TAMBIÉN ENCONTRÉ MARIQUITAS FELICES

TÍTULO ORIGINAL
También Encontré Mariquitas Felices
AÑO DE ESTRENO
1980
DIRECCIÓN
Lluís Escribano, Ramón Massa
PRODUCCIÓN
Els 5 QKs
GUION
Lluís Escribano
REPARTO
Ces Martí, Ramón Massa, Enric Bentz, Lluís Escribano, Bruno, Macarena, Lolo, Imma, José, Salvador, Jacinto, Manel, Elena Domenec, Ramón, Entic, Abel, Raúl, Esteban, Martí, Toni, Óscar, Vicente, LLuis M, Georgina, Mama Cas, Montse, Vicenç. Miguel, Sylvaine, Jose, Gisle, Adolfo, Tere, Marc, Juanjo jr, Pedro, Xedes, Dionis, Maite, Cris, Pepe, Juan Luis, Jordi, Quim, María, Jordi C.
CINEMATOGRAFÍA
Els 5 QKs
BANDA SONORA
Inaplicable
VESTUARIO
Ces Martí
PAÍS DE ORIGEN
España
DISTRIBUCIÓN
Inaplicable
DURACIÓN
70 minutos
 

FRANCISCO: “¡A Dios pongo por testigo! ¡A Dios pongo por testigo que ni yo ni ninguna otra mariquita volveremos a sufrir humillaciones!”
 
FRANCISCO: “Ya estoy yendo por un camino sin final, tras de mí toda una vida destrozada, de humillaciones, de sufrimientos. De llantos y angustias, de esconderse en la oscuridad y ampararse en la noche. ¿Qué me espera de nuevo? ¿Hallaré la felicidad? ¿Encontraré el amor? ¿Habrá en algún lugar mariquitas felices? El camino es largo y tortuoso, pero debo seguir aunque este cansado de tanto buscar.”
 
SINOPSIS
Francisco se ha enfrentado a numerosas humillaciones a lo largo de su vida. Sus padres le rechazaron por ser homosexual, y no encontró ayuda ni en el colegio ni a manos de un psiquiatra. Su hermana también optó por echarlo al descubrir que estaba utilizando su lápiz de labios. 

Ya convertido en un joven adulto, recibe una paliza al intentar hacer cruising en un parque. Tras esto le jura a Dios que ni él ni ninguna otra mariquita volverá a sufrir humillaciones. Sin embargo, se ve enfrentado a una serie de circunstancias trágicas. Su amante, miembro de la policía secreta, muere inmolado mientras lucha contra el terrorismo en el País Vasco. Poco después, se reencuentra con su padre en su trabajo como masajista, y ambos mantienen relaciones sexuales. En una posterior confrontación, su padre fallece de un paro cardíaco.
El cura que acude a concederle la extremaunción también sucumbe a sus encantos y le paga sus caprichos con la colecta de sus feligreses. A pesar de esto, Francisco se encuentra con el hermano gemelo de su policía amante, y ambos también mantienen una relación. Los amoríos de Francisco provocan que el cura lo rechace, y poco después también se reencuentra con su madre. Harto de todo, Francisco crea su propio comando anti homófobo, que no tarda en vengarse de los hombres que le propinaron una paliza en el parque.

 
CURIOSIDADES
“Els 5 QKs” fue un grupo fundado en 1979 y formado por cinco cineastas aficionados llamados Alfonso de Sierra, Luis Escribano, Ramón Massa, Ces Martí y Enric Betz. El grupo decidió crear una filmografía transgresora y avanzada a la época, que rompiera con convenciones sociales, religiosas y políticas. Su idea era ensalzar al “maricón” como héroe y rebelde, orgulloso de su pluma, y carente de vergüenza alguna a la hora de llevar a cabo sus ideas o planes, sin importar que la idea fuera hacer le bien o el mal. El grupo definió su trabajo como el uso del placer absoluto como identidad. "Els 5 QKs" llegó a un total de diecinueve producciones entre películas y cortometrajes. La película que abordamos hoy comienza con una dedicatoria a “todos los frentes”, lo cual simboliza una llamada a la unión de los escasos colectivos homosexuales de la época. En España ocurría algo parecido a Estados Unidos, y es que había una profunda división entre la forma de abordar la lucha por los derechos en los diferentes colectivos. 

