NOIR ET BLANC

TÍTULO ORIGINAL
Noir et Blanc
AÑO DE ESTRENO
1986
DIRECCIÓN
Claire Devers
PRODUCCIÓN
Claude-Éric Poiroux
GUION
Claire Devers
REPARTO
Francis Frappat (Antoine), Jacques Martial (Dominique), Joséphine Fresson (Edith), Marc Berman (Roland), Catherine Belkhodja (Chica de la limpieza), Claire Rigollier, Benoît Régent (Hotelero), Isaach De Bankolé, Arnaud Carbonnier, Christophe Galland
CINEMATOGRAFÍA
Daniel Desbois, Christopher Doyle, Alain Lasfargues, Jean-Paul Rosa da Costa
BANDA SONORA
Inaplicable
VESTUARIO
Sin acreditar
PAÍS DE ORIGEN
Francia
DISTRIBUCIÓN
Forum Distribution
DURACIÓN
80 minutos
 

ANTOINE: Era demasiado tímido, o a lo mejor no sentía ninguna curiosidad. No me conocía en absoluto. La sola idea de un masaje me asustaba, pero dejé que el miedo me abandonara. Como todo lo demás en mi vida, no fue una elección consciente, ni me costó trabajo. Pero desde aquel momento, el ansia y el deseo han gobernado mi vida. Pero ese deseo se volvió demasiado grande y lograste ver a través de mí fácilmente. Ya no podías resistir el deseo de golpearme. Pero no tengo deseos ni secretos que confesar, ni siquiera placer, siempre me pillas por sorpresa. Nunca sé dónde vas a poner tus manos, en mis hombros, mi pierna, mi cintura… Descubro el placer mucho más tarde, cuando muevo una extremidad o acaricio una herida. Recuerdo la primera vez, y es el recuerdo del dolor lo que me proporciona placer.
DOMINIQUE: Antoine, estoy asustado.
ANTOINE: Yo también estoy asustado. No soy valiente. Sufro tanto como cualquiera. Cada golpe duele, mis músculos arden, mis huesos se quiebran, pero ya no le tengo miedo al dolor. Todo el mundo quiere morir sin dolor, pero lo que es terrible es la propia muerte. Sí, tengo miedo, pero es la muerte lo que me da miedo.

DOMINIQUE: ¿Qué es lo que quieres de mí?
ANTOINE: Pégame Dominique, pégame con toda tu fuerza.
 
SINOPSIS
Antoine es un hombre estirado e introvertido que trabaja como contable. Está casado con Edith, que todavía elige su ropa y sus zapatos. Tras visitar las instalaciones de un gimnasio propiedad de Roland, Antoine decide aceptar trabajar como su contable durante un mes, ya que el negocio necesita clarificar sus libros de contabilidad. Roland le anima a utilizar las instalaciones del gimnasio en su tiempo libre, así como sus servicios. Antoine se fija en un musculado africano en la piscina, llamado Dominique. Al descubrir que trabaja como masajista en las instalaciones, Antoine decide utilizar sus servicios.
Al someterse a los masajes de Dominique, Antoine descubre que el dolor no solo le sana a nivel físico, sino que además le produce placer. Poco a poco los masajes se vuelven más violentos bajo el consentimiento de Antoine, que encuentra que cuanto mayor el dolor más placer recibe. 

Por su parte Dominique siempre ha tenido un lado sádico, y disfruta proporcionándole dolor. La situación se escapa del control de ambos cuando Dominique le rompe un brazo. Edith también observa que Antoine ha cambiado y ha comenzado a mostrar una personalidad más agresiva. Roland termina por despedir a ambos. Sin embargo, Antoine no puede parar y se sigue sometiendo a Dominique, que le secuestra y lleva a un hotel para continuar con la insana relación. Antoine termina confesándole su fascinación con el temor y el dolor, y reconociendo que solo tiene miedo a la muerte.
 
CURIOSIDADES
Se trata de la primera película escrita y dirigida por Claire Devers. Se inspiró en una historia corta escrita por Tennessee Williams y publicada en 1948, titulada “El Deseo y el Masajista Negro”. A la hora de realizar su proyecto cinematográfico, Devers tuvo claro que deseaba combinar escenas sensuales con otras dotadas de cierto grado de terror. 

Al mismo tiempo quería ahondar en ese deseo de autodestrucción que algunos desarrollan, y el deseo de causar dolor por parte de otros. Consideró que el proyecto debería realizarse en blanco y negro, pues el contraste podría crear ambientes inquietantes y perturbadores.
El dialogo utilizado es mínimo, y la película también carece de estructura convencional con la intención de incrementar el misterio aterrador que rodea la trama. Por otro lado la directora consideró interesante experimentar con las reacciones del espectador, con la intención de que éste no pudiera dejar de prestar atención a la mencionada trama, a pesar de sentir un absoluto rechazo a la relación de ambos protagonistas. Lo consideraba otro tipo de sadomasoquismo, siendo ella la dominatrix. Devers fue nominada a los Premios César de 1987 en la categoría de Mejor Director Debutante, aunque no se hizo con el premio.
 
