ANGELS OF THE NIGHT

TÍTULO ORIGINAL 
Anjos Da Noite
AÑO DE ESTRENO
1987
DIRECCIÓN
Wilson Barros
PRODUCCIÓN
Alvaro Pedreira
GUION
Wilson Barros
REPARTO
Zezé Motta (Malu), Antônio Fagundes (Jorge), Marco Nanini (Guto), Chiquinho Brandão (Mauro /Lola), Aida Leiner (Milene), Cláudio Mamberti (Fofo), Aldo Bueno (Bimbo), Ana Ramalho (Maria Clara), José Rubens Chachá (Leger), Letícia Imbassahy (Esmeralda), Guilherme Leme (Teddy), Be Valério (Cissa), Marília Pêra (Marta Brum), Eliana Fonseca (Joana), Rosaly Papadopol (Marcela), Tuna Dwek (Carioca), Cristina Mutarelli (Magali), Cláudio Savietto (Cadu)
CINEMATOGRAFÍA
José Roberto Eliezer
BANDA SONORA
Sérvulo Augusto
VESTUARIO
Mariza Guimarães
PAÍS DE ORIGEN
Brasil
DISTRIBUCIÓN
Brás Filmes
DURACIÓN
98 minutos
 

LOLA: ¡Yo no he hecho nada malditos! ¡No he hecho nada! ¿Por qué a mí? ¿Solo porque soy maricón, porque me gusta vestirme como mujer y me lo creo? Yo soy vuestra fantasía barata. ¿Qué sois vosotros? ¡Mirad vuestras caras estúpidas! ¡Puñado de mamones! ¡Pasivos! Siempre promiscuos pero correctos, sin ser capaces de cruzar esa línea. ¡Conozco vuestros sueños, maricones de mierda! ¡No tenéis esperanza! ¡Cerdos! ¡Hipócritas! Os gustaría ser maridos y esposas perfectos, tendrían muchos hijos si pudieran. Un puñado de monstruos pequeños y dulces para perpetuar toda esta mierda en baños asquerosos, en los asientos traseros de un coche, en las sombras… sexo sucio, a medias, una erección en el lugar equivocado. ¿Nadie hará nada entonces? ¡Imbéciles sucios y pasivos! ¿Qué habéis hecho con el placer? ¿Qué habéis hecho con el deseo sexual?
 

CISSA: ¿Sabes? No me gusta estar sola.
TEDDY: Ahora no estás sola.
CISSA: No, ahora no, pero normalmente me suelo muy sola. Es tan difícil llegar a las personas, e intercambiar experiencias.
TEDDY: A mí tampoco me gusta estar solo. Creo que a nadie le gusta, pero en su interior todos se sienten así.
 
SINOPSIS
La noche cruza las vidas de varios personajes radicalmente diferentes entre sí, pero que comparten una sola cosa, la soledad. Cissa es una estudiante de sociología que ha logrado tener acceso a las grabaciones de Malu Maneca, una empresaria de la noche involucrada en una red de narcotráfico. Malu a su vez trabaja para Fofo, quien ordena el asesinato de un industrialista llamado Rudolf Austen. Malu envía a Bimbo, amante de su ayudante, que conoce a Cissa durante su estudio. Teddy es un escort que utiliza su trabajo para obligar a su antiguo amante, Guto, a pagar dinero por su compañía. Guto es un exitoso empresario que vive Nueva York y vista Brasil ocasionalmente. Una joven aspirante a actriz decide dejarse seducir por el director de teatro, Jorge Tadeu.

Mauro trabaja como actor y por las noches se convierte en la transformista Lola, adorada por su público. Al igual que en la obra que está representando, decide asesinar a su amante Cadu con unas tijeras en la bañera. Mientras Lola actúa, Jorge decide usar su apartamento para seducir su joven aspirante actriz, y ambos encuentran el cadáver. Teddy y Guto se enfadan cuando el segundo le presenta a Marta Brum una antigua famosa actriz resignada a aparecer en anuncios de televisión. La soledad de todos estos personajes les impide ver las conexiones que tienen entre ellos.
 
CURIOSIDADES
Se trata de una película experimental al estilo “Novo Cinema Paulista” un movimiento que surgió en São Paulo durante la década de 1980. Dicho movimiento fue considero nostálgico y nihilista por gran parte de la crítica. 

Wilson Barros perteneció a una generación de cineastas procedentes de la Escuela de Comunicaciones y Artes de la Universidad de São Paulo. Como parte de dicha generación, Barros sentía predilección por personajes que no tienen grandes sueños o buscan una utopía social, por el uso de recursos electrónicos como enlace en las relaciones personajes, y por el ensalzamiento de una atmosfera urbana y la cultura de masas como claros instrumentos de la modernización.
El tema principal de la película es la soledad, y la crisis personal que provoca en sus personajes. La trama tiende a fundir una estructura ficticia con una real, utilizando dos asesinatos como parte de una supuesta obra en la que participan algunos personajes. La obra del personaje de Jorge Tade, el noticiario que informa del primer asesinato, y los videos de Malu que Cissa investiga son los elementos que sirven para establecer una diferencia entre lo real y lo ficticio. Esta fue la única película escrita y dirigida por Wilson Barros, quien falleció en 1992 a la edad de cuarenta y cuatro años debido a complicaciones derivadas del SIDA.

