son realizados de una manera muy lograda.
No estoy en absoluto de acuerdo con las críticas que definen la película como un desfile de estereotipos; si algo nos muestra esta película de una manera efectiva es la diversidad dentro de un grupo de amigos. Sobre todo, y lo que mucha gente quizás no puede entender, es que al final de la película las amistades continúan. Esto se puede ver cuando Harold, tras reprochar a Michael su comportamiento, le indica que le llamará al día siguiente.
Lo más destacable para mí son los diálogos, repletos de dobles intenciones, frases divertidas que no han desaparecido con el paso del tiempo (“Gracias Mary”), pero sobre todo devastadoramente sinceros.
 
LO PEOR
Personalmente no encuentro problemas con la película, pero reconozco que posee aspectos que pueden no gustar. Excepto los breves minutos anteriores a la fiesta, el resto de la película transcurre en tiempo real, y dentro del apartamento de Michael. Estando basada en su antecesora para el teatro, podemos apreciar que es lo que denominaría una película de diálogos, con lo que puede llegar a cansar a parte de la audiencia (sobre todo considerando que dura dos horas). Otros han criticado la temática de “guapos tontos”, que refleja el chapero “Tejas”, y quizás tenga que estar algo de acuerdo con eso. Una cosa es ser ignorante, pero el personaje está reflejado como casi retrasado (lo cual no creo que fuera la intención de su creador).
Por otra parte, encontré el doblaje al español bastante malogrado, algo que no puedo atribuir a las voces originales de los actores. Pero quitando estos aspectos, me sigue pareciendo toda una obra maestra.
 
MI CALIFICACIÓN
 10/10

jueves, 1 de enero de 2009

TRICK

TITULO ORIGINAL
Trick
AÑO DE ESTRENO
1999
DIRECTOR
Jim Fall
PRODUCTORES
Eric D’Arbelogg, Jim Fall, Ross Katz
GUION
Jason Schafer
REPARTO
Christian Campbell (Gabriel), John Paul Pitoc (Mark), Tori Spelling (Katherine), Brad Beyer (Rich), Lorri Bagley (Judy), Lacey Kohl (Genevieve), Becky Caldwell (Yolanda), Steve Hayes (Perry), Clinton Leupp (Miss Coco Peru), Jamie Gustis (Dino)
CINEMATOGRAFÍA
Terry Stacey
BANDA SONORA
David Friedman
VESTUARIO
Mary Gasser
PAÍS DE ORIGEN
Estados Unidos
DISTRIBUIDA POR:
New Line Home Entertainment
DURACIÓN
89 minutos
 
JUDY: “Gabriel, quizás Mark merece saber por qué te fuiste sin decir nada.”
GABRIEL: “Me fui por lo que me dijo la Drag Queen en el cuarto de baño.”
JUDY: “¿Había una Drag Queen en el cuarto de baño?”
 
MARK: “¿Sabes? Me alegro de cómo ha salido todo.”
GABRIEL: “¿Eso crees?”
MARK: “Sí, hemos pasado por lo más difícil.”
GABRIEL: “¿Y lo del sexo?”
MARK: “¿Qué tipo de chica crees que soy?”
 
SINOPSIS
Gabriel es un tímido aspirante a escritor de musicales para Broadway, que una noche se siente atraído por un chico gogó al que vuelve a encontrar en el Metro para descubrir que la atracción ha sido mutua.
Ambos se embarcan en la búsqueda de un sitio donde poder mantener relaciones sexuales; pero el egoísta compañero de apartamento de Gabriel, su mejor amiga Katherine, y una Drag Queen celosa presentan constantes obstáculos a la joven pareja. Sin embargo a través de conflictos y momentos de complicidad Gabriel y Mark se van conociendo a lo largo de la noche, y cuando el sol salga de nuevo quizás marque el comienzo de algo más especial.
 
