AMARÁS AL PRÓJIMO

TITULO ORIGINAL

W imie…

AÑO DE ESTRENO

2013

DIRECCIÓN

Małgorzata Szumowska

PRODUCCIÓN

Agnieszka Kurzydlo

GUION

Michal Englert, Małgorzata Szumowska

REPARTO

Andrzej Chyra (Padre Adam), Mateusz Kosciukiewicz (Lukasz Dyni), Maja Ostaszewska (Ewa), Lukasz Simlat (Profesor Michal Raczewski), Tomasz Schuchardt (Adrian), Maria Maj (Matka Dyni), Kamil Adamowicz (Rudy), Mateusz Gajko (Gajo), Jakub Gentek (Koko), Daniel Swiderski (Babun), Mateusz Malczewski (Mateusz), Krystian Poniatowski (Itan), Kacper Sztachanski (Sztacha), Kamil Konopko (Kamil), Michal Korzeniewski (Michal), Marcin Topczewski (Marcin), Olgierd Lukaszewicz (Obispo), Grzegorz (Vicario), Ireneusz Koziol (Propietario de Pozo de Grava), Marian Mamona (Madre de Gajo)

CINEMATOGRAFÍA

Michal Englert

BANDA SONORA

Pawel Mykietyn, Adam Walicki

VESTUARIO

Julia Jarza-Brataniec, Katarzyna Lewinska  

PAÍS DE ORIGEN

Polonia

DISTRIBUIDA POR:

Kino Swiat

DURACIÓN 
102 minutos

PADRE ADAM: “¿Qué puedo hacer yo si me gustan esos chicos?”

HERMANA DE ADAM: “Deja de decir tonterías.”

PADRE ADAM: “No, coño, yo podría tener… ¿Sabes qué? Yo podría haber follado con todos ellos.”

HERMANA DE ADAM: “No voy a hablar contigo si estas borracho.”

PADRE ADAM: “Escúchame… yo solo quería un abrazo. Tú tienes a alguien que abrazar, ¿verdad?”

HERMANA DE ADAM: “¿Qué? ¿Qué estás diciendo?”

PADRE ADAM: “¿Quién te abraza? ¿Tienes alguien que te abrace?”

“A mis hijos.”

PADRE ADAM: “A mí no gustan los niños. No soy un pedófilo, solo soy un maricón.”

HERMANA DE ADAM: “No, tú no eres un maricón. Estás enfermo; estás cansado.”

PADRE ADAM: “Estoy enfermo, lo estoy. Así es.”

HERMANA DE ADAM: “Siempre te gustaron las mujeres.”

PADRE ADAM: “Voy a ir allí a decirles que yo no deseo esto, que voy a comenzar una vida normal. Voy a ir a decirles que estoy enfermo, para que dejen de transferirme. Porque yo también me acostumbro a las cosas, y eso me entristece. ¿Entiendes? Exactamente, voy a ir allí a decirles… que voy a transferirme yo mismo.”

HERMANA DE ADAM: “Nadie te creerá. Adam tú eres un buen sacerdote y una buena persona. Llámame cuando estés sobrio, ¿vale?”

SINOPSIS

Adam es un Sacerdote católico que descubrió su llamada para servir a Dios a la edad de veintiún años. En la actualidad reside en un pueblo rural de Polonia, donde ha decidido comenzar a trabajar con adolescentes que sufren comportamientos conflictivos, violentos o antisociales. Sus esfuerzos por ayudar a esos adolescentes, y unos resultados bastante aceptables, han provocado que se haga con el respeto de los lugareños. 

Cuando una joven local llamada Ewa intenta insinuarse, el Padre Adam detiene sus avances con delicadeza y respeto, recordándole que su vida está dedicada a Dios. Sin embargo, el Padre Adam oculta un gran secreto.

El celibato no es el único motivo por el que ha rechazado a Ewa, ya que el sacerdote es consciente de que se siente atraído hacia otros hombres. Adam no solo se embarcó en el sacerdocio para combatir esa inclinación que no aprueba, sino que además solicitó que lo enviaran a un entorno rural con la esperanza de que le ayudara a sentirse mejor. Sin embargo, toda su fortaleza se viene abajo cuando conoce a un joven atractivo y taciturno llamado Lukasz. La atracción es inmediata y recíproca, y comienza a despertar sospechas en la pequeña comunidad. Esto pondrá al Padre Adam en una situación complicada que puede acabar con su carrera eclesiástica.

