NO QUIERO DORMIR SOLO

TÍTULO ORIGINAL

Hēi yǎn quān (黑眼圈)

AÑO DE ESTRENO

2006

DIRECCIÓN

Tsai Ming-liang

PRODUCCCIÓN

Bruno Pésery, Vincent Wang

GUION

Tsai Ming-liang

REPARTO

Lee Kang-Shen (Indigente), Lee Kang-Sheng (Paralítico), Chen Shiang-Chyi (Camarera), Norman Atun (Rawang), Pearlly Chua (Patrona de la cafetería), Liew Lee-Lin (Encargado del té), Leonard Tee (Vendedor de luz), Samantha Toh Su-Yee (Hijo de patrona), Chiew Kok-Fai (Nieto de la patrona), Chan Rong-Sin (Agente inmobiliario), Loh Kok-Choy (Financiero), Shiva (Trabajadora india), Mohd. Rani Bin Baker (Mago), Rusli Bin Abdul Rahim (Hooligan), Azman Bin Muhammad Hasan (Hooligan), Muhammad Hariry Abdul Jalil (Hooligan), Mohammad Abuha Bin Rosli (Hooligan)

CINEMATOGRAFÍA

Liao Pen-jung, Tsai Ming-liang

BANDA SONORA

Inaplicable

VESTUARIO

Sun Hui-mei

PAÍS DE ORIGEN

Taiwán

DISTRIBUCIÓN

Cathay-Keris Films

DURACIÓN 
115 minutos

SINOPSIS

En la ciudad de Kuala Lumpur, un indigente llamado Hsiao-kang es atacado durante la noche. Sus agresores roban todo lo que lleva encima y le abandonan, dándole por muerto. Un grupo de amables trabajadores bangladesís le encuentra, y deciden llevarle al edificio abandonado donde residen. Una vez allí, Hsiao-kang recibe los cuidados de Rawan, que le atiende en un viejo colchón que acaba de encontrar. Rawan le vigila, alimenta y lava con una mezcla de devoción y deseo. Con el tiempo, Hsiao-kang logra recuperarse, y termina por conocer a una joven camarera. Se trata de Shiang-Chyi, que trabaja como camarera en una cafetería. Al conocer a Hsiao-kang también se siente fascinada por él. Shiang-Chyi también ayuda a la patrona de la cafetería, cuyo hijo se encuentra enfermo. Harta de la vida que lleva, Shiang-Chyi se siente todavía más frustrada ante el hecho de no poder encontrar un sitio donde Hsiao-kang y ella puedan mantener relaciones sexuales.

Hsiao-kang nunca ha tenido nada y siempre ha soñado con poder vivir en completa libertad. Sin embargo y de repente, es objeto de deseo por todos los que le rodean. Tanto Rawan como Shiang-Chyi desean poseerle y se niegan a compartirlo. Incluso la patrona de la cafetería se siente atraída hacia él, debido al parecido que tiene con su hijo comatoso. Mientras tanto, una espesa niebla se está extendiendo por Kuala Lumpur, provocando una humedad sofocante. En estás agobiantes condiciones, y haciendo uso de improvisadas máscaras, los habitantes de la ciudad intentan encontrarse los unos a los otros. 

CURIOSIDADES

La película fue escrita y dirigida por Tsai Ming-liang, que siempre ha tenido una profunda fascinación por los entornos urbanos, y las personas que interactúan en ellos. La película se centra en el uso de la cinematografía como recurso narrativo, y no hace uso de diálogos o banda sonora. 

Sin embargo si utiliza alguna canción como recurso en alguna que otra escena. También es la primera de sus películas que se desarrolla en Malasia, más concretamente en la ciudad de Kuala Lumpur. Le película fue una de las muchas encargadas por Peter Sellars, para el Festival New Crowned Hope de Viena en el año 2006. Dicho festival había sido organizado para conmemorar el 250º aniversario del nacimiento de Wolfgang Amadeus Mozart.

Coproducida por los países de Taiwán y Malasia, la película fue estrenada en el primero en marzo de 2007, después de su pase por el festival. Sin embargo se encontró con problemas para ser estrenada en Malasia. El Comité de Censura de dicho país decidió vetar la película basándose en dieciocho motivos diferentes. Mayormente, el comité consideraba que la película mostraba una representación del país muy negativa. Dicha imagen era negativa en aspectos raciales, éticos y culturales. Los miembros del comité se reunieron con el director Tsai Ming-liang para llegar a un acuerdo. Accedieron a levantar el veto de la película cuando el director accedió a recortar determinadas escenas. 
Una vez cumplidos estos requisitos, la película fue estrenada en Malasia en mayo de 2007.

CRÍTICA PERSONAL

Solamente hay una escena en toda la película que atrajo mi atención. Se trata del momento en el que el personaje de Rawan está a punto de asesinar a Hsiao-kang, pero se ve incapaz de hacerlo y rompe a llorar. Hsiao-kang responde a este evento acariciando su mejilla. El resto del film me parece frío y mecánico.

