100 DÍAS

TÍTULO ORIGINAL 
Сто дней до приказа (Sto dney do prikaza)
AÑO DE ESTRENO
1990
DIRECCIÓN
Hussein Erkenov
PRODUCCIÓN
Aleksandr Zosimenko
GUION
Vladimir Kholodov
Basado en la novela Yuri Polyakov
REPARTO
Vladimir Zamanskiy (Hombre desconocido), Armen Dzhigarkhanyan (Comandante de Brigada), Oleg Vasilkov (Elin), Roman Grekov (Zub), Valeriy Troshin (Kudrin), Aleksandr Chislov (Zyrin), Mikhail Solomatin (Belikov), Sergei Romantsov (Titarenko), Sergey Bystritskiy (Teniente), Elena Kondulaynen (La Muerte), Oleg Khusainov (Angel), Sergey Semyonov (Capitán), Aleksey Volkov (Soldado), Vladimir Puchkov (Soldado), Padel Stepanov (Soldado), Oleg Yakovlev (Soldado)
CINEMATOGRAFÍA
Vladislav Menshikov
BANDA SONORA
Inaplicable
VESTUARIO
Nina Chernyshova
PAÍS DE ORIGEN
Unión Soviética
DISTRIBUCIÓN
Peccadillo Pictures
DURACIÓN
67 minutos
 

GUIA: Este es el símbolo de San Jorge, el cuadro de San Jorge abatiendo al dragón. Narra como el mártir San Jorge salvó a los palestinos de un dragón que moraba en un lago, y devoraba a los niños que le eran entregados como sacrificio. La figura de San Jorge esta dibujada como un arco en tensión. El manto escarlata del mártir ondea de forma triunfante como un estandarte simbólico. La mano bendecida con el firmamento de fondo, indica que San Jorge está recibiendo ayuda del cielo.
 
SINOPSIS
Cinco jóvenes reclutas del Ejército Soviético se enfrentan a una despiadada instrucción militar. Sometidos a constante violencia, abusos y duro trabajo, el único modo de salvaguardar su dignidad es preservando su humanidad y reforzar la compasión que sienten los unos por los otros. Sin embargo, los abusos de superiores provocan que tengan lugar una serie de muertes inexplicables. 

La muerte se presenta a los jóvenes de formas alegóricas, pero aterradoras. Estos sucesos provocan que el comandante de la unidad tenga que participar activamente en la investigación sobre las causas de esas defunciones. Sin embargo, su intervención para empeorar las cosas. Mientras los oficiales se muestran perplejos ante la situación, las situación parece complicarse de forma progresiva.
 
CURIOSIDADES
La película está basada en una novela del mismo título, publicada en 1987 y escrita por Yuri Polyakov. Fue uno de los primeros trabajos en la literatura rusa en abordar los problemas internos del ejército soviético, ya fuera abuso de poder o novatadas extremadamente agresivas entre reclutas. Este tipo de temas habían estado sometidas al tabú más estricto.
La película no trata la homosexualidad de ninguna forma evidente o abierta, pero es increíblemente directa en lo relativo al homoerotismo. 

Dichas imágenes homoeróticas pueden ser vistas a lo largo de la película, y el director explicó que habían sido completamente intencionadas. Su idea era que dichas imágenes simbolizaran la única belleza dentro de la vida de unos jóvenes sometidos a dejaciones, en su particular mundo lleno de fealdad y carencia de humanidad. De hecho, todos los entornos de los reclutas carecen de atractivo alguno y son más bien depresivos, ya sean interiores o exteriores. Todos los papeles son interpretados por soldados de verdad, con la excepción de un único actor profesional. Un ejemplo del evidente homoerotismo se encuentra en una escena en la que los soldados se lavan unos a otros desnudos con una intimidad que les aleja de la brutalidad del resto de sus tiempo libre. Otras escenas incluyen soldados compartiendo cama desnudos, y numerosas miradas que algunos críticos han señalado como de flirteo o incluso deseo.
Polyakov declaró que el resultado final de la película tenía poco que ver con su historia. Tuvo varios enfrentamientos con Erkenov, que prefería convertir el proyecto en una película de autor, escogiendo crear una línea simplemente temática sin argumento. 

Llegó a señalar que la intención de Erkenov era la de convertirse en un joven Pasolini, fracasando estrepitosamente al pasar al olvido. El escritor llegó a intentar poner cierre a la producción asegurando que se le había prometido crear una película realista.
La película no se mostró fuera de Rusia hasta que Erkenov creó su propia compañía distribuidora, llevando el film al Festival de Cine de Berlín de 1994. De esta forma se convirtió en una película de interés homosexual, así como un valiente ejemplo de cinematografía de la era de  la Unión Soviética, a punto de caer el Muro.
 
CRÍTICA PERSONAL

No soy un gran fan de este tipo de cine independiente, pero confieso que en esta ocasión me sentí fascinado por la compleja trama de esta película. Aunque la trama es enrevesada, y difícil de seguir sin guía previa, me interesó mucho la forma de mostrar un estilo de vida militar tan descorazonadora y carente de la más mínima empatía. 

