EL MAR

TÍTULO ORIGINAL
El Mar
AÑO DE ESTRENO
2000
DIRECCIÓN
Agustí Villaronga
PRODUCCIÓN
Isona Passola
GUION
Agustí Villaronga, Biel Mesquida, Antonio Aloy
Basado en la novela de Blai Bonet
REPARTO
Roger Casamajor (Ramallo), Bruno Bergonzini (Manuel), Antònia Torres (Sor Francisca), Hernán González (Galindo), Juli Mira (Don Eugeni), Simón Andreu (Alcántara), Ángela Molina (Carmen), David Lozano (Manuel Tur de niño), Nilo Zimmerman (Andreu Ramallo de niño), Tony Miquel Vanrell (Paul Inglada), Victoria Verger (Francisca de niña), Sergi Moreno (Julià Ballestter), Llorenç Santamaría (Falangista), Maria del Mar Bonet (Madre de Manuel), Blai Llopis (Padre de Manuel), Nicolau Colom (Sureda), Carles Cuevas (Josep Tous), Sebastià Rossello (Mateu Clar), Miguel Ángel Jiménez (Toni Seguí), Borja Tous (Juan Pator), Mario Torrecilla (Mateu Clareda)
CINEMATOGRAFÍA
Jaume Peracaula
BANDA SONORA
Javier Navarrete
VESTUARIO
Mercè Paloma
PAÍS DE ORIGEN
España
DISTRIBUCIÓN
Massa d'Or Produccions
DURACIÓN
113 minutos
 

RAMALLO: ¿Quieres que te cuente algo que me paso cuando era pequeño? Es para que lo entiendas. Ocurrió un día que iba con mi padre en la barca. Normalmente yo no pescaba, me pasaba el rato mirando como los peces se asfixiaban bajo el sol. Lloraba muy poco. Y un día, y esto no se lo he dicho nunca a nadie, mi padre pescó una dorada preciosa de colorines. Me dio tanta pena y lloré tanto, que me dejó devolverla al mar. Me puse la careta y me tiré a cabeza en el agua. Enseguida se hizo el silencio. Solté la dorada y se fue. Después volvió y se me quedó mirando un rato moviendo las agallas. Pensé que toda ella era de agua, por dentro y por fuera. Después se marchó; yo me tiré detrás. Fue solo un instante porque mi padre me sacó enseguida. Pero en aquel pequeño instante, fue como si respirara bajo el agua. Como si todo yo fuese agua, agua y mar. Nunca he sentido nada igual estando en tierra y tragándome el aire. Para mi esto es el mar, aquel silencio, la limpieza de aquel respirar.
 

MANUEL: ¿Por qué no puedes consentir que quiera ser limpio?
RAMALLO: ¿Tú limpio? Tú eres más falso que una beata falsa.
MANUEL: Te odio Ramallo.
RAMALLO: No, tú no me odias, lo que te pasa es que me quieres demasiado. ¿O te crees que no me he dado cuenta?
 
SINOPSIS
Al comienzo de la Guerra Civil Española durante el verano de 1936, Andreu Ramallo y Manuel Tur son testigos de la ejecución de varios republicanos. Ambos también presencian como su amigo Pau Inglada se venga de la ejecución de su padre, matando al hijo del responsable en un ataque de ira y se suicida después. La amiga del grupo, llamada Francisca, también es testigo de este brutal drama. Más de diez años después, Ramallo se ha convertido en joven atractivo y presumido, involucrado en tramas de contrabando y obligado a mantener relaciones sexuales con su jefe Don Eugeni. Ramallo contrae tuberculosis y es enviado a un sanatorio de Mallorca para recuperarse de la fase inicial de la enfermedad.

Allí se reencuentra con sus dos amigos de juventud. Manuel lleva ya un tiempo como paciente en el sanatorio, y Francisca se ha convertido en monja y atiende a los enfermos, ignorando los avances del arrogante Ramallo. Sor Francisca también se percata de como Ramallo libera sus frustraciones mediante fuertes ataques de violencia. Por su parte, Manuel se ha refugiado en la religión, pero no puede evitar sentir una fuerte atracción hacia su amigo de juventud. Esto le lleva a flagelarse al considerarse incapaz de llevar la vida que se espera de un cristiano.
 
CURIOSIDADES
La película está basada en la novela del mismo título, escrita por Blai Bonet y publicada en el año 1958. La trama tiene lugar en Mallorca, por lo que Agustí Villaronga cooperó con los mallorquines Biel Mesquida y Toni Aloy para elaborar el guion. 

Se reunían por las tardes para ir desarrollando el guion, y Villaronga se encargaba de ordenar el material que iban acumulando a la mañana siguiente. El director lo consideró un proceso complicado, pues siempre había tenido más facilidad para imaginar las imágenes que las palabras, requiriendo recorrer los lugares en las que rodará las escenas tal y como las ha imaginado.
Uno de los aspectos más difíciles de la película fue encontrar a los actores que, no solo debían hablar mallorquín sino también sen capaz de profundizar en sentimientos y vivencias que todavía no les había tocado experimentar. Los niños que aparecen al comienzo de la película habían sido testigos de fusilamientos cometidos durante la guerra civil, y con menos de veinte años se reencontraban en un sanatorio para enfermos de tuberculosis. Estas eran situaciones límite difíciles para los actores más jóvenes, que son el centro de la trama. El rodaje duro ocho semanas y no fue una experiencia fácil según el director. Uno de los actores era Roger Casamajor, que en aquel entonces tenía solo veintitrés años y estaba empezando.