Nunca entenderé a los directores que se empeñan en demostrar lo artísticos que pueden llegar a ser, ignorando completamente ciertas reglas para contar una historia. No voy a negar que la cinematografía de la película sea espectacular, pero su estilo a la hora de narrar me pareció deficiente. Como resultado de esto, la historia no me interesó nada en absoluto, los personajes tampoco captaron mi interés, y la experiencia se convirtió en una tortura de dos horas. 

Y es que algunos directores aficionados a este estilo cinematográfico tienen la consideración de controlar la duración de la trama. 
Pero en este caso Tsai Ming-liang nos somete a dos horas de una sucesión de escenas exasperantes. Dos minutos enfocando agua, varios limpiando a uno de los personases u otros cocinando son ejemplos de ellos. Está claro que el director quiere buscar el aspecto artístico de cosas cotidianas, pero esto no funciona conmigo. Entiendo que es algo que muchos valoran, pero yo quiero acudir a absorber una narración bien elaborada.

No es cuestión de que el espectador no logre comprender el mensaje del director. Es que hay ocasiones en las que, desde cierta prepotencia, el director no desea dejar clara su obra. Añadido a esto, las dos horas de metraje carecen de diálogos o bandas sonoras. La trama avanza a una velocidad extremadamente lenta, y al final parece no llegar a ningún lado. 

Aunque la verdad es que poco importa, pues desde el principio de la película perdí todo interés por los personajes o sus historias. Con un curioso triángulo amoroso, que incluso atrae a cuartas partes, y un cruce de destinos inesperados, la película podría haber funcionado. No creo en las películas mudas, por eso quedaron atrás. Y es que sin diálogos, un cruce pasional tan intenso pierde fuelle. Esto empeora cuando las interpretaciones son frías y mecánicas. El director pone mucho énfasis en la cinematografía, pero se olvida por completo de dirigir a los actores de forma adecuada. Exceptuando la escena que he mencionado, el resto de las interpretaciones son muy deficientes.

CALIFICACIÓN

2- Mal

BUEN TRABAJO

TÍTULO ORIGINAL

Beau Travail

AÑO DE ESTRENO

1999

DIRECTOR

Claire Denis

PRODUCTOR

Patrick Grandperret

GUION

Claire Denis, Jean-Pol Fargeau

REPARTO

Denis Lavant (Sargento Galoup), Michel Subor (Comandante Bruno Forestier), Grégoire Colin (Giles Sentain), Richard Courset (Legionario), Nicolas Duvauchelle (Legionario), Adiatou Massudi (Legionario), Mickael Ravovski (Legionario), Dan Herzberg (Legionario), Giuseppe Molino (Legionario), Gianfranco Poddighe (Legionario), Marc Veh (Legionario), Thong Duy Nguyen (Legionario), Jean-Yves Vivet (Legionario), Bernardo Montet (Legionario), Dimitri Tsiapkinis (Legionario), Djamel Zemali         (Legionario), Abdelkader Bouti (Legionario)

CINEMATOGRAFÍA

Agnès Godard

BANDA SONORA

Charles Henri de Pierrefeu, Benjamin Britten

VESTUARIO

Judy Shrewsbury

PAÍS DE ORIGEN

Francia

DISTRIBUCIÓN

Pyramide Distribution

DURACIÓN 
90 minutos

SARGENTO GALOUP: Un día un avión francés aterrizó con algunos chicos nuevos. Me fijé en uno de los chicos que salía del avión. Era delgado y distante. No tenía motivos para estar en la Legión con nosotros. Eso fue lo que pensé. Le sentí vagamente amenazador, cautivándome. Giles Sentain era su nombre.

SARGENTO GALOUP: Me siento muy solo cuando pienso en mi superior. Le respetaba mucho; me gustaba. Mi comandante. Un rumor le acompañaba después de la Guerra de Algeria. No me lo confió. Decía que era un hombre sin ideales, un hombre sin ambición. Le admiraba sin saber el porqué. Yo sabía que era un perfecto legionario, y no le importaba nada.

SINOPSIS

Un antiguo militar llamado Galoup se encuentra en proceso de adaptación a su nueva vida civil, recordando su vida en la Legión Francesa Extranjera. 

Galoup reflexiona especialmente sobre los incidentes que provocaron su humillante destitución. Mientras servía en el Golfo de Yibuti, en África, Galoup era el responsable de entrenar una unidad de jóvenes Legionarios. Su vida allí era feliz, estricta y reglamentada. Sin embargo todo parece cambiar ante la llegada de un nuevo recluta llamado Sentain. Mediante muestras de valor y humanidad, Sentain no tarda en ganarse el respeto y admiración del resto de los reclutas. También impresiona al oficial al cargo, el Comandante Bruno Forestier, a quien Galoup idolatra de forma obsesiva, para ser simplemente ignorado por él. Consumido por los celos, Galoup se declara enemigo de Sentain, a quien decide desacreditar a toda costa.

Cuando Sentain da de beber a un soldado castigado a cavar un agujero bajo el sol, recibe una reprimenda de Galoup que tira el agua de su mano. Sentain golpea a Galoup y como castigo es abandonado en el desierto para que camine de regreso a la base. Sin embargo, Sentain no regresa porque Galoup ha alterado su compás. 