CRÍTICA PERSONAL

Debo reconocer que esta es una de esas películas en las que aspectos confusos de la trama me llamaron la atención y captaron mi atención. No soy un gran fan de tramas que incluyen múltiples personajes, pero en esta ocasión me pareció algo efectivo e interesante. Se aprecia rápidamente que todos los personajes sufren de cierta soledad, no relacionada con el hecho de que mantienen relaciones sociales. Añadido a esto, cada uno representa a diferentes grupos o tribus sociales, sirviendo en conjunto como simbolismo de la vida urbana. El uso de los coloridos, los neones, y la música son distintivos de la década, al mismo tiempo ensalzan los sentimientos y situaciones de los personajes que se desenvuelven en la mencionada urbe. Los personajes están muy bien definidos, y algunos de ellos despiertan empatía con facilidad. El guion también es digno de elogios, destacando en combinación con la excelente cinematografía. 

Creo que la idea de intentar fusionar ficción con realidad no es la mejor idea para la trama de esta película. Generar confusión de esta forma en una película con tantos personajes es arriesgado, y en ocasiones distrae la atención del espectador. Al estar los personajes conectados, no se puede desconectar de ninguno sin perder información sobre otro. Pero lo más inefectivo es que la película se limita a examinar la soledad dentro de círculos sociales, pero realmente no llega a ninguna conclusión. Los personajes acaban como empezaron, sin un mayor desarrollo personal.
 

CALIFICACIÓN
7- Bastante bien

THREE BEWILDERED PEOPLE IN THE NIGHT

TÍTULO ORIGINAL 
Three Bewildered People in the Night
AÑO DE ESTRENO
1987
DIRECCIÓN
Gregg Araki
PRODUCCIÓN
Gregg Araki
GUION
Gregg Araki
REPARTO
Darcy Marta (Alicia), Mark Howell (David), John Lacques (Craig)
CINEMATOGRAFÍA
Gregg Araki
BANDA SONORA
Inaplicable
VESTUARIO
Inaplicable
PAÍS DE ORIGEN
Estados Unidos
DISTRIBUCIÓN
Desperate Pictures Ltd
DURACIÓN
92 minutos
 

CRAIG: El otro día me paré a pensar en lo terrible que sería ser bisexual, quiero decir sentir un cincuenta por ciento de atracción hacia cada sexo. ¿Cómo podría la relación de cualquier persona llegar a ser satisfactoria? Pero al final creo que todos somos gais o bisexuales. Aunque nada tiene sentido. ¿Quién puede saber realmente lo que ocurre? ¿Qué? ¿Qué es lo que pasa?
DAVID: Eres tú. Joder, piensas demasiado. Ponte a dormir antes de que me vuelvas loco.
 
DAVID: Estoy enamorado de Craig.
ALICIA: ¿Qué? Estas diciéndome que durante todo este tiempo…
DAVID: No hemos hecho nada malo…
ALICIA: No me lo cuentes, no quiero oírlo. No quiero tener esta conversación ahora. No puedo enfrentarme a esto ahora.
 

SINOPSIS
David es un artista de performance homosexual, cuya mejor amiga Alicia se dedica al  videoarte. Ambos son mejores amigos y comparten sus frustraciones y sentimientos acerca del amor, el sexo, y trabajo. Llegado un momento, un chico llamado Craig entra en sus vidas. Craig es heterosexual y aspira a ser un actor y un fotógrafo, que se muestra indeciso acerca de sus futuros proyectos. Craig desarrolla un intenso cariño por Alicia, que se convierte en su pareja. Sin embargo, no es capaz de satisfacerla sexualmente, y cada vez se siente más atraído hacia David, que reciproca dicho interés. Sin embargo, ambos temen explorar dicha atracción debido al cariño que le tienen a Alice y a sus deseos de no hacerle daño.
Las cosas se tornan más difíciles cuando Alicia le confiesa David que Craig la hace demasiado feliz. Esto resulta un problema para la joven, ya que no es capaz de concentrarse en su vertiente artística. De esta forma, los tres jóvenes se muestran cada vez más insatisfechos con sus vidas. 

Craig comienza a pensar que Alicia no le valora lo suficiente; mientras que la joven y David se sumergen en la idea de que son artistas incomprendidos. Finalmente, cuando David comparte un breve beso con Craig, decide confesarle a Alicia sus sentimientos hacia Craig. Alicia responde de la forma esperada, y dependerá de los tres el poder poner solución a su triangulo.
 