CRÍTICA PERSONAL

La película aborda determinados aspectos del sadomasoquismo de forma realista, y sin ser extremadamente gráfica, consigue perturbar al espectador. Aunque el personaje de Dominique es bastante plano, hay aspectos de Antoine que me parecieron interesantes. Devers muestra como una vida monótona y carente de emociones puede caer en la más absoluta depravación. Logra analizar el sadomasoquismo desde la perspectiva de una adicción que termina por destruir todo nuestro entorno, ya sea laboral o sentimental. Pero lo especialmente curioso es que en el caso de Antoine, el personaje tampoco parece haber perdido nada al caer en ese inevitable pozo de autodestrucción. También admiré la escenografía que diferenciaba el placer de un masaje, y el modo en que dicho placer no es experimentado por el protagonista hasta que se convierte en dolor.

Si examinar el mundo del sadomasoquismo sin provocar el rechazo del espectador ya es complicado, Devers fracasa doblemente al mostrar escenas perturbadoras sin llegar a ahondar en la psique de los personajes o en sus respectivos problemas. Devers nos deleita con escenas perturbadoras, aunque creo que lo son más en la perspectiva del año de su estreno. No es que me sienta escandalizado por dichas escenas, pero Devers se limita a intentar escandalizar sin luego profundizar en la temática que ha escogido. Queda evidenciada la adicción al dolor de Antoine, aunque no se examina el origen de esta. Presentar a un personaje como retraído y estirado se me antoja insuficiente. Al mismo tiempo, tenemos el mismo problema con el personaje de Dominique, cuyos deseos de producid dolor tampoco se examinan en ningún momento.
Otro fallo considerable radica en que la trama da un giro que rompe toda la credibilidad de la situación abordada. El final, sin revelarlo,  anula cualquier intento de abordar de forma seria el problema del sadomasoquismo, ya que gira más alrededor de la psicopatía.
 
CALIFICACIÓN
5- Aceptable

EL REY DE LAS ROSAS

TÍTULO ORIGINAL

Der Rosenkönig

AÑO DE ESTRENO

1986

DIRECCIÓN

Werner Schroeter

PRODUCCIÓN

Paulo Branco, Udo Heiland

GUION

Magdalena Montezuma, Werner Schroeter

REPARTO

Magdalena Montezuma (Anna, la madre), Mostefa Djadjam (Albert, el hijo), Antonio Orlando (Fernando, el amigo), Karina Fallenstein (Mujer), Sintra (Niño), Montijo (Niño)

CINEMATOGRAFÍA

Elfi Mikesch, Wofgang Pilgrim

BANDA SONORA

Inaplicable

VESTUARIO

Sin acreditar

PAÍS DE ORIGEN

Alemania Occidental

DISTRIBUCIÓN

VCL Communications

DURACIÓN 
106 minutos

ALBERT: En la playa, en el mar, a medianoche… pies. Tiene  los pies descalzos, para soñar con los ojos abiertos. Para soñar…

ANNA: Estaba escuchando tu voz. ¿No puedes dormir?

ALBERT: No, tenía mucho calor y estaba sediento.

ANNA: Si el tiempo sigue así, las rosas terminarán por no abrirse.

FERNANDO: ¿Por qué me desnudas?

ALBERT: Para lavarte.

FERNANDO: ¿Por qué me lavas?

ALBERT: Porque yo te debo lavar.

SINOPSIS

Anna es una Mujer de unos cuarenta años, y propietaria de una granja de rosas. Tras un encuentro con un árabe tuvo a un hijo llamado Albert, que ya tiene unos veinticinco años. La única obsesión de Albert es la de crear una  rosa perfecta, a lo que dedica todo su tiempo de forma obsesiva. 

Anna también va sumergiéndose en su propia locura, acrecentada por el distanciamiento con su hijo, y en ocasiones aliviada por las visitas de dos niños. Durante una noche, Albert descubre a un apuesto joven llamado Fernando, que se encuentra robando las ofrendas de la capilla de la granja. Fernando es un italiano de veinte años. Albert decide mantener a Fernando cautivo en el establo.

Poco a poco, Albert va trasladando su obsesión por las rosas hacia el joven Fernando. Su comportamiento es compulsivo, dedicándose a alimentarle, y encargándose de lavarle personalmente. Esto le lleva a sumergirse en la locura, comenzando a tratar a Fernando no como un ser un humano, sino como a un objeto o a una de sus rosas. De esta forma decide que Fernando debe convertirse en su nueva rosa perfecta. Anna observa estos acontecimientos con progresiva desaprobación, incapaz de librarse de Fernando que ya ha aceptado su nueva situación.

