LOS AMIGOS DE PETER

TÍTULO ORIGINAL
Peter’s Friends
AÑO DE ESTRENO
1992
DIRECCIÓN
Kenneth Branagh
PRODUCCIÓN
Kenneth Branagh
GUION
Rita Rudner, Martin Bergman
REPARTO
Kennett Branagh (Andrew), Alphonsia Emmanuel (Sarah), Stephen Fry (Peter), Hugh Laurie (Roger), Phyllida Law (Vera), Alex Lowe (Paul), Rita Rudner (Carol), Tony Slattery (Brian), Imelda Staunton (Mary), Emma Thompson (Maggie), Richard Briers (Padre de Peter), Alex Scott (Joven Paul), Ann Davies (Brenda), Nicola Wright (Mujer de Brian), Chris Pickles (Chófer), Magdelena Buznea (Anciana), Edward Jewesbury (Abogado), Bill Parfitt & Ruby May Musto (Ben)
CINEMATOGRAFÍA
Roger Lanser
MÚSICA
Inaplicable
VESTUARIO
Susan Coates, Stephanie Collie
PAÍS DE ORIGEN
Reino Unido
DISTRIBUCIÓN
Entertainment Film Distributors
DURACIÓN
101 minutos
 

MAGGIE: Estaba saliendo con alguien, un escritor.
ANDREW: ¿Y qué pasó?
MAGGIE: Se suicidó.
ANDREW: Oh, lo siento.
MAGGIE: No tiene importancia, de veras. En serio, no me gustaba mucho, y menos todavía después de haberse suicidado.
ANDREW: ¿Qué? ¿Cómo lo hizo?
MAGGIE: Pues, se arrojó desde un edificio.
ANDREW: ¡Guau!
MAGGIE: Y ni siquiera eso hizo bien. Solo era un edificio de tres pisos. Habría sobrevivido, solo que lo atropello un coche. ¡No tiene gracia!
ANDREW: Claro que tiene gracia Maggie.
 
MAGGIE: Yo fui a su habitación y me desnudé.
CAROL: Muy directa. ¿Y qué pasó entonces?
MAGGIE: Dijo que no le iba el asunto de la vagina.

CAROL: Muy directo también. ¿Le fue alguna vez a Peter el asunto de la vagina?
MAGGIE: Sí, se acostó con Sarah.
CAROL: ¡Qué sorpresa!
 
SINOPSIS
Peter y sus cinco mejores amigos han formado una compañía de teatro cómica en la Universidad de Cambridge. Sus amigos son Andrew, Sarah, Roger, Mary y Maggie. La nochevieja de 1982, actúan para el padre de Peter y sus amigos en la mansión de la familia. Aunque no son recibidos con entusiasmo, el ama de llaves Vera y su hijo Paul son grandes fans del grupo. Diez años más tarde, el padre de Peter ha muerto y le ha dejado su mansión y fortuna en herencia. Vera le pregunta que piensa hacer, y Peter declarará que celebrará la fiesta de nochevieja de 1992 junto a sus amigos de la universidad. Sin embargo, las cosas han cambiado considerablemente desde sus años de universidad.

Andrew es un guionista que trabaja en Hollywood, casado con una estrella televisiva llamada Carol. Sarah acude con su nuevo amante, un hombre casado llamado Brian que además tiene un hijo. Roger y Mary componen temas para anuncios publicitarios y se han casado. Sin embargo, han perdido a uno de sus hijos gemelos, lo que ha afectado la relación y convertido a Mary en una madre sobreprotectora. Maggie trabaja como publicitaria y se ha convertido en una joven excéntrica, que considera que la fiesta es su oportunidad de iniciar una relación con Peter. Aunque todos se alegran de volver a verse, la velada no tarda en convertirse en una sucesión de desastres. Maggie se lanza a por Peter, quien le explica que ya no tiene interés en las mujeres. La estrella Carol se harta de Andrew. Sarah descubre que no tiene tanto interés en Brian. Roger y Mary se enfrentan al trauma de haber perdido a su hijo.
 
CURIOSIDADES

Lo más llamativo de la película es que la mayor parte del reparto principal habían sido antiguos amigos de la universidad, o habían trabajado en otras películas. Hugh Laurie, Stephen Fry, Emma Thompson y Tony Slattery habían sido estudiantes en la Universidad de Cambridge. Allí habían coincidido como miembros de los Footlights de Cambridge, una compañía de teatro cómica similar a la que se muestra en la película. Martin Cambridge, escritor del guion junto a su esposa Rita Rudner, también había sido estudiante en Cambridge y miembro de los Footlights. Además de escribir el guion junto a su marido, Rita Rudner se encargó de interpretar al personaje de la arrogante estrella televisiva Carol.
Justo antes del rodaje, Stephen Fry y Hugh Laurie estaban triunfando como pareja cómica con el programa “A Bit of Fry & Laurie” (1987-1995) y la serie de televisión “Jeeves y Wooster” (1990-1993). Durante la producción de la película, el director y actor Kenneth Branagh estaba casado con Emma Thompson, quien a su vez había salido con Hugh Laurie durante sus años universitarios. 