CURIOSIDADES

La directora Małgorzata Szumowska tuvo la inspiración de realizar esta película al leer un debate que se originó en las páginas de presa polaca acerca de la homosexualidad, la iglesia y los sacerdotes. El catolicismo es la religión predominante en Polonia, y la propia Szumowska solía ser católica y conocía a varios sacerdotes. De esta forma se sintió fascinada por el tema, que siempre le había preocupado, y decidió crear una película que como mínimo lograra provocar un debate en la sociedad polaca, a la vez que dejaba clara su opinión al respecto. Financiar el proyecto no fue una tarea fácil, y la propia directora declaró que de no ser por el Instituto Polaco de Cine, no habría sido capaz de llevar a cabo su proyecto. Describió a  Agnieszka Odorowicz, director del mencionado instituto, como una mujer valiente que no se preocupó sobre las opiniones ajenas que la película podría provocar. Odorowicz apoyó el proyecto desde su comienzo, consiguiendo el de Beata Ryczkowska de “Canal plus”. Aunque Szumowska consideraba que Polonia era un país democrático donde todos podían expresarse, sintió que era una buena idea que la película no fuera estrenada allí en primer lugar. 

A pesar de esto, consideraba que Polonia necesitaba de películas de este estilo, y de que se abrieran debates públicos acerca del tema.

Andrzej Chyra ganó el premio al Mejor Actor en el Festival de Cine de Gdynia por su papel como el Padre Adam. Polonia le considera el mejor actor de su generación junto a Robert Więckiewicz. La película fue aclamada por la crítica, y los espectadores de la comunidad LGBT de Polonia fueron quienes la agradecieron particularmente. La película se hizo con El Teddy Award a la Mejor Película de Temática LGBT en el Festival de Cine Internacional de Berlín.

LO MEJOR

Con un estilo cinematográfico impecable, la película aborda un tema complicado y escabroso con un respeto y cuidado elogiables. Aunque este tipo de temas han sido abordados con anterioridad, Szumowska da un giro de tuerca inesperado. 

Sin en otros films los sacerdotes homosexuales eran enviados a un entorno rural para reformarse, en este caso tenemos uno que se adelanta a este precepto, sin conseguir evitar algo que bien puede ser considerado natural. La película no aborda el deseo de un sacerdote de vivir una doble vida, sino como un hombre puede usar el sacerdocio para ocultar o escapar de lo que es. Me pareció una idea más que elogiable.

LO PEOR

La directora se concentra demasiado en la cinematografía, incluyendo varias escenas innecesarias, y fracasa a lograr que el supuesto amor del Padre Adam hacia Lukasz sea creíble. Solo percibí una atracción meramente física. Tampoco aborda lo suficiente las consecuencias de ser descubierto en un entorno rural.

MI CALIFICACIÓN

7- Buena

COMO SOBREVIVIR A UNA EPIDEMIA

TITULO ORIGINAL

How to Survive a Plague

AÑO DE ESTRENO

2012

DIRECCIÓN

David France

PRODUCCIÓN

Dan Cogan, Howard Gertler

GUION

David France, Todd Woody Richman, Tyler H. Walk

REPARTO

David Barr, Jim Eigo, Ann Northrop, Larry Kramer, Gregg Bordowitz, Peter Staley, Bill Bahlman, Spencer Cox, Barbara Starrett, Franke-Ruta Garance, Mark Harrington, Anthony Fauci, Derek Link, Susan Ellenberg, Emilio Emini, John Joseph O’Connor, Joseph Vacca, Gregg Gonsalves, Mark Allen, Matthew Ebert

CINEMATOGRAFÍA

Derek Wiesehahn

BANDA SONORA

Stuart Bogie

VESTUARIO

Inaplicable

PAÍS DE ORIGEN

Estados Unidos

DISTRIBUIDA POR:

Sundance Selects

DURACIÓN 
109 minutos

LARRY KRAMER: “¡Una epidemia! Estamos en medio de una puta epidemia, y os comportáis así. ¡Una epidemia! Cuarenta millones de personas infectadas constituyen una puta epidemia. Estamos peor que nunca. Todas esas pastillas que hemos estado tragándonos… ¡olvidaos de ellas! Se ha apoderado de ACT UP el lunatismo, nadie se pone de acuerdo en nada y solo podemos mandar un par de cientos de personas a manifestarse. Así no conseguiremos llamar la atención de nadie. No hasta que consigamos que salgan por millones. Pero no podemos. Todo lo que hacemos es pelearnos y gritarnos entre nosotros. Y os digo a los diez años lo mismo que os decía en 1981 cuando había cuarenta y un casos. Hasta que no aunemos nuestras iniciativas, todos, es como si ya estuviéramos muertos.”