CURIOSIDADES

La película está basada en un poema de Edgar Allan Poe. Magadalena Montezuma, estrella de la película, había sido la musa de Werner Schroeter en varias ocasiones. Esta fue la última aparición de la actriz en una película antes de fallecer, catorce días después de que la producción llegara a su final. Montezuma había descubierto que tenía cáncer en el año 1982, y su deseo era morir durante la producción de la película. Debido al estrecho vínculo entre director y actriz, la película le fue dedicada como simbolismo de su último réquiem.

La película cuenta con apenas dialogo, y es acompañada por música clásica, cuyo propósito es incrementar las emociones, los movimientos de los personajes, así como la atmosfera. La escasez de dialogo se debe a que no existía un guion en su más estricta forma. El director orientaba a los actores para que fueran conscientes de la trama y jugaran con las frases sugeridas por los guionistas. La película hace uso de los idiomas portugués, inglés, italiano, francés, español, árabe y alemán.

Curiosamente, Schroeter prohibió hacer uso de subtítulos en la película, con el deseo de que el idioma usado en cada ocasión fuera interpretado por la cinematografía. Sin embargo, tras la muerte de Schroeter en el año 2010, se optó por distribuir una versión que contara con subtítulos para todos los idiomas.

La película fue conocida por contener referencias iconográficas al homoerotismo, contando también con desnudos. La idea básica era la de crear una visión perfecta de la belleza ideal.

CRÍTICA PERSONAL

SI he de ser sincero y objetivo, debo alabar una extraordinaria cinematografía, con un uso del colorido bastante sorprendente. La película está repleta de escenas en entornos cautivadores, que lograron captar mi atención en repetidas ocasiones.

Sin embargo esto no es bastante ni de lejos. Muchos aprecian este tipo de películas que hacen uso del surrealismo o de las metáforas cinematográficas, pero yo no logró encontrarles encanto alguno. Si bien la película no es de las más aburridas que he visto, no hay nada que me convenza en su estilo.

Si debo comenzar por algo, tendría que ser con el uso de múltiples idiomas, para después no permitir su doblaje. Se me antoja el típico capricho de directores que actúan con soberbia, intentando probar su superioridad artística a sus espectadores. El uso de la música clásica tampoco me pareció efectivo a la hora de intensificar cualquier posible emoción en la película. Aunque los actores no realizan una mala labor, sus papeles resultan ser bastante limitados. Me dio la sensación de que este es un recurso más del director, que para enaltecer la mencionada brillante cinematografía, prefiere que sus actores se comporten como autómatas durante toda la trama. Yo no percibí locura no desequilibrios, sino a buenos actores actuando como robots. Contemplar escenas interminables que no aportan nada nunca ha sido plato de mi gusto. 

Ver como un hombre lava a otro de forma interminable, o ver como lo alimenta, no provoca interés alguno, y dudo siquiera que se pueda tildar de homoerotismo. Y es que me pareció interesante que la película fuera tildada como de temática gay, cuando la atracción de Albert hacia Fernando es igual que la atracción que proclama hacia un objeto o una rosa. Simplemente no funciona.

El final me pareció un despropósito absurdo, que carece de elementos sorpresivos u originalidad alguna. Casi me pareció esperado dado el título de la película, cuando las rosas pasan la mayor parte de la trama siendo ignoradas. Siempre he mantenido que este estilo de películas funcionaría mejor siendo menos ambiguas, y marcando con claridad su desarrollo y el de los personajes. Porque al final, ninguno de los personajes tiene un desarrollo a lo largo de la trama. Empiezan como seres taciturnos y perturbados y acaban de igual manera. Todo el proyecto se basa en un conjunto de imágenes, eso sí deslumbrantes, que no logran encadenarse para narrar algo interesante.

CALIFICACIÓN

2- Mal

THE FLAVOR OF CORN

TÍTULO ORIGINAL

Il Sapore del Grano

AÑO DE ESTRENO

1986

DIRECCIÓN

Gianni Da Campo

PRODUCCIÓN

Chantal Lenoble-Bergamo, Enzo Porcelli

GUION

Gianni Da Campo

REPARTO

Lorenzo Lena (Lorenzo), Marco Mestriner (Duilio), Alba Mottura (Cecilia), Egidio Termine (Bruno), Mattia Pinoli (Abuelo), Paolo Garlato (Padre), Elena Barbalich (Adalgisa), Elisabetta Barbini (Abuela), Marina Vlady (Madrastra), Maria Baldo (Mara), Efisio Coletti, Michele Pastres

CINEMATOGRAFÍA

Emilio Bestetti

BANDA SONORA

Franco Piersanti

VESTUARIO

Stefano Nicolao

PAÍS DE ORIGEN

Italia

DISTRIBUCIÓN

SACIS

DURACIÓN 
93 minutos

LORENZO: ¿Qué es lo que le ha contado su esposa sobre la noche pasada?

