CAL

TÍTULO ORIGINAL
Cal
AÑO DE ESTRENO
2013
DIRECCIÓN
Christian Martin
PRODUCCIÓN
Christian Martin, Bernie Hodges
GUION
Christian Martin
REPARTO
Wayne Virgo (Cal), Emily Corcoran (Tía Jane), Lucy Russell (Cath Miller), Deborah Fleming (Enfermera), Richard Cambridge (Oficial de desempleo), Bernie Hodges (Phil Trope), Daniel Brocklebank (Ivan), Tom Payne (Jason), Anna Gallagher (Puta de Ivan), Niall Xan Aldicott (Cliente), Danaan McCaller (Hombre en el disturbio), Zahid Fayyaz (Dependiente), Tony Banham (Policía), Lily Maryon (Chica en el disturbio), George Gittens (Narcotraficante), Nigel Jones (Médico), Tim J Henley (Chef), Vanessa Fletcher (Ama de casa), Dave Jones (Mick), Simon Cook (Asesor)
CINEMATOGRAFÍA
Jack O'Dowd
BANDA SONORA
Cliff Airey, Rob Dunstone
VESTUARIO
Stewart Meachem
PAÍS DE ORIGEN
Reino Unido
DISTRIBUCIÓN
Parasol Pictures Releasing
DURACIÓN
89 minutos
PRECEDIDA POR:
Shank
 

CAL: Entonces, ¿Cuál es tu historia?
JASON: No hay nada especial. Solía estudiar arte dramático. Acabé retrasándome en el alquiler y mi casero me presentó a Ivan. Ese mismo día me pagó la renta después de chuparme la polla. Fue así de fácil.
CAL: ¿Por qué no le pediste ayuda a tus padres?
JASON: No podía, mi padre acababa de perder su trabajo y todo lo que poseía. Así que llegó el día de volver a pagar el alquiler, cuando Ivan regresó. Esta vez me quiso follar y fue asqueroso. Le dije que no era capaz, así que me dilató con mantequilla. Y eso es todo, me he convertido en un cliché, y mis padres no me hablan. Podría estar haciendo cosas peores. Podría estar robando a ancianas. ¿Y qué hay de ti? Vamos, cuéntame algo. ¿Cuál es tu color favorito? Creo que es el azul, aunque hoy te veo de bajón.
CAL: Ha sido una mierda de día.
 

SINOPSIS
Cal regresa a su ciudad natal de Bristol después de descubrir que su madre esta gravemente enferma en el hospital. La ciudad se encuentra sumida en múltiples revueltas debido a la seria crisis económica en la que se ha hundido. Su tía Jane se ha instalado en la deteriorada vivienda social de su madre. Se encuentra en un estado de embriaguez perpetua e intenta seducir a su sobrino en repetidas ocasiones. Cal intenta encontrar trabajo sin éxito y desesperado acaba intentando ayudar a un joven llamado Jason, que esta siendo atacado por un proxeneta y traficante. Aunque logra evitar que Jason siga siendo atacado, el proxeneta, llamado Ivan.
Añadido a estos problemas, su madre sigue despreciándolo por ser homosexual, y Cal se ve incapaz de reconectar con ella. Jason comienza a pasar más tiempo con Cal, desarrollando una clara atracción hacia el joven. Sin embargo, Cal se muestra reacio a empezar nada después de haber roto su relación con Olivier. 

Sin embargo, su miedo a abrir sus sentimientos de nuevo acabará por ceder ante la falta de cariño que recibe por su entorno. Las cosas tomaran un giro complicado cuando Ivan decide regresar para atar cabos sueltos.
 
CURIOSIDADES
Se trata de la secuela de la película “Shank” (2009). Christian Martin se había encargado de esbozar la historia de la primera película tras leer un artículo en el periódico acerca de una banda de jóvenes locales, liderados por una chica, la cual se encargaba de aterrorizar y atacar a gente al azar. La banda fue arrestada tras atacar y dejar por muerto a un estudiante internacional de diecisiete años, quien logró arrastrarse durante kilómetro y medio, a través de campo abierto, antes de ser recogido por alguien que pasaba y llevado a un hospital. Fue el propio Martin quien decidió crear una secuela y asumió la producción y dirección del proyecto desde el principio. Aunque había dirigido la primera parte, cuando el director Simon Pierce abandonó el proyecto, no había recibido crédito alguno por ese trabajo.

Christian Martin fue arrestado justo antes de comenzar el rodaje de esta segunda parte. Un vecino había visto un revolver en su jardín trasero y había llamado a la policía. El revolver resultó ser falso, un atrezo que iba a utilizar en la película y que acababa de pintar de negro y había dejado a secar. Martin también era de Bristol y en el año 2011, dos años después del estreno de “Shank”, había conseguido ser elegido concejal en las elecciones locales. Tras estrenar la película “Cal”, intentó extraer una crítica de la página de internet en la que la promocionaba. Sin embargo, se encontró que la página había sido bloqueada así como un mensaje que explicaba que se debía a que su contenido era ilícito. Esto se debía a un programa de control, que tendía a mostrar prejuicios contra contenido gay.
 