BOB RAFSKY: “Parece que lo que debemos hacer es forzar a estos payasos a que digan lo que deben, para que si uno llega a Presidente podamos responsabilizarnos de hacer lo correcto. Pero siempre es importante decir que todos sabemos que los nombres de quienes podrían salvarnos la vida no son Bill Clinton, Jerry Brown, etc. Los nombres de quienes podrían salvarnos son Iris Long, Mark Harrington, Peter Staley, etc. Y ellos serán recordados como los héroes de esta epidemia, así como aquellos que les han antecedido.”

SINOPSIS

El documental narra el comienzo de la epidemia de VIH/SIDA en la Ciudad de Nueva York a través de los activistas que lucharon contra la pasividad mostrada por la enfermedad. Dichos activistas acabaron por convertirse en miembros fundadores del grupo conocido como ACT UP, y se enfrentaron a múltiples dificultades para lograr una reacción por parte del gobierno de Estados Unidos. 

También lucharon para presionar a las instituciones médicas para que desarrollaran medicamentos efectivos contra el VIH. Uno de sus grandes retos fue el de convencer a la FDA (Administración de Alimentos y Medicamentos), para que aprobaran el uso de drogas que pudieran ralentizar y detener al VIH. También exigieron que los Ensayos Clínicos se acortaran para que tratamientos que pudieran salvar vidas estuvieran rápidamente disponibles. Dichos ensayos clínicos solían durar entre siete y diez años.

El documental también cubre el surgimiento de un mercado clandestino de drogas contra el VIH, que fue el único recurso de muchas víctimas de la epidemia. Los activistas también lucharon contra la Iglesia por mostrarse en contra del uso de condones, y contra las políticas de inmigración que prohibieron a los infectados visitar los Estados Unidos. Añadido a esto, el documental no ignora el hecho que el ACT UP acabó sufriendo divisiones internas debido a la división de opiniones sobre los métodos que debían adoptarse. El documental contiene gran cantidad de Metraje de Archivo, y con declaraciones de algunos miembros de ACT UP que sobrevivieron a la epidemia gracias a la aparición de medicamentos modernos.

CURIOSIDADES

Este documental sobre los grupos activistas que se enfrentaron a los primeros años de la epidemia del SIDA, fue dirigido por David France. Es su primera película, ya que France había trabajado como periodista, cubriendo las noticias relacionadas con el SIDA desde la aparición de la enfermedad. Dedicó el documental a la memoria de su pareja Doug Gould, que falleció a una neumonía provocada por el SIDA en el año 1992. El documental fue producido haciendo uso de más de setecientas horas de metraje archivado. Este metraje incluía cobertura mediática, entrevistas, grabaciones de manifestaciones, reuniones y conferencias de ACT UP y declaraciones personales. France declaró ser consciente de que estaban haciendo algo histórico, y que la mayoría no sobrevivir para ver los frutos de sus esfuerzos. El documental se estrenó en cines selectos de Estados Unidos en septiembre de 2012, y también incluyó imágenes de una manifestación que tuvo lugar durante una misa en la Catedral de San Patricio de Nueva York, en el año 1989.

Las entrevistas cuentan con declaraciones de activistas, médicos y miembros de organizaciones clandestinas. France publicó un libro titulado igual que la película, en el que expandió el material todavía más. Fue publicado en el año 2016 y fue aclamado por la crítica. Se le llegó a describir como el libro definitivo sobre el activismo contra el SIDA, y fue candidato a la Medalla Andrew Carnegie a la Excelencia. El documental también tuvo un éxito de crítica y llegó a estar nominado al Oscar a la Mejor Película Documental. Sin embargo perdió la estatuilla contra “Searching for Sugar Man”.