Personalmente no me costó mucho encontrar ejemplos de temática homosexual encubierta. Al margen de la famosa escena del baño, me interesó más ciertos momentos en los que los personajes de los jóvenes soldados se comunicaban con simples miradas. Cerca del final, encontré que la escena en la que se están secando desnudos era bastante explicita en erotismo y sugestión sexual. Eso sí, en ningún momento podemos ver algo tan evidente como una historia de amor, o una trama consistente. Es como si el erotismo y la sugestión sexual sirvieran de escape de una cruda realidad, lo cual es brillante.
Los chavales realizan una encomendable labor, considerando que ninguno tenía experiencia interpretativa. Quizás fuera una buena idea usar a verdaderos soldados para interpretar a los personajes, al poder sentirse plenamente identificados con la dureza de ese entrenamiento militar.

A pesar de que la película me intrigó, eché de menos una trama más consistente que enlazara sus diferentes segmentos. Si la intención solo era mostrar la dureza del mundo militar soviético, ¿por qué no realizar solo un documental? Al descubrir las confrontaciones entre autor y director, no pude evitar preguntarme si éste último no pecó de prepotente al intentar realizar algo excesivamente esotérico. Un ejemplo es la mujer desnuda simbolizando a la muerte. Si no hubiera leído sobre esta alegoría previamente, difícilmente hubiera entendido su función, que además es innecesaria. La carencia de diálogos tampoco ayuda demasiado al desarrollo de los personajes, y quizás provoque que el espectador no conecte suficientemente con ellos a nivel emocional.
 
CALIFICACIÓN
6- Bien

HANDSOME HARRY

TÍTULO ORIGINAL

Handsome Harry

AÑO DE ESTRENO

2009

DIRECCIÓN

Bette Gordon

PRODUCCIÓN

Jamin O’Brien, Marilyn Haft, Eric Goldman, Jamey Sheridan

GUION

Nicholas T. Proferes

REPARTO

Jamey Sheridan (Harry Sweeney), Steve Buscemi (Thomas Kelley), Mariann Mayberry (Judy Rheems), Aidan Quinn (Profesor Porter), John Savage (Peter Rheems), Campbell Scott (David Kagan), Titus Welliver (Gebhardt), Karen Young (Muriel), Jayne Atkinson (Esposa de Kelley), Bill Sage (Pauley), Emily Donahoe (Hija de Kelley), Asher Grodman (Bobby Sweeney), Andrew Dolan (Sam), Rutanya Alda (Señora Schroeder), Kevin Reed (Joven Kagan), Blake Lowell (Joven Kelley), Tom Degnan (Joven Harry), Elizabeth Hess  (Madre de Kagan), Danny Lane (Joven Rheems), Reathel Bean (Padre de Kagan)

CINEMATOGRAFÍA

Nigel Bluck

BANDA SONORA

Anton Sanko

VESTUARIO

Michael Anzalone

PAÍS DE ORIGEN

Estados Unidos

DISTRIBUCIÓN

Emergin Pictures, Paladin

DURACIÓN 
93 minutos

PROFESOR PORTER: ¿Por qué estás aquí?

HARRY SWEENEY: Tommy Kelly me llamó. ¿Te acuerdas de él? Quería que David Kagan le perdonara antes de morir. Pero ha muerto antes.

PROFESOR PORTER: ¿Qué tiene que ver todo eso conmigo?

HARRY SWEENEY: Quiero que me cuentes lo que recuerdas de esa noche.

PROFESOR PORTER: No tengo por costumbre acordarme de aquellos años. El muchacho que fui ya murió.

HARRY SWEENEY: Dime que recuerdas y desapareceré. Nunca volverás a oir de mí.

PROFESOR PORTER: Estábamos en dique seco, en Norfolk. Kelly y tú entrasteis en la tienda muy enfadados. Dijiste que Kagan había intentado besarte en las duchas. Intentó agarrarte y Kelly dijo que le diéramos una paliza al chupapollas. Y lo hicimos.

HARRY SWEENEY: ¿Quién cogió el generador?

PROFESOR PORTER: Supongo que fue Kelly.

HARRY SWEENEY: ¿Lo viste?

PROFESOR PORTER: No, todo era un caos y todos estábamos actuando como salvajes. Es lo más reprobable que he hecho en toda mi vida.

HARRY SWEENEY: ¿Y por qué negar lo que ocurrió durante esos años?

PROFESOR PORTER: Por los fantasmas del pasado.

SINOPSIS

A la edad de cincuenta y dos años, Harry Sweeney es un veterano de la Guerra de Vietnam que ha conservado su atractivo, por lo que es conocido como Harry el Guapo. Trabaja como electricista y es aficionado a cantar, por lo que todo el mundo le aprecia, aunque él no permite que nadie se le acerque. Lleva años divorciado y tiene un hijo con el que apenas habla. Un día recibe una llamada de un antiguo compañero de la marina, Tom Kelly, a quien no ha visto en treinta años. En su lecho de muerte, Kelly logra convencer a Harry para que contacte con su compañero David Kagan y le pida que le perdone por lo que le hicieron durante su tiempo en la marina. 