Esto provocaba que desde los famosos “Disturbios de Stonewall” de 1969, la lucha por la igualdad y en contra de leyes opresivas se hubiera mermado considerablemente. De hecho, el equipo no pudo evitar posicionarse en contra de los colectivos que pedían que la comunidad gay intentara adaptarse al contexto heterosexual exigido en la España de aquel entonces, especialmente con relación a la familia y la religión. De esta forma, el protagonista abraza el termino maricón, y crea una banda de mariquitas travestidas y con mucha pluma para combatir contra los homófobos. La banda es conocida como Mariconas Street Band. Lo curioso es que algo así sería bastante criticado como inaceptable hoy en día, por lo que bien podríamos señalar que el mensaje del personaje de Ces Martí ha fracasado.
La película carece de banda sonora, pero hace uso de música extraída del cine clásico estadounidense. Cabe destacar, entre las distintas opciones, que hace uso de la música de “Ben-Hur” (1959) para las escenas dramáticas, y de “West Side Story” (1961) para las escenas de acción o más calmas. 

El único uso de música española tiene lugar durante los créditos, en los que se escucha la canción de Sara Montiel “Adultos”. Precisamente la canción sirve como himno ante la idea de que, como adultos, todos deberíamos tener la libertad de hacer aquello que nos apasionara sin que nadie se meta en nuestros asuntos.
 
LO MEJOR
Es complicado abordar esta película y explicar como fue capaz de dejarme completamente fascinado y enganchado a la trama. Es evidente que el estilo interpretativo de los actores es deliberadamente llevado al extremo de la exageración, consiguiendo que cualquiera de las escenas resulte ridículo. Sin embargo, debo reconocer que lo encontré un estilo cuanto menos cautivador, y muy divertido a lo largo de la película. Me gustó el mensaje reivindicativo del “mariquita” orgulloso de su pluma y excentricidad, sobre todo en contraste con la creciente “plumofobia” dentro del ambiente actual.

LO PEOR
Dicho lo anterior, hay que reconocer que la película es mala, aunque sea igualmente divertida y disfrutable. Los escasos medios para realizar la película son obvios, pero hay aspectos que incluso así son corregibles. Solo señalare el movimiento excesivo de la cámara. En lo relativo a la trama, es cierto que es una historia excéntrica y exagerada, pero me pareció que había escenas que se repetían, en particulas con relación a las relaciones de Francisco con otros hombres. Sin embargo, no se abordaba otros personajes como el del cura o de la madre con igual éxito. Se pasa por encima por sus tramas sin profundizar en exceso. La escena con el padre en la sala de masajes me pareció algo forzada, así como el castigo final a los homófobos.  
 
MI CALIFICACIÓN
4/10

UN HOMBRE LLAMADO FLOR DE OTOÑO

TÍTULO ORIGINAL
Un Hombre Llamado Flor de Otoño
AÑO DE ESTRENO
1978
DIRECCIÓN
Pedro Olea
PRODUCCIÓN
Enrique Bellot, José Frade
GUION
Rafael Azcona, Pedro Olea
Basado en la obra de José María Rodríguez Méndez
REPARTO
José Sacristán (Lluís de Serracant / Flor de Otoño), Francisco Algora (Surroca), Carmen Carbonell (Doña Nuria), Roberto Camardiel (Armengol), Carlos Piñeiro (Ricard), José Franco (Dueño del Bataclán), Antonio Corencia (La Coquinera), Antonio Gamero (Señor Pajares), Felix Dafauce (Comisario), Carlos Lucena (Impresor), Israel (Ramón), Enrique Vivo (Joan), Fernando Sanchez Polack (Modesto), Jarque Zurbano (Farmacéutico), Alfredo Luchetti (Policía), Luis Ciges (Guarda), Paco España (La Mondonguera), Pedro Almodovar (Lola Nicaragua)
CINEMATOGRAFÍA
Fernando Arribas
BANDA SONORA
Carmelo Bernaola
VESTUARIO
Juan Chamizo
PAÍS DE ORIGEN
España
DISTRIBUCIÓN
José Frade P.C.-S.A.
DURACIÓN
98 minutos
 