LO MEJOR

Recuerdo que cuando este documental apareció, escuché como algunos miembros de la comunidad gay decían: “a estas alturas otro documental sobre el SIDA”. Escuchar esto me dejó aterrado y confirmó mi clara opinión sobre este tipo de material. Nuestra comunidad tiene una peligrosa propensión al olvido, y a ser desagradecidos. 

Ya prácticamente no se ven lazos rojos el primer día de diciembre. Dicho esto, encontré que el documental es emotivo, informativo y considerablemente objetivo. No obvia en ningún momento los problemas internos de ACT UP, ni el hecho de que la organización acabara por dividirse. Pero también señala sus evidentes logros en una época de innumerables dificultades. Ver tanto material de archivo que incluye grabaciones de esas víctimas, es devastadoramente emocional. Uno puede estar de acuerdo o no con las actividades de una organización; pero no se puede negar la evidencia. Mucha gente de nuestra comunidad luchó por nuestro presente, aún a sabiendas de que nunca llegarían al mimo con vida. Son los héroes olvidados por muchos, y que no deberíamos olvidar.

LO PEOR

No hay nada negativo que yo haya sido capaz de encontrar en esta película.

MI CALIFICACIÓN

10- Excelente

EL SEXO DE LOS ÁNGELES

TITULO ORIGINAL

El Sexo de los Ángeles

AÑO DE ESTRENO

2011

DIRECCIÓN

Xavier Villaverde

PRODUCCIÓN

Pancho Casal, Jordi Mendieta, Bob Costa

GUION

Ana Maroto

REPARTO

Astrid Bèrges-Frisbey (Carla), Álvaro Cervantes (Rai), Llorenç González (Bruno), Sonia Méndez (Marta), Julieta Marocco (María), Lluïsa Castell (Madre de Carla), Marc García Coté (Adrián), Marc Pociello (Dani), Ricard Farré (Óscar), Ana Cimini (Virginia Dalmau), Marcel Tomàs (Dueño Tienda), Jacobo Pérez (Ocupa), Jord Turró (Conductor), Livia Gaudenco (Chica brasileña), Giancarlo Olaro (Camarero), Deloar Haque (Camarero), Sara Miquel (Ocupa), Marta Trujillo (Ocupa), Jordi Mendieta (Padre de Carla), Alexandre Novell (Niño), Dario Beck (Amigo de Dani)

CINEMATOGRAFÍA

Sergi Gallardo

BANDA SONORA

Eduardo Molinero

VESTUARIO

Anna Pons

PAÍS DE ORIGEN

España

DISTRIBUIDA POR:

IFC Midnight

DURACIÓN 
106 minutos

CARLA: “¿Me engañas o te engañas?”

BRUNO: “No, te estoy diciendo la verdad. Te quiero.”

CARLA: “¿Porque no me no has dicho si me quieres tanto? ¿No pensabas en mí, en nosotros? He tenido que aguantar toda la vida tus putos celos, y ahora tú me engañas.”

BRUNO: “Yo no he calculado nada de lo que ha pasado; pero tampoco he podido evitarlo. No sé, he pensado en dejar de ver a Rai, pero me entra una angustia insoportable.”

CARLA: “Hablas como si estuvieras enamorado.”

BRUNO: “No, no, no, esto de Rai es diferente. Él es mi amigo, y necesito verlo. Es como un enganche.”

CARLA: “¿Sexual?”

BRUNO: “Sí, sí sexual. Mira si le sigo viendo se me pasará, y después…”

CARLA: “Y después, ¿qué? ¿Te engancharás a otro tío?”

BRUNO: “No, ya te he dicho que no me gustan los hombres.”

CARLA: “¿Y cómo lo sabes?”

BRUNO: “Lo de Rai es diferente, no es homosexual.”

CARLA: “Te has enamorado.”

BRUNO: “No, pero… yo estoy enamorado de ti. Yo quiero seguir contigo.”

CARLA: “Entonces no vuelvas a verle. Si me quieres, no lo veas más.”

BRUNO: “Te lo prometo.”

SINOPSIS

Bruno parece haber encontrado la felicidad junto a su novia Carla. Un día, mientras observa a grupo bailando en la calle, Bruno es víctima de un ladrón que le noquea e intenta salir huyendo con su cartera. Uno de los bailarines recupera la cartera y atiende a Bruno, presentándose como Rai. Bruno no tarda en forjar una sólida amistad con Rai, que lleva una vida difícil como profesor de karate y aspirante a bailarín. Bruno le presenta a Carla, que se muestra agradecida por la ayuda que le presto a su pareja. Sin embargo, el irresistible Rai no tarda en seducir a Bruno, que comienza a tener relaciones sexuales con él, y por primera vez con un hombre.