CURIOSIDADES
Se trata de la primera película escrita y dirigida por Gregg Araki, que también se hizo cargo de su producción y cinematografía. Comenzó a trabajar en la película en el año 1984, tras graduarse en la Universidad del Sur de California y aceptar un trabajo en la industria de Hollywood en la Metro-Goldwyn-Meyer. Araki se mostró muy descontento con ducho trabajo y al ver que el cine independiente estaba en auge, y empezaba a cosechar algunos éxitos, decidió arriesgarse. Abandonó su trabajo, finalizó el guion de “Three Bewildered People in the Night”, y comenzó la producción en Los Ángeles, donde la trama de la película tiene lugar.

Contó con un presupuesto muy limitado de cinco mil dólares; y rodó la película en blanco y negro, haciendo uso de una cámara Bolex de 16 mm con mecanismo de relojería suiza y rebobinado manual. La película puede ser considerada un ejemplo del cine de guerrilla, ya que Araki rodó en ciertos lugares sin autorización ni solicitar los permisos necesarios. Tras esto, lograría crear su propia productora, llamada Desperate Pictures Company. La película contó con solamente tres actores, de los cuales solo Darcy Marta realizaría trabajos posteriores, aunque de poca importancia. Ni Mark Howell ni John Lacques han vuelto a trabajar como actores.
 
CRÍTICA PERSONAL

Se han realizado muchas películas que abordan triángulos amorosos complicados, pero Araki se adelantó a la mayoría abordando la homosexualidad como parte del mismo, y arriesgándose en un proyecto independiente en un periodo complicado. 

Si hay algo que tengo que defender, es que la película cuenta con momentos de dialogo interesantes, si bien no están desarrollados al máximo. También se aborda el aspecto conflictivo a nivel sentimental, cuando dicho triángulo amoroso tiene lugar entre amigos. Hay ocasiones en las que las preocupaciones de los personajes resultan sinceras, y se realiza un esfuerzo en abordar temores relaciones con las experiencias sexuales personales y las inseguridades resultantes.
Es evidente que a Araki le quedaba mucho por evolucionar para llegar al nivel de algunas de las genialidades que ha creado posteriormente. Ya no me estoy refiriendo a la extremadamente pobre cinematografía, ni a lo irritable que resulta el sonido en esta película. Entiendo que en sus comienzos y con un presupuesto limitado, no se pudieran cumplimentar ciertos niveles básicos de producción.

Aunque lamentablemente, esto perjudica a la película, ya que hay ocasiones en las que resulta extremadamente difícil mantenerse atento. Tal y como ha pasado en otras ocasiones, tenemos una idea sólida como base, pero que no acaba de ser desarrollada al máximo de su potencia. Al terminar de ver la película no pude preguntarme como se hubiera llevado a cabo este proyecto, si Araki hubiera tenido los medios y experiencia con los que contaba cuando realizó “Oscura Inocencia” (2004).
Añadido a esto, los actores realizan una labor interpretativa considerablemente deficiente. De hecho, de dos de los tres actores nunca más se supo, y la actriz tampoco tuvo una carrera destacable. El triángulo amoroso en el que basa esta película no funciona, porque los sentimientos de los personajes no son creíbles, sus interpretaciones son planas, y el énfasis en sus “aspectos artísticos” es innecesario, aburrido y no contribuye en nada a la trama.
 
CALIFICACIÓN
3- Deficiente

EL HOMBRE DE LAS GAFAS DE ORO

TÍTULO ORIGINAL

Gli Occhiali D'oro

AÑO DE ESTRENO

1987

DIRECCIÓN

Giuliano Montaldo

PRODUCCIÓN

Leo Pescarolo

GUION

Enrico Medioli, Valerio Zurlini

Basado en la novela de Giorgio Bassani

REPARTO

Philippe Noiret (Doctor Athos Fadigati), Rupert Everett (Davide Lattes), Valeria Golino (Nora Treves), Nicola Farron (Eraldo), Stefania Sandrelli (Señora Lavezzoli), Rade Markovic (Bruno Lattes), Roberto Herlitzka (Profesor Amos Perugia), Luca Zingaretti (Molon), Ivana Despotovic (Carlotta), Riccardo Diana, Anna Lezzi, Giovanni Rubin De Cervin, Lavinia Segurini

CINEMATOGRAFÍA

Armando Nannuzzi

BANDA SONORA

Ennio Morricone

VESTUARIO

Nanà Cecchi

PAÍS DE ORIGEN

Italia

DISTRIBUCIÓN

Reteitalia

DURACIÓN 
110 minutos

ERALDO: ¿Qué sabréis vosotros del boxeo? El doctor tiene razón, los puñetazos hacen daño. Vosotros nunca los habéis dado ni recibido. Pero el ring obliga a los hombres a conocerse sin necesidad de hablar. Si alguna vez he conocido a alguien de verdad, ha sido en el ring. Nos pegamos sin piedad, pero luego nos abrazamos.

DOCTOR FADIGATI: Soy un entrometido. ¿No lo sabía?

DAVIDE LATTES: Sí, sí.

DOCTOR FADIGATI: Escribir una carta de amor es algo muy difícil.