De hecho, “El Mar” fue su primera película cinematográfica y primer papel protagonista. Casamajor tuvo serias dificultades para interpretar lo que el guion exigía, pero logró superar el reto con paciencia y momentos de mal y buen humor. La película se estrenó en el Festival de Berlín ante 2000 personas, y fue controvertida por mostrar una violación gay y escenas gráficas de violencia.
 

CRÍTICA PERSONAL

Debo reconocer que los actores me sorprendieron por su juventud y capacidad para sumergirse en papeles francamente complicados sin apenas experiencia. Cabe destacar a Casamajor, que consigue transmitir empatía para luego despertar terror ante sus incontrolados ataques de ira. La película fue osada a la hora de abordar temas tremendos, ya no solo por su violencia sino por la desesperanza del entorno de los personajes. La atmosfera triste y carente de optimismo que transmite el sanatorio de tuberculosis me sorprendió e impacto profundamente.

Aunque es evidente que Villaronga logra provoca, en mi caso no fue así. No he logrado encontrar una correlación entre los eventos de la Guerra Civil que se muestran al principio, escena que para mi sobraba, y los eventos en el sanatorio de tuberculosis. Aunque el guion tiene momentos de grandeza, hay ocasiones en que los diálogos parecen improvisados y no logran convencer. Aunque el final es impactante, no me parece que la película estuviera lo suficiente desarrollada para llegar al mismo.
 
CALIFICACIÓN
6- Bien

THE ADVENTURES OF FELIX

TÍTULO ORIGINAL 
Drôle de Félix
AÑO DE ESTRENO
2000
DIRECCIÓN
Olivier Ducastel, Jaques Martineau
PRODUCCIÓN
Philippe Martin
GUION
Jaques Martineau, Jacques Martineau
REPARTO
Sami Bouajila (Félix), Patachou (Mathilde Firmin), Ariane Ascaride (Isabelle), Pierre-Loup Rajot (Daniel), Charly Sergue (Jules), Maurice Bénichou (Pescador), Philippe Garziano (Ferroviario), Didier Mahieu (Compañero), Aliette Langolff-Colas (Secretaria del Inem), Arno Feffer (Paciente), Clément Dupré (Chico con cometa), Daniel Lesur (Dueño del bar), Antoine Marneur (Vendedor), Lisa Guez (Niña), Jean-Stéphan Havert (Cliente discoteca), Jean-Michel Colon (Dueño de discoteca), Virginie Blanc (Louise), Florian Rollez (Nicolas), Adrien Auzias (Emile), Gilbert Barba (Conductor en accidente), Pascal Billon (Padre de Antoine)
CINEMATOGRAFÍA
Matthieu Poirot-Delpech
BANDA SONORA
Inaplicable
VESTUARIO
Juliette Chanaud
PAÍS DE ORIGEN
Francia
DISTRIBUCIÓN
Pyramide Distribution
DURACIÓN
95 minutos
 

ISABELLE: ¿Por qué no llamaste a la policía. Eres el testigo de Ruan. ¿Por qué los avistaste?
FÉLIX: ¿Tú lo hiciste esta tarde cuando me dieron una paliza?
ISABELLE: No es lo mismo. No ha muerto nadie.
FÉLIX: Ya, no sabía que lo habían matado. Me persiguió uno de ellos. Me golpeó, y luego cuando fui a la policía, porque me presenté ahí, no podía. Me daba miedo. La poli me daba miedo. No sé como explicarlo. No conseguía imaginarme allí, explicándoles que un tipo me había, que un tipo me había pegado por tener cara de árabe. Me daba tanta vergüenza.
 
FÉLIX: Pican muchos peces.
PESCADOR: ¿Por aquí? No.
FÉLIX: Entonces, ¿por qué pesca?
PESCADOR: No siempre se pesca para recoger peces.
FÉLIX: ¿Entonces por qué?

PESCADOR: Por pescar. Es así, pesco por pescar. Pesco por mantenerme ocupado, pesco por pasión. Pesco por no quedarme en casa.
 
SINOPSIS
Félix es un joven homosexual de ascendencia arable que vive en Dieppe, con su pareja Daniel. Es seropositivo y hace un mes que ha perdido su empleo, por lo que pasa todo el tiempo en casa con Daniel, algo que ha puesto a prueba su relación. La madre de Félix ha fallecido recientemente, y cuando el joven realiza una limpieza de su casa, encuentra la dirección del padre al que nunca ha conocido. Por este motivo, decide emprender un viaje hasta Marsella para conocerle, caminando y haciendo autostop. Daniel se reunirá allí con él en cinco días.
Recién iniciado su viaje, Félix es testigo de un ataque racista y, siendo de ascendencia árabe, termina siendo de una brutal agresión. Incapaz de denunciar lo ocurrido ante la policía continua su viaje. Durante el mismo, conoce a un joven estudiante llamado Jules, a una anciana llamada Mathilde, a un atractivo ferroviario, a una madre soltera llamada Isabelle, y a un pescador. 