Las cosas se complican cuando Rai y Bruno son sorprendidos en la ducha por Carla, que sale corriendo espantada. Cuando Bruno intenta recuperarla, Carla le pone como condición que no vuelva a ver a Rai. Aunque acepta y lo intento, Bruno es incapaz de hacerlo y Carla acaba con su relación. Pasado un tiempo, Carla decide reanudar su relación con Bruno, asumiendo que éste seguirá viendo a Rai. Aunque al principio parece que la joven mantiene una mentalidad abierta al respecto, los problemas no tardan en surgir. Es entonces cuando Carla comenzara a sentirse fascinada por Rai.

CURIOSIDADES

Se trata del segundo largometraje de Xavier Villaverde, con el que regresó tras diez años de inactividad. Parte de la inspiración de la trama surgió del libro “El Sexo de los Ángeles” escrito por Terenci Moix y publicado en el año 1992. 

Villaverde declaró que la idea había surgido al observar que las relaciones emocionales y sexuales habían cambiado mucho con el paso de los años. En especial señaló que los jóvenes vivían la sexualidad de forma libre, sin prejuicios o tabúes. Consideraba que se arriesgaban más a nivel emocional, porque su concepto de la sexualidad iba muy por delante de las normas sociales o religiosas. Al ver que era un tema juvenil que no estaba muy presente en el cine, decidió crear una película en la que pudiera tratar a los jóvenes como adultos para hablar de las emociones. Su película tenía la intención de proponer cosas que mucha gente hace, pero sobre las cuales todos callan. Consideró el proyecto como una revisión del amor libre de los años setenta.

Con la base de que cuando eres joven te arriesgas más en el amor, decidió plantear la trama con la energía de jóvenes que no llegan a los veinticinco años de edad. Su intención era que la gente que pasaba de los treinta pudiera reconocerse en esa libertad sexual y emocional de la juventud y pudieran reflexionar sobre las aventuras de amor con las que no se habían atrevido. 

La película contiene bastantes escenas de sexo. El director trabajo dichas escenas con los actores viendo la serie americana “Dime Que Me Quieres” (2007), para que resultaran naturales y creíbles. Villaverde deseaba usar la cámara en mano sin que se notara para que los actores no tuvieran que estar pendientes de las marcas. El rodaje tuvo lugar en distintas zonas de Barcelona.

LO MEJOR

La considero una película llena de buenas intenciones y que aborda no solo el tema de las relaciones sexuales y emocionales alternativas, sino también el de la bisexualidad tan ignorado en el cine de temática gay. Villaverde sí consigue transmitir ese sentimiento de libertad sexual y sentimental que se experimenta durante la juventud, sin olvidar en ningún momento la confusión y sufrimiento que esto puede acarrear. A su favor debo reconocer que se aleja de ciertos estereotipos que no funcionarían en este tipo de trama. Los actores masculinos protagonistas realizan una buena labor interpretativa.

LO PEOR

El guion es bastante malo, hasta el punto de rozar el ridículo en ocasiones como por ejemplo en el final. Cuando vi la película por primera vez, no logré evitar compararla con “Tres Formas de Amar” (1994) sin lograr llegar a su nivel. El final se me antoja apresurado y poco meditado, siendo lo peor la falta de realismo que sí se había conseguido al comienzo del film. Astrid Bèrges-Frisbey realiza una pésima interpretación, convirtiendo a su personaje en meramente insoportable. Villaverde comienza desde una buena plataforma para ir deshinchándose poco a poco.