Phyllida Thompson es la madre de Thompson y junto a Richard Briers, Imelda Staunton y Alex Lowe participaría en la adaptación de Branagh de “Mucho Ruido y Pocas Nueces” (1993). El rodaje de “Los Amigos de Peter” tuvo lugar en el Parque Wrotham. El personaje de Peter se inspiró en parcialmente en Nicholas Eden, hijo del antiguo Primer Ministro Anthony Eden que fue diagnosticado como seropositivo después de heredar los títulos de su padre. Moriría en 1985, a la edad de cincuenta cuatro años, víctima del SIDA.
 

CRÍTICA PERSONAL

Creo que de todos los personajes, el que más disfruté fue el de Emma Thompson. Dentro del caos de relaciones que se nos muestra, Maggie resulta desternillante en su misión de encontrar el amor con la persona equivocada. 

El mayor fuerte de la película es el de contar con elenco sobresaliente, que saca lo mejor que puede de un guion bastante pobre. A medida que la trama avanza, se percibe que uno esta asistiendo a la reunión de antiguos amigos, donde ya nada es lo que parece. Aun sin banda sonora propia, la película hace uso de canciones excelentes, muy bien aprovechadas en cada momento.
El guion es bastante pobre y no saca lo mejor de los personajes ni los actores. La gran revelación tiene lugar justo al final, con lo que se pierde la oportunidad de abordar el tema con mayor profundidad. El primer tercio de la película resulta excesivamente forzado en el uso de comedia fácil, y el grupo tarda en percibirse como uno formado por grandes amigos.
 
CALIFICACIÓN
7- Bastante bien

OKOGE

TÍTULO ORIGINAL
Okoge
AÑO DE ESTRENO
1992
DIRECCIÓN
Takehiro Nakajima
PRODUCCIÓN
Yoshinori Takazawa
GUION
Takehiro Nakajima
REPARTO
Misa Shimizu (Sayoko Morohashi), Takehiro Murata (Goh Yoshino), Takeo Nakahara (Tochi Terazaki), Atsushi Fukazawa (Tamio), Takatoshi Takeda (Tsuyuki, el camarero), Masayuki Shionoya (Kurihara), Kyôzô Nagatsuka (Toichi, el hermano de Goh), Mitsuko Oka (Tokuko), Michino Yokoyama (Manami), Noriko Sengoku (Kinoe Yoshino, madre de Goh), Toshie Negishi (Yayoi Terazaki, esposa de Tochi)
CINEMATOGRAFÍA
Yoshimasa Hakata
MÚSICA
Hiroshi Ariyoshi
VESTUARIO
Kunihiro Inomata
PAÍS DE ORIGEN
Japón
DISTRIBUCIÓN
Shibata Organisation
DURACIÓN
120 minutos
 

TOCHI TERAZAKI: Un empresario gay como yo siempre vive con miedo, pretendiendo ser heterosexual.
SAYOKO MORHASHI: Debe ser muy difícil. El amor homosexual tiene muchos obstáculos. ¿Te casaste para que te sirviera de camuflaje?
TOCHI TERAZAKI: Es una buena pregunta.
SAYOKO MORHASHI: Lo siento, no pretendía…
TOCHI TERAZAKI: Que puedo decir, cuando me casé me dije a mi mismo que sería un buen marido. Pero a medida que me hacía mayor, me resultaba más difícil ignorar lo que realmente deseaba.
GOH YOSHINO: La primera vez que piso un bar gay tenía cuarenta años.
TOCHI TERAZAKI: Sabía que lamentaría hacerme mayor sin haber amado a un hombre, que acabaría solo.
GOH YOSHINO: Los gais mayores son más apasionados.

TOCHI TERAZAKI: Goh es tan amable. Estamos hechos el uno para el otro. Me siento bien con él.
SAYOKO MORHASHI: Yo también me siento bien cuando estoy con vosotros. Todo es más natural y me siento más fiel a mí misma.
TOCHI TERAZAKI: Eso es lo mejor.
SAYOKO MORHASHI: Os quiero, a los dos.
 
SINOPSIS
Sayoko es una joven que trabaja doblando a personajes de series de anime. Un día acude a la playa acompañada de una amiga, para descubrir que se han instalado en una zona gay. Aunque su amiga se siente escandalizada y asqueada, Sayoko descubre a una pareja besándose y queda fascinada con esa imagen. Tras esto, la joven comienza a visitar numerosos bares gais, hasta que logra dar con la pareja en cuestión. Se trata de un joven llamado Goh, que trabaja diseñando bolsos, y su Tochi, un hombre de edad más avanzada que está casado. Goh acaba de tener que acoger a su madre en su casa, por lo que la pareja no tiene un lugar donde reunirse. Sayoko les ofrece su propio apartamento, y no tarda en forjar una amistad con la pareja.