Mientras Sentain se encuentra perdido, Galoup aprovecha para acusarle de deserción.

CURIOSIDADES

La película está basada en la historia de Billy Budd, escrita por Herman Melville, y la adaptación para la ópera escrita por Benjamin Britten. El personaje del marino Billy Budd siempre ha sido icónico, por estar cargado de un tema homoerótico, al poner énfasis en la belleza del marino. El propio Melville, que era homosexual, aumentó dicho homoerotismo. Rainer Werner Fassbinder también se basó en el personaje para crear su clásico de temática gay “Querelle” (1982). En el caso que nos ocupa hoy, la directora Claire Denis dirigió el proyecto de “Buen Trabajo” tras una sugerencia de Jean-Pol Fargeau, con quien coescribió el guion. En lugar de establecer la acción en el mar, decidieron que trascurriera en la Legión Francesa Extranjera, más específicamente en el Golfo de Yibuti, África. Claire no tenía conocimiento alguno de los entresijos de la Legión, por lo que deseó aportar la idea de que la película abordara el tema de sentirse perdido en tierra extrajera. 

Al indagar más en el personaje de Billy Budd, la directora descubrió que no estaba muy interesada en él, sintiendo más fascinación por el “villano” John Claggart. De ahí desarrolló el personaje de Galoup y lo convirtió en el protagonista de la historia. Denis declaró que no tenía interés alguno por un personaje que representaba la pureza y la inocencia, y que se sentía más identificada con el personaje de Claggart. Según la directora el personaje no era un villano, sino simplemente humano, todo lo opuesto a Billy Budd como símbolo de la pureza.

Al partir de ahí se desarrolló toda la película, basándose en la conceptualización de la envidia como semilla que puede generar en desastre. Un miembro del reparto había sido miembro de la Legión, por lo que pudo aportar su experiencia. Junto al equipo de producción organizó rutinas de ejercicios reales, concentrándose en enseñar a los actores a operar como un grupo. A medida que el rodaje avanzaba se decidió utilizar la propia música de la ópera de Britten. 

Fue entonces cuando surgió la idea de coreografiar los entrenamientos y determinadas situaciones de los Legionarios. Esto se llevó a cabo con la intención de aumentar la calidad artística del proyecto.

La película fue alabada por crítica y audiencia, convirtiéndose en el segundo gran éxito de Claire Denis tras su primer trabajo “Chocolat” (1988). Ha sido descrito por muchos como su gran obra maestra. El trabajo de la directora ha tratado siempre con temas coloniales y postcoloniales en África Occidental, así como con temas de la Francia Moderna.

CRÍTICA PERSONAL

Debo comenzar reconociendo que esté tipo de películas artísticas nunca han sido santo de mi devoción. Y sin embargo, hay elementos en esta película que me dejaron fascinados. Aunque varias escenas se me antojan tediosas, hay otras que lograron cautivarme, sorprendiéndome en el proceso. 

Ese momento de “danza” entre Galoup y Sentain, representando esa rivalidad que roza el odio, me pareció brillante. Y es que a pesar de la complejidad de la película, el tema que aborda es irónicamente simple y poco tratado en la temática gay, el de los celos como arma destructiva. Fue ese análisis lo que logró mantenerme cautivado en un estilo de película que habría abandonado normalmente.

El ritmo es muy lento, y las expresiones de los actores tienden a ser demasiado planas. Denis pone demasiado énfasis en los entornos y en la coreografía corporal de su reparto, pero desatiende las expresiones faciales de sus personajes, que en ocasiones parecen robots. El tema es interesante, pero no está explotado en todo su potencial

CALIFICACIÓN

7- Bastante bien

NATE & MARGARET

TÍTULO ORIGINAL

Nate & Margaret

AÑO DE ESTRENO

2012

DIRECTOR

Nathan Adloff

PRODUCTORES

Nathan Adloff, Ash Christian

GUION

Nathan Adloff, Justin D.M. Palmer

REPARTO

Natalie West (Margaret), Tyler Ross (Nate), Conor McCahill (James), Gaby Hoffman (Darla), Charles Solomon (Gregory Maddock), Cliff Chamberlain (Jeffrey Tomlinson), Danny Rhodes (Matthew), Allison Latta (Rebecca), Sadieh Rifai (Danielle), Shawn Ryan (Joey), John Ainsworth (Agente Martin), Angela LaRocca (Mary), Kathryn Cord (Emmi), Brian Levin (Brian), Michael Kutza (Heckler), Michael Emery (Chad), Holly Martin Baker (Cassey), Billy Baker (Timmy)

CINEMATOGRAFÍA

Brian Levin

BANDA SONORA

Kevin O’Donnell

VESTUARIO

Gwen Smuda

PAÍS DE ORIGEN

Estados Unidos

DISTRIBUCIÓN

Breaking Glass Pictures

DURACIÓN
80 minutos

 

MARGARET: ¿Estas saliendo con alguien? ¿Quién?

NATE: Se llama James.

MARGARET: ¿Dónde lo conociste?

NATE: Hace un par de semanas, en una fiesta de Darla.