DAVIDE LATTES: ¿Usted cree? A lo mejor estaba escribiendo una carta de negocios.

DOCTOR FADIGATI: ¿Sabe por qué es tan difícil? Porque siempre se tiene el temor de dejar para la posteridad algo que resulte ser superficial, o palabras inútiles o mediocres. El amor no es eterno, por eso queremos plasmarlo en cartas para futuros recuerdos.

DAVIDE LATTES: ¿Ha escrito alguna de esas cartas? Perdón, he sido indiscreto.

DOCTOR FADIGATI: No, su pregunta ha sido sincera, no se preocupe. Solo tiene la mala suerte de ser un hombre muy sensible. Si escribiera palabras de amor no serían una lectura edificante. No por el contenido, ni hablar. No me avergüenzo de nada, pero pasada cierta edad el amor se convierte en algo patético.

SINOPSIS

Es el año 1938, y en la ciudad de Ferrara en Italia reside el Doctor Athos Fadigati, un otorrinolaringólogo de prestigiosa carrera. En secreto, aunque sospechado por muchos, Fadigati es homosexual. Sin embargo es querido por sus vecinos y mantiene una buena relación con los estudiantes universitarios locales. Nora Treves es la última descendiente de una prestigiosa y adinerada familia judía, tras la muerte de su padre. El joven Davide Lattes es un joven estudiante judío que aspira a ser actor, y mantiene una relación con la joven Nora. El estilo de vida de todos estos personajes se ve amenazado cuando el régimen fascista de Mussolini comienza a aplicar las medidas antisemíticas de los Nazis.

Mientras su padre no parece preocuparse por estos sucesos, Davide está convencido de que las cosas irán cada vez a peor. Por su parte, Fadigati es seducido por un atractivo estudiante boxeador llamado Eraldo, que solo le utiliza por su dinero. Cuando esto se convierte en un evidente rumor envenado por la pérfida Señora Lavezzoli, Eraldo agrede al doctor marchándose a Francia tras robarle. Por su parte, Davide es abandonado por Nora, que decide convertirse en católica para sobrevivir, y casarse con un oficial fascista. La amistad entre Fadigati y Davide es lo único que les queda.

CURIOSIDADES

La película es una adaptación de la novela del mismo título escrita por Giorgio Bassani y publicada en el año 1958. La obra examina la marginalización de los judíos y los homosexuales durante el año previo a la Segunda Guerra Mundial. 

De hecho forma parte de una serie de trabajos del autor conocidos colectivamente como “El Romance de Ferraro”, que exploran la ciudad con sus elementos cristianos y judíos, sus perspectivas sus paisajes. Esta serie de obras incluyen “El jardín de los Finzi-Contini” (1962), “Dietro la Porta” (1964), “L’airone” (1968) y “El Olor del Heno” (1972). Estas obras también describen de forma realista la comunidad Italia judía bajo el fascismo, en un estilo que manifiesta las dificultades de la búsqueda de la verdad a través de la memoria y la conciencia moral.

La película fue incluida en el Festival de Cine de Venecia de 1987, donde ganó dos Premios Osella al Mejor vestuario y Mejor Diseño de Set. Ennio Morricone ganó el Premio David di Donatello por su banda sonora en la película. Entre el reparto se encuentra un joven Ruppert Everett.

CRÍTICA PERSONAL

He descubierto está película hace relativamente poco, y me he llevado una gran sorpresa. La película se podría definir como un intento de mostrar el romanticismo de una época dorada antes de que llegue el desastre. Todas las obras que narran la calma previa a la Segunda Guerra Mundial me han parecido siempre fascinantes. En este caso se escoge el enfoque desde la perspectiva de una minoría, que ante el inminente peligro escoge la calma. Es ese afán humano que nos lleva a ignorar el problema que tenemos delante de nuestras narices. Por otro lado encuentro muy interesante que dentro de su soledad, el personaje homosexual de la película encuentre alivio en compañía de la marginada comunidad judía de esa película.

Debo admitir que nunca he sido un gran fan de Ruppert Everett, ni siquiera en la película “Otro País” (1984). Para empezar, desconocía su intervención en este trabajo y me sorprendí al verle en la película. No sé si se debe a la dirección o al buen material de la película, pero esta es para mí su mejor película sin lugar a dudas. Sin ser el protagonista ejerce de un tipo de héroe moral, que se identifica con los desvalidos a pesar de haber sido pisoteado.

Philippe Noiret también realiza una labor sobresaliente, interpretando al afable médico que se relaciona cordialmente con la alta sociedad y los jóvenes universitarios, ocultando su inmensa soledad. El actor demuestra la vulnerabilidad del personaje cuando cae presa del personaje de Eraldo, que solo desea exprimirle para sus propios propósitos. A día de hoy esto ya no es comprensible, pero en antiguos periodos de nuestra historia, no saber lidiar con la soledad era algo fatal. La película no busca sorprender, ya que nos revela el destino del protagonista nada más empezar. Más bien busca mostrarnos como los mejores momentos de nuestras vidas, pueden acabar en verdaderos desastres. Sin embargo, el film señala que hay formas y formas de enfrentarse al desastre.