Aunque al principio Jarry no desea revolver su pasado, un sentimiento de culpabilidad y algunos recuerdos difusos le llevan a acceder al deseo de Kelly que termina falleciendo.

Harry comienza a reunirse con sus antiguos compañeros de la marina que se vieron involucrados en el crimen contra Kagan. Rheems se oculta tras su éxito económico y una violenta visión de lo que debe de ser la moral. El intelectual Profesor Porter ha decidido negar la violencia de sus años en la marina; y Gephardt ha encontrado la paz en la religión. A lo largo de su viaje y sus reencuentros con sus antiguos compañeros, Harry descubrirá la devastadora realidad de lo que sucedió.

CURIOSIDADES

Bette Gordon dirigió el proyecto con la idea clara de examinar la amistad, traición y el perdón en las relaciones entre los hombres, porque dichas relaciones le parecían bastante diferente de las forjadas entre mujeres. 

Se sintió intrigada por los personajes masculinos del guion de Proferes debido a su crudeza, y a que poseían una reminiscencia de los actores que había admirado mientras crecía como Lee Marvin, Ben Gazzara, o Steve McQueen. Eran actores que no hablaban mucho, pero que rezumaban un carácter físico y una vida interior muy profunda. La película aborda el concepto de la supuesta imagen de la masculinidad, y como la misma ha cambiado desde el final de la Guerra de Vietnam.

La directora conoció al actor James Sheridan cuando se presentó a las pruebas para un papel en la película “Refugio en el Paraíso” (1998). Consideró que lograba transmitir una hermosa sensación de tristeza y vulnerabilidad al personaje del padre, que había sido escrito como estricto y controlador. Era un actor capaz de convertir la fuerza del personaje en su propia carga o lastre. Para el resto del reparto deseaba contar con actores cuya presencia física y crudeza pudiera sentirse. 

Steve Buscemi era un antiguo amigo de la directora, y ambos llevaban mucho tiempo deseando trabajar juntos. Nunca había interpretado a un tipo duro con un secreto inconfesable, y era un actor físico capaz de transmitir su ansiedad confesando, en lugar de una forma agresiva.

La película fue estrenada en el Festival de Cine De Tribeca en el año 2009, tras lo cual tuvo una limitada distribución en cines durante el año 2010

CRÍTICA PERSONAL

Lo que más me llamó la atención de la película fue la atmosfera lograda, acompañada de una banda sonora de música blues y jazz que resultó muy acertada. Ante todo, me encantó el concepto de un grupo de hombres en la cincuentena, viéndose obligados a abordar errores del pasado de formas radicalmente diferentes. Sheridan realiza una excelente labor interpretativa, logrando transmitir perfectamente esa vulnerabilidad y tristeza a pesar de su aspecto duro y rudo. Es un personaje empático que se embarca en un viaje de arrepentimiento y perdón, que a su vez tiene tintes de suspense. 

La película está diseñada como una historia de misterio, cuyas piezas van tomando lugar hasta que la verdad termina por relevarse.

La cinematografía me pareció excesivamente oscura, aunque fuera intencionalmente para contribuir a esa atmosfera. Hay ocasiones en las que apenas se aprecian gestos de algunos actores. Aunque la revelación final es inesperada, me dio la sensación de que la resolución de la historia se ignora por completo a favor de un efecto sorpresivo. Esto provoca la sensación de que el viaje de Harry no ha finalizado, y elimina el poder de la temática del perdón.

CALIFICACIÓN

7- Bastante bien

EL CORAJE DE UNA MADRE

TÍTULO ORIGINAL

Any Mother’s Son

AÑO DE ESTRENO

1997

DIRECCIÓN

David Burton Morris

PRODUCCIÓN

Joseph A. DiPasquale

GUION

Bruce Harmon

REPARTO

Bonnie Bedelia (Dorothy Hajdys), Hedy Burress (Kathy), Paul Popowich (Allen), Fiona Reid (Doris), Allan Royal (Ben), Shawn Ashmore (Billy), Mimi Kuzyk (Peggy Evans), Peter Keleghan (Capitán John Curtis), Barry Flatman (Comandante Stevens), Paul Haddad (John Miller), Phillip Jarrett (Rick Rodgers), Sada Thompson (Gertie), Scott Gibson (Terry Helvey), Cameron Mathison (Rich Eastman), Michael Gabriel (Charles VIns), Jane Moffatt (Madre de Terry Helvey), Nigel Bennett (Allan Schindler Sr.), Judah Katz (Teniente Steine), Trevor Bain (Director de funeraria), Michael Rhoades (Oficial Anderson)

CINEMATOGRAFÍA

John L. Demps Jr.

BANDA SONORA

Pray for Rain

VESTUARIO

Lynne MacKay

PAÍS DE ORIGEN

Estados Unidos

DISTRIBUCIÓN

Lifetime Television

DURACIÓN
90 minutos

CAPITÁN DISNMORE: Lo que hoy me preocupa es que entienda el contexto político, dentro del cual la muerte de su hijo ha servido para simbolizar cierto punto de vista.