MI CALIFICACIÓN

5- Pasable

KABOOM

TITULO ORIGINAL

Kaboom

AÑO DE ESTRENO

2010

DIRECCIÓN

Gregg Araki

PRODUCCIÓN

Gregg Araki, Pascal Caucheteux, Andrea Sperling

GUION

Gregg Araki

REPARTO

Thomas Dekker (Smith), Haley Bennett (Stella), Chris Zylka (Thor), Roxane Mesquida (Lorelei), Juno Temple (London), Andy Fischer-Price (Rex), Nicole LaLiberte (Pelirroja), Jason Olive (Hunter), James Duval (Mesías), Brennan Mejia (Oliver), Kelly Lynch (Nicole), Carlo Mendez (Milo), Christine Nguyen (Chica de primer curso), Michael James Spall (Padre de Smith), Sean Bresnahan (Cirujano), Brandy Futch (Hada Ninfa de las Drogas), Natalie Alyn Lind (Víctima de la secta), Jen Mears (Estudiante)

CINEMATOGRAFÍA

Sandra Valde-Hansen

BANDA SONORA

Robin Guthrie, Vivek Maddala, Mark Peters, Ulrich Schnauss

VESTUARIO

Trayce Gigi Field

PAÍS DE ORIGEN

Estados Unidos

DISTRIBUIDA POR:

Sundance Selects

DURACIÓN 
86 minutos

LONDON: “Estábamos hablando de sexo.”

SMITH: “Solo bromea.”

LONDON: “Rex, ¿has oído hablar de la Escala Kinsey?”

REX: “Uh.”

LONDON: “Es un sistema de medida para definir la orientación sexual. En el Nivel Cero eres hetero total, y al Nivel Seis eres gay al cien por cien. Smith está probablemente en el Nivel Tres o Cuatro; mientras que yo estoy en el Nivel Uno y medio.”

REX: “¿Por qué no hablamos de otra cosa?”

LONDON: “Kinsey descubrió que solo entre el cinco y el diez por ciento de la población están en el Nivel Seis o el Cero. ¿En qué nivel estás tú?”

REX: “Supongo que el Nivel Cero.”

LONDON: “Que aburrido. ¿Quieres follar de todas formas?”

SMITH: “¿Estás loca?”

LONDON: “No te preocupes, luego te hago un resumen.”

REX: “Vale.”

SMITH: “¿Perdona?”

REX: “Follemos, pero solo contigo. ¿Verdad?”

SINOPSIS

Smith es un joven de diecinueve años en su primer año universitario. En lo relativo a su orientación sexual se declara indeciso, pero a menudo imagina fantasías sexuales con su compañero de habitación, el atractivo surfero Thor. Su mejor amiga es Stella, que no solo le apoya sino que le hace ver que no debe obsesionarse, pues la universidad es el lugar adecuado para experimentar. Sin embargo, Smith comienza a experimentar unos sueños perturbadores en los que una pelirroja es atacada por tres hombres que utilizan máscaras de animales y terminan por asesinarla.

Al mismo tiempo, Smith conoce a London, una chica con la que mantiene relaciones sexuales e intenta a ayudarle a tener confianza en sí mismo. También mantiene encuentros con Hunter, un apuesto hombre que conoce en la playa. 

Sin embargo, Smith se siente realmente atraído hacia un joven tímido y romántico, llamado Oliver, a quien conoce a través de Internet. Sin embargo sus sueños comenzaran a ser más intensos y Smith acabe por verse inmerso en una extraña conspiración. Buscando respuestas se verá involucrado con una secta secreta, un asesinato, un padre al que creía muerto, una hechicera lesbiana, poderes paranormales, y la posibilidad de un inminente Apocalipsis.

CURIOSIDADES

Cuando Gregg Araki presentó la exitosa “Oscura Inocencia” (2004), recibió grandes elogios por parte de John Waters que fue encargado de entregarle un premio. Sin embargo Waters le pidió que volviera a realizar una película más al estilo Araki, lo que provocó la risa del director, que al mismo tiempo se sintió elogiado al ver que alguien a quien admiraba apreciaba su trabajo. El concepto de “Kaboom” surgió de la nostalgia que Araki sentía por aquellos días de estudiante universitario. Definía esos años como aquellos en los que uno no se conocía a sí mismo, y el futuro no estaba escrito. 

Cada decisión o relación de aquella operaba le parecía destinada al desastre, en ocasiones sintiendo que nunca vas a lograr conseguir nada, pero con el tiempo y mayor perspectiva consideraba aquellos años como los mejores de su vida.