Tras pasar tiempo con ellos, llega a definirles como su hermano, su abuela, su primo, su hermana y su padre respectivamente. De esta forma, el joven entenderá el verdadero significado de lo que una familia debería representar. Una vez llegue a Marsella, también se verá enfrentado a su decisión final.
 
CURIOSIDADES
La película está escrita y dirigida por Olivier Ducastel y Jaques Martineau, que además de realizar numerosos proyectos conjuntos, son pareja en la vida real. La idea surgió a raíz de un examen sobre como definir realmente el concepto de familia, abordando que la misma no surge necesariamente de los lazos de sangre. De esta forma, el personaje de Félix se embarca en un viaje, que sirve para que se lleven a cabo determinados encuentros con diversos personajes, los cuales bien podrían figurar como familia “ad hoc”. Uno de los elementos más interesantes de la película es la decisión de que el personaje de Félix sea seropositivo, tomando su consecuente medicación. 

Esto es una información adicional, que resulta totalmente irrelevante para la trama de la película. Esto fue completamente intencionado por parte de los directores, que deseaban mostrar una imagen más optimista del VIH, a menudo dramatizado en el cine de temática gay. Simplemente quisieron mostrar una realidad distinta pero veraz, en la forma de un personaje que tiene una enfermedad crónica que cuida, pero que no influye en su vida de forma negativa.
 

CRÍTICA PERSONAL

Voy a comenzar alabando la inclusión nada relevante del VIH, como un elemento de normalidad en la vida del protagonista. Debo reconocer que me sorprendió considerablemente. Entrando en la narrativa, siempre he considerado que los viajes siempre me han parecido un gran recurso narrativo. También opino lo mismo sobre los diferentes encuentros que van teniendo lugar con los distintos personajes, ya que en ocasiones un extraño al que no volvemos a ver puede tener un impacto de gran importancia en nuestras vidas. 

Por otro lado me pareció interesante que al principio el personaje de Félix pareciera casi perfecto. Encantador, simpático, siempre sonriente, Sami Bouajila consigue transmitir un carisma con pocos precedentes en el personaje. Sin embargo, cuando se nos ha convencido de la casi perfección del personaje, los directores nos exponen a otros aspectos como el miedo, la vanidad o incluso la ilegalidad. La escena con Jules es interesante, pues Félix es consciente de la atracción que el joven siente hacia él, pero le sigue manipulando para tener un sitio donde dormir. También me tomó por sorpresa el robo del coche, completamente injustificado, o su razonable cobardía a la hora de intentar denunciar lo que le ha ocurrido. Es curioso porque los directores no caen en el lógico recurso del ataque homofóbico, convirtiéndolo el suceso en una agresión racista. De esta forma la película escapa de convencionalismos de la temática gay, y presenta a un protagonista lejos de ser perfecto. 

Aunque los encuentros con los sucesivos personajes son interesantes, distan mucho de ser creíbles, algo que bien se podría haber cuidado. No sé si esta decisión consciente es un intento de alimentar el aspecto cómico de la película, pero no funciona. De hecho, yo no aprecié comedia en el desarrollo de la trama, lo cual era una intención clara, aunque esto no provoque que la película sea menos interesante.
 
CALIFICACIÓN
8- Notable

EL HIJO PERFECTO

TÍTULO ORIGINAL

The Perfect Son

AÑO DE ESTRENO

2000

DIRECCIÓN

Leonard Farlinger

PRODUCCIÓN

Jennifer Jonas

GUION

Leonard Farlinger

REPARTO

Colm Feore (Ryan), David Cubitt (Theo), Chandra West (Sarah), Jhohn Boyland (Sacerdote), Juan Chioran (Laurie), Troy Ruptash (Dueño del bar), Trent McMullen (Shawn), Karen Robinson (Doctora Palmer), Christian Laurin (Walter), Yan Feldman (Entrevistador), Sonia Dhillon Tully (Secretaria), Peter Mensah (Agresor homófobo), Billy Oliver (Agresor homófobo)

CINEMATOGRAFÍA

Barry Stone

BANDA SONORA

Ron Sures

VESTUARIO

Linda Muir

PAÍS DE ORIGEN

Canadá

DISTRIBUCIÓN

Equinox Entertainment

DURACIÓN 
89 minutos

RYAN: No me gustaron nunca las relaciones estables.

THEO: ¿Por qué no me lo dijiste?

RYAN: No resulta sencillo. Creí que no lo aceptarías.

THEO: ¿Por qué me hablas así siempre?

RYAN: ¿Lo habrías aceptado?

THEO: Sí.

RYAN: Soy idiota.

THEO: Sí, eres idiota y un mentiroso, porque no querías que papá lo supiese.

THEO: No me extraña que no hayas tenido pareja.