DOROTHY HAJDYS: Mi hijo no simbolizaba nada la noche que le mataron. Solo era un marinero, que fue atacado por otros marineros, que sacaron de alguna parte la idea de que estaba bien hacer lo que le hicieron a él.

CAPITÁN DISNMORE: La sugerencia de que la Marina de Estados Unidos acepta o adopta de alguna forma las actitudes de Charles Vins y Terry Helvey tiene nuestro más absoluto rechazo.

DOROTHY HAJDYS: En ese caso permítame que puntualice algo Capitán. Cuando mi hijo declaró a la marina que era homosexual, le hicieron firmar un papel que entre otras cosas decía que podía ser licenciado con deshonor, y despojado de todos los subsidios militares. Le diré lo que la Marina le hizo a Charles Vins después de admitir haber pateado a mi hijo una y otra vez en la cabeza, hasta que murió. 

El castigo fue menor que licenciarse con deshonor. Cumplió solo setenta y ocho días, y la Marina le permite seguir llevando su medalla del servicio de defensa nacional. Así que dígame con estos datos si la Marina no ha dejado bien claro el valor que concede a la vida y el servicio de mi hijo. Y dígame también, entre mi hijo y Charles Vins, ¿quién cree usted que sirvió a la Marina de los Estados Unidos con honor?

DOROTHY HAJDYS: Señora Hajdys veo… veo que no puedo darle respuestas que la satisfagan.

CAPITÁN DISNMORE: Esas son las primeras palabras sinceras que me ha dicho la Marina.

SINOPSIS

Entre la tripulación de un buque de la Armada de los Estados Unidos, se encuentra el oficial de veintidós años llamado Allen Schindler. Cuando se descubre que es homosexual, Allen sufre amenazas y acosos por algunos de sus compañeros. 

Dos de ellos llamados Charles Vins y Terry Helvey le persiguen y dan una paliza, que acaba con la muerte del joven. La Marina informa a su madre Dorothy Hajdys, y sus hermanos de lo ocurrido. Dorothy se entera de que su hijo era homosexual cuando recibe una llamada de un periodista de una revista militar. Manteniendo una actitud homófoba se niega a creerlo, mientras que su prima Doris llega a pedirle que exhume a Allen para analizar su cuerpo y “probar” que no es gay. La única que se muestra comprensiva es la hermana de Allen.

Dorothy confirma la homosexualidad de su hijo al recibir su diario, y accede a asistir a un funeral organizado por sus amigos homosexuales. Tras esto decide comenzar a combatir contra su propia homofobia y conoce a Peggy, una periodista que le informa que Charles Vins pateó a su hijo, y Terry Helvey le mató. Sin embargo se enfurece cuando la Marina no le informa de las acciones que está tomando, y se enfurece al descubrir que Charles Vins solo ha sido condenado a setenta y ocho días de suspensión. Es entonces cuando Dorothy decide enfrentarse a la Marina.

CURIOSIDADES

Se trata de una película creada para ser emitida en televisión, aunque tras su estreno tuvo una muy limitada distribución en algunos cines. El film está basado en hechos reales, más específicamente en el asesinato del joven oficial de la Marina Allen Schindler en el año 1992 a manos de sus compañeros, por ser homosexual a la edad de veintidós años. Tal y como la película muestra, su madre se enteró de su homosexualidad a posteriori, y terminó enfrentándose a la Marina para impedir que ocultaran los hechos y asegurarse de que su hijo obtenía justicia. Al hacerlo, logró superar sus opiniones homófobas. La película utilizó los nombres verdaderos de las personas que se enfrentaron a esta trágica situación.

De hecho la película fue deseo de la propia Dorothy Hajdys, que deseaba que la gente descubriera que uno de los dos oficiales que habían agredido a su hijo, solo había sido condenado a setenta y ocho días de cárcel sin cargos por deshonor. 

La actriz Bonnie Bedelia se mostró interesada por el papel al considerar que la historia era de gran valor, y al haber conocido a muchos homosexuales durante su carrera en Broadway. Hajdys cooperó con la película, contribuyendo a los personajes e indicando que seguía sin hablarse con dos de sus familias, y que tras enfrentarse al condenado Helvey le había preguntado que había hecho su hijo para que le matara, y éste le había dicho que nada.

Aunque la actriz y la madre procedían de mundos muy diferentes, desarrollaron un fuerte vínculo durante el rodaje al concentrarse en lo que tenían en común, ambas eran madres. Hajdys elogió la interpretación de Bedelia, declarando que había conseguido conectar con el corazón de la historia. También reconoció haber llorado durante el rodaje de la escena en la que familia se despedía de Allen en el aeropuerto.

En el año 1998, la película ganó un GLAAD Media Award para el Mejor Telefilm.

  

CRÍTICA PERSONAL

Sin duda es elogiable crear una película que narre un hecho real de crimen homofóbico, y más todavía cuando este tiene lugar en un ambiente hostil como el militar. Sin lugar dudas Bonnie Bedelia realiza una interpretación magistral y conmovedora, eclipsando cualquier otro aspecto de la película. El nivel de empatía que logra desarrollar es considerable.