LLUÍS DE SERRACANT: “Mamá, yo… yo sé muy bien que solo te he dado disgustos. No me ocupo de la fábrica; soy un abogado sin porvenir; nunca estoy contigo. No me he casado. No te he dado esos nietos que…”
DOÑA NURIA: “Calla, calla.”
LLUÍS DE SERRACANT: “Dime la verdad mamá, ¿no serías la más feliz del mundo si te dijera que he encontrado a la mujer de vida? Responde mamá.”
DOÑA NURIA: “Pues claro que sí, pero si tú no quieres casarte...”
LLUÍS DE SERRACANT: “La he encontrado mamá. La he encontrado hace muchos años, pero no he tenido el valor de presentártela. Esta noche quería que la conocieras, pero… pero no. No puedo. Otro día mamá, perdóname.”
DOÑA NURIA: “Lluís, Lluís, ¿me oyes?”
LLUÍS DE SERRACANT: “Sí mamá.”
DOÑA NURIA: “Ahora soy yo la que quiere hablar contigo, de tu padre, de ti, de mí, y también de esa mujer.”

LLUÍS DE SERRACANT: “Ahora no mamá, por favor.”
DOÑA NURIA: “Ahora Lluís, voy a encender la luz. No te preocupes. Acércate, Lluís; ven aquí.”
 
SINOPSIS
Lluís de Serracant es un abogado que pertenece a una familia importante de la burguesía catalana. Vive con su madre viuda y a menudo recibe la visita de otros familiares, quienes siempre se muestran a favor del régimen actual de Primo de Rivera. Sin embargo, Lluís lleva una doble vida que le obliga a ocultar su verdadero yo, así como sus ideas políticas. Tiene un amante anarquista llamado Ricard, con quien comparte sus ideas, y por la noche se transforma en la artista Flor de Otoño, actuando en el club nocturno conocido como Bataclán. Como abogado, Lluís recibe el encargo de defender a un anarquista llamado Modesto, quien le revela que planeaba un atentado contra el mismísimo Primo de Rivera. Lluís decide hacerse con la dinamita para llevar a cabo el atentado, haciendo explotar un puente por el que pasará viajando en tren.

Sin embargo, el plan se complica por asuntos no vinculados al mismo. Flor de Otoño se enfrenta a la rivalidad de una compañera llamada la Coquinera, celosa al ver como la estrella flirtea con su amante Armengol. Cuando la Coquinera aparece degollada, Armengol asume que Lluís ha sido el responsable y le somete a una paliza, llevándolo después a la puerta de su casa para que su madre descubra su doble vida. Cuando se arresta al verdadero culpable del asesinato, Armengol se disculpa con Lluís y este finge perdonarlo. Sin embargo, planea una venganza que podrá acabar con el atentado que ha planeado.
 
CURIOSIDADES
La película esta incluida en un grupo que abordó temas como la homosexualidad, el transformismo o la transexualidad durante la época de la transición en España. 

Esta basada en una obra escrita a principios de la década de 1970, y asegura estar basada en hechos y personajes reales, aunque se cambiaron varios nombres para mantener su anonimato. José Sacristán interpreta a un transexual anarquista, que además trabaja en un local de espectáculos. Esto rompió todos los esquemas de la época en que transexuales o transformistas eran retratados como frívolos bufones o psicópatas en el cine de temática gay. El personaje se embarca en un intento de atentado contra el entonces dictador Primo de Rivera junto a su amante y amigo.

José Sacristán interpretó otro personaje homosexual en una película estrenada el mismo año, titulada “El Diputado”, todavía mas rompedora al mostrar la vida de un político homosexual en la época de la transición. Tanto en esa película como en la que analizamos hoy, se aborda a los personajes con un respeto muy inusual para la época. 

En “Flor de Otoño”, destaca la escena final en la que los guionistas optaron por dejar que el actor hiciera una muestra o declaración sobre su transexualidad sin decir una sola palabra. Otros personajes, conocidos del ambiente gay de Madrid y Barcelona por aquel entonces, aceptaron participar en la película. Entre ellos destacan el transformistas Paco España y un joven Pedro Almodóvar, antes de que se convirtiera en un exitoso director de cine. José Sacristán ganó el premio al mejor actor en el Festival de San Sebastián, así como el Premio San Jordi al mejor actor.
 
LO MEJOR
Toda una sorpresa que aborda el mundo de la transexualidad y el transformismo que no he visto incluso en películas más actuales. Sacristán realiza un trabajo excepcional mostrando una dualidad asombrosa y de lo más convincente. 