CRÍTICA PERSONAL

La película muestra de forma realista la desesperación de una ciudad sumida en una crisis económica, y como esta acaba afectando la vida de varios personajes personales. Wayne Virgo vuelve a hacer un gran trabajo interpretando al personaje de Cal, según el guion con el que tiene que lidiar. Sus escenas con su madre son bastante sobrecogedoras, pero me gustó más la idea de que el joven se viera tentando a acabar en el mundo de violencia del que había logrado salir. 
La única conexión con la anterior película es el personaje de Cal. De repente aparece una madre que no había asomado en la primera parte, así como un sinfín de personajes que no se vieron involucrados en su pasado como pandillero. Me hubiera parecido mucho más interesante que el personaje se hubiera enfrentado de nuevo a su vieja pandilla, que a nuevos criminales. 

Otro problema es que el personaje se estanca y da marcha atrás. Ha perdido la seguridad que había conseguido desarrollar sin explicación alguna, y no vemos una recuperación lógica hasta el final. Por otro lado, su nueva relación con el personaje de Jason no me pareció nada creíble, sobre todo comparándola con su relación con Olivier en la anterior película. En definitiva, debo reconocer que la película fue una absoluta decepción, sobre todo después del trabajo tan sobresaliente que Martin había llevado a cabo con “Shank”.
 
CALIFICACIÓN
4- Insuficiente

HATE CRIME

TÍTULO ORIGINAL
Hate Crime
AÑO DE ESTRENO
2005
DIRECCIÓN
Tommy Stovall
PRODUCCIÓN
Tommy Stovall, P Dirk Higdon, Ebony Tay
GUION
Tommy Stovall
REPARTO
Seth Peterson (Robbie Levinson), Bruce Davison (Pastor Boyd), Chad Donella (Chris Boyd), Cindy Pickett (Barbara McCoy), Brian J Smith (Trey McCoy), Susan Blakely (Martha Boyd), Lin Shaye (Kathleen Slansky), Farah White (Detective Elizabeth Fisher), Giancarlo Esposito (Detective Esposito), Sean Hennigan (Jim McCoy), Brandy Little (Stella), Ben Bathman (Connor Davis), Luke King (Alton Kachim), Earl Browning III (Detective Loy), Scarlett McAlister (Doctor Kucera), Tom Marcantel (Padre Tim)
CINEMATOGRAFÍA
Ian Ellis
BANDA SONORA
Ebony Tay
VESTUARIO
Sabrina Winningham
PAÍS DE ORIGEN
Estados Unidos
DISTRIBUCIÓN
Image Entertainment
DURACIÓN
104 minutos
 

PASTOR BOYD: El pecado es la ruina y la miseria del alma humana. Su naturaleza es destructiva y Dios ha manifestado, a través de muchas escrituras, que castigará a los pecadores que no se arrepientan. Y deberían ser condenados a las llamas del infierno porque no solo odian a Dios, sino que también lo avergüenzan y no lo temen.
PADRE TIM: Dios es amor, y la religión es la ley del amor. Cuando un alma se llena de amor hacia Dios, con un deseo por todo lo que es bueno, queda poseída por un nuevo propósito en la existencia.
PASTOR BOYD: La ira de Dios esta cubierta por nubes oscuras, colgando directamente sobre vuestras cabezas. Contienen una tormenta terrible repleta del rugido de los truenos. Si no fuera por la mano de Dios estallaría directamente sobre vosotros. Estáis en manos de Dios, y no es seguro que hará con vosotros.

PADRE TIM: Ninguna situación de la vida esta carente de esperanza. El invierno tiene momentos luminosos, la enfermedad sus consuelos, y la más dura aflicción no está ausente de amor. Donde no hay nada, hay esperanza. Las cosas buenas son para todos. El sol sale para todos. No olvidemos lo que Dios nos comunica de forma explícita, y eso es amar a tu prójimo como a ti mismo
 
SINOPSIS
Robbie Levinson y Trey McCoy son pareja y viven junto en una casa de las afueras, y acaban de decidir llevar a cabo una ceremonia similar al matrimonio en la que intercambiaran sus anillos. Kathleen Slansky es su vecina y gran amiga, que siempre los ha considerado como sus propios hijos. A la vida de la pareja llega un nuevo vecino llamado Chris Boyd, que muestra su desagrado al verlos besarse. Cuando Robbie intenta ser amable con su nuevo vecino, éste le responde asegurándole que acabará en el infierno por ser homosexual. Añadido a esto, Chris es hijo de un Pastor fundamentalista dedicado a predicar el odio contra lo que considera pecadores. Al descubrirlo, Kathleen le advierte a Chris se mantenga alejado de su chico.