El guion flaquea en ocasiones y convierte un tema serio en un melodrama bastante básico. Aunque no sea esa la intención, en ocasiones parece que se exageran ciertas reacciones trágicas exceptuando las interpretaciones de Bedelia. El proceso en el que el personaje de la madre supera su homofobia no me pareció lo suficientemente detallado.

CALIFICACIÓN

7- Bastante bien

RECLUTAS CON TRAMPA

TÍTULO ORIGINAL

The Gay Deceivers

AÑO DE ESTRENO

1969

DIRECCIÓN

Bruce Kessler

PRODUCCIÓN

Joe Solomon

GUION

Jerome Wish

REPARTO

Kevin Coughlin (Danny Devlin), Larry Casey (Elliot Crane), Brooke Bundy (Karen), Jo Ann Harris (Leslie Devlin), Michael Greer (Malcolm), Sebastian Brook (Craig), Jack Starrett (Coronel Dixon), Christopher Riordan (Duane), Richard Webb (Señor Devlin), Eloise Hardt (Señora Devlin), Jeanne Baird (Señora Conway), Dean Cromer (Psiquiatra), Joe Tornatore (Sargento Kravis), Robert Reese (Agente Inmoviliario), Douglas Hume (Cabo), David Osterhout (Stern), Marilyn Wirt (Sybil), Ron Gans (Freddie), Rachel Romen (Dorothy), Tom Grubbs (Paul), Louise Williams (Bunny), Randee Lynne (Sheryl), Meredith Williams (Phil), Harry Sodoni (Georgette), Lenore Stevens (Laverne), Trigg Kelly (Jacki), Tony Epper (Vince)

CINEMATOGRAFÍA

Richard C. Glouner

BANDA SONORA

Stu Phillips

VESTUARIO

Norman Salling

PAÍS DE ORIGEN

Estados Unidos

DISTRIBUCIÓN

Fanfare Films Inc.

DURACIÓN
97 minutos

PSIQUIATRA: ¿Qué prefiere usted, chicos jóvenes u hombres maduros.

DANNY DEVLIN: Creo que cuando se quiere a alguien de verdad, la edad no importa.

PSIQUIATRA: ¿Y usted?

ELLIOT CRANE: ¿Puedo escoger?

PSIQUIATRA: ¿Prefiere ser activo o pasivo?

DANNY DEVLIN: El sexo no tiene nada que ver con el amor, lo que tiene que ver es lo que sientes por la persona.

PSIQUIATRA: ¿Y usted, prefiere ser activo o pasivo?

ELLIOT CRANE: Hay que ser receptivo a las necesidades del compañero. Las inhibiciones arruinan los matrimonios.

MALCOLM: ¡Sinvergüenza! Mira lo que hace con mis peonias.

SEÑORA CONWAY: Ya sabes donde puedes metértelas. Además de mariposa, tonta. Ni siquiera sabes que no son peonias, son caléndulas.

CRAIG: ¡Santo Cielo! Creo que tiene razón. Son caléndulas.

MALCOLM: Puede que yo no entienda de flores, pero reconozco a una zorra en cuanto la veo.

SINOPSIS

Danny y Elliot han sido amigos desde hace mucho tiempo. El primero pertenece a una familia adinerada y tiene una novia a la que adora. Elliot es el atractivo socorrista de uno de los clubs del padre de Danny, y su atractivo le ayuda a ligar con las muchachas y las mujeres adultas que lo frecuentan. Ambos amigos deciden fingir ser homosexuales para evitar ser reclutados por el ejército de los Estados Unidos. Aunque parece que el plan ha funcionado, Danny descubre que el Coronel Dixon no ha quedado convencido y les ha sometido a una intensa vigilancia. Debido a esto deciden vivir juntos durante una temporada.

Los dos amigos se instalan en un barrio donde predominan los gais, en una casa bastante extravagante. Allí conocen a Malcolm y Craig, una pareja llamativa y extravagante, con la que no tardan en forjar amistad. Sin embargo Danny tiene dificultad para quedar con su novia, y las constantes aventuras amorosas de Elliot ponen en constante riesgo la tapadera de los muchachos. Las cosas empeoran cuando la familia de Danny les visita, y pensando que Elliot le ha llevado por un mal camino, deciden despedirle.

CURIOSIDADES

Bruce Kessler dirigió la película con la intención de crear una comedia de enredo, que involucrara a la comunidad gay. Tuvo dificultades para encontrar a gran parte del reparto, pues en la década de 1960 existía un gran temor a participar en proyectos que incluyeran personajes homosexuales. Kevin Coughlin y Larry Casey aceptaron los papeles de un par de amigos que pretenden ser homosexuales para evitar ser reclutados por el ejército. 