La película mezcla la trama de la vida del transformismo en la noche de la época con el conflicto político de una forma francamente interesante. Tanto la ambientación como el vestuario están cuidados al máximo, y los personajes están perfectamente definidos. Me encantaron las escenas de las actuaciones de Sacristán como Flor de Otoño, y esa manera de introducirnos al mundo del ambiente de aquella época.
 
LO PEOR
La película posee una carga de realismo impactante en los diálogos, pero lamentablemente hay ocasiones que se cae en una cursilería que daña dicho realismo. Destacaría especialmente la escena en la que Lluís revela su doble vida a su madre, de una forma completamente alejada de cualquier realismo. Con la idea de conmover, pues es una escena emotiva, se cae en una cursilería que chirría en contraste con el resto del film
 
MI CALIFICACIÓN
7/10

LA PASIÓN DE VIVIR

TÍTULO ORIGINAL
The Music Lovers
AÑO DE ESTRENO
1971
DIRECCIÓN
Ken Russell
PRODUCCIÓN
Ken Russell
GUION
Melvyn Bragg
REPARTO
Richard Chamberlain (Tchaikovsky), Glenda Jackson (Nina), Max Adrian (Nikolai Rubinstein), Christopher Gable (Conde Anton Chiluvsky), Kenneth Colley (Modeste Tchaikovsky), IzabellaTelezynska (Madame Nadezhda von Meck), Maureen Pryor (Madre de Nina), Sabina Maydelle (Sasha Tchaikovsky), Andrew Faulds (Davidov), Bruce Robinson (Alexei Sofronov), Ben Aris (Joven Teniente), Xavier Russell (Koyola), Dennis Myers (Gemelo Von Meck), John Myers (Gemelo Von Meck), Joanne Brown (Olga Bredska), Alexei Jawdokimov (Dmitri Shubelov), Alexander Russell (Niño Von Meck), Clive Cazes (Médico), Georgina Parkinson (Odile), Alan Dubreuil (Príncipe en Lago de los Cisnes)
CINEMATOGRAFÍA
Douglas Slocombe
BANDA SONORA
André Previn
VESTUARIO
Shirley Russell
PAÍS DE ORIGEN
Reino Unido
DISTRIBUCIÓN
United Artists
DURACIÓN
124 minutos
 

TCHAIKOVSKY: “Debo pedirte que me perdones Nina. Nunca debí convertirme en tu marido. No puedo esperar que ni me trates como a un hermano. Tú querías un marido; yo quería matrimonio, no una esposa. Creerás que estoy loco, pero eso es lo que quería, matrimonio sin esposa. Loco, loco y ridículo.”
NINA: “No estás loco Pyotr. Lo entiendo. Nunca pensé que pudieras amarme inmediatamente y quizá nunca lo hagas, pero puedo esperar.”
TCHAIKOVSKY: “No puedo cambiar. Creo que sabes por qué.”
NINA: “No puedes condenar toda tu vida a causa del pasado. Las personas no se rigen por lo que les sucedió en el pasado.”
TCHAIKOVSKY: “¡Yo sí!”
NINA: “No dejaré que seas, no, todas aquellas cosas que me dijiste… que querías llevar una vida normal, una vida buena para ser como los demás… lo sentías no has cambiado.”

TCHAIKOVSKY: “Lo que te dije fue un sueño. ¡Nada más! Todos lo dijeron desde el principio, Modeste, Sasha, todos.”
NINA: “Todos quieren estropear aquellas palaras. Rubinstein estuvo aquí esta mañana, intentando sobornarme. Dijo que ya no componías y que yo era la culpable.”
TCHAIKOVSKY: “Tienen razón, no he compuesto nada desde nuestro matrimonio. Todo lo que hago es corregir trabajos que ya tenía hechos, hago copias a mis propios cadáveres. ¡No queda nada vivo en mí!”
 
SINOPSIS
El compositor y profesor de piano Pyotr Ilych Tchaikovsky mantiene una relación homosexual con el apuesto Conde Anton Chiluvsky, pero cada vez siente más presión por parte de sus amigos y familia para que abandone su irresponsable estilo de vida. 