RYAN: He tenido relación de pareja, un hombretón llamado Patrice, de Montreal. Estuvimos seis meses; era un tío genial. Hay supe que era seropositivo. Se lo dije. Pasamos la noche llorando y se fue. Le dije que se fuese. Y volví a casa.

RYAN: Estoy asustado, muy asustado. Cada vez me encuentro peor. No sé lo que me va a pasar. No quiero morir. He pasado demasiado tiempo odiándome.

THEO: Y yo.

SINOPSIS

Ryan y Theo son dos hermanos que siempre se han mostrado distanciados e incapaces de conectar. Ryan ha sido siempre considerado el hijo perfecto, por su trabajo como abogado, su seriedad y buenas formas, y estar siempre pendiente de su padre. Theo, sin embargo, siempre ha sido la oveja negra de la familia. Su carrera como escritor no ha logrado despegar, y ha sufrido constantes problemas con el consumo de diferentes drogas, pasando repetidamente por rehabilitación. Esto ha puesto a prueba su relación con su pareja Sarah, una estudiante de medicina que termina por cansarse de sus constantes altibajos.

Los dos hermanos terminan por reencontrarse tras la muerte de su padre, y la posterior lectura del testamento. 

Theo lleva ya un tiempo rehabilitado y una tarde se encuentra a Ryan con otro hombre en casa. Tras una conversación tensa, en la que Theo declara que habría aceptado la homosexualidad de su hermano sin problema, Ryan confiesa algo más. Ryan no solo es seropositivo, sino que además lleva siéndolo durante ya más de diez años. Ninguna droga logra funcionar para frenar el avance del virus, y su médico le ha explicado que ya no hay nada que hacer. Algo cambia en la actitud de Theo, que decide estar ahí para su hermano, ayudándole con sus tratamientos y dándole compañía durante sus últimos meses.

CURIOSIDADES

Se trata de la primera película dirigida por Leonard Farlinger, producida en parte gracias a la participación económica de “Telefilm Canadá”, y los Fonos Harold Greenberg. A fecha de hoy solo ha dirigido tres películas adicionales, la última en el año 2011, y es más conocido como productor. 

La película fue producida por su esposa Jennifer Jonas, con la cual fundó su propia compañía productora “New Real Films”. La idea de la película surgió de la propia experiencia de Farlinger, ya que su hermano también falleció víctima del SIDA. De esta forma surgió una traman centrada en el viaje del hermano heterosexual para abandonar su desestabilizada vida, para convertirse en adulto y estar a la altura de las circunstancias. De igual forma, el personaje homosexual sirve como ancla para ayudar a su hermano a convertirse en mejor persona, y aceptar sus propios defectos.

Tanto Colm Feore como David Cubitt fueron nominados en los vigesimoprimeros Premios Genie de Canadá en la categoría de Mejor Actor. Sin embargo, ninguno de ellos logró hacerse con el premio, que recayó en Tony Nardi por su papel en la película “My Father’s Angel”.

CRÍTICA PERSONAL

Uno bien podría pensar que una nueva película que trata sobre el SIDA ya no encaje del todo en el Siglo XXI. Si hemos de ser sinceros fueron múltiples las películas realizadas sobre el tema durante las décadas de 1980 y 1990. Sin embargo, me llevé una muy grata sorpresa con la forma de abordar la temática en esta película. La mayoría de los films sobre el VIH nos presentan el conflicto personal del enfermo, su conflicto legal y social, y en muchas ocasiones su conflicto con sus padres. En este caso, no tenemos personajes paternos y la película decide abordar ese conflicto entre hermanos.

Primero se juega con las percepciones de la gente sobre lo que es o no un modo de vivir adecuado o perfecto. Ryan presenta esa perfección, cuando en realidad ha estado ocultando un comportamiento autodestructivo que le ha llevado a infectarse. Al contrario, Theo se muestra como la oveja negra, un drogadicto incapaz de otra cosa que de autodestruirse. Sin embargo cuando la situación lo requiere, lo abandona todo por su hermano. 

La belleza de la trama reside en que al final, lo único que necesitaban los dos hermanos era el uno al otro.

Toda la trama es llevada adelante con gran sensibilidad, y en ocasiones con algo de humor que encaja perfectamente con los hechos. Feore y Cubitt realizan un trabajo magistral, logrando despertar gran empatía.

Hay solo dos elementos que fallaron en esta gran película. Realmente, no se nos llega a explicar en ningún momento que ocurrió entre ambos hermanos, o entre el personaje de Theo y su padre. Otro aspecto que falló fue el de mostrar al personaje de Ryan gozando de plena salud hasta el momento de su muerte. Fue considerablemente faltó de realismo, ya que los efectos físicos de un paciente terminal de SIDA son evidentes.