Las cosas se complican cuando Yayoi, esposa de Tochi, descubre la doble vida de su marido. Yayoi le amenaza con revelar su homosexualidad en su empresa, lo que acabaría con su prestigio y comodidad económica. Sintiéndose acorralado, Tochi decide poner fin a su relación con Goh, dejando al joven devastado. Sayoko decide que su nueva misión es conseguir que Goh vuelva a ser feliz, y pone todo su empeño en buscarle una nueva pareja. Tras conocer a un antiguo marinero en el bar que frecuentan, Sayoko queda con él para intentar convencerle de que inicie una relación con Goh. Sin embargo, el hombre reacciona violando a Sayoko.
 
CURIOSIDADES

Okoge es un termino japones que se utiliza para referirse al arroz que se queda pegado en el fondo de una olla, y coloquialmente se utilizara para referirse a las “Mariliendres”, mujeres que disfrutan de la compañía de hombres gay, hasta el punto de rechazar una vida social heterosexual. Escrita y dirigida por Takehiro Nakajima, cuyo propósito principal era crear un personaje femenino que fuera diferente al de la mujer obligada a asumir el papel de servir al hombre en la conservadora cultura japonesa. Al mismo tiempo abordó la homosexualidad de forma abierta en una época en la que era objeto de mayor burla y rechazo. Sus escenas en la playa, mostrando hombres semidesnudos en la playa, con cuerpos generalmente moldeados, fueron muy avanzadas para principios de la década de 1990.
El director también decidió jugar con los colores utilizados por los personajes. Sayoko casi siempre viste prendas de color rojo, que en la cultura japonesa simboliza autoridad, fuerza, sacrificio y felicidad. De ahí su personalidad extrovertida, carente de barreras establecidas por prejuicios. 

En el caso de Goh, el personaje casi siempre utiliza prendas de color amarillo, color asociado con la naturaleza y la luz, que simboliza su naturaleza bondadosa, dispuesto a ayudar a aquellos que lo rodean.
 

CRÍTICA PERSONAL

El personaje de la denominada “mariliendre” no ha sido abordado demasiadas veces en el cine, y menos en el cine gay del siglo pasado. Nakajima pone un especial énfasis en el personaje de Sayoko, sin ocultar sus defectos o dependencias. Al mismo tiempo nos invita a sumergirnos en el mundo gay de la cultura japonesa de principios de la década de 1990, a través de este personaje femenino. La trama que sirve de base para la trama es creíble, y el director comienza utilizando el estilo de comedia de forma más intensa, para dar un giro inesperado en la segunda parte de la película, más dramática. El uso de los estereotipos es limitado, y no se ciñe solo a los personajes gais. El personaje de la madre de Goh es un ejemplo claro de esto. Me fascinó como su personaje comenzaba siendo una mero recurso cómico, para luego acabar conmoviendo. 

Ese juego entre drama y comedia siempre me ha llamado la atención.
A pesar de ser una película avanzada a su tiempo, debo reconocer que en ocasiones se roza lo ridículo e inverosímil. Habiendo conocido “mariliendres”, el personaje de Sayoko es identificable, pero llega a unos limites que personalmente no me parecen creíbles. No queda claro si su obsesión es más sexual o compulsiva en torno a la amistad. La escena en la que juega de celestina para acabar hundida en el desastre me pareció excesivamente forzada. Y es que la comedia acaba demasiado forzada a lo largo de la trama.
 

CALIFICACIÓN
7- Bastante bien

CIUDADANO COHN

TÍTULO ORIGINAL
Citizen Cohn
AÑO DE ESTRENO
1992
DIRECCIÓN
Frank Pierson
PRODUCCIÓN
Doro Bachrach, Cynthia Fitzpatrick
GUION
David Franzoni
REPARTO
James Woods (Roy Cohn), Joe Don Baker (Joseph McCarthy), Joseph Bologna (Walter Winchell), Ed Flanders (Joseph Welch), Frederic Forrest (Dashiell Hammett), Lee Grant (Dora Cohn), Pat Hingle (J Edgar Hoover), John McMartin (Médico mayor), Josef Sommer (Al Cohn), Daniel Benzali (Cardenal Spellman), Tovah Feldshuh (Iva Schlesinger), John Finn (Senador Charles Potter), Frances Foster (Annie Lee Moss), Allen Garfield (Abe Feller), David Marshall Grant (Robert F Kennedy), Joe Grifasi (Gerald Walpin), Daniel Hugh Kelly (Congresista Neil Gallagher), Karen Ludwig (Ethel Rosenberg), Peter Maloney (Ray Kaplan), Novella Nelson (Annie Lee Moss), Jeffrey Nordling (G David Schine)
CINEMATOGRAFÍA
Paul Elliott
BANDA SONORA
Thomas Newman
VESTUARIO
Jill M Ohanneson
PAÍS DE ORIGEN
Estados Unidos
DISTRIBUCIÓN
HBO
DURACIÓN
111 minutos
 

JOSEPH WELCH: Bien, ¿cómo lo ha hecho Señor Cohn?
ROY COHN: El juicio se acabó. Pudo con McCarthy, pero conmigo no.
JOSEPH WELCH: ¿Cree que estaba en el juicio? ¿Y por qué se le juzgaba? Permítale decirle Señor que, ni le guardo rencor, ni tampoco le deseo mal alguno en sus preferencias sexuales o las de sus amigos; ni al Señor, ni a su excelencia el Cardenal. Pero avergüéncese, Señor Cohn, por perseguir en público a aquellos que en privado no son diferentes que usted.
ROY COHN: No soy maricón.
MÉDICO: Claro, se está muriendo de paperas.
ROY COHN: Me importa una mierda lo que piense.
 