Su tutor Nikolai Rubinstein aprecia su talento, pero observa que sus composiciones contienen aspectos modernistas que son inaceptables. Sin embargo, Tchaikovsky tiene un golpe de suerte cuando Nadezhda Von Meck, viuda de un magnate, decide patrocinar su trabajo al considerarlo un compositor de enorme talento. Tchaikovsky también decide cambiar su vida y casarse con Antonina Miliukova, una joven apodada Nina que le ha estado escribiendo cartas de amor.
Tchaikovsky reniega de su Anton y de su homosexualidad, casándose con Nina, pero el matrimonio se convierte en un completo desastre. Nina muestra una conducta desequilibrada que empeora con sus celos e incapacidad de obtener una relación sexual satisfactoria con su nuevo marido. La situación también afecta al compositor, que sufre un bloqueo artístico y se ve incapaz de componer nada. A pesar de optar por distanciarse de Nina, Tchaikovsky vuelve a rechazar a Anton. Su hermano Modeste intenta reconducir su vida, cuando la oportunidad del éxito vuelve a llamar a su puerta.

 
CURIOSIDADES
Después de ver algunos de los trabajos televisivos de Russell para la televisión, Harry Saltzman expresó su deseo de trabajar con él. Russell ya había llevado a cabo varias películas televisivas sobre sobre compositores como Debussy o Richard Strauss, por lo que sugirió crear una película biográfica sobre Tchaikovsky, pues era un compositor por el que sentía especial admiración. Saltzman deseaba realizar algo más comercial, lo que llevó a la creación de “Un Cerebro de un Millón de Dólares” (1967). Tras esto, Russell intentó convencerlo para que financiara la película de Tchaikovsky, pero Saltzman se negó porque Igor Talankin ya estaba realizando una película sobre el compositor. Después del éxito de su película “Mujeres Enamoradas” (196), United Artists accedió a financiar el proyecto. Russell declaró más adelante que si no hubiera declarado que la película trataba sobre un homosexual que se enamoraba de una ninfómana, el proyecto nunca habría sido financiado.

El guion se basó parcialmente en una recopilación de cartas de Tchaikovsky publicadas en 1937 bajo el título “Beloved Friend”. Se trata de la correspondencia mantenida entre el compositor y su mecenas Nadezhda Von Meck. El título fue inicialmente “Tchaikovsky” pero hubo que cambiarlo al ser el mismo de la versión de Talankin, que ya se había estrenado, y pasó a ser “The Lonely Heart”. Sin embargo la opción final fue la de “The Music Lovers”, haciendo referencia a todos los personajes que aman al compositor a través de su música. Para Russell, era importante que la película mostrara el hecho de que Tchaikovsky era incapaz de amar a nadie, a pesar de poder componer música hermosa. La película abordaba como los artistas debían trascenderá a sus problemas personales, utilizándolos para crear.
 
LO MEJOR
Sin duda alguna tengo que destacar el trabajo que realiza Glenda Jackson, cuyo personaje maneja a la perfección mostrándonos una evolución asombrosa. 

Richard Chamberlain también resulta excepcional, aunque no llega al nivel de la actriz. La película se concentra más en los traumas del compositor, y las consecuencias de rechazar su propia homosexualidad. Es cruda al mostrar las debilidades de los personajes, pero ese realismo resulta fascinante y realista.
 
LO PEOR
Quizás una biografía no sea el mejor material para Russell, más propenso a dar rienda suelta a su imaginación. Aunque respeta elementos clave de los aspectos de la vida de los personajes, hay escenas que se puede ver surgen de su deseo de escandalizar a los entonces menos receptivos espectadores. Da la sensación  de exagerar a menudo.
 
MI CALIFICACIÓN
7/10

TODOS HABLAN DE JAMIE

TÍTULO ORIGINAL
Everybody's Talking About Jamie
AÑO DE ESTRENO
2021
DIRECCIÓN
Jonathan Butterell
PRODUCCIÓN
Mark Herbert, Peter Carlton, Arnon Milcham
GUION
Tom MacRae
REPARTO
Mark Harwood (Jamie New), Lauren Patel (Pritti Pasha), Sarah Lancashire (Margaret New), Shobna Gulati (Ray), Richard E Grant (Hugo Battersby), Sharon Horgan (Señorita Hedge), Samuel Bottomley (Dean Paxton), Ralph Ineson (Padre de Jamie), Adeel Akhtar (Imad Masood), Kacie Doocey (Bex Pinter), Saskia Davis (Becca Taylor), Ellis Brownhill (Callum Bell), Riya Gadher (Fatimah Begum), Zion Battles (Levi Brookes), Deavion Brown (Cy Campion), Dylan Galliah (Mickey Cooper), Tyreese Remy-Henderson (Emmanuel Dolby)
CINEMATOGRAFÍA
Christopher Ross
BANDA SONORA
Anne Dudley, Dan Gillespie Sells
VESTUARIO
Guy Speranza
PAÍS DE ORIGEN
Reino Unido
DISTRIBUCIÓN
Amazon Studios
DURACIÓN
115 minutos
 