MARGARET: ¿Pensabas decírmelo algún día?

NATE: Con el tiempo.

MARGARET: Normalmente me lo cuentas todo.

NATE: Bueno, sí, pero nunca había tenido una relación.

MARGARET: Así que ya es una relación.

NATE: No te lo conté porque sé que estas en contra de salir con gente.

MARGARET: No importa lo que yo piense.

NATE: Sí que importa, y podrías decir que estas contenta por mí.

MARGARET: Sé que podría. No, no, es genial. Lo digo en serio, es genial. ¿Te gusta?

NATE: Por supuesto, mucho.

MARGARET: Entonces deberías habérmelo dicho. Eres mi mejor amigo.

NATE: Tú también eres mi mejor amiga.

MARGARET: Bueno, pues los mejores amigos se cuentan estas cosas.

 

SINOPSIS

Nate y Margaret se han convertido en mejores amigos a pesar de sus evidentes diferencias. Nate solo tiene diecinueve años, proviene de un pueblo pequeño, y ha descubierto recientemente su homosexualidad. Estudia cinematografía y disfruta con sus proyectos. Margaret tiene cincuenta y dos años, trabaja en una cafetería y sueña con dedicarse a la comedia presentando sus propios monólogos. Ambos son personas solitarias, razón por la que han conectado de forma especial, y se apoyan en sus sueños y proyectos.

Un día, durante una fiesta de su amiga Darla, Nate conoce a otro joven James que se siente atraído hacia su dulzura e ingenuidad. Aunque Nate se siente intimidado, también se siente atraído hacia James, y ambos comienzan una relación.

Debido a esta, Nate descuida a Margaret, y no acude a su primera presentación como monologuista en un club. Esto se debe en parte a que Margaret está en contra de las relaciones. Aunque Nate quiere mantener la relación, pronto resulta obvio que James no desea compartirle con nadie más. Esto pondrá a prueba una importante amistad.

 

CURIOSIDADES

Se trata de la primera película de Nathan Adloff, quien también participó en el proceso de producción y la creación del guion. Inicialmente, la historia fue concebida de forma distinta. El personaje de Nate siempre se mantuvo igual, y estaba basado en el propio Adloff cuando estaba en la universidad. El segundo personaje era diferente, también iba a tener diecinueve años y sería el mejor amigo de Nate residiendo en el mismo edificio. Se comenzó a crear el guion con estos aspectos en mente, hasta que Adloff conoció a Natalie West, quien interpretaría a Margaret. El otro guionista, Justin Palmer, la conocía por sus interpretaciones en los teatros de Chicago.

Ambos guionistas le sugirieron a West cambiar el personaje del mejor amigo para que fuera una mujer de avanzada edad, y la actriz aceptó.

Adloff mantiene muchas similitudes con el personaje de Nate. En su primer año de universidad, el director estaba estudiando cinematografía, era ingenuo y acababa de salir del armario, y estaba lidiando con salir chicos por primera vez, experimentando el cometer errores propios de esa edad. Nunca tuvo un amigo o amiga del estilo de Margaret, que fue concebida por Palmer, quien exploró su temor a actuar en público a través de ella. De esta forma, la historia fue concebida como un análisis de la amistad y los problemas que pueden dañarla. Adloff deseaba alejarse de estereotipos o chicos extremadamente atractivos, deseando darle al proyecto un aire fresco.

  

CRÍTICA PERSONAL

La verdad es que me llevé una muy grata sorpresa con esa película.

Siempre me han gustado mucho los análisis sobre la amistad, y las crisis que la misma atraviesa. Pero es que además, en este caso, se nos regala una amistad inusual que me pareció francamente interesante. Los dos personajes principales están interpretados de forma brillante. Natalie West resulta conmovedora como esa amiga de edad más avanzada, todavía con sus sueños y sus inseguridades, pero sobre todo su temor a la soledad. Tyler Ross transmite la ingenuidad y dulzura de su personaje a la perfección. Resulta encantador, y logró hacerme experimentar de nuevo esas confusiones propias que se sienten al enfrentarse a una primera relación. La química entre ambos actores es evidente, y sus personajes se benefician de la misma.

Añadido a esto, agradecí que la película se alejara de utilizar actores propios de anuncios para ropa interior. Tenemos personajes cuyos dilemas resultan creíbles, sobre todo al no estar encerrados en cuerpos perfectos.

La necesidad de afecto es un elemento esencial de toda la trama, y se transmite con perfecta naturalidad. En ocasiones como esta, una trama simple con un objetivo claro funciona a la perfección, y logra triunfar donde otras pretensiones fracasan. Hay dos aspectos que podrían haber sido mejorados para crear una película sobresaliente. El primero es el guion, que aunque refleja el realismo del día, no logra explorar la trama con la necesaria profundidad. El segundo es la resolución de la propia trama, que me pareció acelerada.