PADRE DE DUILIO: ¿Por qué me hace esa pregunta?

LORENZO: Para que me explique el verdadero motivo de su visita.

PADRE DE DUILIO: Es por lo de la enciclopedia. No entiendo por qué le da tantos regalos a Duilio profesor. Me preguntó por qué quiere tanto a Duilio, y qué es lo que quiere de él. Ya sé que también visita a sus otros alumnos, pero con Duilio parece diferente. Esa es la simple verdad. Veo que mi hijo le quiere a usted más de lo que me quiere a mí.

LORENZO: Si esa es la verdad…

PADRE DE DUILIO: Se lo juro profesor, es toda la verdad. No se preocupe sobre lo que le dijo mi esposa ayer por la noche.

LORENZO: ¿Qué es lo que le dijo su esposa?

PADRE DE DUILIO: Por favor, no se enfade. Es una mujer, y después de todo quiere a Duilio mucho más que a mí.

LORENZO: Cree que le hice algo a su hijo, ¿verdad?

PADRE DE DUILIO: No diga eso.

LORENZO: Pero eso es lo que le ha dicho su esposa.

PADRE DE DUILIO: Sí, profesor, es lo que mi esposa cree.

SINOPSIS

Lorenzo es un joven y apuesto universitario, que se embarca en su primer año de prácticas como profesor en un pequeño pueblo italiano. Entre sus alumnos se encuentra el joven Duilio de doce años, que procede de una familia pobre de granjeros. Duilio siente una admiración inmediata hacia el nuevo profesor, llevándole a conocer a su familia. Ambos forjan una amistad, y al mismo tiempo Lorenzo comienza a salir con una joven llamada Cecilia de la que se enamora. Sin embargo esa relación no sale bien, ya que Cecilia esta prometida con su pareja de hace ya tres años, y solo desea a Lorenzo para el sexo. Al ver que la relación no avanza ni lo hará, Lorenzo decide poner fin a la misma.

Duilio demuestra ser un joven empático que se percata de la tristeza de su profesor, y le talla un barco de madera a mano. Como respuesta a esto, Lorenzo se interesa más por el muchacho y decide regalarle una enciclopedia que ya no necesitará. Una noche, Lorenzo es invitado a cenar a casa de Duilio. Tras la cena el joven le lleva a un cobertizo, donde besa a un sorprendido Lorenzo en los labios. La madre de Duilio les ve salir del cobertizo y asume lo peor, logrando que el padre de Duilio hable con Lorenzo para poner fin a todo contacto entre alumno y profesor.

CURIOSIDADES

Se trata de la tercera y última película dirigida por Gianni Da Campo, que también se encargó de escribir el guion. Sus películas siempre han abordado temas relacionados con la represión ejercida por instituciones como la familia o la iglesia sobre individuos. También ha prestado especial atención a temas como la homosexualidad o el feminismo entre otros.

Da Campo se vio inspirado por el trabajo del director Luchino Visconti. De hecho fue su película “Muerte en Venecia” (1971) la que le dio la idea de la trama de “Il Sapore del Grano”. En “Muerte en Venecia” el personaje principal, Gustav von Aschenbach, se enamoraba del joven Tadzio, representación de la belleza de la juventud. Al ver la película, Da Campo tuvo la idea de darle un giro a esa historia para crear la suya. Muchos habían explorado la peligrosa de idea de un hombre adulto que se veía atraído por uno joven, pero el director quiso abordar el tema a la inversa, analizando el conflicto de un joven de doce años que acababa enamorándose de su profesor.  

Como es de esperar, esta tercera película del director se convirtió en todo un escándalo en Italia. Durante su corta distribución en Estados Unidos, la crítica de dicho país se mostró más a favor, elogiando la elegancia del director a la hora de abordar un tema tan delicado. 

La película ganó dos premios en el Festival del Cinema Neorealistico de 1986, la Placa Kim Arcalli al Director, y la Placa Pietro Bianchi a los productores. 

CRÍTICA PERSONAL

La idea del film me pareció francamente original, y es verdad que es tratada con una gran delicadeza. Creo que todos hemos sufrido un amor platónico hacia algún adulto en nuestra adolescencia, que  al ser inalcanzable nos ha afectado bastante. Marco Mestriner fue quien más me impresionó, interpretando a ese alumno de doce años que bien puede recordarnos esas atracciones imposibles. El joven actor realiza una interpretación formidable, mostrando toda la gama de emociones que se le escapan a Lorenzo Lena. En particular destacaría sus creíbles celos ante determinadas situaciones.