JAMIE NEW: “Las Drag Queen de antes no eran solo reinas, eran reinas guerreras. Yo creía que lo tenía difícil. Ellas tenían al mundo en su contra y nunca se achantaban, y yo… Yo solo quiero bailar, llamar la atención y ser famoso. El Drag no es solo un concurso de televisión; es una revolución.”
PRITTI PASHA: “Adelante, únete a la revolución.”
 
JAMIE NEW: “Mamá, ¿nunca has deseado que fuera normal?”
MARGARET NEW: “No, nunca. Además, ¿qué es ser normal? ¿Esto es lo normal para ti?”
JAMIE NEW: “Ya, pero si fuera normal podría ir al baile. Si fuera normal papá no se habría ido.”
MARGARET NEW: “Tú padre es tonto. Tú no has hecho nada malo Jamie, nunca lo has hecho. Pero me da pena, me da pena por él y por todo lo que se esta perdiendo. Porque mírate, ¿eh? Todavía puedes ir al baile si quieres. Da igual si es con pantalón, con vestido o desnudo, con tal de que seas tú. Porque hagas lo que hagas, ti siempre serás bello.”

 
SINOPSIS
Jamie New siempre se ha sentido diferente, su gran sueño siempre ha sido convertirse en una Drag Queen de gran éxito. Llegado el día de su dieciséis cumpleaños, su madre soltera le regala los tacones para los que llevaba ahorrando desde hacía mucho tiempo. Su madre Margaret le adora y es consciente de que su hijo es gay y siente interés por el mundo del Drag, mientras que su padre se ha casado de nuevo, y no quiere saber nada de Jamie. La mejor amiga de Jamie es una musulmana llamada Pritti Pasha, que decide apoyarlo cuando Jamie decide convertirse en Drag Queen y acudir al baile del instituto vestido de mujer.
Jamie se enfrenta a varios frentes. Uno es la homofobia de su compañero de clase Dean, otro el de su profesora la Señorita Hedge, y el último sus propias inseguridades. Sin embargo, Jamie conoce a Hugo Battersby, dueño de una tienda de ropa de Drag Queen, y que ejerció como tal durante muchos años. Su historia de lucha y sacrificios inspira al joven, que se decide a llevar a cabo sus sueños. 

Jamie actúa por primera vez como Fifi la True en un bar y la experiencia le otorga excesiva confianza. Sin embargo, no tarda en descubrir que su padre le repudia y que la Señorita Hedge no le permitirá acudir al baile vestido de mujer.
 
CURIOSIDADES
La película fue dirigida por el debutante Jonathan Butterrell con un guion escrito por Tom MacRae, basado por en su propio musical del mismo título. El músical fue estrenado en febrero de 2017, que a su vez fue adaptado del documental de la BBC titulado “Jamie: Drag Queen a la Edad de 16” creado por Jenny Popplewell. La historia esta basada en la verdadera historia de un estudiante de instituto llamado Jamie Campbell, que tuvo que superar los prejuicios y abusos para convertirse en Drag Queen. Jamie ya había salido del armario a la edad de catorce años, y decidió convertirse en Drag Queen a la edad de dieciséis. Para Jamie era esencial que la película lograra capturar el humor británico a la perfección y representara la vida de la clase trabajadora.

Después de pasar años actuando en musicales, Richard E Grant debutó como cantante en esta película. Su canción “This Was Me” fue escrita para la película, con la intención de mostrar las dificultades de las Drag Queens de la década de 1980, luchando contra la homofobia y las devastadoras consecuencias de la pandemia del SIDA. Para prepararse para el papel Grant vio once temporadas del concurso “RuPaul’s Drag Race” (2009) en tres semanas. John McCrea aparece en el papel de la joven Loco Chanel en escenas flashback, y de hecho fue el actor que interpretó por primera vez a Jamie en el musical. Layton William, que también interpretó al personaje, participa como bailarín en la película. La versión cinematográfica eliminó las canciones “The Legend of Coco Chanelle (and the Blood Red Dress)" "If I Met Myself Again", "Limited Edition Prom Night Special", "Ugly in This Ugly World", y "Prom Song". La pandemia de Covid-19 provocó retrasos en el estreno de la película, que contó con distribución limitada en algunos cines tras ser distribuida en la plataforma Amazon Prime Video.