Sus compañeros de reparto declararon que Devlin se mostró encantador durante todo el rodaje, y tenía gran interés en realizar una buena película. Sin embargo actores como Christopher Riordan, que interpretaba el pequeño papel de Duane, declararon que Crane se mostró constante tenso durante todo el rodaje. De hecho recibió el papel después de Kent McCord se negara a aceptarlo. Uno de los aspectos que más caló con la audiencia por la interpretación de Michael Greer. Sus amaneramientos y forma de expresarse gustaron tanto que el distribuidor de la película cambió todas las campañas de publicidad, tras una semana de estreno, para promocionarle como actor protagonista. De hecho Greer, que en aquel entonces era abiertamente homosexual, trabajó con el director y el guionista para minimizar la caracterización de su personaje, y presentar a Malcolm de una forma positiva. Sin embargo algunos de sus compañeros declararon que a menudo se mostraba controlador, especialmente durante el rodaje de la fiesta de disfraces.

En un borrador inicial, los protagonistas iban a ser actores especialistas que trabajaban en Hollywood. En países de Sudamérica la película fue titulada “El Tercer Sexo Se Divierte”. En España la película tuvo dos títulos. En el cine fue titulada “Reclutas Con Trampa” y al ser emitida en televisión el título pasó a ser “Los Farsantes”. La película fue todo un éxito de taquilla, aunque varios activistas gais se manifestaron en su contra, alegando que mostrar a los homosexuales como extremadamente femeninos, era un efecto demasiado negativo.

CRÍTICA PERSONAL

Contexto, esa es la clave para analizar películas como esta. Es verdad que está cargada de estereotipos, pero hay que considerar que procede del año 1969. Siempre hay gente a la que le molestan los personajes amanerados, tildándolos de no representativos. Evidentemente no han salido mucho, porque están ahí y no tienen por qué ser juzgados por eso. En términos generales la película está bien y funciona adecuadamente como comedia de enredo. 

Destacaría a Kevin Coughlin, que resulta encantador en su interpretación.  Aunque los personajes afeminados no son un problema, en este caso están exagerados hasta el ridículo más absoluto. No me importaría si los personajes heterosexuales también fueran llevados al extremo. Lo que no me gusta de la película es la constante frase “somos normales”, por parte de dos heterosexuales que tras convivir con gais deberían aprender que ser hetero no tiene nada que ver con la normalidad.

CALIFICACIÓN

6- Bien

BUEN TRABAJO

TÍTULO ORIGINAL

Beau Travail

AÑO DE ESTRENO

1999

DIRECTOR

Claire Denis

PRODUCTOR

Patrick Grandperret

GUION

Claire Denis, Jean-Pol Fargeau

REPARTO

Denis Lavant (Sargento Galoup), Michel Subor (Comandante Bruno Forestier), Grégoire Colin (Giles Sentain), Richard Courset (Legionario), Nicolas Duvauchelle (Legionario), Adiatou Massudi (Legionario), Mickael Ravovski (Legionario), Dan Herzberg (Legionario), Giuseppe Molino (Legionario), Gianfranco Poddighe (Legionario), Marc Veh (Legionario), Thong Duy Nguyen (Legionario), Jean-Yves Vivet (Legionario), Bernardo Montet (Legionario), Dimitri Tsiapkinis (Legionario), Djamel Zemali         (Legionario), Abdelkader Bouti (Legionario)

CINEMATOGRAFÍA

Agnès Godard

BANDA SONORA

Charles Henri de Pierrefeu, Benjamin Britten

VESTUARIO

Judy Shrewsbury

PAÍS DE ORIGEN

Francia

DISTRIBUCIÓN

Pyramide Distribution

DURACIÓN 
90 minutos

SARGENTO GALOUP: Un día un avión francés aterrizó con algunos chicos nuevos. Me fijé en uno de los chicos que salía del avión. Era delgado y distante. No tenía motivos para estar en la Legión con nosotros. Eso fue lo que pensé. Le sentí vagamente amenazador, cautivándome. Giles Sentain era su nombre.

SARGENTO GALOUP: Me siento muy solo cuando pienso en mi superior. Le respetaba mucho; me gustaba. Mi comandante. Un rumor le acompañaba después de la Guerra de Algeria. No me lo confió. Decía que era un hombre sin ideales, un hombre sin ambición. Le admiraba sin saber el porqué. Yo sabía que era un perfecto legionario, y no le importaba nada.

SINOPSIS

Un antiguo militar llamado Galoup se encuentra en proceso de adaptación a su nueva vida civil, recordando su vida en la Legión Francesa Extranjera. 

Galoup reflexiona especialmente sobre los incidentes que provocaron su humillante destitución. Mientras servía en el Golfo de Yibuti, en África, Galoup era el responsable de entrenar una unidad de jóvenes Legionarios. Su vida allí era feliz, estricta y reglamentada. Sin embargo todo parece cambiar ante la llegada de un nuevo recluta llamado Sentain. Mediante muestras de valor y humanidad, Sentain no tarda en ganarse el respeto y admiración del resto de los reclutas. También impresiona al oficial al cargo, el Comandante Bruno Forestier, a quien Galoup idolatra de forma obsesiva, para ser simplemente ignorado por él. Consumido por los celos, Galoup se declara enemigo de Sentain, a quien decide desacreditar a toda costa.