Poco después, Trey sufre una brutal paliza mientras pasea a su perro, y Robbie lo encuentra en un lamentable estado. Trey es trasladado a un hospital, donde tras pasar unos días en coma fallece de una hemorragia cerebral. Convencido de que Chris ha asesinado a Trey, Robbie recibe la ayuda de una detective llamada Elizabeth Fisher. Sin embargo, el Pastor Boyd proporciona una cuartada para su hijo, con quien también mantiene una relación tensa al descubrir que ha roto con su pareja. Las cosas se complican cuando el Detective Esposito pasa a estar al cargo de la investigación. En lugar de sospechar de Chris Boyd, comienza a sospechar del propio Robbie, mostrando una actitud homófoba.  
 
CURIOSIDADES
Se trata de la primera película de Tommy Stovall, que anteriormente solo tenía experiencia grabando bodas. Stovall se encargó también de escribir el guion, inspirándose en sus años viviendo con su pareja en Dallas. 

A pesar de que no habían sufrido un ataque homófobo, el director declaró que un crimen de odio podría tener lugar con más probabilidad allí, ya que una pareja gay podía estar viviendo junto a fundamentalistas. Decidió crear una película de crimen, que incluyera una temática de importancia. Sin embargo, declaró que algunos habían confundido su proyecto con una película mensaje. Su intención era crear un thriller entretenido, que pudiera contener algún mensaje en el proceso.
La película también entra a fondo en el tema de la religión, aunque Stovall quiso ser objetivo y mostrar las dos caras de la moneda. Una de sus escenas favoritas fue una en la que el Pastor Boyd predicaba su mensaje de odio, mientras el Padre Tim predicaba su mensaje de amor, intercalando sus sermones. A la hora de hacerse con un reparto, el director había considerado contar con actores poco conocidos. Sin embargo, se llevó una sorpresa cuando algunos actores conocidos se presentaron para conseguir un papel. 

Stovall incluyó a su propio hijo en el reparto, describiendo la experiencia como una pesadilla de forma divertida. También declaró que el Gremio de Actores lo multó porque curiosamente se había olvidado de pagarle. Debido a esto tuvieron que escribir un cheque para el joven por su único día de trabajo.
 

CRÍTICA PERSONAL

El principio de la película me pareció formidable, creando una trama francamente interesante y contando con un reparto muy convincente. Sin embargo, hay que destacar el trabajo de Bruce Davison y Lin Shaye por encima del resto. Davison consigue jugar con su personaje, creando momentos en los que parece afable y otros en los que resulta aterrador. Peterson también realiza un trabajo convincente, generando la necesaria empatía en una trama de crimen de odio. Lo que especialmente agradecí fue el hecho de que Stovall se molestara en ser objetivo con la religión, no concentrándose en aquellos que predican odio. 

La escena en la que el Pastor Boyd y el Padre de Tim intercalan sus sermones de odio y amor es simplemente sublime.
Creo que el tercer acto de la película es completamente desacertado y provoca que la película pierda bastante credibilidad y seriedad. Aunque el giro final sobre el crimen me pareció buena idea, toda la parte en la que los personajes de Robbie y la madre de Trey llevan a cabo su plan me pareció rebuscada y poco efectiva. Al mismo tiempo, se abandona al personaje del Detective Boyd, cuyas motivaciones nunca quedan claras y cuyo desenlace no encaja con la personalidad establecida.
 

CALIFICACIÓN
6- Bien

RED RIBBON BLUES

TÍTULO ORIGINAL
Red Ribbon Blues
AÑO DE ESTRENO
1996
DIRECCIÓN
Charles Winkler
PRODUCCIÓN
Dale Rosenbloom, Brad Wyman
GUION
Charles Winkler
REPARTO
Paul Mercurio (Troy), Debi Mazar (Darcy), RuPaul (Duke), John Epperson (Harold), Lisa Waltz (Bomes), David Spielberg (Yorkin), Leland Orser (James), Alan Boyce (Craig), Gabriella Lamiel (Nadine Scott), Robert Sherman (Alex), Steve Park (Kris Lee), Margo Winkler (Helen), Lee Mathis (Francis), Paul Bartel (Fred el farmaceutico), Charles Winkler (Hombre armado), David Andriole (Gerry Brandt), Larry Blanford (Entrevistador), Kristina Krofft (Terry Binder), Roberta Hanley (Farmaceutica de Savemore), Mike Jacobs Jr (Farmaceutico de Savemore), Mark Bright (Entrevistado), Cynthia Newman (Entrevistada)
CINEMATOGRAFÍA
Larry Blanford
BANDA SONORA
John Frizzell
VESTUARIO
Kristin Burke
PAÍS DE ORIGEN
Estados Unidos
DISTRIBUCIÓN
Red Ribbon Productions
DURACIÓN
97 minutos
 

TROY: Somos famosos.
DARCY: Lo que quieres decir es infames.
DUKE: Yo prefiero definirnos como de mala reputación.
TROY: Mientras sigamos siendo anónimos, me da igual como nos llamen.
DUKE: Típico, por fin soy una celebridad, pero no puedo mostrar mi rostro.
DARCY: Y el mundo lamenta esa pérdida cariño.
DUKE: La fama es tan efímera.
TROY: Creo que sería mejor que pasáramos inadvertidos por un tiempo.
DARCY: Ni hablar, estamos empezando a mejorar.
DUKE: Troy tiene razón, tenemos suficiente D-64 para tres meses.
DARCY: Ya no se trata de nosotros solamente. Piensa en todos a los que estamos ayudando en los Buyers Clubs. Si esa nos es una razón para seguir adelante, no sé qué puede serlo. Además, me encanta hacer esto, no he sentido un subidón así en años.

