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jueves, 10 de julio de 2014

PINK FLAMINGOS

TITULO ORIGINAL
Pink Flamingos
AÑO DE ESTRENO
1972
DIRECTOR
John Waters
PRODUCTOR
John Waters
GUION
John Waters
REPARTO
Divine (Divine / Babs Johnson), David Lochary (Raymond Marble), Mary Vivian Pearce (Cotton), Mink Stole (Connie Marble), Danny Mills (Crackers), Edith Massey (Edie), Channing Wilroy (Channing), Cookie Mueller (Cookie), Paul Swift (El Huevero), Susan Walsh (Suzie), Linda Olgeirson (Linda), Pat Moran (Patty Hitler), Nancy Crystal (Sandy Sandstone)
CINEMATOGRAFÍA
John Waters
BANDA SONORA
Inaplicable
VESTUARIO
Van Smith, Divine
PAÍS DE ORIGEN
Estados Unidos
DISTRIBUIDA POR:
Saliva Films, New Line Cinema
DURACIÓN
93 minutos
 
BABS JOHNSON: “El remite dice: Las personas más inmundas del mundo. ¿Pero quién se atreve a usar ese título? ¿Quién es el osado?”
COTTON: “No te preocupes tanto mujer, es solo un regalo de cumpleaños.”
BABS JOHNSON: “No, no es un regalo de cumpleaños Cotton. Presiento que nos traerá problemas. ¿Dios mío! Alguien me ha enviado un maldito zurullo.”
CRACKERS: “Es un zurullo mamá.”
COTTON: “¿Quién puede haber enviado eso?”
EDIE: “¡Ah, un Zurullo! ¡Ah un zurullo!”
BABS JOHNSON: “Esto es un ataque directo a mi divinidad, un ataque directo a la paz y harmonía que hemos disfrutado las últimas semanas aquí, un ultrajante intento de humillarme y estropear mi vida privada. ¡Alguien pagará por esto! ¡Alguien pagará con su vida por este grosero y ofensivo acto!”
CRACKERS: “Mamá, nadie puede enviarte un zurullo y pensar que va a seguir con vida, nadie.”
 
SINOPSIS
La criminal conocida como Divine ha adoptado el seudónimo de Babs Johnson. Reside en una rulot de color rosa a las afueras de Phoenix, Maryland. Vive en compañía de su madre Edie, enferma mental y fanática de los huevos, su hijo delincuente Crackers, y la compañera de este último, Cotton. Divine ha sido nombrada la persona más inmunda del mundo por un tabloide, Divine se hace con dos rivales, celosos de ella por haberse hecho con el mencionado título. Estos son Connie y Raymond Marble, quienes están decididos a acabar con la carrera de Divine, y hacerse con el título de las personas más inmundas del mundo.
Connie y Raymond han organizado un negocio de venta de bebés a parejas gais y lesbianas. Para ello capturan a autoestopistas y las dejan embarazadas, para vender luego sus bebés. Todo el dinero que recaudan lo invierten en heroína que es vendida en los colegios. Para derrotar a Divine, contratan a una investigadora llamada Cookie para que mantenga relaciones sexuales con Crackers y espíe a Divine.
En plena competición, Connie y Raymond descubren por qué Divine se ha hecho con el mencionado título.
 
CURIOSIDADES
Cuando la película fue estrenada, provocó una inmensa controversia debido al número de actos perversos que se mostraban con detalles explícitos. Desde entonces se ha convertido en una película de culto, y en la más emblemática de John Waters, logrando convertir a la drag queen Divine en una estrella underground. La película fue producida con un presupuesto de solamente diez mil dólares, y rodada mayoritariamente durante los fines de semana en Phoenix, un suburbio de Baltimore, Maryland. 
Bob Adams, amigo de Divine, describió el decorado de la rulot, como una especie de comuna hippie; y señaló que estaban operando fuera de una granja que no tenía agua caliente. Divine y Van Smith decidieron dormir en casa de Susan Lowe en la ciudad.
Debido a esto, debían levantarse antes del amanecer para completar el maquillaje de Divine antes de ser conducidos al decorado por Jack Walsh. Divine a menudo esperaba a ser recogida completamente maquillada, atrayendo bastante atención en la ciudad. La madre de Divine, Frances, declararía haber estado sorprendida ante como su hijo fue capaz de aguantar las lamentables condiciones del decorado, considerando su gusto caro en ropa, muebles y comida. De acuerdo a Waters, la escena final de Divine comiendo los excrementos de un perro es completamente real. También se mostraban escenas eróticas, pornográficas, violentas, y en términos generales muy provocadoras.
La película se estrenó en 1972, en el tercer Festival de Cine Anual de Baltimore, que tuvo lugar en el campus de la Universidad de Baltimore. Se vendieron todas las entradas para tres muestras sucesivas; y es que la película había despertado un interés particular entre los fans del cine underground, después del éxito de “Multiple Maniacs”.
Tras varias muestras en universidades por todos los Estados Unidos, incluyendo Harvard College en 1973, la película fue distribuida en cines por Saliva Films, y más adelante por New Line Cinema. Con esto se logró que la película fuera conocida a nivel nacional. En 1997, y durante el vigésimo quinto aniversario del estreno de la película, volvió a estrenarse. La nueva versión incluyó música mejorada por estéreo, y al contrario de la original, estuvo disponible para el público en compact disc. Al final de la película se incluyó un breve comentario a manos de Waters, y algunas escenas cortadas de la edición original.
 
