LONESOME COWBOYS

TÍTULO ORIGINAL 

Lonesome Cowboys
AÑO DE ESTRENO
1968
DIRECCIÓN
Andy Warhol
PRODUCCIÓN
Paul Morrissey
GUION
Paul Morrisey
REPARTO
Viva (Ramona Alvarez), Tom Hompertz (Julian), Louis Waldon (Mickey), Eric Emerson (Eric), Taylor Mead (Enfermera), Joe Dallesandro (Little Joe), Francis Francine (Sheriff), Julian Burrough (Hermano), Allen Midgettte (Hermano)
CINEMATOGRAFÍA
Paul Morrissey
BANDA SONORA
Inaplicable
VESTUARIO
Sin acreditar
PAÍS DE ORIGEN
Estados Unidos
DISTRIBUCIÓN
Sherpix
DURACIÓN
109 minutos
 

RAMONA: Me acabo de dar cuenta de que son mártires, y que lo aceptan y disfrutan sin quejarse. Si has sido educado para ser un mártir a manos de monjas, ya es tarde para salir de esa situación cuando llegas a la veintena, o incluso en la adolescencia. Es algo que ya se ha arraigado en tu interior y sientes que tu mayor objetivo es alcanzar el martirio. ¿Tú te sientes así?
JULIAN: No, yo no.
RAMONA: ¿Por qué? Eres la única persona que he conocido que no lo hace.
JULIAN: Porque soy diferente, eso es todo.
RAMONA: Bueno ya sabía que eras diferente, pero no puedo explicarlo. ¿Sabes de que estoy hablando?
JULIAN: No, no lo entiendo.

RAMONA: Por eso me lo monto con tantos hombres, porque quiero que sepan la verdad. Todos procedemos del mar, y a menos que volvamos al mar o nos unamos al cosmos, no lograremos sobrevivir como seres humanos. Y ya sé que suena cursi, como sacado de algún libro de algún misticismo indio, pero es la verdad. Los gusanos, los gusanos lo hacen, todos lo hacen menos nosotros.
 
SINOPSIS
Ramona Álvarez se encuentra en un pueblo del salvaje oeste, acompañada de su totalmente drogado enfermero. Ambos son testigos de la llegada de cinco apuestos vaqueros al pueblo. Los cinco resultan ser vaqueros homosexuales, y al igual que Ramona y su enfermero, han desarrollado una obsesión por un apuesto hombre solitario. La única excepción es el sheriff travesti del pueblo, que solo se preocupa de su vestuario. Los vaqueros llegan a un nivel de libido insoportable, y ni siquiera sus relaciones sexuales consiguen satisfacerles. Esto provoca que un nuevo encuentro con Ramona decidan violarla.

Tras este suceso, Ramona consigue seducir al apuesto hombre solitario y mantiene relaciones sexuales con él. Después de la experiencia decide que es mejor morir y le pide ayuda al enfermero, intentando convencer al apuesto hombre solitario para que se una a ella. El joven solitario rechaza la oferta de Ramona y decide marcharse cabalgando hacia el horizonte junto a otro hombre.
 
CURIOSIDADES
La película fue rodada en enero de 1968 en Old Tucson y el Rancho Linda Vista de Oracle, Arizona. Duró un total de quince días e hizo uso de un presupuesto de tres mil dólares. La trama esta basada parcialmente en la obra “Romeo y Julieta” de William Shakespeare, y del título se derivaron los nombres de los personajes de Ramon y Julian. Contó con los artistas habituales de Warhol, Viva, Taylor Mead, Louis Waldon, Eric Emerson y Joe Dallesandro. El origen de la película se remonta a 1967, año en el que Warhol realizaba una serie de presentaciones universitarias en Arizona.