TROY: No tendrás un subidón así en cárcel.
DARCY: A la mierda la cárcel, no tengo miedo a que me pillen. Por primera vez en mi vida tengo la sensación de estar haciendo algo bueno.
DUKE: Es fácil de decir para ti. No tienes a alguien que dependa de ti.
DARCY: Decidme algo y sed sinceros. ¿Cuándo fue la última vez que os sentisteis así de vivos, de validados, de..?
TROY: ¿…poderosos?
 
SINOPSIS
Troy es un pintor en apuros que tras ser arrestado narra los eventos que lo llevaron a esa situación. Describe el día en que descubrió ser seropositivo como el peor de su vida, aunque esto no le impidiera seguir luchando e incluso crear un grupo de terapia de apoyo para quienes se encuentran en esa misma situación. Su mejor amiga es una camarera llamada Darcy, con adicción a las drogas. Duke y Harold son también sus grandes amigos, una pareja que lleva mucho tiempo unida. Sin embargo, Harold ya ha desarrollado el SIDA y sufre de constantes crisis, algunas de ellas provocándole serias alucinaciones.

Troy narra cómo los cuatro acabaron por embarcarse en una carrera criminal, cuando Apothecary Industries anunció la nueva droga antirretroviral D-64. La droga puede extender hasta en años de vida en los pacientes infectados, pero no ha probado ser igualmente efectiva con gente que ya sufre de SIDA, como es el caso de Harold. Cuando el seguro médico le niega acceso a esa droga, el grupo comienza a cometer robos en pequeñas farmacias, dejando un lazo rojo en la solapa de cada farmacéutico. Cuando el grupo ya se provisto de suficientes antirretrovirales, deciden seguir cometiendo robos para ayudar a aquellos que también necesitan la medicación. Las cosas se complican cuando dos policías comienzan a seguirles la pista y Apothecary Industries responde subiendo el precio de la medicación.
 
CURIOSIDADES
La película se estrenó en numerosos circuitos de Festivales de Cine Gay del año 1996. 

Fue escrita y dirigida por Charles Winkler, hijo del productor y director Irwin Winkler y de la actriz Margo Winkler, quien aparece en la película durante un breve cameo. La idea era elaborar una comedia con tintes trágicos que sirviera de fuerte crítica contra las farmacéuticas que obtenían desmesurados beneficios por sus medicamentos antirretrovirales contra el SIDA en la década de 1990. Para evitar problemas se creo el medicamento ficticio de D-64 para la película, así como la ficticia farmacéutica Apothecary Industries.
De los tres protagonistas del reparto, Debi Mazar era quien contaba con una carrera más extensa en el mundo del cine, habiendo participado en numerosas películas conocidas como “Solteros” (1992), “Toys (Fabricando Ilusiones)” (1992), o “Malcolm X” (1992). Paul Mercurio había logrado notoriedad tras su papel protagonista en “El Amor Está en el Aire (Strictly Ballroom)” (1992), en la que no solo era el protagonista, sino que tenía la oportunidad de mostrar sus habilidades como bailarín. 

Tras esto tuvo uno de los papeles protagonistas en “Dos Sabuesos en la Isla del Edén” (1994), junto con Rosie O’Donnell. RuPaul había saltado a la fama como drag queen con su single “Supermodel (You Better Work)” en 1992. Había tenido pequeñas apariciones en drag en las películas “Crookling” (1994), “La Tribu de los Brady” (1995), y la más famosa “A Wong Foo, Gracias por Todo: Julie Newmar” (1995). Para la película que abordamos hoy, se despojó de su personaje de drag por primera vez.
 
CRÍTICA PERSONAL

No cabe duda de que la idea de la película es original, convirtiendo a los protagonistas en los Robin Hoods de los seropositivos. La trama cuenta con momentos francamente divertidos, muchos a manos de RuPaul, y otros con escenas hilarantes como el primer atraco a la farmacia. Debi Mazar es de lejos la única que se salva en toda la película a nivel interpretativo. 

Su personaje me despertó empatía porque su drama personal era el único creíble. A pesar de ciertas deficiencias, es innegable que la película fue todo un alegato contra el precio que las farmacéuticas ponen a la vida.
Mercurio y RuPaul resultan demasiado planos en sus interpretaciones. El primero parece el mismo personaje de “Strictly Ballroom”, mientras que RuPaul nunca me ha llamado mucho la atención como actor, aunque cuente con momentos divertidos. La comedia tiene momentos dramáticos insertados a calzador que no son nada creíbles, resultando incluso risibles (como las visiones de los pollos de Harold). Esto daña el mensaje de la película que se basa en el drama que los pacientes todavía vivían en la década de 1990.
 