 

CALIFICACIÓN

8- Notable

KEEP THE LIGHTS ON

TÍTULO ORIGINAL

Keep the Lights On

AÑO DE ESTRENO

2012

DIRECTOR

Ira Sachs

PRODUCTORES

Ira Sachs, Marie Therese Guirgis, Lucas Joaquin

GUION

Ira Sachs, Mauricio Zacharias

REPARTO

Thure Lindhardt (Erik Rothman), Zachary Booth (Paul Lucy), Julianne Nicholson (Claire), Souleymane Sy Savane (Alassane), Paprika Steen (Karen), Miguel del Toro (Igor), Sebastian La Cause (Russ), David Anzuelo (Novio de Russ), Maria Dizzia (Vivian), Justin Reinsilber (Dan), Ed Vassallo (Tom), Sarah Hess (Katie), Roberta Kirshbaum (Madre de Katie), Jamie Petrone (Primo de Katie), Stella Schnabel (Esther), Jodie Markell (Jill), Christopher Lenk (Chapero)

CINEMATOGRAFÍA

Thimios Bakatakis

BANDA SONORA

Arthur Russell

VESTUARIO

Elizabeth Vastola

PAÍS DE ORIGEN

Estados Unidos

DISTRIBUCIÓN

Music Box Films

DURACIÓN
101 minutos

 

PAUL LUCY: Lo que quiero saber es que estabas haciendo en una línea de sexo telefónico cuando se suponía que debías estar encargándote del montaje.

ERIK ROTHMAN: Despareciste durante dos días, y no pude encontrarte.

PAUL LUCY: ¿Estabas buscándome? ¿Es eso lo que estabas haciendo?

ERIK ROTHMAN: Claro que no.

PAUL LUCY: Erik, yo no te espío, y no toleraré que me espíes. Cada vez que me voy vamos a pasar por eso, entonces no quiero estar en esta relación durante más tiempo.

ERIK ROTHMAN: No tenía ni idea de donde estabas, ni de que estabas haciendo.

PAUL LUCY: ¿Por qué te concentras en mí? Has estado trabajando en esa maldita película durante cuatro años. Has tenido la oportunidad de irte a una convención de artistas, donde te traen la comida en una jodida cesta de picnic, y has pasado todo el tiempo en una línea de sexo telefónico.

ERIK ROTHMAN: No he pasado todo el tiempo…

PAUL LUCY: ¡No quiero seguir hablando de esto!

 

SINOPSIS

En el año 1998, Erik Rothman es un artista danés que reside en Nueva York. Allí conoce a Paul, un abogado, a través de una línea de sexo telefónico. Ambos se reúnen y mantienen relaciones, aunque Paul sigue dentro del armario, y le advierte que no se haga ilusiones, ya que tiene una novia. Erik ha salido de una relación con un hombre llamado Paolo, que es seropositivo, y está pendiente de sus propios resultados. Al descubrir que es negativo, Erik se embarca en una relación con Paul, explicándole a su amiga Claire lo feliz que el joven consigue hacerle. La pareja no tarda en comenzar a vivir juntos, y pronto resulta evidente que Paul se siente empujado a ser abierto con su propia homosexualidad. Por otro lado, Erik no tarda en percatarse del serio problema de drogadicción que Paul está sufriendo.

Con el paso de los años, la pareja se enfrenta a serios problemas, y las cosas solamente parecen empeorar gradualmente.

A pesar de que Paul intenta someterse a rehabilitación, no tarda en recaer de nuevo en sus adicciones. Por otro lado, los amigos de Erik no tardan en darse cuenta de que el joven artista ha desarrollado su propia adicción, pero hacia una relación destructiva.

 

CURIOSIDADES

Ira Sachs escribió el guion con ayuda de Mauricio Zacharias, examinando aspectos de su pasado que pudieran ser aplicables a la trama. De esta forma, la película está basada en la relación que Sachs mantuvo con un agente literario llamado Bill Clegg, quien publicó sus propias memorias acerca de sus problemas con las adicciones, tituladas “Portrait of an Addict as a Young Man” (2010). Sachs también produjo la película junto a otros, y se encargó de dirigirla, convirtiéndose en su quinta película. La película está estructurada mediante saltos abruptos en el tiempo, señalados con títulos de pantalla indicando cada año, resultando en el análisis de una relación a través de los años.

Dicha relación está desestructurada, con un personaje adicto al concepto del amor a pesar de apenas obtenerlo, y el otro adicto a las drogas. Cada salto en el tiempo, señala un estado todavía más complicado y desestabilizado. Se le preguntó al director si realizar la película había servido de catarsis sobre su relación pasada, pero Sachs declaró que al contrario, le había resultado muy difícil realizarla.

A la hora de establecer el reparto, Sachs tuvo serias dificultades para encontrar un actor para el papel protagonista, obteniendo negativas de distintas agencias. Fue entonces cuando oyó hablar de Thure Lindhart, siendo éste definido como el actor más valiente de Dinamarca. Intrigado, el director le envió el guion mientras se encontraba en un hotel de España, donde el actor experimentó con todas las escenas en las que su personaje se masturbaba en la película. Esto le hizo ver a Sachas que Lindhart se sentía cómodo con el material, y además quedó impresionado por la química que el actor mostraba con la cámara. Debido a esto, terminó por seleccionarle para el papel.