AL COHN: Yo no te hice como eres. Lo hiciste tú, un monstruo. ¿Por qué?

ROY COHN: ¿Por qué? ¿Una confesión? ¿Por qué he vivido como un judío que perseguía judíos? ¿El homosexual que crucificaba homosexuales? Ejercía en los grandes tribunales y engañaba y robaba a todos.
 
SINOPSIS
Ya siendo un niño, John Cohn estaba constantemente protegido por su madre Dora, que no permitía que su marido, un importante juez, educara a su hijo. En el año 1986, John Cohn se encuentra hospitalizado durante la fase terminal de su SIDA, acompañado por su amante y despreciado por su médico. Es entonces cuando Cohn comienza a recordar su carrera, y la importancia que llegó a tener. En su cama, es visitado por visiones de sus enemigos y víctimas, entre los que se encuentran Robert F Kennedy y Ethel Rosenberg. Esta última fue una espía comunista a la que envió a la silla eléctrica junto a su marido. Lo que había comenzado siendo un trabajo para desenmascarar a espías se había convertido en una caza de brujas en una época en la que era mano derecha del Senador McCarthy.

Cohn nunca ha reconocido ser homosexual públicamente, y se ha encargado de perseguir al colectivo acusándolos de ser chantajeados por comunistas. Sin embargo, toda esa época de poder no pudo durar, y tras la caída de McCarthy, Cohn acabó enfrentándose al declive de su propia carrera.
 
CURIOSIDADES
Se trata de una película biográfica producida para la televisión que cubre parte de la controvertida vida del abogado principal y brazo derecho del Senador Joseph McCarthy. Durante numerosas audiencias, Cohn se encargó de ayudar al Senador a investigar a numerosos sospechosos de pertenecer al partido comunista y colaborar como espías para los rusos. Se hizo con gran fama tras ejercer como fiscal del Departamento de Justicia de los Estados Unidos durante el juicio de Julius y Ethel Rosenberg, acusados de espionaje. Su interrogatorio al hermano de Rosenberg lo ayudó a conseguir que la pareja fuera condenada a la silla eléctrica. 

Tras esto continuó ayudando a McCarthy a llevar a traidores comunistas ante la justicia, hasta que la situación se convirtió en una absoluta caza de brujas. Su reputación fue disminuyendo y acabó por hundirse tras la caída de McCarthy.
Cohn era homosexual, aunque nunca salió del armario. De hecho, contribuyó a la persecución de homosexuales apoyando la teoría de que su debilidad los convertía en espías en potencia, chantajeados por los comunistas. Falleció víctima del SIDA en agosto de 1986, a la edad de cincuenta y nueve años. Nunca quiso admitir que estaba enfermo de SIDA, asegurando que tenía cáncer de hígado. La película cubre los últimos días de su enfermedad, enfrentándose a sus víctimas y recordando como su carrera se convirtió en un éxito, para empezar a colapsarse de forma inevitable. James Wood se encargó de interpretar al personaje, consiguiendo ser nominado a los Emmy y los Globos de Oro por su trabajo. La película fue rodada completamente en Pittsburgh, Pensilvania. 

Lee Grant se encargó de interpretar a su madre Dora Cohn, siendo curiosamente una de las actrices que cayó en la lista negra de Hollywood, justo cuando su carrera alcanzaba el mayor éxito, y tras obtener una nominación a Mejor Actriz. El motivo fue su negativa a testificar contra su marido, el guionista Arnold Manoff. Esto provocó que en los siguientes doce años.
 
CRÍTICA PERSONAL
El aspecto más original es aprender sobre un personaje homosexual que representaba la moral más negativa, llegando a convertirse en enemigo de su propio colectivo. James Wood realiza una labor interpretativa excepcional, destacando considerablemente por encima del resto del reparto. La temática de la caza de brujas sea en el ámbito que sea, siempre crea una trama tensa que consigue atrapar la atención del espectador. 

Me pareció especialmente fascinante su relación con su madre, en especial en contraste con su padre, incapaz de enfrentarse a ambos. Igualmente fascinante resulta ver como la arrogancia del personaje aumenta a medida que va perdiendo poder y popularidad.
Creo que a la película le falta objetividad. Con esto no quiero decir que el personaje de Cohn fuera despreciable, pero me hubiera gustado observar algún atisbo de humanidad en las escenas en las que sufre el SIDA terminal. 
 