CALIFICACIÓN
5- Aceptable

RITES OF PASSAGE

TÍTULO ORIGINAL 
Rites of Passage
AÑO DE ESTRENO
1999
DIRECCIÓN
Victor Salva
PRODUCCIÓN
Pierre David, J Todd Harris
GUION
Victor Salva
REPARTO
Jason Behr (Cambell Farraday), Dean Stockwell (Del Farraday), James Remar (Frank Dabbo), Robert Glen Keith (DJ Farraday), Jaimz Woolvett (Red Tenney), Marianna Elliott (Agente Macintosh), Rondell Sheridan (Agente Dixon), George Georgiadis (Cabby), Nancy Sawyer (Jaimie Cutter), Joseph Foss (Dependiente), Brenda James (Ginny Farley), Joseph Kell (Gary Desoto), Thomas Waites (John Willio), Andreas Michaels (Joven Cambell), Kenny Cloutier (Joven DJ), Andy Cooper (Billy)
CINEMATOGRAFÍA
Don E. Fauntleroy
BANDA SONORA
Bennett Salvay
VESTUARIO
Jana Stern
PAÍS DE ORIGEN
Estados Unidos
DISTRIBUCIÓN
World International Network
DURACIÓN
95 minutos
 

CAMBELL FARRADAY: Billy está muerto. Murió hace un año. Supongo que no quiso luchar, o no se tomaba su medicación, porque hoy en día puedes con la enfermedad si lo intentas. Así que tengo que pensar que no lo intentó.
DJ FARRADAY: Dime que te has hecho la prueba.
CAMBELL FARRADAY: Me hice la prueba. No estoy enfermo. No estoy hablando de mí, ¿vale? Billy murió solo en algún lugar donde nadie le conocía.
DJ FARRADAY: ¿Cómo?
CAMBELL FARRADAY: Después de que papá montara aquel número después de Navidad, Billy desapareció.
DJ FARRADAY: ¿Qué estás intentando decir?
CAMBELL FARRADAY: Billy me dejó y me apartó de su vida después de aquello, porque no volví a verle. Pasaron tres semanas y ni sus padres quisieron denunciar su desaparición. Me pasé meses buscándole, incluso por los peores lugares. Tuvieron que pasar diez meses para que lograra enterarme de que había muerto por un desconocido. Y eso es todo. Billy nunca volvió a casa. ¿Puedes creerlo?

DJ FARRADAY: Tienes que contarle a papá lo que ocurrió.
CAMBELL FARRADAY: Y una mierda.
DJ FARRADAY: Él lo siente, ¿lo sabes?
CAMBELL FARRADAY: Ni siquiera menciona su nombre.
DJ FARRADAY: Porque a veces haces algo tan horrible, que no eres ni capaz de disculparte.
 
SINOPSIS
Frank y el joven Red acaban de escapar de prisión y al internarse en el bosque, se encuentran con un par de campistas a los que asesinan. A una cabaña cercana en la bosque, llegan Del Farraday y su hijo DJ para discutir cuestiones familiares. DJ ha descubierto que su padre tiene una amante y lleva tiempo engañando a su madre. All llegar a la cabaña, se encuentran con Cam, hermano de DJ. Del y Cam llevan mucho tiempo sin hablarse. Cam es homosexual y hace tiempo que su padre le descubrió abrazado a su entonces amante Billy. Del respondió propinándole una brutal paliza, y desde entonces no se ha vuelto a hablar con su hijo Cam.

Al verle de nuevo en la cabaña, Del asume que Cam ha quedado allí con Billy, por lo que la tensión entre ambos vuelve a surgir. Es entones cuando Frank y Red llegan a la cabaña para pedir que les permitan utilizar el teléfono, alegando haber sufrido una avería. Tras una situación tensa con Del, los dos convictos deciden marcharse. Poco después, Cam decide irse para no tener que enfrentarse a su padre de nuevo. Cuando DJ le pide que se quede para arreglar las cosas, Cam revela que Billy le dejó y terminó muriendo de SIDA, solo y rechazado por sus padres. DJ le pide que le explique lo ocurrido a su padre, asegurando que está arrepentido. Sin embargo, Del se da cuenta de que si Cam no estaba esperando a Billy, debía estar esperando a los convictos. Sus sospechas son confirmadas.
 
CURIOSIDADES
Esta fue la primera película dirigida por Victor Salva, después de la controversia que había rodeado su anterior trabajo “Powder: Pura Energía” (1995). 

Dicha película había sido objetivo de numerosos boicots, ya que Disney había contratado al director después de que hubiera sido condenado por haber abusado sexualmente de un actor de doce años, durante la producción de la anterior película “Payasos Mortales” (1989).
A la hora de crear el guion, Victor Salva decidió basar las conversaciones tensas entre los personajes de Del, DJ y Cam, en las que había mantenido con su propio padre mientras crecía. Más allá de tratar temas como el descubrimiento de la homosexualidad, la pérdida provocada por el SIDA, el director deseaba explorar la posibilidad de la redención en la relación padre e hijo. Se distribuyeron dos versiones de la película, una con comentarios por parte de Victor Salva y Jason Behr. Esta también incluía varias escenas borradas que explicaban las relaciones entre los personajes, con mayor profundidad.
 