Aprovechó para realizar muestras de extractos de su película “Chelsea Girls” (1966) en la Universidad Arizona State, seguidas de una sesión de preguntas y respuestas con los artistas Morrissey, Viva y Alan Midgette. Tanto Warhol como Viva disfrutaron tanto de su estancia en Arizona, que comenzaron a planear la forma de volver. De ahí salió la idea de hacer un western escrito por el propio Morrissey.
Fue una de las últimas película dirigidas por el propio Warhol, con la asistencia de Paul Morrissey. El rancho en el que tuvo lugar el rodaje estaba a la vista de todos los turistas que frecuentaban la zona, lo cual fue lo que más dificultó el rodaje. Tanto los turistas como los lugareños de Old Tucson se sintieron provocados a ser testigos del rodaje de escenas sexualmente explicitas. Aseguraron que el equipo de Warhol mantenía una actitud grosera, y esto dio lugar a una creciente hostilidad. Los empleados de Old Tucson se burlaban constantemente del equipo de rodaje, acusándolos de perversión, lo que dio lugar a que el equipo de Warhol terminara bajo vigilancia constante. 

Warhol terminó por desistir y trasladar el rodaje al Rancho Linda Vista en Oracle. Pero ese no fue el único problema, ya que surgieron discrepancias entre Warhol y su gran estrella Viva que aseguró que sus escenas sexuales se repetían incluso fuera de rodaje. De hecho abandonó una escena de rodaje en la que la violación debía ser ficticia. De regreso a Nueva York tuvo un gran enfrentamiento con Warhol. Esta presunta violación dio lugar a una denuncia ante el FBI de Nueva York, que a partir de aquel momento mantuvo a Warhol vigilado, bajo sospecha de difundir material obsceno y no voluntario.
Al principio Warhol deseaba que la película se titulara “Fuck” y después lo cambió por “The Glory of Fuck”. Poco después Warhol sufrió un atentado a manos de Valerie Solanas. Mientras se recuperaba, Morrissey lo convenció para que cambiara el título por el de “Lonesome Cowboys”. La interpretación de Viva fue especialmente elogiada, sobre todo un monologo descarado y católico que improvisó durante una escena en la que intentaba seducir a uno de los vaqueros.

CRÍTICA PERSONAL
No voy a negar que hay alguna que otra escena divertida, y que Warhol tiene una habilidad innata para destacar la belleza de sus actores predilectos. La película también logra defender la idea de la obsesión inútil por la belleza física.
El cine experimental existe, pero también lo hace el cine desastroso. La película es un desastre monumental en el que la trama esta poco cuidada y los actores no son tan excepcionales como se ha dado a entender. Aunque un presupuesto limitado es comprensible a la hora de obtener una cinematografía deficiente, creo que bien se pudiera haber hecho el esfuerzo de grabar cuando un avión no sobrevolara por la zona de rodaje, y es que se puede escuchar perfectamente el sonido. Warhol nunca me ha convencido. Me parece pretencioso y sobrevalorado, si bien estoy dispuesto a reconocer que fue osado y rompedor.
 
CALIFICACIÓN
3- Deficiente

TEOREMA

TÍTULO ORIGINAL

Teorema

AÑO DE ESTRENO

1968

DIRECTOR

Pier Paolo Pasolini

PRODUCTORES

Franco Rossellini, Manolo Bolognini

GUION

Pier Paolo Pasolini

REPARTO

Terence Stamp (El Visitante), Silvana Mangano (Lucia, la madre), Massimo Girotti (Paolo, el padre), Anne Wiazemsky (Odetta, la hija), Laura Betti (Emilia, la sirvienta), Andrés José Cruz Soublette (Pietro, el hijo), Ninetto Davoli (Angelino, el mensajero), Carlo de Mejo (Muchacho), Adele Cambria (Emilia, segunda sirvienta), Luigi Barbini (Chico en la estación), Giovanni Ivan Scratuglia (Segundo chico), Alfonso Gatto (Médico)