La película fue estrenada en el Festival de Cine Sundance, y pasó a ser distribuida en alrededor de cincuenta cines de Nueva York y los Ángeles. La película recibió cuatro nominaciones para los “Independent Spirit Awards”, incluyendo el de Mejor Película y Mejor Actor (Thure Lindhardt), aunque no logró hacerse con ninguno de los premios.

 

CRÍTICA PERSONAL

Intenso análisis sobre las adicciones y los comportamientos compulsivos, la película realiza una buena labor a la hora de analizar las relaciones destructivas. Thure Lindhart realiza una sobresaliente labor interpretativa, mostrando al clásico personaje adicto al concepto del amor, e incapaz de evitar sus compulsiones sexuales. La película realiza saltos de alrededor de cuatro años de cada vez en el tiempo, mostrándonos el deterioro de la relación entre Erik y Paul de forma cada vez más radical.

El film logra que el espectador se vea enfrentado a analizar si los diferentes tipos de adicciones son tan distintos entre sí.

Y ahí triunfa la trama, al lograr reflejar que toda adicción tiene la misma capacidad de ser igualmente destructiva. El final me sorprendió gratamente al no cerrar ese ciclo destructivo individual, aunque a si a nivel de pareja.

Sachs pone demasiado énfasis en las adicciones, con lo cual olvida un elemento fundamental en la película. Este no es otro que señalar que elementos provocan que la pareja se enamore originalmente. Por ello, la relación se muestra deficiente, provocando poca empatía en el espectador, cuando las tornas se vuelven difíciles. Esto se debe a que el espectador no logra identificar que les unió originalmente. Zachary Booth me pareció simplemente una cara bonita, pero no logra dar profundidad a su personaje.

  

CALIFICACIÓN

7- Bastante bien

A FROZEN FLOWER

TÍTULO ORIGINAL

Ssang-hwa-jeom (쌍화점)

AÑO DE ESTRENO

2008

DIRECTOR

Yoo Ha

PRODUCTOR

Lee Tae-heon

GUION

Yoo Ha

REPARTO

Jo In-sung (Hong-rim), Joo Jin-mo (El Rey), Song Ji-hyo (La Reina), Shim Ji-ho (Seung-gi), Lim Ju-hwan (Han-baek), Yeo Wook-hwan (Im-bo), Song Joong-ki (No-tak), Jang Ji-won (Bo-deok) , Kim Choon-gi (Eunuco Hwang), Lee Jong-goo (Tae-sa), Kwon Tae-won (Jo Il-moon), Do Young-goo (Gi Won-hong), Ko In-beom (Yeon Ki-mok), No Min-woo (Min-woo), Do Ye-seong (Choi Kwan), Yeo Jin-goo (Joven Hong-rim), Lee Poong-woon (Joven Rey), Seo Young-joo (Joven Han-baek)

CINEMATOGRAFÍA

Choi Hyeon-ki

BANDA SONORA

Jun-seok Kim

VESTUARIO

Jeong Jeong-eun

PAÍS DE ORIGEN

Corea del Sur

DISTRIBUCIÓN

Showbox

DURACIÓN
133 minutos

 

REY: La espada debe moverse con el alma, y no con la técnica. Las tácticas que lees por las noches no tienen utilidad alguna. El problema reside en tu corazón. Eres Comandante de los Kunryongwe. Enséñame tu lealtad verdadera desde tu corazón.

 

REY: Os he convocado a los dos aquí para discutir el asunto que hemos pospuesto. Las cosas se han estabilizado, así que me gustaría seguir con el plan de consumación. ¿En qué piensas, mi Reina?

REINA: ¿Por qué tan repentinamente, mi señor?

REY: Reanudo lo que fue pospuesto. ¿Por qué te sorprende tanto? Pero Hong-rim no se encargará de ello en esta ocasión. Será Seung-gi. El resultado no fue bueno con Hong-rim, y Seung-gi también es uno de mis hombres de mayor confianza. Espero que lo entiendas.

REINA: ¿Se ha vuelto loco mi señor? ¿Cómo puede humillarme tanto?

HONG-RIM: Esto no puede ser, Su Majestad. ¿Por qué hace esto?

REY: Hong-rim, ¿realmente no sabes por qué tomé tal decisión?

 

SINOPSIS

Durante el sometimiento de Yuan, el Rey de Goryeo recoge a treinta y seis chicos jóvenes que son entrenados en su palacio bajo su supervisión personal. Juntos formaran los Kunryongwe, guardaespaldas del Rey. Entre estos muchachos se encuentra Hong-rim, quien no tarda en conquistar el afecto del Rey gracias a su perseverancia como aprendiz. Los años pasan y el Rey se casa con una princesa de la Dinastía Yuan para establecer la paz. Al mismo tiempo, Hong-rim ha crecido para convertirse en Comandante de los Kunryongwe, y amante del Rey.

El Rey no es capaz de dejar embarazada a la Reina, lo que provoca que sea víctima de varios atentados y conspiraciones de la Dinastía Yuan. Cuando las presiones son excesivas, el Rey le encomienda a Hong-rim la misión de dejar embarazada a la Reina. Aunque tanto Hong-rim como la Reina se sienten incomodos, cumplen con la orden.