CRÍTICA PERSONAL

Lo primero que debo señalar en esta película es un elenco de actores formidable, con una sola excepción, que está a la altura de unos personajes desarrollados con extremo detalle y cuidado. Salva sorprende una vez más con un guion que sirve a los personajes, y que además está dotado de giros inteligentes que convierten la trama en un suspense perfecto. El director triunfa en su intento de resaltar el conflicto entre padre e hijo, y creando una historia de redención no tanto a nivel reciproco, pero por lo menos a nivel personal. Logra además escapar del cliché del padre homófobo, aunque esto parezca insinuado al principio. Si uno presta atención, pronto se percata de que Del Farraday no tiene un problema con la homosexualidad, sino que lo tiene con todo lo que no se adapte a su manera de ver las cosas en la vida. Ha fracasado en su matrimonio, ha fracasado con sus hijos, y persiste en buscar la culpa alrededor, negándose a cualquier autocrítica. 

Dean Stockwell destaca por encima del resto por su magistral interpretación, provocando el rechazo en el espectador, y sirviendo finalmente como representación de la esperanza.
Tratándose de una película sobre padre e hijo, por encima de otros temas, el guion tiene un pequeño fallo. Se esfuerza mucho en mostrarnos de donde viene Cam, pero no se nos permite explorar el pasado de Del, ni las situaciones que le han llevado a convertirse en un inadaptado social.
 
CALIFICACIÓN
8- Notable

DESDE ALLÁ

TÍTULO ORIGINAL

Desde Allá

AÑO DE ESTRENO

2015

DIRECCIÓN

Lorenzo Vigas

PRODUCCIÓN

Guillermo Arriaga, Michel Franco, Lorenzo Vigas

GUION

Lorenzo Vigas, Guillermo Arriaga

REPARTO

Alfredo Castro (Armando), Luis Silva (Élder), Jericó Montilla (Amelia), Catherina Cardozo (Maria), Jorge Luis Bosque (Fernando), Greymer Acosta (Palma), Auffer Camacho (Mermelada), Ivan Peña (Yoni), Joretsis Ibarra (Deysi), Yeimar Peralta (Yerlin), Scarlett Jaimes (Yuli), Ernesto Campos (Kleiber), Marcos Moreno (Manuel), Armando Volcanes (Padrino quinceañera), Jesús Las Rosas (Roca), Alí Rondón (Alexis), Leovigildo Álvarez (Leovigildo), Geralt Jiménez (Joven roquero), Oswaldo Chacha (Raúl), Felipe Massiani (Javier Marcano) Luigi Lopes (Técnico protesista dental)

CINEMATOGRAFÍA

Sergio Armstrong

MÚSICA
Inaplicable

VESTUARIO

Marisela Marin

PAÍS DE ORIGEN

Venezuela

DISTRIBUCIÓN
Strand Releasing

DURACIÓN
94 minutos

ARMANDO: Me la terminaste haciendo. Esto es lo que quieres. Recógelo ratita de mierda.

ÉLDER: Podré ser una rata, pero no soy maricón como tú.

ARMANDO: ¿Qué dijiste?

ÉLDER: Que no soy maricón como tú.

ARMANDO: ¿Soy maricón? ¿Seguro?

(Se clava cuchillo en la pierna)

ARMANDO: Te toca. A ver quién es más maricón.

ÉLDER: Aquí me traía mi papá a pescar. ¿Te digo la verdad? Mi papá está encarcelado. Mató a un colega mío, así porque le dio la gana. ¿Y tu papá está muerto?

ARMANDO: No, pero me gustaría que lo estuviera.

ÉLDER: Quiero conocer a tu papá.

SINOPSIS

En la convulsiva ciudad de Caracas, Armando es un hombre de cincuenta años, que posee un laboratorio de prótesis dentales. 

Durante su tiempo libre, Armando se dedica a buscar a jóvenes adolescentes en las paradas de autobuses de la ciudad. Allí les ofrece dinero a cambio de que le acompañen a su casa. Sin embargo, Armando no les toca ni mantiene relaciones sexuales con ellos. Simplemente se limita a observarles desde una prudente distancia. De igual forma, Armando también dedica parte de su tiempo a seguir a un hombre de edad más avanzada que la suya. Todo apunta a que mantuvo una relación traumática con este hombre en el pasado.

Un día, Armando mantiene un encuentro violento con un joven adolescente llamado Élder, que lidera una banda de criminales. A pesar de dicho encuentro violento, Armando desarrolla una atracción y fascinación absoluta hacia el atractivo y complicado adolescente. A Élder le interesa el dinero fácil que puede obtener de Armando, por lo que decide continuar visitándole. A medida que pasa el tiempo, un sentimiento intimo comienza a surgir entre ambos, a pesar de su diferencia generacional. Sin embargo, el pasado de Armando reaparece, y complica su vida, algo que Élder no esta dispuesto a permitir debido al afecto que ha desarrollado hacía él.