CINEMATOGRAFÍA

Giuseppe Ruzzolini

BANDA SONORA

Ennio Morricone

VESTUARIO

Marcella De Marchis

PAÍS DE ORIGEN

Italia

DISTRIBUCIÓN

Euro International Film

DURACIÓN 
98 minutos

PIETRO: Ya no me reconozco. Aquello que me hacía semejante a otros ha sido destruido. Me parecía a los demás a pesar de mis defectos, los míos y los de mi mundo. Tú alteraste el orden natural de las cosas. No me di cuenta durante el tiempo de tu estancia. Lo empiezo a comprender ahora que te marchas. Al perderte tomo consciencia de mi diversidad. ¿Qué pasará conmigo? Viviré con mi otro yo, que ya no tiene nada que ver conmigo. Las raíces de mi diversidad deben encontrarse, tal y como tú me enseñaste. ¿Y cuál es mi verdadera naturaleza afligida? Sin desearlo no lo podré superar con todo y todos contra mí.

SINOPSIS

Un hombre misterioso conocido únicamente como el Visitante se involucra en la vida de una típica familia burguesa Italia. El enigmático hombre no tarda en iniciar aventuras sexuales con cada uno de los habitantes de la casa. 

Una es la doncella religiosa Emilia, otro el hijo sensible Pietro, otra la madre reprimida Licia, otra la hija tímida Odetta y el atormentado padre Paolo. Durante esos encuentros el Visitante se entrega en todo momento, sin pedir nada a cambio. Impide que la doncella se suicide y la consuela con cariño. Se hace amigo y se acuesta con el asustadizo hijo calmando sus dudas y ansiedad, y otorgándole confianza. Desarrolla una relación íntima emocional con la hija sobreprotegida, eliminando sus pensamientos inocentes acerca de los hombres. Seduce a la aburrida e insatisfecha madre, dándole placer sexual y sentido del propósito. Y cuida y consuela al desesperanzado padre enfermo.

El problema surge el día en el que el Visitante anuncia que debe marcharse, dejando a toda la familia sumida en la desesperanza. Cada uno de los miembros de la familia siente incertidumbre sobre el futuro, sin el desconocido que ha formado parte de sus vidas y les ha dado un nuevo sentido.

CURIOSIDADES

La película es considerada como la segunda parte del “Ciclo Mítico” de Pier Paolo Pasolini, que incluye los films “Edipo Rey” (1967) “Pocilga” (1969) y “Medea” (1969). Al ser estrenada la derecha religiosa y el Vaticano criticaron el contenido sexual de la película; mientras otros la consideraron ambigua y visionaria. Durante el Festival de Cine de Venecia, la película recibió un premio de la Oficina de Cine Católica Internacional. Pero el premio fue retirado tras las críticas emitidas por el Papa Pablo VI. Una vez finalizado el festival, la película fue confiscada por la policía italiana, y Pasolini acusado de obscenidad, aunque fue absuelto. Los académicos la juzgaron de forma diferente elogiando su franqueza y ambigüedad.

A la hora de desarrollar críticas, muchos académicos se concentraron en los argumentos filosóficos de la película, ignorando las técnicas cinematográficas de la misma. Maurizio Viano argumento que Pasolini intentaba ser teórico en esta película, para ser reconocido como tal en la historia del cine.

Otra interpretación general de la película se basó que la historia era una crítica de la burguesía social, así como de la aparición y nueva relevancia del consumismo. En su trabajo biográfico “Pier Paolo Pasolini”, Enzo Siciliano asumió que con la película el director deseaba expresar sus dificultades como homosexual. Sin embargo Viano creía que el énfasis de Pasolini no era la homosexualidad, sino la sexualidad en general. Su argumento era que después de todo el personaje principal mantenía relaciones con todos los habitantes de la casa, independientemente de su género.

Otra interpretación más convincente para muchas, era que la trama era Marxista y Maquiavélica. Muchos pensaron que como declarado comunista, Pasolini deseaba realizar una crítica sobre la decadencia de la burguesía y el proletariado del sur de Italia. Ambos aspectos de la sociedad necesitaban de la aparición de un gran personaje, modelado a partir de la idea Maquiavélica del Principe, para agitar las consciencias y poner al país en el camino acertado. 