Sin embargo, las cosas se complican cuando ambos terminan por enamorarse, y siguen viéndose en secreto, deseando una vida en la que el Rey no tenga lugar. Cuando el Rey descubre la verdad, decide poner a prueba la lealtad de ambos con resultados catastróficos.

 

CURIOSIDADES

La película ha adquirido su título a raíz de una canción de la era de la trama, que describe las relaciones sexuales entre hombres y mujeres. Se trata de la quinta película del director Yo Ha, quien deseaba cambiar de estilo narrando una película histórica. Siempre se había sentido incómodo con este género, pero al mismo tiempo tenía el deseo de superar sus miedos. El proyecto también supuso un reto nuevo para el director al ser la primera vez que trabajaba con una historia de alta intensidad dramática. Para Yo Ha fue importante poner énfasis en que la película era ante todo la historia de amor entre dos hombres. La trama histórica tiene lugar durante la Dinastía Goryeo y esta holgadamente basada en el reinado de Gongmin de Goryeo, nacido en 1330 y fallecido en 1374.

A pesar de esto, no obedece estrictamente a los hechos históricos. La historia fue muy controvertida, y gira alrededor de como los personajes violan el protocolo real de la familia para concentrarse en la búsqueda del amor.

Según datos históricos, tras la muerte de Noguk, reina y esposa del Rey Gongmin se sumergió en un mundo de libertinaje homosexual, contratando a un grupo de atractivos y jóvenes guardaespaldas para que sirvieran en palacio en 1372. Cuando uno de estos guardaespaldas dejó a la segunda esposa del Rey embarazada, Gongmin intentó asesinarle para acallar el escándalo. Sin embargo, fue el propio Rey quien acabo siendo asesinado por los amigos del guardaespaldas. Sin embargo, varios historiadores se han mostrado en contra de esta versión de los hechos, y han insistido en que Gongmin ha sido difamado para justificar el origen de la Dinastía Joseon, y que aquellos jóvenes solo eran guardaespaldas.

Jo In-sung, actor que interpretaba a Hong-rim, fue parte del proyecto desde su inicio, rechazando otros papeles para dedicarse a la película, siendo la última antes de que tuviera que realizar su servicio militar. Se sometió a un intenso entrenamiento que incluyó artes marciales, esgrima, equitación y tocar el instrumento conocido como geomungo. La película contó con un presupuesto equivalente a diez millones de dólares, llegando a recaudar casi diecinueve. También se hizo con numerosos premios en distintos festivales.

 

CRÍTICA PERSONAL

Reticente al ver la larga duración de la película, debo declarar que me encontré plenamente sumergido en su trama. La historia no logra aburrir en ningún momento, conteniendo factores narrativos diversos. Evidentemente la película se concentra en un triángulo amoroso con los celos demenciales como atizador, pero también muestra elementos como conspiraciones políticas o grandes dosis de acción.

Todo en la película funciona, con tres protagonistas que resultan de lo más convincente en sus interpretaciones. La cinematografía esta cuidada con gran detalle, proporcionando un despliegue de colores formidables, que van a la par con un meticuloso e impresionante vestuario. Las escenas de acción, en especial las de esgrima están perfectamente coreografiadas. Sobre todo me impresionó ese examen de a dónde nos puede llevan los celos, y como pueden llegar a probar que no hemos sentido amor alguno. La película engancha de principio a fin, y la considero toda una joya desconocida.

No hay nada en esta película que yo haya sido capaz de encontrar en esta película.

 

CALIFICACIÓN

10- Sobresaliente

TE AMO... PERO YO NO

TÍTULO ORIGINAL

Je t’aime Moi Non Plus

AÑO DE ESTRENO

1976

DIRECTOR

Serge Gainsbourg

PRODUCTORES

Claude Berri, Jacques-Eric Strauss

GUION

Serge Gainsbourg

REPARTO

Jane Birkin (Johnny), Joe Dallesandro (Krassky), Hugues Quester (Padovan), Reinhard Kolldehoff (Boris), Gérard Depardieu (Campesino a caballo), Jimmy Davis (Moïse), Maïté Nahyr (Prostituta), Liliane Rovère (Cliente del motel), Gillian Gill (Artista de Strip-Tease), Josiane Lévêque (Artista de Strip-Tease), Doris Thomas (Artista de Strip-Tease), Raoul Delfosse (Patrón de motel), Michel Blanc (Obrero), Alain David (Obrero), Arlette Emmery (Artista de Strip-Tease), Ramon Pipin (Músico del baile), Shitty Télaouine (Músico del baile), Sharon Glory (Músico del baile), Yves-Antoine Spoto (Músico del baile), Claudia Butenuth

CINEMATOGRAFÍA

Willy Kurant

BANDA SONORA

Serge Gainsbourg

VESTUARIO

Jeannette Descamps

PAÍS DE ORIGEN

Francia

DISTRIBUCIÓN

AMLF

DURACIÓN
89 minutos

 

KRASSKY: ¿Por qué te llaman Johnny?