 
LO MEJOR
La película es sin duda una oda a la liberación individual y la lucha contra los prejuicios. Me pareció original la idea de que el protagonista no luchara por salir del armario, habiendo pasado ya ese trance, sino por convertirse en Drag Queen. La película cuenta con números musicales excepcionales y un gran trabajo por parte de varios actores como Sarah Lancashire o Richard E Grant. Sin embargo, cabe señalar que Lancashire destaca con diferencia. El número musical de Grant, mostrando su evolución como Drag Queen en una época de homofobia y pandemia de SIDA me conmovió de manera muy especial y particular. Los números musicales me parecieron muy bien coreografiados y transmiten una diversidad de sentimientos admirables. En terminos generales la película transmite un gran mensaje y colabora a la hora de transmitir un mensaje de tolerancia todavía necesario

 
LO PEOR
Creo que la película no logra mostrar el proceso de Jamie con todo el realismo necesario, y que al final se nos regala un final de celebración que no se corresponde del todo con la realidad. Mark Harwood realiza una labor aceptable, pero me resultó poco convincente en ocasiones. Es difícil de creer que el final fuera tan apoteósicamente feliz, y no me gustó que se mostrara así en contraste con la dureza de la historia del personaje de Grant.

 
MI CALIFICACIÓN
7/10

LOS CHICOS DE LA BANDA

TÍTULO ORIGINAL
The Boys in the Band
AÑO DE ESTRENO
2020
DIRECCIÓN
Joe Mantello
PRODUCCIÓN
Joe Mantello, Ned Martel, Alexis Martin Woodall, Ryan Murphy, David Stone
GUION
Mart Crowley, Ned Martel
Basado en la obra de teatro de Mart Crowley
REPARTO
Jim Parsons (Michael), Zachary Quinto (Harold), Matt Bomer (Donald), Andrew Rannells (Larry), Charlie Carver (Cowboy), Robin de Jesús (Emory), Brian Hutchison (Alan), Michael Benjamin Washington (Bernard), Tuc Watkins (Hank), Brian Dole (Joven bohemio), Mark Thomas Young (Joven Peter Dahlbeck), Alpha Miknas (Joven Bernard)
CINEMATOGRAFÍA
Bill Pope
BANDA SONORA
Inaplicable
VESTUARIO
Lou Eyrich
PAÍS DE ORIGEN
Estados Unidos
DISTRIBUCIÓN
Netflix
DURACIÓN
122 minutos
 

HAROLD: “La belleza es un don efímero, demasiado transitoria, terriblemente transitoria. ¿Cuánto puede durar? ¿Treinta o cuarenta o cincuenta años como mucho? Sí, es una pena la cara que este pobre niño tiene. Es trágico, absolutamente insultante. ¿Y cómo puede una belleza así compararse con mi alma? Y, aunque nunca he visto mi alma, el rabino de mi madre dice que es despampanante. Yo sin embargo no la encuentro para echarle un vistazo y si pudiera, la cambiaría al instante por una transitoria, superficial y simple belleza.”
 
HAROLD: “Ahora me toca a mí. Aunque no estes listo, Michael, allá voy. Tú eres y serás un hombre patético. Tú eres homosexual y no quieres serlo, pero no puedes hacer nada para cambiarlo. Ni con todas tus plegarias a tu Dios, ni con todo el psicoanálisis que puedas pagar en los años que te queden por vivir. Tal vez algún día sepas lo que significa llevar una vida heterosexual, si lo quieres desesperadamente, si lo persigues con el fervor con el que te gusta aniquilar. Pero a pesar de todo tú siempre serás homosexual. Siempre, Michael, siempre, hasta el día de tu muerte.”