CURIOSIDADES

El concepto de la película surgió del deseo del director y guionista, Lorenzo Vigas, de narrar una historia sobre la paternidad, que se ve reflejada en el proyecto en la forma de uno maltratador y otro que está ausente. Deseaba explorar la figura del padre desde distintos puntos de vista, y se había estado trabajando en una trilogía sobre la paternidad ausente, un tema que le obsesionaba. La primera parte había sido un cortometraje titulado “Los Elefantes Nunca Olvidan” (2004), la segunda parte sería la película que estamos tratando hoy, y la tercera y la última sería “La Caja”, aún sin completar a fecha de esta entrada.

En la película que hoy tratamos la paternidad se aborda desde dos perspectivas. Una es la de la relación de Armando con su padre, y la otra cuando Armando empieza a ejercer de padre Elder. En el proceso de elaborar el reparto, lo más complicado fue encontrar un actor para que interpretara al personaje de Élder. 

Cuando Vigas vio la foto de Luis Silva, procedente de una agencia de casting, quiso conocerlo de forma inmediata. Tras pasar tiempo con él joven, no tardó en simpatizar con él y considerarle un amigo. Se percató de que tenía que interpretar a Élder porque era un joven inteligente, intuitivo y con gran presencia. Le conoció mejor a lo largo de un año, antes de que comenzara el rodaje, y decidió contratarle sin una prueba de casting, al considerar que no era necesario a pesar de ser una decisión arriesgada e impulsiva. A Alfredo Castro le consideraba el actor más importante de la actualidad del cine latinoamericano. Vigas requería de un actor de mucho peso y sólido para el personaje de Alfredo. De esta forma estableció un equilibro entre los dos protagonistas. Uno era un actor experimentado y el otro no lo era. Esta combinación de actores veteranos y novatos era algo con lo que siempre había deseado experimentar.

Vigas también deseaba explorar otros temas como el de un hombre aterrorizado con el contacto físico, el deseo frustrado o la estratificación social de Caracas. 

También era importante que el film mostrara la realidad de la Venezuela de esa época, desde las comunidades más ricas, al caos de los vecindarios céntricos, y finalmente hasta las afueras compuestas de bloques de apartamentos para comunidades más pobres.

CRÍTICA PERSONAL

Está película me recordó bastante a “La Virgen de los Sicarios” (2000), pero con un enfoque más original. El personaje de Armando me fascinó en lo relativo a su inhabilidad de establecer contacto físico con aquello que desea, en parte debido a los abusos recibidos en el pasado. Élder también es un personaje muy bien elaborado, logrando llegar a mostrar ese deseo de ser querido, escondido tras capas de dureza aprendidas en la calle. La relación entre ambos evoluciona de forma interesante y, sobre todo, inesperada. Lo que más me impresionó fue ese juego con los personajes en lo relativo a imagen y realidad mental. Los dos sorprenden y ni la víctima es tan víctima, ni el agresivo lo es tanto.

El personaje de Armando es demasiado plano. A penas se elabora y la forma de interpretarlo, siempre de forma inexpresiva no acabó de convencerme. Su aspecto oscuro provoca que no termine de despertar empatía en ningún momento, pues su altruismo no lo es tanto en ningún momento. Le sucede lo contrario a Élder que si evoluciona para ser traicionado. Eché de menos más diálogos entre ambos que ahondasen en sus psiques y necesidades afectivas.

CALIFICACIÓN

7- Bastante bien

EL GÁNGSTER

TÍTULO ORIGINAL

Villain

AÑO DE ESTRENO

1971

DIRECCIÓN

Michael Tuchner

PRODUCCIÓN

Jay Kanter, Alan Ladd Jr.

GUION

Dick Clement, Ian La Frenais

Basado en la novela de James Barlow

REPARTO

Richard Burton (Vic Dakin), Ian McShane (Wolfe Lissner), Nigel Davenport (Bob Matthews), Donald Sinden (Gerald Draycott), Fiona Lewis (Venetia), T.P. McKenna (Frank Fletcher), Joss Ackland (Edgar Lowis), Cathleen Nesbitt (Señora Dakin), Colin Welland (Tom Binney), Elizabeth Knight (Patti), Tony Selby (Duncan), Del Henney (Webb), James Cossins (Brown), John Hallam (Terry), Anthony Sagar (Danny), Clive Francis (Vivian), Shirley Cain (Señora Matthews)

CINEMATOGRAFÍA

Christopher Challis

BANDA SONORA

Jonathan Hodge

VESTUARIO

Sin acreditar

PAÍS DE ORIGEN

Reino Unido

DISTRIBUCIÓN

MGM-EMI

DURACIÓN
98 minutos

WOLFE LISSNER: Iba a llamarte Vic, pero perdí un poco y tuve que espabilarme.

VIC DAKIN: ¿Has recurrido a eso? Algo sórdido.

WOLFE LISSNER: Así no estas atado.

VIC DAKIN: Y yo, ¿te he tenido atado a una correa? Te daba cien a la semana, un lujoso coche y buenos trajes.