JOHNNY: Me llaman así porque no tengo ni pechos ni un culo grande. ¿Y tú cómo te llamas?

KRASSKY: Krassky, pero tú puedes llamarme Kras.

JOHNNY: Krass, es un nombre divertido.

KRASSKY: ¿Lo es jovencita?

 

SINOPSIS

Krassky y Padovan son amantes y camioneros dedicados a la recogida de desperdicios en una zona desolada. Al parar en una estación de servicio, ambos conocen a una joven camarera apodada Johnny, por su aspecto masculino. Johnny se ha visto sometida al aislamiento, y siempre ha soñado con el amor y no tarda en sentirse atraída hacia Krassky. Sorprendentemente, Krassky también comienza a sentirse atraído hacia Johnny, debido a su aspecto de muchacho. Ambos se conocen, y finalmente terminan por besarse en un bar. Esto desata los celos de Padovan, que termina por sentirse dejado de lado y desarrolla rechazo hacia Johnny.

Sin embargo, la relación entre Krassky y Johnny no tarda en comenzar a complicarse. El jefe de Johnny no tarde en advertir que Krassky es homosexual, y se lo hace saber a la joven. Cuando la pareja comienza a tener relaciones sexuales, Krassky solo consigue desarrollar una erección mediante el sexo anal. Johnny sufre mucho durante las relaciones, a menudo gritando sin parar. Esto provoca que la pareja termine por ser expulsada de varios moteles por el escándalo que provocan.

 

CURIOSIDADES

Probablemente se trate de una de las películas más polémicas de la década de 1970. Para hablar de la película, es necesario la canción más popular de su banda sonora, del mismo título. La canción fue originalmente prohibida en muchos países de toda Europa, incluyendo España, Islandia, Italia, Polonia, Portugal, Reino Unido, Suecia y Yugoslavia, y siendo denunciada públicamente por el Vaticano. Dicha canción está considerada como la máxima canción de amor por su letra provocativa.

Fue compuesta y escrita por el director de la película, Serge Gainsbourg, y grabada en el año 1968. Cuando la canción volvió ser lanzada en el año 1969 se convirtió en todo un éxito, en esta ocasión alcanzando el número uno en el Reino Unido, probablemente en parte debido a la expectación resultante de su previa prohibición. Brigitte Bardot, entonces amante de Gainsbourg, participó en la grabación.

Su controversia principal se debía a la forma explícita en la que se describía un acto sexual, en la forma de dialogo imaginario entre dos amantes. La película fue la primera de Gainsbourg, que no dudó en utilizar su polémica canción en la banda sonora. Sí la canción ya era de por sí provocativa, la película lo fue aún más. Se trataba de una descripción profundamente nihilista de la relación sexual entre un hombre homosexual y una muchacha de aspecto masculino, que llegaban a mantener relaciones anales. Los elementos más recurrentes del film se repitieron en el resto del trabajo Gainsbourg, siendo estos el sexi y la muerte.

También es una de las primeras películas en las que aparece Depardieu, aunque muy brevemente, en este caso interpretando a un homosexual propenso a la bestialidad. La película fue rechazada en el Reino Unido por la BBFC, aunque finalmente se distribuyó sin cortes en video, en el año 1993.

Deliberadamente, la trama de la película no está centrada, siendo la contradicción humana otro tema recurrente. Esto se puede apreciar en el propio título cuya traducción más apropiada sería “Te Amo, Yo tampoco”.

 

CRÍTICA PERSONAL

Curiosamente no vi está película hasta realizar una extensiva investigación sobre la misma. Me parece curioso como algo que fue tan escandaloso en la década de 1970, ahora dista mucho de serlo. De hecho, puedo asegurar haber visto películas mucho más escandalosas de esa década.

Entrando en la trama, comenzaré por elogiar el triángulo amoroso que se desarrolla en la misma. Se examina desde una perspectiva inusual la atracción de una joven hacia un hombre homosexual, y la peligrosa dependencia que puede desarrollar hacia él. De hecho, el personaje de Johnny es mostrado como una víctima debido a su romanticismo, idealismo e ingenuidad inicial, muy propia de su juventud. Sin embargo, acaba por verse enganchada a una relación imposible, aunque sin la intención de dañar nadie. Padovan representa los celos desbocados, y la desesperación que estos pueden provocar. Krassky es un personaje más bien poco definido, que parece guiarse por su deseo de experimentar, y encajar en la sociedad de la única forma viable.

La banda sonora y la cinematografía me parecieron excepcionales, con algunas escenas memorables que sirven de simbología para un extraño concepto del romanticismo, igualmente fascinante.

La trama se desarrolla con excesiva rapidez, lo que provoca que el desarrollo, de los sentimientos, que se muestran no sea explorado al nivel de todo su potencial. Las escenas de las prácticas sexuales entre Krassky y Johnny me parecieron algo exageradas. Los gritos de la actriz me parecieron excesivos, y debo reconocer que en ocasiones me provocaban simple hilaridad. Los diálogos también me parecieron demasiado simples, dependiendo en exceso del simbolismo de las imágenes.

 

CALIFICACIÓN

7- Bastante bien