CALIFICACIÓN
7- Bastante bien

REGRESO A MAPLE DRIVE

TÍTULO ORIGINAL
Doing Time on Maple Drive
AÑO DE ESTRENO
1992
DIRECCIÓN
Ken Olin
PRODUCCIÓN
Paul Lussier
GUION
James Duff
REPARTO
James B Sikking (Phil Carter), Bibi Besch (Linda Carter), William McNamara (Matt Carter), Jayne Brook (Karen Carter), Lori Loughlin (Allison), Jim Carrey (Tim Carter), Philip Linton (Andy), Bennett Cale (Kyle), Richard Israel (Actor estudiante), Mark Chaet (Nick), Janice Lynde (Judy), George Roth (Doctor Norman), Parker Whitman (Gene), Danielle Michonne (Cindy), Toni Sawyer (Millie), Bodhi Elfman (Joe), Mike Marikian (Kevin), Courtenay McWhinney (Clara)
CINEMATOGRAFÍA
Bing Sokolsky
BANDA SONORA
Laura Karpman
VESTUARIO
Sanja Milkovic Hays
PAÍS DE ORIGEN
Estados Unidos
DISTRIBUCIÓN
Fox Broadcasting Company
DURACIÓN
92 minutos
 

LISA CARTER: No soy capaz… no entiendo como alguien podría elegir ser de esta forma… es que solo… no se puede entender.
MATT CARTER: Yo no elegí esto, solo lo soy. Mamá, no elegí ser gay. ¿De verdad crees que elegiría ser tan diferente de todos los demás? ¿Qué elegiría disgustaros a ti y a papá? ¿Qué elegiría perder a alguien tan maravillosa y hermosa como Allison? ¿Y qué me dices del SIDA? Quiero decir, imagínate que alguien deseara ser gay. ¿Crees que desearían ser gay ahora?
LISA CARTER: No lo sé, y no quiero saberlo.
MATT CATER: Entonces es que tampoco quieres conocerme.
 
SINOPSIS
Los Carter de Nueva Inglaterra siempre ha parecido ser ejemplo claro de lo que una familia ejemplar debería ser, pero también tienen sus secretos. 

Los cimientos de la familia comienzan a tambalearse cuando todos se reúnen para celebrar el compromiso de su hijo pequeño Matt. Su madre Lisa y su padre Phil, acostumbrado a la disciplina del mundo militar, se sienten entusiasmados al conocer a su prometida Allison, una joven de familia rica procedente de Yale. Phil Carter siempre ha considerado a Matt como su hijo perfecto, especialmente al compararlo con sus hermanos Tim y Karen. Tim ha caído recientemente en el alcoholismo tras abandonar sus estudios universitarios. Por otro lado, Karen debe apoyar económicamente a su marido Tom, cuya carrera como fotógrafo se enfrenta a serias dificultades.
Sin embargo los secretos de la familia terminan por salir a la luz. Allison descubre que Matt es gay y mantenía una relación con un joven llamado Kyle, por lo que decide romper su compromiso sin que el resto de la familia se entere. Desesperado, Matt intenta quitarse la vida al estrellar su coche contra un poste telefónico, incapaz de revelar su homosexualidad a su familia. 

Karen se ha quedado embarazada y desea abortar al considerar que no están económicamente preparados para tener una familia. Tim se ve constantemente ninguneado por su padre, y la fachada de perfección de los Carter se viene completamente abajo.
 
CURIOSIDADES
Se trata de un proyecto televisivo creado para la cadena ABC, que curiosamente contó con un reparto inusualmente destacable. La película fue promocionada con la frase “Están viviendo una mentira conocida como la Familia Americana Perfecta”, pero no logró batir ningún récord de audiencia. James Duff fue el creador del guion, cuya historia consideraba muy personal, deseando que se convirtiera en una historia universal más allá de una historia acerca de salir del armario. Principalmente consideraba que era una historia acerca de la negación y el rechazo en la cultura americana, y como esa negación nos impide lidiar con nuestra humanidad y la verdad que la acompaña. Todos los personajes de Maple Drive se encuentran en fase de negación con algún aspecto de sus vidas.

En lo relativo al personaje de Matt, el homosexual de la historia que sale del armario, Duff deseaba que al final de la trama lograra cierto grado de aceptación y descubriera aspectos positivos acerca de si mismo.
La película fue rodada en 1991, y contó con uno de los primeros papeles dramáticos del actor Jim Carrey. Aunque comenzaba a forjarse una carrera destacable en el mundo de la comedia, todavía no era muy conocido. Tiempo después, el director Ken Olin declaró de haber sabido su interés por la comedia, probablemente no habría contado con él. William McNamara interpretó al homosexual prometido con una mujer, que debe enfrentarse a su familia. Su carrera era aun más desconocida que la de Carrey, aunque alcanzaría más notoriedad tres años más tarde por su papel en “Copycat” (1995).
 

CRÍTICA PERSONAL

Es cierto que los noventa se caracterizaron por películas de temática sobre salir del armario y el SIDA. Sin embargo esta película no se limitó a tratar una historia sobre salir del armario, sino acerca de la dificultad de ser homosexual dentro de una familia conservadora con determinadas expectativas.