CALIFICACIÓN

10- Sobresaliente

WITHNAIL Y YO

TÍTULO ORIGINAL

Withnail and I

AÑO DE ESTRENO

1987

DIRECTOR

Bruce Robinson

PRODUCTOR

Paul Heller

GUION

Bruce Robinson

REPARTO

Richard E Grant (Withnail), Paul McGann (…y Yo), Richard Griffiths (Monty), Ralph Brown (Danny), Michael Elphick (Jake), Daragh O’Malley (Irlandés), Michael Wardle (Isaac Parkin), Una Brandon-Jones (Señora Parkin), Noel Johnson (General), Irene Sutcliffe (Camarera), Llewelllyn Rees (Dueño del salón de té), Robert Oates (Policía), Anthony Wise (Policía), Eddie Tagoe (Supuestamente Ed)

CINEMATOGRAFÍA

Peter Hannan

BANDA SONORA

David Dundas, Rick Wentworth

VESTUARIO

Andrea Galer

PAÍS DE ORIGEN

Reino Unido

DISTRIBUCIÓN

HandMade Films

DURACIÓN 
107 minutos

MARWOOD: ¿Qué es lo que te ha contado?

MONTY: Me contó todo acerca de tu arresto en Tottenham Court Road. Me contó todos tus problemas, como te sientes, cuáles son tus deseos.

MARWOOD: ¿Problemas? ¿Qué problemas?

MONTY: Eres un chapero.

MARWOOD: ¿Te ha contado eso?

MONTY: No debes culparle ni culparte. Sé cómo te sientes y lo difícil que es todo esto. Por eso no debes contenerte, o dejar que arruine tu juventud como me ocurrió con Eric. Es como la marea, tienes que dejarte llevar, aceptarlo. Es un crimen para la sociedad, pero no para nosotros.

MARWOOD: ¡No soy homosexual Monty!

MONTY: ¡Claro que lo eres! Solo estas chantajeando a tus emociones para evitar la realidad de tu relación con él.

MARWOOD: ¿De que estas hablando?

MONTY: Le quieres, y no es culpa tuya que él no pueda quererte, ni mía el que te adore. ¿No podríamos permitirnos un breve instante de indiscreción?

MARWOOD: ¡No!

SINOPSIS

El extravagante alcohólico Withnail reside con su amigo Marwood (Yo) en un apartamento sucio en Camden Town. Ambos son actores fracasados y desempleados, aunque Withnail posee un origen más sofisticado. Marwood es algo más centrado, pero se ve constantemente influenciado por su dominante amigo. La única compañía de la que disfruten proviene de un traficante de drogas local llamado Danny, que a menudo se instala en su apartamento. Hartos de la situación y la vida urbana. Deciden pasar unas vacaciones en el campo. Para ello deciden visitar al adinerado tío de Withnail, Monty, en su lujosa casa de Chelsea. Monty tiene una casa de campo cerca de Penrith. Durante la visita, Marwood no tarda en percatarse de que el excéntrico Monty es homosexual.

Cuando Monty decide prestarles la casa de campo, la pareja de amigos acude allí para pasar sus necesarias vacaciones. Sin embargo, se ven enfrentados a un problema tras otro. 

Los locales no son amistosos, no poseen comida ni leña, y el alcoholismo de Withnail les provoca un conflicto tras otro. Las cosas dan un giro todavía más complicado cuando Monty decide visitarles. Marwood se da cuenta de que Monty se siente sexualmente atraído hacia él. Cuando Monty decide intentar seducirle durante la noche, Marwood descubrirá que Withnail le ha metido en una situación embarazosa.

CURIOSIDADES

Considerada toda una película de culto del cine británico, la película está catalogada dentro del humor negro. Es una comedia de enredos y situaciones surrealistas. Sin ser una película exclusiva de temática gay, las escenas interpretadas por Richard Griffiths han provocado que sea emitida en muchos festivales del género. Se trata de la adaptación de una novela escrita por Bruce Robinson a finales de 1969, que nunca llegó a publicarse. Su amigo y actor, Don Hawkins, le entregó una copia de dicho trabajo a su adinerado amigo Moderick Schreiber en 1980.

Schreiber deseaba irrumpir en el mundo cinematográfico, por lo que le pagó a Robinson para que creara un guion. Consiguió a Paul Heller como productor, y fue este quien convenció a Robinson para que también se encargara de la dirección.

El guion es un mayor parte autobiográfico, en el sentido de que el personaje de Marwood es el propio Robinson. El nombre de Marwood solo aparece en el guion y en la película solo es acreditado como “Yo”. El personaje de Withnail estaba basado en Vivian MacKerrell, un amigo con el que compartía apartamento. Finalmente el Tío Monty está basado parcialmente en Franco Zeffirelli, un hombre que mostró afecto amoroso hacia el propio Robinson. Para crear el guion, Robinson decidió condensar cuatro años de su vida en dos semanas de trama. Al principio de la película, Withnail está leyendo un artículo del cual saca la conclusión de que un director está abusando sexualmente de un muchacho. La escena fue incluida como referencia al acoso sexual que Robinson aseguró haber experimentado por parte de Zeffirelli, cuando consiguió el papel de Benvolio en “Romeo y Julieta”. 