CALIFICACIÓN

8- Notable

CHUCK & BUCK

TÍTULO ORIGINAL

Chuck & Buck

AÑO DE ESTRENO

2000

DIRECCIÓN

Miguel Arteta

PRODUCCIÓN

Matthew Greenfield, Beth Colt, Scott M. Cort

GUION

Mike White

REPARTO

Mike White (Buck O’Brien), Chris Weitz (Chuck Sitter), Lupe Ontiveros (Beverly Franco), Beth Colt (Carlyn Carlson), Paul Weitz (Sam), Maya Rudolph (Jamilla), Mary Wigmore (Diane), Paul Sand (Barry), Gino Buccola (Tommy), Annette Murphy (Madre de Tommy), Glory Simon (Bruja), Douglas Kieffer (Mark), Jonathan Brown (Jake), Ruthie Bram (Dorothy), Giovanni Gieco (Espantapájaros), Meredith Tucker (Jolie), Linda Lichter (Cajera), Zak Penn (Josh Weintraub), Dana Baratta (Melissa Booth), Pamela Gordon (Madre de Buck), Josephina J. Rocha (Pilar), Nathaniel Olderman (Joven Buck)

CINEMATOGRAFÍA

Chuy Chávez

BANDA SONORA

Smokey Hormel, Tony Maxwell, Joey Waronker

VESTUARIO

Elaine Montalvo

PAÍS DE ORIGEN

Estados Unidos

DISTRIBUCIÓN

Artisan Entertainment

DURACIÓN 
96 minutos

BEVERLY FRANCO: Escucha, acerca del guion. Creo que se trata de una historia de amor entre Hank y Frank.

BUCK O’BRIEN: ¿Eso crees?

BEVERLY FRANCO: Pues sí, ¿es que tú no? Es como si se tratara de una historia de amor homoerótica y misógina.

BUCK O’BRIEN: Oh, vaya, es lo que es. No lo sé. Quiero decir… deseaba escribir algo que fuera como… como el tipo de cosas que solía hacer con mi mejor amigo.

BUCK O’BRIEN: Sé que las cosas han cambiado. Sé que las cosas no pueden volver a ser como antes.

CHUCK SITTER: ¿Cómo antes? Teníamos once años. Actúas como si fuera extraño que haya cambiado; como si fuera raro que no desee trepar por los árboles contigo todo el día.

BUCK O’BRIEN: La gente no cambia.

CHUCK SITTER: Sí lo hacen. Lo hacen, Buck. A lo mejor tú no, pero le ocurre a todos los demás. Es como si te hubieras quedado atrapado en una capsula del tiempo. ¿Por qué? ¿De qué tienes miedo?

BUCK O’BRIEN: No lo sé, es como ahora que estamos juntos, es el único momento en el que me siento bien. Te conozco, éramos tú y yo. Todo lo demás me hace sentir como si estuviera muerto, y no quiero sentirme muerto.

SINOPSIS

A la edad de veintisiete años, Buck O’Brien ha perdido a su madre, y mantiene el nivel de madurez de un adolescente. El joven invita a su mejor amigo de la infancia, Chuck, al funeral. Chuck se ha convertido en un exitoso ejecutivo de la industria de la música y se presenta en el funeral con su prometida Carlyn. Buck y Chuck habían experimentado sexualmente  a la edad de once años, pero Chuck ha reprimido los recuerdos de esos eventos como si nunca hubieran tenido lugar. Tras el funeral, Chuck realiza una invitación de formalidad a Buck para que les visite en Los Ángeles si pasa por la ciudad. 

Sin embargo Buck se toma la invitación de forma demasiado literal, y decide mudarse a Los Ángeles, con la esperanza de retomar la relación que tenía con su mejor amigo.

Una vez en Los Ángeles, Buck decide explorar su afición a escribir obras de teatro, creando una titulada “Hank y Frank y la Bruja”. Con la ayuda de una productora llamada Beverly comienza a trabajar en la obra, y decide contratar a un actor llamado Sam. Aunque Sam se parece mucho a Chuck, carece de talento alguno. Sin embargo, los problemas comienzan cuando Buck comienza a introducirse a la fuerza en la vida de Chuck y Carlyn, llegando a los límites del acoso.

CURIOSIDADES

La película fue escrita por Mike White, abiertamente bisexual y cuyo padre salió del armario en el año 1994. Miguel Arteta se encargó de la dirección, y fue él que insistió en que White interpretara al personaje protagonista de la película. 

White declaró que interpretar a Buck sentó un precedente en su carrera, ya que el actuar le ayudó a escribir mejores guiones. Explicó que únicamente actuando es cuando uno se pone en los zapatos del personaje, y a apreciar la ansiedad que produce el hacer que una frase del guion funcione. Su interpretación del personaje de Buck fue elogiada por Jeff Bridges, que la definió como la mejor labor interpretativa del año 2000.

El académico James R Keller declaró que la película exploraba el miedo histérico que cualquier heterosexual podía sufrir, cuando sus experimentaciones homosexuales pudieran salir a la luz. La película logró ganar el Premio Independent Spirit John Cassavetes, otorgado a un equipo creativo que haya sido capaz de realizar películas con un presupuesto menor a medio millón de dólares. Su nombre homenajea al actor, guionista y director John Cassavetes, pionero en la industria del cine independiente estadounidense.

CRÍTICA PERSONAL

De nuevo nos encontramos con otra de esas situaciones en la que la idea base es brillante, aunque no se lleve a cabo de manera efectiva. Todos hemos tenido momentos en los que nos refugiamos en personas y momentos de un pasado, con la intención de recuperarlo. También aborda el interesante tema de un hombre heterosexual, a punto de casado, que se ve amenazado cuando se presenta el recuerdo de experiencias homosexuales de la adolescencia que quedaron completamente atrás.