CURIOSIDADES
Originalmente el título de la película iba a ser “Gay Boy”, pero Trick (Truco, ardid, o ligue, que es el significado en esta película, en lenguaje callejero), resultó más simple y efectivo. Jim Fall quedó encantado con el guion de Schafer, sobre todo por la temática divertida y romántica sin ninguno de los dramas habituales del cine de temática gay (salida del armario, violencia, VIH son ejemplos de la predominancia del cine en la década de los ochenta y noventa).
Tori Spelling, actriz que gozaba de enorme popularidad por “Beverly Hills 90210”, se mostró entusiasmada por el papel de Katherine nada más leer el guion. Christian Campbell realizó una prueba de casting que dejó convencido a Jim Fall que era el Gabriel ideal. Sin embargo John Paul Pitoc, que no precisó de prueba, se mostró escéptico ya que no podía creer que hubiera sido seleccionado como protagonista de una película. Fall tuvo que convencerle de lo verídico del proyecto para que terminara por aceptar. La toma más complicada fue la del beso de los personajes. Consciente de la tensión del momento, Jim Fall decidió no realizar ningún ensayo hasta el momento de rodar la escena. Curiosamente el primer intento fue escogido por ser suficientemente convincente, ya que el nerviosismo de los actores se equiparaba al de los personajes.
 
LO MEJOR
El romance es creíble, y es que la película no intenta vender la clásica historia de amor en la que todo sale bien, sino el principio de una, quedando en manos del espectador el decidir si las cosas les irán bien a Gabriel y Mark, o no. La idea que gira en torno a la comedia es original, yo por lo menos no había visto algo parecido, y me encantó como la búsqueda de un lugar para practicar el sexo puede dar lugar a tantas situaciones dispares, y al comienzo de una relación. Uno bien puede ver como una excesiva obsesión por la búsqueda de sexo puede impedirnos ver algo especial en la persona.
Los actores, un elenco joven, son formidables, y los personajes de Gabriel y Mark evolucionan de una manera notoria en el transcurso de esa noche, ya que se juega con las apariencias, y la verdadera forma de ser de cada uno.
Gabriel representa al joven tímido, soñador, y sobre todo tremendamente inseguro, sin embargo a medida que va pasando la noche podemos observar cómo se va tornando algo más seguro, cuando se da cuenta de que es lo que quiere de verdad.
Por otro lado, Mark da el aspecto de un chico calculador, frío, lo que en el ambiente se tildaría de “musculoca”, cuando en realidad poco a poco podemos ver que es buena persona a medida que avanza la película. Ejemplos de esto los encontramos cuando ayuda a Perry a recuperar a su pareja, o intenta ver más allá de las apariencias con Gabriel, y se interesa entre otras cosas por su música.
Los personajes secundarios funcionan más como recursos cómicos, y la verdad es que me quede muy sorprendido con Tori Spelling, la cual encontré desternillante en su papel de amiga histérica constantemente deseando ser el centro de atención. Realmente divertida la escena en la que intenta cantar para Mark, y el perro de Gabriel Steve Hayes como Perry también es un personaje divertido y entrañable, y su momento musical es memorable. Por otro lado tenemos también a Judy, interpretada por Lorri Bagley, en ese momento estelar en Topless, intentando solucionar los problemas que han surgido entre Mark y Gabriel.
 
LO PEOR
No puedo hablar de algo que no me haya gustado de esta película, creo que funciona a todos los niveles, y goza de una calidad excepcional. Quizás lo único que puedo señalar es el momento estelar de Miss Coco Perú mientras los chicos bailan en la discoteca, pues no le encontré demasiado sentido. Sin embargo la escena de esta en el baño intentando sembrar cizaña con Gabriel me pareció fantástica. Tampoco me gustó el recurso final de que Mark regresara por sus llaves, después de que Gabriel se fuera debido a los rumores sembrados por la Drag Queen, cuando que lo hubiera hecho para hablar con Gabriel funcionaba perfectamente. Sin embargo estas puntualizaciones son menores, la película sigue siendo soberbia desde mi punto de vista.
 
MI CALIFICACIÓN
10/10