WOLFE LISSNER: Sí, ya lo sé.

VIC DAKIN: ¿Tenías que levantarte a las cuatro de la mañana para vigilar a las mujeres de la vida en Soho?

VENETIA: ¿Wolfe? ¿Wolfe? Comprendo, pues no haberme dado una llave. Te hace sentir algo especial una llave.

VIC DAKIN: Fuera de aquí, escoria.

WOLFE LISSNER: Será mejor que te vayas. ¿¡Quieres marcharte!?

VIC DAKIN: Se te olvida la compra.

WOLFE LISSNER: Ella no significa nada Vic, de verdad. (Recibe un puñetazo)

VIC DAKIN: No me gusta eso Wolfe; no me gusta eso. Quédate conmigo. Tú eres el único que no se ha ido. No me dejes.

SINOPSIS

Vic Dakin es un gángster sádico que se ha hecho con toda una reputación en Londres, donde ha creado su pequeño imperio. Su actitud es despiadada  con todos excepto con dos personas, su anciana madre y su amante secreto Wolfe Lissner. Dakin está obsesionado con la posibilidad de perder todo lo que tiene e intenta mantener control sobre todo y todos mediante el miedo y contactos en las altas esferas. Por su parte Wolfe también mantiene una relación con la joven y atractiva Venetia. Consigue mantener a Dakin calmado asegurándole que sus encuentros con mujeres son casuales, y carentes de importancia. Por otro lado, Dakin no ha sido arrestado nunca gracias a sus contactos y a pesar de vivir del crimen.

Acosado por el Inspector Robert Matthews, Dakin accede a preparar un nuevo golpe a una fábrica de plásticos. Cuando el golpe no sale como era esperado, Matthews está a punto de lograr arrestar a Dakin, pero el gángster consigue chantajear a un prestigioso congresista para ser puesto en libertad. Pero la muerte de su madre y la posibilidad de que uno de sus hombres decida confesar complican las cosas para el gángster, que tampoco apreciará la existencia de Venetia.

CURIOSIDADES

La película fue escrita por Dick Clement e Ian Le Frenais, ambos conocidos por ser guionistas de comedia en Reino Unido. Basaron su guion en la novela “Burden of Proof” escrita por Jame Barlow y publicada en el año 1968. Curiosamente, Barlow menciona al actor Richard Burton en una parte de la novela, en la que el abogado de Dakin le pregunta a una mujer testigo si le gusta el mencionado actor. Ya existía un enfoque escrito de la novela creado por el actor Al Lettieri, conocido por su imagen de tipo duro en películas como “El Padrino” (1972) o “La Huida” (1972). 

Lettieri también era conocido por sus asociaciones con la Familia Gambino de Nueva York. Con todo este material, los guionistas procedieron a crear su manuscrito. Aunque mantuvieron a varios de los personajes principales y los eventos más importantes, decidieron alterar la trama de forma considerable.

Elliot Kastner se encargó de abordar a Richard Burton para que interpretara el papel protagonista, al haber producido su película “El Desafío de las Águilas” (1968). El actor ha explicado que lo hizo con la capciosa afirmación de estar seguro de que rechazaría interpretar a un gángster homosexual. Cuando Burton le aseguró que no lo rechazaría, se encontró con el guion en las manos. El actor siempre había deseado interpretar a un gángster, y encontró curioso que un personaje tan sádico y sanguinario pudiera depender tanto del amor de su madre, y del de otro hombre. Burton solía cobrar un millón de dólares por película, pero accedió a no cobrar sueldo a cambio de un porcentaje mayor de los beneficios.

La película fue rodada en diez semanas a finales de la década de 1970. Las escenas en exteriores fueron rodadas en escenarios reales al este de Londres. La película funcionó bastante bien en la taquilla británica, pero fue peor recibida en los Estados Unidos.

CRÍTICA PERSONAL

Richard Burton realiza un trabajo de matrícula de honor en la película. La presencia del actor es más que suficiente para transmitir esa sensación de irracionalidad y poder absoluto. El guion también ayuda, al lograr remarcar ese sadismo y desprecio a todo y todos. El director no se esfuerza en mostrar un lado dulce o tierno del gángster, algo que ocurre en otras películas del género. Incluso cuando está en compañía de su adorada madre, se le percibe un tono seco y no llega a mostrar el evidente cariño. Me pareció fascinante que su verdadera vulnerabilidad surja de su necesidad de tener al personaje de Wolfe a su lado. Por otro lado, la trama mantiene cierto grado de suspense, logrando captar la atención y convirtiéndola en una historia amena.

Los personajes están mal definidos. Si bien Burton impresiona por su presencia y labor interpretativa, su personaje carece de profundidad. En el caso del personaje de Wolfe, dicha carencia resulta todavía más evidente, lo que provoca que la relación entre ambos carezca de interés o desarrollo lógico. Quizás el motivo sea el año de la creación del film, ya que resultaba difícil profundizar en este tipo de temática.

CALIFICACIÓN

7- Bastante bien