La banda sonora se combina a la perfección con un ambiente rural que invita a ese sentimiento de melancolía. Es un marco de lo más efectivo para una historia que evita en todo momento caer en recursos fáciles, e intenta transmitir las emociones propias de esos primeros amores basados en la admiración. 

Con un actor protagonista más efectivo, y un guion más cuidado, la película habría sido sobresaliente.

Aunque es innegable el gran atractivo de Lorenzo Lena, me pareció que su interpretación era considerablemente plana y carente de emociones en momentos determinantes de la trama. Tal vez no esté bien llevado, pero me parece que la reacción del personaje después de que su estudiante de doce años le besara, es inexistente. Aunque el tema abordado es interesante, me parece que a la cinta le falta el realismo de la época. El personaje del profesor se habría metido en problemas rápidamente ante simplemente una sospecha injustificada. La trama también se torna algo lenta en ocasiones.

CALIFICACIÓN

7- Bastante bien

OTRA HISTORIA DE AMOR

TÍTULO ORIGINAL

Otra Historia de Amor

AÑO DE ESTRENO

1986

DIRECTOR

Américo Ortiz de Zárate

PRODUCTOR

Gustavo Ghirardi

GUION

Américo Ortiz de Zárate, Juan Carlos Brown

REPARTO

Arturo Bonín (Raúl Loveras), Mario Pasik (Jorge Castro), Nelly Prono (Tía Ofelia), Héctor Bidonde (Block), Alicia Aller (Matilde), Daniel Galarza (Beto), Roxana Berco (Mona), Susana Cart (Nora), María José Demare (Prostituta), Carlos Muñoz (Don Juan), Alejandro Vannelli (Martín), Patricio Gago (Gaby), Oscar Ortíz (Felipe), Alejandra Trigueros (Gladys), José María Carballo (Terapeuta), Ricardo Manetti (Paciente 1), Ana Ferzt (Paciente 2), Ricardo Cores (Policía de civil), Alberto Lecchi (Pasajero ascensor), Alberto Arturi (Presidente), Marcelo Usandivaras (Ejecutivo), Margarita Martin (Rosita), Marcela Palacios (Chica footing), Angelica Teruzzi (Enfermera)

CINEMATOGRAFÍA

Hector Morini

BANDA SONORA

Martín Bianchedi, Angel Mahler

VESTUARIO

Aldo Guglielmone

PAÍS DE ORIGEN

Argentina

DISTRIBUCIÓN

Argentina Sono Film S.A.C.I.

DURACIÓN
88 minutos

JORGE CASTRO: Usted me gusta.

RAÚL LOVERAS: ¿Cómo dice?

JORGE CASTRO: Que usted me gusta.

RAÚL LOVERAS: No lo entiendo.

JORGE CASTRO: Me gustaría acostarme con usted.

RAÚL LOVERAS: Pero esto es una falta de respeto. Castro, yo soy su jefe. Soy un hombre casado.

JORGE CASTRO: No le pregunté por su estado civil. Simplemente le dije que usted me gusta.

RAÚL LOVERAS: Castro recapacite. Soy un padre de familia.

JORGE CASTRO: No, si ya sé.

RAÚL LOVERAS: Castro le comunico que usted y yo, transitamos por caminos diferentes.

JORGE CASTRO: Qué lástima.

RAÚL LOVERAS: Y me permito sugerirle que olvidemos este incidente.

JORGE CASTRO: Muy bien, olvidemos el incidente.

JORGE CASTRO: Definirme como homosexual sería limitarme. Si hay algo que odio son las limitaciones.

SINOPSIS

Jorge Castro lleva tan solo un mes trabajando para su empresa, donde Raúl Loveras es su jefe directo. Es entonces cuando decide comunicarle que se siente atraído hacia él y que desea que mantengan relaciones. Raúl Loveras es un hombre casado y con hijos que reacciona con indignación rechazando su proposición y pidiéndole que la conversación quede olvidada. A pesar de esto, Raúl comienza a tener dudas que le angustian y no le dejan tranquilo. Su mujer es una católica devota y perteneciente a una asociación religiosa. A pesar de esto Raúl termina por quedar con Jorge y ambos mantienen un encuentro sexual, que con el tiempo se convierte en una relación clandestina. Durante varios meses se ven obligados a encontrarse en las casas de amigos de Jorge, debido a que éste vive con su madre. Al final deciden alquilar un apartamento para ambos, donde puedan seguir encontrándose.