Con esa idea como base decidió crear una historia enigmática y de misterio creciente, al estilo de la serie “Twin Peaks” (1990) de David Lynch. Araki era un estudiante universitario muy impresionable cuando la serie atrajo la atención de toda la nación. La serie no solo hizo girar su mundo personal, sino que además impactó tanto su forma de trabajar como su sensibilidad, y forma de ver el mundo. Lo que más apreciaba de la serie, y por tanto deseaba transmitir a su trabajo, era el hecho de que su estilo tenía nula consideración hacia lo que era de esperar, aceptable, o comprensible. De esta forma, “Kaboom” aspiraba a conseguir ese espíritu libre que tenía la serie, sin las restricciones o exigencias del mercado comercial.

La película se estrenó en el Festival de Cine de Cannes de 2010, donde recibió la primera Queer Palm  por su contribución a temas gay, lésbicos, bisexuales y transgénero. La crítica se mostró más dividida, aunque muchos reconocieron que la película había sido uno de los proyectos más ambiciosos de Araki.

LO MEJOR

Lo primero que me llamó la atención de la película fue ese estilo colorido, poco usual en Araki, que parecía ensalzar la magia de unos años en los que, como el director afirma, uno se busca a sí mismo. La película contiene un estilo picante a la hora de explorar la sexualidad que resulta provocativo a la vez que divertido, y evita caer en estereotipos y vulgaridad. Los personajes están muy bien definidos, y los actores en términos generales realizan una labor muy buena a la hora de interpretarlos. Lo que más me sorprendió es lo identificado que me sentí con Smith, sobre todo en lo relativo a explorar la sexualidad y definirse en la universidad. 

Thomas Dekker está dotado de un encanto que no se basa en cuerpos perfectos y modelos sexualmente irresistibles, sino en esa personalidad magnética a la vez que confusa.

LO PEOR

Toda la historia engancha, pero el resultado final del misterio resulta bastante decepcionante. Da la sensación, aunque no fuere así, que el director ha terminado la película con prisa y ha desaprovechado grandes personajes para dar el golpe final de la sorpresa en un final bastante absurdo y anticlimático. Si su intención era inspirarse en “Twin Peaks”, ha descuidado lo más fundamental.

MI CALIFICACIÓN

8- Notable

BRÜNO

TITULO ORIGINAL

Brüno

AÑO DE ESTRENO

2009

DIRECCIÓN
Larry Charles

PRODUCCIÓN
Sacha Baron Cohen, Jay Roach, Dan Mazer

GUION

Sacha Baron Cohen, Anthony Hines, Dan Mazer, Jeff Schaffer

REPARTO

Sacha Baron Cohen (Brüno), Gustaf Hammarsten (Lutz), Clifford Bañagale (Diesel), Chibundu Orukwowu (O.J.), Chigozie Orukwowu (O.J.), Josh Meyers (Kookus), Toby Holguin (Jardinero mexicano), Robert Huerta (Jardinero mexicano), Gilbert Rosales (Jardinero mexicano), Thomas Rosales Jr. (Jardinero mexicano), Marco Xavier (Jardinero mexicano), Bono, Chris Martin, Elton John, Slash, Snoop Dogg, Sting, Kunal Nayyer, Heather Hahn, Filipa Bleck, Lloyd Robinson, Paula Abdul, Denny Bond, Brittny Gastineau, Ron Paul, Gary Williams

CINEMATOGRAFÍA

Anthony Hardwick, Wolfgang Held

BANDA SONORA

Erran Baron Cohen

VESTUARIO

Jason Alper

PAÍS DE ORIGEN

Estados Unidos

DISTRIBUIDA POR:

Universal Pictures

DURACIÓN 
82 minutos

BRÜNO: “Busco alguna caridad que no requiera demasiado esfuerzo, pero que sea decisiva para mi futuro. Ya sabe, que me lleve a la cima de las estrellas.”

RELACIONES PÚBLICAS: “¿Hay alguna causa? ¿Alguna en la que cree?”

BRÜNO: “Me encantan las causas.”

RELACIONES PÚBLICAS: “Sí, el calentamiento de la tierra está muy mal.”

BRÜNO: “Chachi.”

RELACIONES PÚBLICAS: “Creo que sería, es algo en lo que habría que meterse ahora, para que, francamente, intentar poner un freno. Después muchos ayudaran, o sea, mejorará el futuro próximo, para que la Tierra… Ahora es una causa, y sería de beneficio.”

BRÜNO: “Estaba en Oriente Medio intentando resolver una crisis que tiene. Qué más da, pasando. Y de paso que volaba de vuelta a América hice una paradita en un país llamado África. ¿Vale?”