Cuando Sentain da de beber a un soldado castigado a cavar un agujero bajo el sol, recibe una reprimenda de Galoup que tira el agua de su mano. Sentain golpea a Galoup y como castigo es abandonado en el desierto para que camine de regreso a la base. Sin embargo, Sentain no regresa porque Galoup ha alterado su compás. 

Mientras Sentain se encuentra perdido, Galoup aprovecha para acusarle de deserción.

CURIOSIDADES

La película está basada en la historia de Billy Budd, escrita por Herman Melville, y la adaptación para la ópera escrita por Benjamin Britten. El personaje del marino Billy Budd siempre ha sido icónico, por estar cargado de un tema homoerótico, al poner énfasis en la belleza del marino. El propio Melville, que era homosexual, aumentó dicho homoerotismo. Rainer Werner Fassbinder también se basó en el personaje para crear su clásico de temática gay “Querelle” (1982). En el caso que nos ocupa hoy, la directora Claire Denis dirigió el proyecto de “Buen Trabajo” tras una sugerencia de Jean-Pol Fargeau, con quien coescribió el guion. En lugar de establecer la acción en el mar, decidieron que trascurriera en la Legión Francesa Extranjera, más específicamente en el Golfo de Yibuti, África. Claire no tenía conocimiento alguno de los entresijos de la Legión, por lo que deseó aportar la idea de que la película abordara el tema de sentirse perdido en tierra extrajera. 

Al indagar más en el personaje de Billy Budd, la directora descubrió que no estaba muy interesada en él, sintiendo más fascinación por el “villano” John Claggart. De ahí desarrolló el personaje de Galoup y lo convirtió en el protagonista de la historia. Denis declaró que no tenía interés alguno por un personaje que representaba la pureza y la inocencia, y que se sentía más identificada con el personaje de Claggart. Según la directora el personaje no era un villano, sino simplemente humano, todo lo opuesto a Billy Budd como símbolo de la pureza.

Al partir de ahí se desarrolló toda la película, basándose en la conceptualización de la envidia como semilla que puede generar en desastre. Un miembro del reparto había sido miembro de la Legión, por lo que pudo aportar su experiencia. Junto al equipo de producción organizó rutinas de ejercicios reales, concentrándose en enseñar a los actores a operar como un grupo. A medida que el rodaje avanzaba se decidió utilizar la propia música de la ópera de Britten. 

Fue entonces cuando surgió la idea de coreografiar los entrenamientos y determinadas situaciones de los Legionarios. Esto se llevó a cabo con la intención de aumentar la calidad artística del proyecto.

La película fue alabada por crítica y audiencia, convirtiéndose en el segundo gran éxito de Claire Denis tras su primer trabajo “Chocolat” (1988). Ha sido descrito por muchos como su gran obra maestra. El trabajo de la directora ha tratado siempre con temas coloniales y postcoloniales en África Occidental, así como con temas de la Francia Moderna.

CRÍTICA PERSONAL

Debo comenzar reconociendo que esté tipo de películas artísticas nunca han sido santo de mi devoción. Y sin embargo, hay elementos en esta película que me dejaron fascinados. Aunque varias escenas se me antojan tediosas, hay otras que lograron cautivarme, sorprendiéndome en el proceso. 

Ese momento de “danza” entre Galoup y Sentain, representando esa rivalidad que roza el odio, me pareció brillante. Y es que a pesar de la complejidad de la película, el tema que aborda es irónicamente simple y poco tratado en la temática gay, el de los celos como arma destructiva. Fue ese análisis lo que logró mantenerme cautivado en un estilo de película que habría abandonado normalmente.

El ritmo es muy lento, y las expresiones de los actores tienden a ser demasiado planas. Denis pone demasiado énfasis en los entornos y en la coreografía corporal de su reparto, pero desatiende las expresiones faciales de sus personajes, que en ocasiones parecen robots. El tema es interesante, pero no está explotado en todo su potencial

CALIFICACIÓN

7- Bastante bien

EL SARGENTO

TÍTULO ORIGINAL

The Sergeant

AÑO DE ESTRENO

1968

DIRECTOR

John Flynn

PRODUCTOR

Richard Goldstone

GUION

Dennis Murphy

Basado en su propia novela

REPARTO

Rod Steiger (Sargento Albert Callan), John Phillip Law (Soldado de Primera Tom Swanson), Ludmila Mikaël (Solange Gérard), Frank Latimore (Capitán Loring), Elliott Sullivan (Pop Henneken), Ronald Rubin (Cabo Cowley), Philip Roye (Aldous Brown), Jerry Brouer (Sargento Komski), Memphis Slim (Cantante del pub)

CINEMATOGRAFÍA

Henri Persin

BANDA SONORA

Michel Magne

VESTUARIO

Sin acreditar

PAÍS DE ORIGEN

Estados Unidos

DISTRIBUCIÓN

Warner Bros, Seven Arts

DURACIÓN
108 minutos

SARGENTO CALLAN: Swanson, esto es una base del ejército.

TOM SWANSON: Te iré a ver esta noche.

SARGENTO CALLAN: No.