Aunque se pone énfasis en el hecho de mostrar como una familia perfecta tiene sus secretos, creo que la mencionada dificultad de aceptación es todavía más importante como elemento de la trama. Todo el reparto realiza un trabajo excepcional, aunque destacaría a McNamara, Sikking y Besch. Más allá de este análisis inicial, me encontré con tres aspectos que me sorprendieron considerablemente.
El primero fue el hecho de que la película no intenta deshumanizar a la familia conversadora de nuestro protagonista, y contrariamente nos intenta hacer entender sus miedos, dudas e inseguridades. El segundo fue la forma de abordar la personalidad de los padres, invitándonos a asumir las apariencias. De esta forma, el padre militar da un paso al frente para aceptar la situación de su disfuncional familia. Cabe destacar la escena en la que tras descubrir la homosexualidad de su hijo, se muestra más preocupado por su intento de suicidio. Sin embargo, la apacible y cariñosa madre se muestra incapaz de asumir su nueva realidad. La tercera y última cosa que me impresionó es que la película no proporciona una solución mágica a la crisis familiar, limitándose a mostrar unos escasos pasos hacia la aceptación.

Hay partes del dialogo que no me entusiasmaron, alejándose de la normalidad de una conversación que surge para tratar los temas que aquí se tratan. De hecho, en la conversación entre los personajes de Matt y su madre, el guionista falla al sugerir que el joven no desearía elegir ser gay si pudiera. Esto le aleja inadvertidamente de su deseo de desarrollar aceptación en el personaje de McNamara. Las tramas de los personajes de  Brook y Carrey no me parecieron interesantes ni bien desarrolladas.
 
CALIFICACIÓN
8- Notable

YO SOY MI PROPIA MUJER

TÍTULO ORIGINAL
Ich bin meine eigene Frau
AÑO DE ESTRENO
1992
DIRECCIÓN
Rosa von Praunheim
PRODUCCIÓN
Renée Gundelach, René Perraudin
GUION
Valentin Passoni
REPARTO
Charlotte von Mahlsdorf (Ella misma), Jens Taschner (Charlotte, edad 15-17), Ichgola Androgyn (Charlotte, edad 20-40), Robert Dietl (Herbert von Zitzenau), Beatu Jung (Empleada de Charlotte), Sylvia Seelow (Empleada de Charlotte), Evelyn Cron (Tía Luise), Utz Krause (Padre de Charlotte), Rainer Luhn (Jochen), Heiner Carow (Ella misma), Tima die Göttliche, Lina Androwna, Ovo Maltine, Bert Pesalla, Andreas Schroeck, Valentin Passoni, Joachim Stargard
CINEMATOGRAFÍA
Lorenz Haarmann
BANDA SONORA
Joachim Litty
VESTUARIO
Joachim Voeltzke
PAÍS DE ORIGEN
Alemania
DISTRIBUCIÓN
Delta Filmverleih
DURACIÓN
91 minutos
 

TÍA LUISE: “¿Te gusta ponerte eso?”
LOTHAR: “Sí, tía Luise.”
TÍA LUISE: “Llevo tiempo observándote. La naturaleza nos ha jugado una mala pasada. Tú deberías haber sido una chica, y yo un hombre. En casa puedes llevar mis vestidos, pero fuera has de ser prudente.”
 
CHARLOTTE: “Quería llegar a la estación del metro, pero no dejaban de llegar aviones. Empecé a oir el ruido de las ametralladoras y corrí hasta la casa más cercana. Afortunadamente el portal estaba protegido. Aquella era la única forma de protegerse de los obuses, ya que ni echándose a tierra estaba uno a salvo. Empecé a oir gritos de heridos y moribundos. Aquello fue horrible. Conseguí coger el último tren y tras varias horas de angustias llegué a la tienda de Max Bier.”
 
OFICIAL: “¡Alto! No fusilamos niños. Márchate muchacho.”
CHARLOTTE: “De no haber sido por aquel oficial, hoy no estaría aquí.”

 SINOPSIS
Charlotte von Mahlsdorf, mujer transgénero, narra su vida  y todas las dificultades que esta ha conllevado. Nació en Berlín, Alemania, en el año 1928, con el nombre de  Lothar Berfelde. Era un niño afeminado, al que le gustaba limpiar, y vestirse de mujer. Solo recibió el apoyo de su tía, un hombre transgénero. Esto provocó la ira de su padre Max Berfelde, ya miembro del Partido Nazi. Su padre se convirtió en líder del partido en Mahlsdorf en el año 1942, y decidió obligar a Lothar a unirse a las Juventudes Hitlerianas. En el año 1944, la madre de Lothar les abandonó durante el proceso de evacuación, y Lothar se ve obligado a matar a su padre, antes de perder su vida a sus manos.
Tras pasar tiempo en un instituto psiquiátrico, es condenado a cuatro años de prisión en un reformatorio. En el año 1945, logra salir gracias que las prisiones son abiertas al final de la guerra. Lothar está a punto de morir fusilado, pero logra sobrevivir gracias a la intervención de un oficial. 

Tras esto pasa a vestirse de mujer, adoptando la identidad de Charlotte von Mahlsdorf, siendo su nuevo apellido referencia a la zona en la que vivía en Berlín. Durante más de treinta años, Charlotte logra vivir en Alemania del Este como mujer. Mantiene una aventura con Herbert von Zitzenau, sintiéndose atraída hacia hombres mayores por la protección que pueden proporcionar. Tras su muerte, mantiene una relación de veintisiete años con Joechen, con quien disfruta de juegos de rol sadomasoquistas. También  se encarga de crear y cuidar el Museo Gründerzeit, con objetos del primer bar gay de Alemania del Este. Pero tras la caída del muro se enfrenta a serios problemas económicos.
 