El hombre viril interpretado por Terence Stamp simbolizaba ese necesario liderazgo, revelando las verdades ocultas de los personajes y liberándoles para que pudieran alcanzar su potencial. Pasolini escribió y publicó la novela del mismo título el mismo año del estreno de la película.

CRÍTICA PERSONAL

Durante la primera mitad de la película me sentí un poco interesado por el personaje de Terence Stamp, y su relación con la familia. Algunos diálogos me parecieron interesantes.

Debo empezar alegando que nunca discutiré la aceptada noción de que Pasolini fue un gran cineasta. Dicho esto, tengo que reconocer que nunca me he sentido mínimamente interesado por sus trabajos. Por lo general, este tipo de cine siempre me ha parecido bastante pretencioso, sobre todo cuando es acogido con confusión y se critica al espectador que no ha entendido el supuesto genial mensaje. 

En mi caso, más que no entender el mensaje, me encontré con que no me interesaba lo más mínimo el intentarlo. La película no tardó en tornarse tediosa, aburrida e insufrible. Ni siquiera la encontré escandalosa, ya que de ser así algo me habría afectado.

Siempre me ha dado la sensación que la intención de Pasolini era más la de provocar que la de transmitir mensaje alguno. Cuando uno está interesado en transmitir un mensaje, no lo hace tan imposible. El hecho es que a la hora de investigar esta película me encontré con infinidad de interpretaciones por parte de numerosos académicos. Aunque existen algunos elementos comunes, no me dado la sensación de un consenso general sobre la trama y su propósito.

Esto me lleva a pensar que el director ha fracasado, o solamente ha tenido el propósito de confundir y despertar una polémica que acaba por difuminarse con el tiempo.

CALIFICACIÓN

2- Mal

EL SARGENTO

TÍTULO ORIGINAL

The Sergeant

AÑO DE ESTRENO

1968

DIRECTOR

John Flynn

PRODUCTOR

Richard Goldstone

GUION

Dennis Murphy

Basado en su propia novela

REPARTO

Rod Steiger (Sargento Albert Callan), John Phillip Law (Soldado de Primera Tom Swanson), Ludmila Mikaël (Solange Gérard), Frank Latimore (Capitán Loring), Elliott Sullivan (Pop Henneken), Ronald Rubin (Cabo Cowley), Philip Roye (Aldous Brown), Jerry Brouer (Sargento Komski), Memphis Slim (Cantante del pub)

CINEMATOGRAFÍA

Henri Persin

BANDA SONORA

Michel Magne

VESTUARIO

Sin acreditar

PAÍS DE ORIGEN

Estados Unidos

DISTRIBUCIÓN

Warner Bros, Seven Arts

DURACIÓN
108 minutos

SARGENTO CALLAN: Swanson, esto es una base del ejército.

TOM SWANSON: Te iré a ver esta noche.

SARGENTO CALLAN: No.

TOM SWANSON: ¿Qué quiere decir?

SARGENTO CALLAN: Quiero decir que estás restringido.

TOM SWANSON: ¿Restringido? Las reglas conceden permisos nocturnos.

SARGENTO CALLAN: Yo hago las reglas.

TOM SWANSON: Sí, realmente las haces. ¿Verdad?

SARGENTO CALLAN: Tranquilícese.

SOLANGE GÉRARD: Tengo que irme.

SARGENTO CALLAN: Es una buena idea. Creo que tendrías que sacar a la chica de aquí.

TOM SWANSON: Espere un momento.

SARGENTO CALLAN: ¿Qué quiere decir con "espere un momento"? Esto es una base del ejército. ¡Saque a la chica de aquí!

SOLANGE GÉRARD: Sí, vámonos. Vámonos.

SARGENTO CALLAN: Si quiere echar un polvo, ¿por qué no vas a por una puta del burdel?