Sin embargo la mujer de Raúl termina por enterarse a través de una secretaria de la empresa, y acudir al apartamento de la pareja para confirmarlo. Raúl intenta explicarse ante su esposa, alegando que la necesita tanto como a Jorge. A pesar de eso su mujer intenta suicidarse, pero fracasa gracias a la rápida intervención de su hijo. Éste descubre la relación clandestina de su padre a través de la nota que su madre había dejado. El escandalo llegará a oídos de la empresa, decidida a tomar cartas en el asunto.

CURIOSIDADES

Se trata de la única película escrita y dirigida por Américo Ortiz de Zárate, que fallecería víctima del SIDA en el año 1989, tres años después de su estreno. La película provocó un gran revuelo por abordar la relación homosexual entre jefe y empleado, y destruir la familia del primero. Era un tema que en aquel entonces estaba vedado, aunque en 1985 había sido ya abordado por la película “Adiós, Roberto” de enrique Dawi. 

Unos años después del fallecimiento de Ortiz de Zárate, la película comenzó a ser emitida por varios canales. Sin embargo dicha emisión tuvo ciertas condiciones, que desembocaran en el corte de gran cantidad de metraje.

Dichos cortes incluían las escenas en las que los dos protagonistas se besaban o presentaban de forma cariñosa. También mutilaron el final de la película, cambiando completamente la historia que el director había intentado narrar. Quizás por esos problemas, la película ha tenido una distribución muy limitada, especialmente en su montaje original. En España la película fue emitida en su totalidad por la segunda cadena de “TVE”.

CRÍTICA PERSONAL

Ciertas películas son elogiables por haber sido capaces de tratar temas polémicos en un tiempo y sociedad de rechazo absoluto. 

Arturo Bonín y Mario Pasik demuestran ser capaces de narrar la historia de amor de sus personajes con credibilidad y considerable química. Resulta interesante ver como sus personajes son contrapartidas de esa misma atracción, en la que Pasik muestra cierto sentido del humor mientras Bonín interpreta excepcionalmente la angustia de un hombre ya establecido en una vida familiar. Defiende muy bien el concepto del entonces hombre homosexual que reprime su naturaleza para crear la familia esperada por la sociedad. Esto era algo muy habitual, y la película se atreve a abordar el tema sin tildar a personaje alguno de tener la verdad absoluta. Las angustias de Raúl son tan comprensibles como las de su esposa. También agradecí un final esperanzador. El principio de la película es lo único que tildo de irreal, y casi cómico. Resulta increíble que un empleado se declarará de la forma en la que Jorge lo hace al principio. 

De hecho, mi primera sensación era de estar empezando a ver una comedia, cuando claramente ese no era el caso. Analizando el título, tampoco me pareció que el guion estuviera lo suficientemente bien elaborado. A pesar de la gran labor interpretativa de los actores protagonistas, no logré apreciar el desarrollo de una historia de amor. Los personajes pasaban de tener un encuentro sexual, a mostrarse ya enamorados. Esto dificulta que el espectador no acostumbrado a esto pueda empatizar con los personajes.

CALIFICACIÓN

6- Bien

CAPULLITO DE ALHELÍ

TÍTULO ORIGINAL

Capullito de alhelí

AÑO DE ESTRENO

1986

DIRECTOR

Mariano Ozores

PRODUCTOR

Carlos Cascales

GUION

Juan José Alonso Millán

REPARTO

José Luis López Vázquez (Moisés), Jesús Puente (Hilario), Gracita Morales (Rosa), María Isbert (Dominga), Alfonso del Real (Max), Antonio Vico (Agustín), Rafael Hernández (Camarero), Carmen Roldán (Magda), Mapi Galán (Raquel), Joaquín Pascual (Paralítico), Antonio Ozores (Lutero), Florinda Chico (Vicenta)

CINEMATOGRAFÍA

Manuel Mateos Valverde

BANDA SONORA

Gregorio García Segura

VESTUARIO

María Luisa Bernedo

PAÍS DE ORIGEN

España

DISTRIBUCIÓN

Carlos Cascales Producciones y Distribuciones Cinematográficas

Telegroup

DURACIÓN
90 minutos

HILARIO: Antes de que habrás quiero decirte una cosa. Soy gafe.

MOISÉS: Bobadas cariño. Eso no existe.

HILARIO: Uy, tengo un gafe de muerte.

MOISÉS: Anda no digas ridiculeces. Un hombre tan guapo como tú no puede tener esas cosas. Apunta este día, veintitrés de febrero de 1981. Una fecha que a nadie dirá nada, pero que nosotros grabaremos en unos anillos. Pero que majo eres coño.

ROSA: Joder la que se ha armado… un chinchón.

MOISÉS: Pero bueno, ¿qué es lo que pasa? Oye, ¿ocurre algo?

ROSA: ¿Qué si ocurre algo? ¡La madre que me pario! Que desastre.