TOM SWANSON: ¿Qué quiere decir?

SARGENTO CALLAN: Quiero decir que estás restringido.

TOM SWANSON: ¿Restringido? Las reglas conceden permisos nocturnos.

SARGENTO CALLAN: Yo hago las reglas.

TOM SWANSON: Sí, realmente las haces. ¿Verdad?

SARGENTO CALLAN: Tranquilícese.

SOLANGE GÉRARD: Tengo que irme.

SARGENTO CALLAN: Es una buena idea. Creo que tendrías que sacar a la chica de aquí.

TOM SWANSON: Espere un momento.

SARGENTO CALLAN: ¿Qué quiere decir con "espere un momento"? Esto es una base del ejército. ¡Saque a la chica de aquí!

SOLANGE GÉRARD: Sí, vámonos. Vámonos.

SARGENTO CALLAN: Si quiere echar un polvo, ¿por qué no vas a por una puta del burdel?

SINOPSIS

El Sargento Albert Callan es un veterano de la Segunda Guerra Mundial que ha sido condecorado por sus heroicos servicios en Francia en el año 1944. En el año 1952, es enviado a una base militar que se dedica al suministro de combustible. Allí conoce al Capitán Loring, que ha desatendido por completo la disciplina de la base, y a menudo se da a la bebida. Debido a esto, el Sargento Callan encuentra el campamento sumergido en completo desorden, suciedad y ausencia total de disciplina. Decidido a corregir esto, Callan toma las riendas, adoptando medidas intimidantes y a menudo excesivamente estrictas.

Entre los soldados del campamento se encuentra el Soldado de Primera Tom Swanson, hacia el cual Callan comienza a sentir una atracción física secreta. 

Swanson se ve coaccionado a aceptar un trabajo como subalterno al servicio de Callan, con quien tiende a chocar a menudo debido a su personalidad tranquila. Aunque en ocasiones ambos logran llevarse bien, las cosas empeoran cuando Callan conoce a la atractiva Solange, novia de Tom. A espaldas de Tom, Callan intimida a la joven deseando ahuyentarla. Al mismo tiempo, la confusión del Sargento acerca de su atracción hacia Tom Swanson, provoca que caiga en una depresión que da paso a la bebida. Hasta que un día, no lograra controlar sus impulsos.

CURIOSIDADES

En el año 1966, Robert Wise fundó una compañía para poder producir películas de bajo presupuesto, que otros pudieran dirigir. Se hizo con los derechos de la novela de Dennis Murphy “El Sargento”, publicada en el año 1958; y el propio autor se encargó de adaptar su novela para crear el guion. 

Tras esto, Wise contrató a su antiguo ayudante, John Flynn para que dirigiera el proyecto. Años después, John Flynn declararía el deber su carrera como director a la oportunidad que Wise le prestó. “El Sargento” fue la primera película producida por la compañía de Robert Wise.

Simon Oakland intentó hacerse con el papel del protagonista, el Sargento Callan, por todos los medios. Llegó a decirle a Flynn que estaba dispuesto a no cobrar nada por interpretarlo. Sin embargo, Rod Steiger también estaba dispuesto a interpretarlo por un sueldo aceptable y nada excesivo. La decisión fue contratar a Steiger, pues acababa de hacerse con el Oscar por su interpretación en la película “En el Calor de la Noche” (1967).

Flynn declaró que Steiger era un gran actor, aunque extremadamente triste y solitario. Estos aspectos de su personalidad habían contribuido a que su interpretación fuera sobresaliente. El rodaje tuvo lugar en Francia, y Steiger se negaba a almorzar en el mismo lugar, por lo que el director y el actor acudían a un restaurante a veinticinco kilómetros de París. 

En una ocasión, Flynn acudió a cenar con Steiger y su esposa Claire Bloom. No tardó en percatarse de la tensión entre ambos; y poco después la pareja se divorció.

CRÍTICA PERSONAL

Sin duda alguna, lo más destacable es la interpretación de Rod Steiger. El actor pasa de interpretar a un Sargento afable y amistoso a un verdadero tirano obsesionado con la disciplina y sus atracciones obsesivas. Dichos cambios son absolutamente instantáneos, y demuestran una esquizofrenia creíble y angustiosa. Otra cosa que me llamó mucho la atención fue el excelente uso de la banda sonora, que otorga verdadera tensión a determinadas escenas. La relación entre los personajes de Callan y Swanson también esta lograda, y la evolución de la misma esta cuidada al máximo detalle. Personalmente, disfruto al ver historias que muestran relaciones que funcionan como una montaña rusa.

Debo comenzar diciendo que no he leído el libro. Mi mayor problema, es que el personaje del Sargento no despierta empatía alguna, por lo que su muerte no logra conmover ni despertar compasión. Casi se le muestra como un ser enfermizo cuyo propósito es recibir el rechazo de los espectadores. Esto es muy característico de las películas con temática gay anteriores a la década de 1970. La historia requiere de grandes dosis de empatía y explicaciones acerca del pasado del protagonista, para que el espectador comprenda su angustia.

CALIFICACIÓN

8- Notable