SINOPSIS

El Sargento Albert Callan es un veterano de la Segunda Guerra Mundial que ha sido condecorado por sus heroicos servicios en Francia en el año 1944. En el año 1952, es enviado a una base militar que se dedica al suministro de combustible. Allí conoce al Capitán Loring, que ha desatendido por completo la disciplina de la base, y a menudo se da a la bebida. Debido a esto, el Sargento Callan encuentra el campamento sumergido en completo desorden, suciedad y ausencia total de disciplina. Decidido a corregir esto, Callan toma las riendas, adoptando medidas intimidantes y a menudo excesivamente estrictas.

Entre los soldados del campamento se encuentra el Soldado de Primera Tom Swanson, hacia el cual Callan comienza a sentir una atracción física secreta. 

Swanson se ve coaccionado a aceptar un trabajo como subalterno al servicio de Callan, con quien tiende a chocar a menudo debido a su personalidad tranquila. Aunque en ocasiones ambos logran llevarse bien, las cosas empeoran cuando Callan conoce a la atractiva Solange, novia de Tom. A espaldas de Tom, Callan intimida a la joven deseando ahuyentarla. Al mismo tiempo, la confusión del Sargento acerca de su atracción hacia Tom Swanson, provoca que caiga en una depresión que da paso a la bebida. Hasta que un día, no lograra controlar sus impulsos.

CURIOSIDADES

En el año 1966, Robert Wise fundó una compañía para poder producir películas de bajo presupuesto, que otros pudieran dirigir. Se hizo con los derechos de la novela de Dennis Murphy “El Sargento”, publicada en el año 1958; y el propio autor se encargó de adaptar su novela para crear el guion. 

Tras esto, Wise contrató a su antiguo ayudante, John Flynn para que dirigiera el proyecto. Años después, John Flynn declararía el deber su carrera como director a la oportunidad que Wise le prestó. “El Sargento” fue la primera película producida por la compañía de Robert Wise.

Simon Oakland intentó hacerse con el papel del protagonista, el Sargento Callan, por todos los medios. Llegó a decirle a Flynn que estaba dispuesto a no cobrar nada por interpretarlo. Sin embargo, Rod Steiger también estaba dispuesto a interpretarlo por un sueldo aceptable y nada excesivo. La decisión fue contratar a Steiger, pues acababa de hacerse con el Oscar por su interpretación en la película “En el Calor de la Noche” (1967).

Flynn declaró que Steiger era un gran actor, aunque extremadamente triste y solitario. Estos aspectos de su personalidad habían contribuido a que su interpretación fuera sobresaliente. El rodaje tuvo lugar en Francia, y Steiger se negaba a almorzar en el mismo lugar, por lo que el director y el actor acudían a un restaurante a veinticinco kilómetros de París. 

En una ocasión, Flynn acudió a cenar con Steiger y su esposa Claire Bloom. No tardó en percatarse de la tensión entre ambos; y poco después la pareja se divorció.

CRÍTICA PERSONAL

Sin duda alguna, lo más destacable es la interpretación de Rod Steiger. El actor pasa de interpretar a un Sargento afable y amistoso a un verdadero tirano obsesionado con la disciplina y sus atracciones obsesivas. Dichos cambios son absolutamente instantáneos, y demuestran una esquizofrenia creíble y angustiosa. Otra cosa que me llamó mucho la atención fue el excelente uso de la banda sonora, que otorga verdadera tensión a determinadas escenas. La relación entre los personajes de Callan y Swanson también esta lograda, y la evolución de la misma esta cuidada al máximo detalle. Personalmente, disfruto al ver historias que muestran relaciones que funcionan como una montaña rusa.

Debo comenzar diciendo que no he leído el libro. Mi mayor problema, es que el personaje del Sargento no despierta empatía alguna, por lo que su muerte no logra conmover ni despertar compasión. Casi se le muestra como un ser enfermizo cuyo propósito es recibir el rechazo de los espectadores. Esto es muy característico de las películas con temática gay anteriores a la década de 1970. La historia requiere de grandes dosis de empatía y explicaciones acerca del pasado del protagonista, para que el espectador comprenda su angustia.

CALIFICACIÓN

8- Notable