En el final del trabajo original de Robinson, el personaje de Withnail se suicidaba al decantar una botella de vino en un cañón del tío Monty que hacia disparar mientras bebía del mismo. Robinson decidió cambiar el final al considerar que era demasiado oscuro.

CRÍTICA PERSONAL

Hay que empezar por señalar que los actores son todos sobresalientes, aunque me quedó especialmente con el formidable Richard Griffiths, cuyas escenas son desternillantes. Las desventuras de los dos amigos tienen sus mejores momentos al verse en un entorno rural y hostil. Algunos momentos del guion son excepcionales y francamente divertidos, con ciertas ocasiones en las que se podrían encontrar similitudes con los geniales Monty Python. Pero la escena más sublime es la declaración de amor del personaje del Tío Monty ante un desencajado Marwood, que no sabe reaccionar ante la complicada situación en la que se encuentra. Es un osado intento de mezclar la comedia negra con la de enredo, aunque hay elementos depresivos que el director y guionista no intenta ocultar.

El mayor problema es la duración, ya que al metraje le sobran unos veinte minutos de trama innecesaria. Particularmente poco interesantes me parecieron todas las escenas en la ciudad, o personajes como el Danny que no logré encontrar divertido. Se trata de un sentido del humor muy peculiar, pero que a mí me chirría en ocasiones. El personaje de Withnail se expresa gritando a menudo en escenas que se me antojan cansinas.

CALIFICACIÓN

7- Bastante bien

TRAS EL CRISTAL

TÍTULO ORIGINAL

Tras el cristal

AÑO DE ESTRENO

1987

DIRECTOR

Agustí Villaronga

PRODUCTOR

Teresa Enrich

GUION

Agustí Villaronga

REPARTO

Günter Meisner (Klaus), David Sust (Angelo), Marisa Paredes (Griselda), Gisèle Echevarría (Rena), Imma Colomer (Jornalera), Josuè Guasch (Niño cantor), David Cuspinera (Niño del barracón), Ricardo Carcelero (Angelo de niño), Alberto Manzano (Niño gitano)

CINEMATOGRAFÍA

Jaume Peracaula

BANDA SONORA

Javier Navarrete

VESTUARIO

Andrés Urdiciaian, Imma Vallmitjana

PAÍS DE ORIGEN

España

DISTRIBUCIÓN

Lauren films

DURACIÓN
110 minutos

GRISELDA: ¡Estoy harta de ese muchacho, harta! Voy a despedirlo; no trates de convencerme. Nunca trabajó en un hospital, nunca. Y no logro entender que interés tienes en que se quede.

KLAUS: Griselda.

GRISELDA: No, no. Estoy harta de aguantar esta situación. Encerrada aquí, sin ver a nadie, sin vivir, nada, por ti, solo por ti. No puedo soportarlo más, y menos con ese. Es que no lo entiendo.

KLAUIS: Griselda, quiero se quede.

GRISELDA: ¿Por qué? Está bien. Prefieres poner por delante a ese estúpido que no sirve ni para cuidar a un… un enfermo como tú. Pues hazlo.

KLAUS: Dejé de matar.

ANGELO: ¿Y no lo recuerdas nunca?

KLAUS: Sí, siempre.

ANGELO: ¿Y si pudieras, no lo volverías a hacer?

KLAUS: No.

ANGELO: ¿Te gustaría hacerlo de nuevo?

KLAUS: No.

ANGELO: Yo podría hacer por ti lo que tú no puedes. No estoy tras de un cristal. Puedo ser por ti lo que tú eras antes. Me entiendes, ¿no?

KLAUS: No, no Angelo.

ANGELO: Quiero aprender, ser como tú. Me gusta lo que tú has sido.

SINOPSIS

Klaus es un antiguo médico Nazi que practicó experimentos horribles y sadomasoquistas con niños durante la Segunda Guerra Mundial. Tras la guerra parte al exilio en un remoto pueblo de Cataluña. Allí continúa violando y torturando a niños, matando al último de un golpe en la cabeza y sacando fotos del cadáver. Angelo es una de las víctimas de Klaus. Le ha estado espiando y consigue hacerse con las fotografías y un diario que narra los horrores perpetrados por Klaus. Poco después, Klaus intenta suicidarse saltando desde una torre. Aunque sobrevive, Klaus queda paralitico y confinado a un pulmón de acero bajo el cuidado de su esposa Griselda y su hija Rena.