CURIOSIDADES
Este film documental narra la historia de Charlotte Mahlsdorf, mujer transgénero, desde el momento de su nacimiento hasta la fecha de estreno de la película. 

Nacida como Lothar Berfelde, tuvo que enfrentarse a los horrores de la Alemania Nazi, se vio obligada a matar a su padre para salvar su vida, pasó por instituto psiquiátrico, y apenas se salvó de ser fusilada al final de la guerra. Tras esto, tuvo que sobrevivir las persecuciones de la Alemania del Este comunista, y fundó el Movimiento de Liberación Gay durante aquella época. Charlotte también tuvo un cameo en la película “Coming Out” (1989), única película de temática gay de Alemania del Este, estrenada la noche de la Caída del Muro de Berlín.
Rosa von Praunheim se vio inspirada a realizar una película documental sobre el personaje, al encontrar ciertas similitudes con el personaje de Quentin Crisp. Ambos personajes eran parecidos en el sentido de haber luchado por su identidad sexual con encanto, gentilidad, valor y perseverancia. La directora también declaró que era gratificante encontrar a personajes, que eran ridiculizados o despreciados, enfrentándose a esas adversidades con gran valor, dignidad, y sin perder la calma. 

Basó la película en la autobiografía de Mahlsdorf del mismo título, y publicada en el mismo año de estreno del film. Charlotte Mahlsdorf se interpreta a sí misma en la última etapa de su vida, mientras que dos actores la interpretan en su niñez y pre adolescencia. Mahlsdorf también interactúa con dichos actores de forma directa, mientras narra ciertos aspectos de su vida.
Charlotte von Mahlsdorf tenía sesenta y cuatro años cuando protagonizó su película documental. Fallecería diez años más tarde, en el año 2002, de un ataque al corazón. El estreno de la película despertó polémicas no tanto sobre el contenido, sino sobre la veracidad de algunos aspectos de su historia.
 

CRÍTICA PERSONAL

Siempre he mostrado interés y fascinación sobre el aporte de las películas documentales a nuestra historia. En esta ocasión aprecié aprender algo sobre un personaje cuya existencia ignoraba. 

La historia me pareció conmovedora, por lo trágico de las circunstancias en las que Mahlsdorf se vio obligada a sobrevivir. También me pareció interesante que la película decidiera no ignorar las relaciones sexuales y amorosas de Mahlsdorf, ni sus elementos más pervertidos o fetichistas.
El estilo en el que se narra la historia no siempre funciona, y a menudo resulta algo ridículo cuando está claro que esa no es la atención. Se presta más atención a esos aspectos “pervertidos” o fetichistas, pero se pasa de largo por encima de sucesos más dramáticos. Añadido a esto, existen diálogos del personaje con autoridades de la Alemania federal, que dudó bastante que tuvieran lugar debido al riesgo de la época.
 
CALIFICACIÓN
7- Bastante bien

COMPULSIÓN

TÍTULO ORIGINAL

Swoon

AÑO DE ESTRENO

1992

DIRECCIÓN

Tom Kalin

PRODUCCIÓN

Christine Vachon

GUION

Tom Kalin, Hilton Als

REPARTO

Daniel Schlachet (Richard Loeb), Craig Chester (Nathan Leopold Jr), Ron Vawter (Fiscal Crowe), Michael Kirby (Detective Savage), Michael Stumm (Doctor Bowman), Valda Z. Drabla (Germaine Reinhardt), Natalie Stanford (Susan Laurie), Peter Bowen (Trabajador de fábrica), Ryan Landry (Ivory), Chris Hoover (Elektra Luxe), Paul Connor (Bobby Franks), Ben Charleton (Irving Hartman), Christopher Cangelosi (Niño en el parque), Ken Howarth (Sven Englund), Barry Liebowitz (Señor Franks), Judith Boxley (Señora Franks), Daniel Haughey (Ornitólogo), Robert Read (Clarence Darrow), Paul Schmidt (Juez Caverly)

CINEMATOGRAFÍA

Ellen Kuras

BANDA SONORA

James Bennett

VESTUARIO

Jessica Haston

PAÍS DE ORIGEN

Estados Unidos

DISTRIBUCIÓN

Fine Line Features

DURACIÓN 
82 minutos

NATHAN LEOPOLD JR: Soñé con los grandes Faraones de la historia, con esclavos recibiendo latigazos. Soñé que era un Rey Egipcio, y que Dick era mi esclavo.

ABOGADO DARROW: Es una ilegalidad capturar a una persona y obligarla a confesar.