AFROAMERICANA: “África es un continente, no un país chico. Aclárate.”

BRÜNO: “Ya, aquello está llenito de afroamericanos.”

AFROAMERICANA: “Está lleno de africanos. Está lleno de gente de ascendencia africana.”

BRÜNO: “No, no, llamarlos así es racista. Afroamericanos es la palabra correcta.”

SINOPSIS

Brüno es un homosexual austriaco, modelo y gurú de la moda. Tiene su propio programa de moda en televisión, titulado Funkyzeit. El programa, de habla alemán, se ha convertido en el más popular de ese estilo fuera de Alemania. Tras deshonrarse en frente de su club de fans Funkyzeit, acaba por arruinar su carrera en los países de habla alemana de Europa. Sin embargo, Brüno decide embarcarse en la búsqueda de la fama internacional. Para ello decide mudarse a Los Ángeles y reinventar toda su personalidad. Lutz, antiguo ayudante de su ayudante decide acompañarle en su nueva búsqueda de la fama. Lutz es la única persona dentro de su círculo de amigos que todavía cree en la grandeza de Brüno.

Sin embargo, Brüno no deja de pasar de reinvención en reinvención, sin lograr tener éxito en su propósito. Ni siquiera su intento de involucrarse en causas benéficas consigue ayudarle, y a menudo acaba en situaciones que no ayudan en absoluto a su imagen. Para alcanzar la fama, tendrá que encontrar el propósito y la actividad que de verdad desea.

CURIOSIDADES

Se trata de una comedia que adopta la forma de un documental falso. La trama gira alrededor de uno de los personajes ficticios creados por el humorista británico Sacha Baron Cohen. De hecho es la tercera película que basa en uno de sus personajes ficticios, después de “Ali G Anda Suelto” (2002) y “Borat” (2006). Cooperando de nuevo con Gustaf Hammarsten, Sacha Baron Cohen aparece como personaje protagonista manipulando a personajes famosos y corrientes para que se involucraran de forma involuntaria. Entre los famosos se encuentran Harrison Ford, que escapó del personaje mientras salía de un bar. 

Paula Abdul y La Toya Jackson fueron entrevistadas pensando que era un reportero de verdad; y políticos israelís y palestinos fueron igualmente manipulados durante un encuentro amistoso.

La película no estuvo carente de controversia, lo cual era la intención desde el principio. Algunos grupos LGTB criticaron al personaje de Brüno por perpetuar los estereotipos gais, aunque al mismo tiempo que sacaba a la palestra temas de homofobia institucionalizada. Consideraban que su satírica era problemática en muchas ocasiones y en otras ofensiva, aunque había una buena intención en dicho estilo.

Tras la muerte de Michael Jackson en junio de 2009, una escena de la película fue retirada rápidamente de la versión cinematográfica de Estados Unidos, antes de su estreno esa misma tarde. En la escena, Brüno engañaba a La Toya Jackson para participar en una entrevista en la que le pedía que se sentara sobre trabajadores mexicanos encorvados que reemplazaban mobiliario. 

Tras esto la invitaba a comer sushi servido sobre el torso de un hombre desnudo y con sobrepeso. Para conseguir el número de Michael Jackson, Brüno logró que La Toya le dejara mirar su teléfono móvil.

LO MEJOR

Aunque no me gusta este estilo de películas, mentiría si no reconociera que en algunas ocasiones me desternillé de risa. Algunas de las manipulaciones me parecieron brillantes, pero si tengo que destacar alguna me quedaría con la del programa de entrevistas con el público afroamericano. Sacha Baron Cohen no tiene reparos para reírse de sí mismo al mismo tiempo que manipula, y eso también lo admiro.

LO PEOR

Hay momentos innecesariamente excesivos, extremadamente vulgares, y por mucho que la intención sea buena, ofensivos. 
Es un producto prefabricado cuya única intención es la de provocar. Sacha Baron Cohen no solo quiere manipular las emociones de las personas involucradas involuntariamente en su proyecto, también quiere manipular al espectador para que reaccione con indignación. Así como hay momentos que encontré desternillantes, hay otros que me aburrieron excesivamente en su intento vulgar de provocar. A pesar de ser de corta duración, la película entra en un bucle de repeticiones y pierde originalidad muy rápidamente.

MI CALIFICACIÓN

3- Floja