Griselda se siente esclavizada al tener que cuidar de Klaus por lo que busca a una enfermera que se ocupe de él. Angelo se presenta como un supuesto Angelo dispuesto a cuidar de Klaus. Griselda desconfía del joven y sus sospechas aumentan al descubrir que Angelo no es un enfermero. Sin embargo, Klaus insiste en que el joven se ocupa de él. Angelo y Klaus comienzan una relación sórdida basada en el deseo, la venganza, y la fascinación por el mal. Y es que Angelo desea convertirse en lo que más detesta. Para hacerse con el control de la casa, Angelo decide asesinar a Griselda.

CURIOSIDADES

Se trata del debut como director de Agustí Villaronga. La película fue rodada dos años de su estreno, y financiada parcialmente gracias a subvenciones de los ministerios de cultura de España y el gobierno catalán. 

El título de la película hace referencia al arcaico pulmón de hierro que se ha convertido en prisión del Nazi Klaus tras su intento de suicidio. Villaronga declaró que el origen de la historia surgió cuando leyó acerca de la vida de Gilles de Rais (1404-1440), devoto seguidor de Juana de Arco. Ambos habían luchado juntos, pero Giles de Raus había sido juzgado y ejecutado por la Iglesia Católica por herejía y crimines sexuales y sodomía contra hasta ochocientos niños.

Inicialmente Günter Meisner se negó a interpretar al personaje Nazi de Klaus, al quedar horrorizado por la historia. Según Villaronga, Meisner le llamó unas semanas más tarde para aceptar el papel, aludiendo a no poder dejar de pensar en el personaje. Durante las escenas en las que Angelo tenía que llorar, el actor David Sust se puso pasta de dientes bajo los mojos. Tuvo que rodar las escenas tantas veces que acabó por dañar sus ojos seriamente, y tuvo que ponerse gafas de sol durante un tiempo.

Debido a que la película lidiaba con el Nazismo, la pedofilia, la tortura y la homosexualidad, provocó una enorme controversia. Para celebrar el trigésimo aniversario de los Teddy Awards, la película fue seleccionada para ser emitida durante el 66º Festival de Cine Internacional de Berlín, en febrero de 2016.

CRÍTICA PERSONAL

La trama central me pareció fascinante, al mostrar el proceso a través del cual una víctima puede terminar convirtiéndose en aquello que más detesta. La película está dotada de una atmosfera sumamente inquietante, la cual logra mantener al espectador bastante enganchado. Un detalle que me pareció toda una genialidad fue el hacer uso del sonido constante del pulmón de acero durante la trama. Produce determinada sensación de angustia y claustrofobia que no cesa. Toda la trama tiene lugar en la oscuridad interior de la residencia, excepto unas pocas escenas exteriores. También me gustó la estética de tonos azulados en contraste a la mencionada oscuridad.

Otra genialidad es que a pesar de las atrocidades que el personaje de Klaus ha cometido, uno no puede evitar sentir cierto grado de compasión al ver como la situación ha terminado por ser invertida.

Günter Meisner realiza una gran labor debido a las limitaciones físicas de su personaje, pero es sin duda Marisa Paredes quien se lleva la palma. Destacable es su gran escena de tensión al enfrentarse a Angelo.

David Sust me pareció un actor bastante deficiente. Aunque sí logra transmitir ese cambio desde la inocencia a su lado psicópata, me pareció que su dicción arruinaba considerablemente escenas de tremendo calado y tensión. Hay momentos en los que llega a resultar risible. El final tampoco me acabó de convencer del todo.

CALIFICACIÓN

7- Bastante bien

ÁBRETE DE OREJAS

TÍTULO ORIGINAL

Prick Up Your Ears

AÑO DE ESTRENO

1987

DIRECTOR

Stephen Frears

PRODUCTOR

Andrew Brown

GUION

Alan Bennett

Basado en el libro de John Lahr

REPARTO

Gary Oldman (Joe Orton), Alfred Molina (Kenneth Halliwell), Vanessa Redgrave (Peggy Ramsay), Frances Barber (Leonie Orton), Janet Dale (Señora Sugden), Julie Walters (Elsie Orton), Bert Parnaby (Magistrado), Margaret Tyzack (Madame Lambert), Lindsay Duncan (Anthea Lahr), Wallace Shawn (John Lahr), Dave Atkins (Señor Sugden), Stephen Bill (George Barnett), Selina Cadell (Miss Battersby), James Grant (William Orton), Karl Johnson (Douglas Orton), Steven Mackintosh (Simon Ward)

CINEMATOGRAFÍA

Oliver Stapleton

BANDA SONORA

Stanley Myers

VESTUARIO

Bob Ringwood

PAÍS DE ORIGEN

Reino Unido

DISTRIBUCIÓN

The Samuel Goldwyn Company

DURACIÓN
111 minutos

  

KENNETH HALLIWELL: El meollo de todo comportamiento irracional es que es eso, irracional. No me preocupo por algo específico, solo me preocupo.

  

KENNETH HALLIWELL: No entiendo mi vida. Cuando solo era un niño perdí a mis padres. Para cuando tenía veinte años me estaba quedando calvo. Soy homosexual, en lo relativo a circunstancias y pasado tengo todo lo que un artista podría desear. Era prácticamente un anteproyecto. Estaba destinado a ser un novelista o escritor de obras de teatros; pero no lo soy y tú sí lo eres.