Una de las cosas que más me sorprendió a la hora de investigar la película, fue el hecho de que Mike White fuera elogiado por su interpretación. Personalmente encontré que conmigo no lograba funcionar. Es una de esas situaciones extrañas en las que el personaje es una amalgama de aspectos psicológicos que no logran funcionar. Uno no logra saber si el personaje tiene algún problema mental, si es un eterno adolescente, o si simplemente es un psicópata. 

La última opción fue la que más me convencía, por su forma de acosar, sin que el guionista explicara efectivamente el trasfondo de dicha conducta. No me valía el hecho de que quisiera rememorar su amistad y relación sexual de cuando tenía once años.

Como consecuencia de todo esto, mi empatía hacia el personaje de Buck fue completamente nula. De hecho me encontré apoyando a los personajes de Chuck y Carlyn, a los que veía como claras víctimas. Sin embargo me resultó inverosímil que aguantaran tanto, y sobre todo que Chuck accediera a ese momento de clausura para ayudar a su amigo. Me pareció una escena inefectiva e inverosímil. En general todos los actores flojean, y el estilo cinematográfico no me convenció.

CALIFICACIÓN

4- Insuficiente

ANTES QUE ANOCHEZCA

TÍTULO ORIGINAL

Before Night Falls

AÑO DE ESTRENO

2000

DIRECTOR

Julian Schnabel

PRODUCTOR

Jon Kilik

GUION

Cunningham O'Keefe, Lázaro Gómez Carriles, Julian Schnabel

Basado en la autobiografía de Reinaldo Arenas

REPARTO

Javier Bardem (Reinaldo Arenas), Olivier Martinez (Lazaro Gomez Carriles), Johnny Depp (Bon Bon, Teniente Victor), Héctor Babenco (Virgilio Pinera), Andrea Di Stefano (Pepe Malas), Santiago Magill (Tomas Diego), John Ortiz (Juann Abreu), Manuel González (Jose Lezama Lima), Francisco Gattorno (Jorge Camacho), Marisol Padilla Sánchez (Margarita Camacho), Michael Wincott (Herberto Zorilla Ochoa), Pedro Armendáriz Jr. (Abuelo de Reinaldo), Sean Penn (Cuco Sanchez), Najwa Nimri (Fina Zorilla Ochoa), Diego Luna (Carlos), Vito Maria Schnabel (Joven Reinaldo), Olatz López Garmendia (Señora Arenas)

CINEMATOGRAFÍA

Xavier Pérez Grobet, Guillermo Rosas

BANDA SONORA

Carter Burwell

VESTUARIO

María Estela Fernández

PAÍS DE ORIGEN

Estados Unidos

DISTRIBUCIÓN

Fine Line Features

DURACIÓN
133 minutos

REINALDO ARENAS: Pedro, ¿qué tu hace aquí?

PEDRO: Vivo aquí mismo.

REINALDO ARENAS: Dame una toalla, una camiseta o lo que tengas por favor.

PEDRO: Toma, tú.

REINALDO ARENAS: Gracias. Tengo que esconderme, no sé, tengo que irme de aquí.

PEDRO: ¿Con qué? ¿A qué sitio?

REINALDO ARENAS: Dicen que abuse de dos menores. Tú tenías que haberlos vistos, eran más grandes, más viejos que yo. ¿Sabes algo de Tomás?

PEDRO: Me dijeron que estaba en un campo de trabajo en Oriente. Lo mataron por intentar escaparse. Yo creo que te quedan dos salidas. Puedes probar por la Base Naval de Guantánamo o intentarlo en una balsa hasta la Florida. Son noventa millas. Con una corriente a favor puedes llegar en un par de días.

TENIENTE VICTOR: Cuantas veces hemos confiscado ya esta mierda contrarrevolucionaria. ¿No te das cuenta de que esto te puede costar la vida? Podemos hacerte desaparecer, o podría salir mañana. Depende de ti, pero si sigues escribiendo así, no vas a llegar muy lejos. Te voy a dar cinco minutos para que recapacites.

REINALDO ARENAS: Cualquier maricón tardaría más de cinco minutos en recapacitar, al ver a este magnífico teniente apretando sus enormes cojones.

SINOPSIS

Homosexual y nativo de Cuba, Reinaldo Arenas descubre su pasión por la literatura. En el año 1964 consigue un puesto de trabajo en la Biblioteca Nacional de la Habana. También ha conseguido ganar un segundo premio en un concurso de escritores, ante lo que Lezama Lima le anima a seguir escribiendo. Reinaldo también forja un círculo de amigos con los mismos intereses, y las mismas inclinaciones sexuales. 

Llegada la década de 1970, la represión del Régimen Castrista comienza a ser mucho más opresiva, lo cual comienza a provocar problemas. A pesar de haber luchado con las fuerzas revolucionarias de Castro como adolescente, Reinaldo comienza a ser perseguido por su trabajo y homosexualidad.