 
SINOPSIS
Michael es un homosexual católico, cuyos amigos más cercanos forman un grupo conocido como “Los Chicos de la Banda”. Es el cumpleaños de Harold, un miembro del grupo de amigos, y Michael se encarga de preparar una fiesta para él. A la fiesta acuden Donald, antiguo amante de Michael inmerso en autoanálisis, Bernard, Emory y la pareja formada por Hank y Larry. Como regalo de cumpleaños, Emory lleva a un atractivo chapero con el apodo de Cowboy. La fiesta comienza con risas y bailes, hasta que aparece en el apartamento Alan, un antiguo amigo de Michael de la universidad, claramente afectado, y llegando tarde Harold completamente fumado.
La tensión empieza a aumentar, ya que Alan se muestra homofóbico y agresivo, y Michael vuelve a beber, así como el resto de los comensales. Sospechando que Alan necesita salir del armario, Michael organiza un retorcido juego. 

Cada uno de los invitados deberá llamar a aquella persona de la que estuvieron enamorados, y por la que aún sienten algo, y confesar sus verdaderos sentimientos. Pero el juego puede volverse en contra del anfitrión al mismo tiempo que pone a prueba la amistad de los miembros del grupo.
 
CURIOSIDADES
La película está basada en la obra de teatro creada por Mart Crowley, que estrenó en Nueva York en el año 1968. Dos años más tarde, el propio Crowley se embarcó en llevar su obra a la gran pantalla. Para ello volvió a reunir al mismo reparto que había utilizado dos años atrás. El proyecto tuvo serias dificultades, sobre todo considerando que solo había pasado un año desde los disturbios de “Stonewall”, que generaron la conocida manifestación del Orgullo Gay. En abril de 2019, Ryan Murphy anunció que la obra de teatro volvería a ser adaptada para la plataforma Netflix. Murphy ya había vuelto a recuperar la obra de teatro en Broadway el año anterior, y confirmó que su director Joe Mantello se encargaría también de la nueva adaptación. 

También se confirmó que el reparto de la obra de teatro volvería a interpretar a los personajes en la adaptación, convirtiendo la película en una producción con solamente actores gais.
El rodaje comenzó en julio de 2019 en Los Ángeles, pero el estreno se retraso debido a la pandemia hasta septiembre de 2020. La película fue dedicada al creador de la obra, Mart Crowley, quien falleció en marzo de 2020 debido a un ataque al corazón tras haber sido sometido a cirugía a corazón abierto. La película cuenta con un reparto de actores muy conocidos como Jim Parsons, Zachary Quinto o Matt Bomer. Una de las controversias fue el decidir mantener el vocabulario racista y homófobo que se empleaba en la obra, pero se optó ser fiel por motivos de realismo. Michael Benjamin Washington, que era el único miembro afroamericano del reparto declaró, refiriéndose al vocabulario, que si un hombre negro actuaba como su no fuera, entonces dejabas de estar contando la verdad. Parsons explicó que hacer uso de esas expresiones supuso todo un reto para él, y que no hubo momento en el que no sintió mal. 

Pero era importante que los espectadores sintieran el malestar y la marginalización de la comunidad gay de la época. El director Joe Mantello declaró que no creía que eliminar aquello que nos incomodaba era signo de proceso, y que su responsabilidad era hacia la historia. Y esta era una historia del coste de la opresión, y como esta te obliga a actuar de forma que hoy en día sería considerada inhumana.
 
LO MEJOR
Soy un gran fan de la película de 1970, aunque debo admitir que nunca he tenido la oportunidad de ver la obra de teatro. El gran reto era que la acción se desarrollaba en un apartamento durante dos horas, y esto no suele funcionar tan bien en una película como lo haría en una obra de teatro. Personalmente, creo que la película de 1970 triunfó al enfrentarse a ese gran reto con un gran reparto. Así que en esta ocasión estaba algo nervioso, ya que no soy un gran fan de los remakes. Sin embargo, el reparto resultó igualmente excepcional y casi se percibía el respecto que esta generación de actores sentía hacia sus predecesores. 

La mayoría del reparto original muró víctima del SIDA, y creo que con esta adaptación tenemos un gran homenaje a su trabajo, en una época en la que nadie veía películas de temática gay. La nueva generación triunfa recreando esa atmosfera de finales de la década de 1960 en la comunidad gay, reflejando sus temores, frustraciones, flaquezas y puntos fuertes.
 
LO PEOR
Creo que la idea de incluir escenas de flashback sobre eventos que nos llevan fuera del apartamento fue un error. La película cuenta con un guion lo suficientemente intenso como para necesitar recurrir a esto. Las escenas son muy buenas, pero innecesarias.
 
MI CALIFICACIÓN
9/10