  

KENNETH HALLIWELL: Solo quiero a ir a la entrega de premios. Podría hacerlo. Mira: ‘Joe Orton y acompañante’. Me portaría bien. No diría una palabra; lo prometo.

JOE ORTON: No.

KENNETH HALLIWELL: ¿Por qué?

JOE ORTON: Porque es para mí. Yo la escribí.

KENNETH HALLIWELL: Yo te di el título.

JOE ORTON: Muy bien, cuando tengan premios para los títulos, entonces podrás ir.

  

SINOPSIS

El autor americano John Lahr llega a Inglaterra, con la intención de escribir la biografía del famoso autor teatral Joe Orton. El escritor era un chico malo popular en los escenarios de la década de 1960, hasta que fue asesinado por su amante Kenneth Halliwell. La agente de Orton, Peggy Ramsay, le entrega los diarios de Orton a John Lahr, a través de los cuales descubre su vida.

Joe Orton había comenzado intentando estudiar para convertirse en actor, temporada durante la cual había conocido a Kenneth. Mientras Joe se sentía atraído hacia el nivel de sofisticación y cultural de Kenneth, este se sentía atraído hacia el descaro y encanto de Joe.

Kenneth también descubre el mundo de los encuentros sexuales en los baños públicos, debido a que Joe es aficionado a acudir, en una época en la que la homosexualidad era ilegal en Inglaterra.

Kenneth se convierte en tutor de Joe, quien con el paso del tiempo se convierte en un autor teatral de considerable fama, y va perdiendo interés en su pareja a nivel sexual. Sintiéndose carente de atractivo y éxito, Kenneth se ve sumido en una profunda depresión y ataques irracionales que darán lugar a un trágico final.

  

CURIOSIDADES

La película está basada en hechos reales, y en la novela biográfica del mismo título escrita por John Lahr en 1978. El título de la película y la novela es el que iba a dar lugar a una película que iba a ser producida por Orton para los Beatles, que no se llevó a cabo.

Irónicamente, el título había sugerido por Halliwell, quien había proporcionado la mayoría de los títulos de las obras de Orton durante sus años de éxito. Orton se mostró entusiasmado por la originalidad del título sugerido por su amante. El título contiene un juego de palabras basados en sonidos. En el título la palabra “Ears” (Orejas), es un anagrama de la palabra “Arse” (Culo), con lo que el título es una referencia homosexual bastante directa. También contiene un juego fonético en la conjunción de “your” y “Ears” para producir “rears” (por detrás), lo cual alude al sexo gay.

Estando basada en la novela de John Lahr, la película tiene la originalidad de mostrar como el escritor se hizo con el material necesario para realizar la biografía. A partir de ese momento, la película comienza a mostrar la historia de la relación entre Orton y Halliwell mediante el uso de flashbacks. De hecho la película comienza revelando la muerte de ambos hombres, con lo que relevante es analizar el descenso de la relación hasta sus inevitables consecuencias.

Wallace Shawn, quien interpreta a John Lahr, es un aclamado dramaturgo y guionista. Hasta su muerte en 1992, Peggy Ramsay, quien había sido agente de Joe Orton, fue agente de Shawn. En la película Ramsay es interpretada por Vanessa Redgrave. Las escenas del interior del apartamento de Joe y Ken fueron rodadas en el apartamento real en el que la pareja vivía. Sin embargo, la escena del asesinato fue una excepción, siendo rodada en un decorado en un estudio.

  

CRÍTICA PERSONAL

Sin duda hay que comenzar elogiando el trabajo de Gary Oldman y Alfred Molina. Si el trabajo de Oldman es soberbio, el de Molina es francamente sobresaliente. La química entre ambos es formidable, hasta el punto en el que parecen reflejarnos las inquietudes iniciales de cualquier pareja a la perfección, de forma que cualquiera puede identificarse con sus discusiones y riñas. El personaje de Halliwell es más rico a la hora de ser interpretado, debido a sus constantes problemas de complejos y depresiones, que van haciendo que su personaje se vuelva cada vez más irracional.

Sin embargo, el personaje de Oldman también tiene sus retos, que el actor supera con creces. Gary Oldman logra que el espectador entienda a la perfección las razones por las que permanece con Halliwell, cuando ya goza de un éxito evidente.

Las escenas en el apartamento otorgan un clima claustrofóbico que refleja lo imperativo de mantener la relación en el armario, en una época en la que la homosexualidad era todavía un crimen en Inglaterra. Sin ser gráficas, las escenas de encuentros sexuales en los baños públicos consiguen otorgar un grado de tensión evidente, que logra transmitir el riesgo que suponía mantener dichos encuentros.

El único problema que le encuentro a la película es su excesiva e innecesaria duración, sobrando algunas escenas que resultan algo irrelevantes.

  

CALIFICACIÓN

9- Muy bien