Falsamente acusado por dos jóvenes de haberse intentado aprovechar de ellos, Reinaldo es enviado a prisión. Aunque consigue escapar a nado, no tarda en volver a ser arrestado y enviado a prisión. Algunos de sus amigos no logran sobrevivir. En prisión comienza a traficar con sus manuscritos, logrando enviarlos fuera de Cuba para que sean publicados. Tras pasar dos años en prisión, Reinaldo continúa intentando escapar del país sin éxito, hasta que logra hacerlo en el Barco Mariel en 1980. Para ello falsifica su apellido en sus papeles. Residiendo en Estados Unidos, conoce al joven Lazaro, pero se verá acosado por otros problemas.

CURIOSIDADES

La película está basada en la autobiografía del mismo título de Reinaldo Arenas, que fue publicada en inglés tres años después de su muerte en el año 1993. El papel del afamado escritor fue interpretado por Javier Bardem, que se convirtió en el primer español en ser nominado al Oscar al Mejor Actor por su trabajo. Sin embargo lo perdió contra Russell Crowe por su papel en “Gladiator” (2000). Al Pacino, ídolo de Bardem, elogió la interpretación de Javier Bardem dejándole un mensaje en su contestador automático. El actor lo definió como uno de los más bellos regalos que ha recibido.

Aunque la trama está establecida en Cuba, la película fue rodada en su totalidad en México, donde Veracruz sirvió de doble para La Habana. El director Julian Schnabel declaró que había sido tal el placer de trabajar con su equipo, que su tuviera que rodar una película en el ártico el equipo sería mexicano. Su esposa interpretó el papel de la madre de Reinaldo Arenas, y sus hijos también participaron en papeles menores. 

Según el cinematógrafo Guillermo Rosas, casi todas las escenas fueron rodadas con filtro color chocolate superpuesto en las lentes de las cámaras. Esto contribuyó para obtener una gran gama de colores y texturas en la película, especiales los colores de piel, y la intensidad de los tonos verdes. La película incluye el primer papel en inglés del actor Olivier Martinez. El papel del famoso escritor Lezama Lima fue ofrecido a Marlon Brando y Al Pacino, que lo rechazaron. Finalmente recayó en un amigo de Julian Schnabel.

La película fue elogiada por gran parte de la crítica recibiendo varios premios en eventos como el Festival Internacional de Cine de Venecia. Bardem fue elogiado por su excelente trabajo interpretativo y a pesar de su ya extensa carrera como actor, logró reconocimiento internacional.

CRÍTICA PERSONAL

No cabe duda alguna de que hay que comenzar elogiando uno de los mejores trabajos de Javier Bardem. 

El actor consigue meterse a la perfección en el papel, despertando empatía, sino simpatía y compresión, por parte del espectador. La atmosfera creada por Schnabel es formidable, contribuyendo a una transición de entorno paradisiaco a otro opresivo con sorprendente facilidad. La historia del famoso escritor es conmovedora, y no puede dejar a nadie impasible al comunicar la terrible represión y persecución despiadada del Régimen Castrista.

Contando con un extenso metraje, da la sensación de que la película desaprovecha tiempo en escenas artísticas o imaginarias, en lugar de extender ciertos aspectos de la trama. En particular me decepcionó que no se examinara más la transición de Arenas al instalarse en Estados Unidos, con el choque cultural que conllevaba. En ocasiones tiende a ser demasiado lenta.

CALIFICACIÓN

8- Notable

ALGO CASI PERFECTO

TÍTULO ORIGINAL

The Next Best Thing

AÑO DE ESTRENO

2000

DIRECTOR

John Schlesinger

PRODUCTORES

Leslie Dixon, Linne Radmin, Tom Rosenberg

GUION

Thomas Ropelewski

REPARTO

Madonna (Abbie Reynolds), Rupert Everett (Robert Whittaker), Benjamin Bratt (Ben Cooper), Illeana Douglas (Elizabeth Ryder), Michael Vartan (Kevin Lasater), Josef Sommer (Richard Whittaker), Malcolm Stump (Sam), Lynn Redgrave (Helen Whittaker), Neil Patrick Harris (David), Mark Valley (Cardiólogo), Suzanne Krull (Annabel), Stacy Edwards (Finn), John Carroll Lynch (Abogado de Abbie), Fran Bennett (Juez Tracey Bennett), Ricki Lopez (Angel), Ramiro Fabian (Flavio)

CINEMATOGRAFÍA

Elliot Davis

BANDA SONORA

Gabriel Yared

VESTUARIO

Ruth Myers

PAÍS DE ORIGEN

Estados Unidos

DISTRIBUCIÓN

Touchstone Pictures

DURACIÓN
108 minutos

SAM: Papá, ¿eres marica?

ROBERT WHITTAKER: ¿Qué dices?

ABBIE REYNOLDS: Y pensar que ayer solo tenía cinco años.

ROBERT WHITTAKER: Sam, ¿dónde has aprendido esa palabra?

SAM: Me la ha enseñado Kyle.

ABBIE REYNOLDS: ¿Te ha dicho lo que significa?

SAM: Sí.