LO MEJOR
Voy a citar tan solo dos aspectos que me han parecido elogiables. El primero es el hecho de que tuvo que resultar todo un esfuerzo realizar una película de estas características en el año 1972 y, más aún, que no haya caído en el olvido con el paso de los años, haciéndose con fieles fans y defensores.
También debo reconocer que la película logró abducir mi atención y no me aburrió. Es más, llegó a arrancarme alguna que otra carcajada.
 
LO PEOR
Una vez admitidos estos hechos, debo comenzar señalando que el humor basado en la provocación o imposición de lo desagradable nunca me ha llamado la atención. Cuando vi una muestra de esta película en la universidad, la gente a mi alrededor no paraba de emitir sonoras carcajadas. Si bien en algún momento me encontré riendo, la trama me pareció absurda, poco interesante y bastante deslavazada. Entiendo que este tipo de género tiene muchos seguidores, pero siempre me ha producido rechazo. La idea base podría ser efectiva, pero cada vez que veo este tipo de films, me da la sensación de que el creador desea más el molestar y provocar reacciones negativas, que el generar algo divertido. Si bien todo esto pueden ser especulaciones, la película no funcionó para mí.
 
MI CALIFICACIÓN
3/10

jueves, 3 de julio de 2014

MUERTE EN VENECIA

TITULO ORIGINAL
Morte a Venezia
AÑO DE ESTRENO
1971
DIRECTOR
Luchino Visconti
PRODUCTOR
Luchino Visconti
GUION
Luchino Visconti, Nicola Badalucco
Basado en la novela de Thomas Mann
REPARTO
Dirk Bogarde (Gustav von Aschenbach), Mark Burns (Alfred), Marisa Berenson (Frau von  Aschenbach), Björn Andrésen (Tadzio), Silvana Mangano (Madre de Tadzio), Romolo Valli (Director del Hotel), Nora Ricci (Institutriz), Franco Fabrizi (Barbero), Sergio Garfagnoli (Jaschu), Luigi Battaglia (Pícaro), Masha Predit (Turista rusa), Marcello Bonini Olas (Noble de la fiesta del hotel), Nicoletta Elmi (Niña en la mesa), Marco Tulli (Hombre que se desmaya en estación), Leslie French (Agente de Viajes), Antonio Appicella (Vagabundo), Eva Axén (Hermana mayor de Tadzio)
CINEMATOGRAFÍA
Pasqualino De Santis
BANDA SONORA
Gustav Mahler
VESTUARIO
Piero Tosi
PAÍS DE ORIGEN
Italia
DISTRIBUIDA POR:
Warner Bros.
DURACIÓN
130 minutos
 
GUSTAV VON ASCHENBACH: “Un reloj de arena, es curioso. Ahora me viene a la memoria que en casa de mis padres también había uno de esos. El conducto a través del cual cae la arena es tan estrecho, que aparentemente el nivel del baso superior permanece igual, no cambia. Solo un buen rato después se da uno cuenta de que la arena ha ido cayendo, grano a grano, inexorablemente hasta colmar el vaso inferior. Entonces ya nada importa, se ha cumplido el tiempo, y no queda un minuto para pensar.”
 
ALFRED: “La sabiduría, la verdad, la dignidad humana, todo ha terminado. Ya no hay razón alguna para que no te vayas a la tumba con tu música. Has adquirido un perfecto equilibrio, el hombre y el artista son uno, han tocado fondo juntos. Nunca has poseído la castidad. La castidad es un don de la pureza, no el penoso resultado de la vejez. Y tú eres viejo Gustav, y en todo el mundo no hay impureza más impura que la vejez.”
 