HILARIO: Ya te lo dije, el gafe. Ya he llegado yo a Madrid, prepárate para lo peor.

ROSA: A las seis y media un tío disfrazado de guardia civil, armado con una pistola, ha entrado en el congreso. Y a tiro limpio ha puesto a todo el mundo boca abajo al grito de… ¡Todos al suelo!

VICENTA: Está muy bien que hayáis decidido pasar unos días aquí. Valencia está que arde. Vuelven los valores perdidos. Se acabó el porro, y la única heroína que habrá en Valencia seré yo. Se podrá salir por la noche sin miedo al tirón. Los travestis, las golfas y los homosexuales a la cárcel.

MOISÉS: Hilario, me han dicho que Albacete está muy bien.

VICENTA: Si me dejaran a mí, que me dejaran, acababa con la delincuencia y los amorales colgándoles en la Plaza del Caudillo.

MOISÉS: ¡Vaya!

SINOPSIS

Moisés es un hombre homosexual y adulto que trabaja como bordador en Madrid. Cuando era joven su madre dirigía a varias prostitutas, alquilando habitaciones de su propia casa para sus encuentros.

Ya consciente de su homosexualidad, Moisés se llevaba bien con las prostitutas a las que ayudaba a vestirse y maquillarse, bordando para ellas. Cuando su madre murió, Moisés continuó con el negocio en su casa, con sus amigas Rosa, Dominga y Magda. Deseando tener pareja, deja un mensaje en el consultorio sentimental de un periódico con el apodo “Capullito de Alhelí”. A su mensaje responde “Llanero Solitario”, apodo de un hombre llamado Hilario. Ambos comienzan a escribirse e inician una relación romántica por correspondencia.

Hilario está casado y vive con su mujer y cuñada Vicenta en Valencia, a pesar de saberse homosexual. Cuando su mujer muere, Hilario se decide a reunirse con Moisés en Madrid ya que no existe nada que impida que ambos inicien una relación. Sin embargo, ambos han elegido el veinte tres de febrero de 1981 para el encuentro. Mientras hacen planes de futuro, el teniente coronel Tejero lleva a cabo un golpe de estado asaltando el Congreso de los Diputados. 

La pareja temerá que vuelva la represión a sus vidas y que sus nuevos planes no puedan llevarse a cabo.

CURIOSIDADES

Durante la segunda década de 1980, las administraciones públicas comenzaron a mostrarse en contra del cine de género y la comedia popular. El cine del destape característico de la anterior década y media, tras el final de la dictadura española, también perdía fuelle. Mariano Ozores había dirigido muchos proyectos dentro de aquellas categorías, por lo que comenzó a tener problemas para rodar tan a menudo como antes. “Capullito de Alhelí” fue uno de sus últimos proyectos para el cine, antes de probar suerte en el formato de las series de televisión, sin ningún éxito y criticas considerablemente negativas. Tras esto, comenzaría a rodar para distribuir directamente en video.

Su hermano Antonio Ozores participó en esta película sobre dos homosexuales que deciden iniciar una relación justo el 23 de febrero de 1981. 

Esa es la fecha en la que tuvo lugar un intento fallido de golpe de estado por algunos mandos militares de España. Ocurrió durante la votación de investidura del segundo presidente tras la dictadura, Leopoldo Calvo-Sotelo. También tuvo lugar la ocupación  militar de Valencia por el teniente general Jaime Milans. La película traslada la trama de Madrid a Valencia, siempre en tono de comedia.

CRÍTICA PERSONAL

No voy a negar que la película me arrancara alguna sonrisa de vez en cuando. Tampoco dudo que las intenciones de Mariano Ozores fueran buenas. La película no pretende ser otra cosa que una comedia, con la intención de abordar el tema de la homosexualidad de forma divertida. Sin embargo, creo que disfruté mucho más de los personajes secundarios de la película. Destacaría a Florinda Chico, cuyo personaje fue el único que verdaderamente me hizo reír durante la película. Gracita Morales siempre consigue despertar simpatías y hace reír también.

La premisa de la película era muy buena, por lo que me decepcionó enormemente encontrarme con un guion tan pobre. Toda la trama tiene lugar en interiores, con lo cual también me pareció algo claustrofóbica. Tanto José Luis López Vázquez como Jesús Puente resultan sobreactuados. Personalmente ignoro si esto se debe a una mala dirección por parte de Mariano Ozores o a otro motivo pero es un hecho. Me sorprendió especialmente por José Luis López Vázquez, que había realizado una formidable labor en “Mi Querida Señorita” (1971).

Es evidente que se trata de un proyecto de escasísimo presupuesto, pero siempre he creído que es en esos casos cuando las grandes ideas pueden brillar con fuerza. Al acabar el film, me percaté que más que reírme con la comedia, me estaba riendo de ella.