ROBERT WHITTAKER: Bien. ¿Qué significa?

SAM: Es cuando dos chicos se besan y van a la ópera.

ROBERT WHITTAKER: Bueno, sí y no. Pero lo importante Sam es que la palabra marica es una palabra fea que usan malas personas que no aceptan a los que son diferentes.

ROBERT WHITTAKER: Me he pasado toda la vida pensando en la sangre, preocupándome por la sangre. Y la sangre… bueno, es como la mierda. Estamos todos llenos. Es buena, se corrompe, pero no es lo que somos. Para ser padre, un verdadero padre, se necesita más que ADN, algo que nadie puede darte y que nadie puede quitarte. 

Yo me he ganado a pulso a ser el padre de Sam. Así que decida lo que usted decida, Sam es mi hijo y lo será para siempre.

SINOPSIS

Abbie Reynolds siempre ha tenido problemas con los hombres, y acaba de romper con su última pareja. Solo puede contar con su amigo homosexual Robert Whittaker, que siempre ha estado ahí para ayudarla. Robert acaba de perder a un buen amigo, y pasa una noche con Abbie. Ambos beben y acaban acostándose, lo que crea cierta tensión en la pareja de amigos. Sin embargo, cuando Abbie descubre que se ha quedado embarazada, no duda en tener al niño y le comunica a Robert que es fruto de la noche que pasaron juntos. Abbie le propone a Robert que vivan juntos para criar a su hijo como buenos amigos; y Robert acepta.

Cinco años después, Robert y Abbie continúan viviendo juntos como padres del joven Sam. Los intentos de Robert para buscar pareja no dan fruto, porque Sam siempre se antepone a todo. 

Las cosas se complican cuando Abbie conoce a Ben Cooper y acepta acudir a una cita con él. El flechazo entre ambos es instantáneo, y se embarcan en una relación cada vez más estable. Sin embargo, Robert no puede evitar pensar que su vida se ve amenazada, así como su estatus como padre gay.  Las cosas se complican cuando Abbie y Ben deciden casarse y trasladarse, con la intención de llevarse a Sam. Robert no estará dispuesto a consentirlo.

CURIOSIDADES

La película surgió como un guion original de Thomas Ropelewski titulado “La Cortina Roja”. Ropelewski tenía la intención de dirigir el proyecto contando con su Esposa Leslie Dixon para producirla. Tras esto se anunció que el proyecto se llevaría a cabo en 1995 con Richard Dreyfuss interpretando uno de los papeles protagonistas. Sin embargo el actor terminó por abandonar el proyecto, y justo después Helen Hunt fue seleccionada para interpretar el papel de la otra protagonista del film. 

Se consideró contar con Rupert Everett para reemplazar a Dreyfuss, debido a su popularidad como actor gay en la década de 1990, pero al actor no le gustó el guion y lo rechazó. “Paramount” deseaba contar con Everett tanto que llegaron a ofrecerle crédito como guionista y productor. También le concedieron el derecho de escoger a su coprotagonista, y Everett no dudó en escoger a su amiga Madonna. Durante la producción, Everett fue despedido como productor y guionistas.

El rodaje tuvo lugar entre abril y mayo de 1999. Tiempo después fuentes aseguraron que el guion había sido reescrito en su mayor parte por Ryan Murphy y Rupert Everett. En el guion original, el personaje de Abbie Reynolds trabajaba como profesora de natación. Tras leer el guion, Madonna decidió cambiar ese aspecto, y el personaje pasó a ser profesora de Yoga. La película fue un fracaso de taquilla y crítica, no logrando recaudar el presupuesto de veinticinco millones de dólares. Solo tuvo el reconocimiento de ser nominada en los “GLAAD Media Awards de 2001”, perdiendo contra “Billy Elliot” (2000). 

Madonna ganó un “Golden Raspberry Award” a la peor actriz. La película también fue nominada a otros Razzies en las categorías de Peor Director, Pero Película, Peor Guion, Peor pareja protagonista.

CRÍTICA PERSONAL

Sin ser una maravilla, la película nunca me pareció tan mala ni merecedora de semejante lapidación. Sobre todo, valoraría que es una idea arriesgada, mucho más considerando su estreno en el año 2000. Otro aspecto positivo es que cuenta con cierto grado de objetividad. Los dos personajes protagonistas, uno homosexual la otra heterosexual, son igualmente responsables de una situación que acaba por superarles y llevarles a sacar lo peor de sí mismos. No se muestran perfectos, ni existe uno bueno y otro malo. El modo en que la situación se escala hasta crear una verdadera pesadilla sentimental revela responsabilidades en ambos bandos. Al mismo tiempo, el film señala lo desprotegidos que están los homosexuales en determinadas cuestiones.

Muchos criticaron a Madonna, que no es que brille con su actuación, pero personalmente nunca me ha gustado Rupert Everett como actor. Lo encuentro sobreactuado en situaciones de comedia, y esta película es un ejemplo de ello. Por otro lado, considerando la tensión que se va generando, me pareció que la resolución de la trama fue apresurada, nada elaborada, y completamente increíble.

CALIFICACIÓN

6- Bien