FISCAL CROWE: No les obligamos, empezaron a hablar y no pudimos pararlos. Querían mostrar lo ingeniosos que habían sido con su crimen perfecto. Señoría, tengo en la mente el testimonio que nos han susurrado al oído los psiquiatras de la defensa sobre sus fantasías. Y quisiera recordar al tribunal que el motivo básico de este caso, es el deseo de satisfacer una lascivia antinatura. Señoría, tiene ante usted el informe del oficial de justica. Cuando el pequeño Robert Franks fue asesinado, su recto se encontraba dilatado hasta este tamaño.

ABOGADO DARROW: Protesto, protesto enérgicamente, el informe refuta absolutamente cualquier indicación de abuso sexual con el niño.

SINOPSIS

Richard Loeb y Nathan Leopold Jr son dos estudiantes de derecho judíos, que mantienen una relación homosexual. Ambos tienen algo en común, su obsesión por el crimen, cometiendo varios delitos. Nathan tiende a tener fantasías obsesivas sobre Richard y el crimen, aunque tiende a mostrar más sentimientos de culpabilidad. Sin embargo, la pareja se decide a probar su superioridad intelectual llevando a cabo el crimen perfecto, librándose de las consecuencias. Para ello deciden secuestrar a un niño de catorce años llamado Bobby Frank, por lo que terminan siendo arrestados e interrogados. Inicialmente ocultan el cuerpo, y llaman a los padres del niño para informar que ha sido descubierto.

El cuerpo del niño no tarda en ser descubierto y las pistas llevan a los detectives a concluir que Richard y Nathan son los responsables. Para su sorpresa, los asesinos se muestran orgullosos y dispuestos a presumir de su supuesto crimen perfecto. Clarence Darrow es contratado por los padres de Nathan para que se encargue de la defensa, decidiendo aludir a la homosexualidad de los asesinos como una enfermedad, para así librarles de la pena máxima. 

Por su parte, el fiscal está dispuesto a hacer todo lo posible para llevarles a la horca.

CURIOSIDADES

La película está basada en un hecho real, ya que en mayo de 1924, Richard Albert Loeb y Nathan Freudenthal Leopold Jr asesinaron a un joven de catorce años llamado Bobby Franks, solo por el hecho de poder hacerlo. Ambos fueron apresados y enviados a prisión. El sistema fue mucho más duro con Loeb, que nunca logró llegar a salir de prisión. Sin embargo Leopold terminó por salir por buen comportamiento y se trasladó a Puerto Rico, donde se casó con una viuda florista.

La película se concentra en los eventos descritos en la novela del mismo título escrita por Meyer Levin y publicada en 1956, que a su vez era una versión dramatizada del juicio a Loeb y Leopold. Previamente se realizaron otras dos películas basadas en el estos hechos. Una fue “Compulsión” (1959), dirigida por Richard Fleischer; y la otra fue “La Soga” (1948), que meramente tomaba inspiración en aquellos eventos. 

De todas formas, ni la novela ni las películas mencionadas abordan de forma alguna la homosexualidad de los asesinos. Nathan Leopold y Richard Loeb aparecen en la película gracias a metraje de archivo. Ese metraje fue proporcionado por la Sociedad Histórica de Chicago. En 1959, Leopold intentó bloquear la producción de esta película, alegando que violaba su privacidad, le difamaba, se beneficiaba de su historia, y sobre todo mezclaba hechos y ficción hasta el punto de que era imposible de distinguirlos. Con el tiempo, la Corte Suprema de declararon en su contra. Mantuvieron que Leopold había confesado haber sido el autor de “el crimen del siglo” en su momento, por lo que no podía alegar que la película o la novela en la que se basaba dañaran su reputación.

La película fue rodada en dos bloques temporales distintos. El primero tuvo lugar entre octubre y noviembre de 1990, y el segundo en agosto de 1991. Craig Chester tuvo que dejar crecer su pelo de nuevo, tras habérselo afeitado para las escenas de prisión, y después tuvo que volver a afeitárselo para escenas adicionales. 

La primera escena rodada fue la del secuestro y la llamada desde la cabina de teléfono. Los dos bloques de rodaje juntos sumaron dos semanas de rodaje en total.

CRÍTICA PERSONAL

Al saber de qué trataba la película, la abordé con cierto reparo, ya que el tema era complicado. Los personajes son despreciables y según parte de algunos colectivos dañaba la imagen de los homosexuales. Nuestro colectivo como cualquier otro, no está libre de asesinos y personas despreciables que afortunadamente son minoría. Creo que el secreto de la película es desasociarse de los personajes, para observar los eventos objetivamente. El director no quiere excusar sus actos, que merecen condena, sino que nos muestra como el juicio puede perder objetividad, añadiendo acusaciones que no son ciertas o defender a asesinos de manera injusta alegando que la homosexualidad es una enfermedad. Ambas son posturas injustas a nivel social, y el film te anima a reflexionar sin imponer su postura al respecto.

El ritmo es extremadamente lento y los diálogos muy pobres, prefiriendo recurrir a escenas sugerentes de la mentalidad de ambos. Si bien el juicio está bien elaborado, la primera parte fracasa a la hora de realizar un análisis profundo sobre estos dos psicópatas. Por otro lado, está es una de esas ocasiones en las que el uso del blanco y negro me parece totalmente innecesario.

CALIFICACIÓN

6- Bien