SINOPSIS
Tras perder a su hija y ver como su carrera musical se viene abajo, Gustav Aschenbach se ve aquejado por problemas del corazón. Siguiendo el consejo de su médico, viaja a Venecia para pasar unas vacaciones de reposo. Una vez en la playa, Gustav se fija en un joven polaco llamado Tadzio, cuya belleza se convierte en su obsesión. A pesar de su lucha interior, Gustav no puede negar su atracción hacia el joven, a quien a menudo sigue y observa por las calles de Venecia. Tal es la atracción, que Gustav comienza a buscar escusas para permanecer en Venecia.
Al mismo tiempo, Gustav se comienza a percatar de que algo extraño ocurre en la ciudad. Gustav comienza a preocuparse y sospechar de la existencia de una epidemia. Pronto descubre que el cólera ha tomado Venecia, pero las autoridades lo mantienen oculto para no ahuyentar a los necesarios turistas.
 
CURIOSIDADES
La película está basada en la novela del autor alemán Thomas Mann, publicada en el año 1912 como “Der Tod in Venedig”. La película es relativamente fiel a dicha novela, con algunos cambios y obviando otros aspectos. Thomas Mann escribió el libro tras unas vacaciones en Venecia, en compañía de su familia durante el verano de 1911. Su esposa, Katia Mann ha explicado que su marido quedó fascinado ante un joven de alrededor de trece años, aunque no lo seguía por toda Venecia. El traductor de Mann, Andrzej Dołęgowskiel, revelaría que el joven era el Barón Władysław Moes quien era apodado Władzio o simplemente Adzio.
Se cambió la profesión de Gustav para la película. Mientras en la novela era un escritor, en el film pasa a ser un compositor. De esta forma la música juega un papel crucial en la película, haciendo uso de la música de Gustav Mahler, particularmente el Adagietto de su Quinta Sinfonía, que es utilizado al principio y final de la película, y secciones de su Tercera Sinfonía.
De hecho, Bogarde se inspiró mucho en el personaje de Gustav Mahler a la hora de interpretar al protagonista del film. También se añadieron escenas en las que Aschenbach y Alfred debaten sobre la estética degradada de su música. Esto mantiene un paralelismo con la vida y trabajos de Mahler, lo que se refleja cuando se le toca a Aschenbach un extracto de su trabajo, que en realidad pertenece a Mahler. A pesar de estas diferencias, tanto la novela como la película están elaboradas como un alegato a la belleza perfecta y platónica.
Visconti tuvo serias dificultades para llevar a cabo la película, mayoritariamente debido al rechazo de los productores hacia el homo erotismo que contenía. Tuvo discusiones sobre el reparto y continuos cortes en el presupuesto, pero la “Warner Bros” le permitió llevar el film a cabo debido al éxito de “La Caída de los Dioses”. Bogarde declaró que para adquirir una piel pálida al final de la película, el departamento de maquillaje probó con varias cremas y pinturas faciales, pero ninguna fue satisfactoria. Cuando se encontró una crema adecuada, esta le produjo quemaduras.
El tubo indicaba que no debía usarse sobre la piel, pero el director lo había ignorado al probar pequeñas porciones con miembros del equipo sin problemas.
Tras su estreno, la película se enfrentó a un serio rechazo por parte de la crítica, que ha cambiado radicalmente con el paso del tiempo. Se utilizó ropa de época original, planchada y almidonada al mismo estilo de la misma. La película recibió una nominación al Oscar por Mejor Vestuario, pero perdió la estatuilla contra “Nicolás y Alejandra”.
 
LO MEJOR
No cabe la menor duda sobre la extensiva disertación que se puede realizar sobre la trama de esta obra de arte. Personalmente, siempre he admirado el equilibrio que manifiesta entre la muerte y la belleza, convirtiendo dicha combinación en un aforismo hacia la perfección. Sin entrar en cuestiones excesivamente filosóficas, describiría la película como una belleza de impacto emocional brutal.
La cinematografía es tan exquisita que no precisa de excesivos diálogos, pues comunica por sí sola. La decadencia de Gustav es paralela a la de una Venecia asolada por el cólera. Igual que el temor a la vejez y sus implicaciones le llevan a adorar y amar a la juventud que ya no podrá poseer. Al mismo tiempo, se defiende la idea de la belleza y la perfección como algo ambiguo, dependiendo de la perspectiva de cada una. Es una película simplemente perfecta.
 
LO PEOR
No hay nada negativo que yo haya sido capaz de encontrar en esta película.
 
MI CALIFICACIÓN
10/10