CALIFICACIÓN
4- Insuficiente

CARAVAGGIO

TÍTULO ORIGINAL

Caravaggio

AÑO DE ESTRENO

1986

DIRECTOR

Derek Jarman

PRODUCTOR

Sarah Radclyffe

GUION

Derek Jarman, Suso Cecchi d’Amico, Nicholas Ward Jackson

REPARTO

Nigel Terry (Caravaggio), Sean Bean (Ranuccio), Tilda Swinton (Lena), Michael Gough (Cardenal Del Monte), Dexter Fletcher (Joven Caravaggio), Noam Almaz (Caravaggio de niño), Dawn Archibald (Pipo), Jack Birkett (El Papa), Sadie Corre (Princesa Collona), Una Brandon-Jones (Mujer llorosa), Imogen Claire (Dama con joyas), Robbie Coltrane (Scipione Borghese), Garry Cooper (Davide), Lol Coxhill (Viejo cura), Nigel Davenport (Giustiniani), Vernon Dobtcheff (Amante del arte), Terry Downess (Guardaespaldas), Jonathan Hyde (Baglione), Spencer Leigh (Jerusaleme), Emile Nicolaou (Joven Jerusaleme), Gene October (Modelo), Cindy Oswin (Lady Elizabeth)

CINEMATOGRAFÍA

Gabriel Beristain

BANDA SONORA

Simon Fisher-Turner

VESTUARIO

Sandy Powell

PAÍS DE ORIGEN

Reino Unido

DISTRIBUCIÓN

British Film Institute

DURACIÓN
93 minutos

 

MADRE DE JERUSALEME: Las estrellas son los diamantes de los pobres. Los ricos esconden sus diamantes en los sótanos, avergonzados de compararlos con las riquezas del señor que brillan en el cielo.

 

CARAVAGGIO: Construí mi mundo como el misterio divino. Encontré el Dios en el vino y lo lleve a mi corazón. Me pinté como Baco y asumí su destino, un desmembramiento orgiástico salvaje. Alzo esta frágil copa y brindo por vosotros, mi público. El carácter del hombre es su destino.

 

SINOPSIS

El gran pintor Caravaggio está muriendo de envenenamiento por plomo mientras se encuentra en el exilio. Solo está acompañado del sordomudo Jerusaleme, quien ha sido su acompañante y protegido durante largo tiempo.

En su lecho de muerte, el célebre pintor comienza a recordar los momentos más relevantes de su vida. Esta comienza cuando solo era joven callejero, que ya se dedicaba a la pintura y a prostituirse, convertido en todo un rufián. Durante esa época, el joven enferma y es acogido por curas, llamando la atención del Cardenal Del Monte. El Cardenal decide cuidar del desarrollo artístico e intelectual de Caravaggio, pero todo parece indicar que mantiene una relación sexual con el joven.

Ya convertido en adulto, Caravaggio se hace amigo de Ranuccio, quien sirve como modelo para el artista. Acompañado por Ranuccio esta su amante Lena, quien también llama la atención de Caravaggio. El pintor no tarda en tener relaciones con ambos, y cuando las partes interesadas lo descubren, surgen los conflictos. El mayor de todos tendrá lugar cuando Lena quede embarazada, sin saber quién es el padre, y decida casarse con un adinerado burgués.

 

CURIOSIDADES

La película es una narración ficticia de la vida del pintor Michelangelo Meri Caravaggio, nacido en 1573, y fallecido en 1610. Fue uno de los pintores más grandes, y también de los más controvertidos, del Renacimiento Italiano. Sus cuadros eróticos de santos desnudos provocaron un gran escándalo en la época. Derek Jarman tuvo serias dificultades para llevar a cabo esta película, que se extendieron durante siete largos años. Su película se basa en el triángulo amoroso, y ficticio, entre Caravaggio, su amigo y modelo Ranuccio, y la compañera de este, Lena.

El director hizo uso de varios de los cuadros más famosos del pintor, trasladándolos a la película a través de fotografías cuidadosamente elaboradas de cuadros vivientes. Dichas obras se mezclan con la trama, sirviendo de punto de partida para sus personajes y episodios narrativos. De esta forma, la película funde hechos, ficción, leyendas e imaginación. Esta fue la primera ocasión en la que Derek Jarman trabajó con Tilda Swinson, quien interpretaba al personaje de Lena.

Swinson terminaría por convertirse en su musa, y colaboraría con el director en repetidas ocasiones.

Derek Jarman hizo un uso consciente de repetidos anacronismos durante toda la película. Se puede ver a Caravaggio en un bar iluminado con luces eléctricas, a un personaje utilizando una calculadora, y el protagonista hace uso de una máquina de escribir, y fuma en repetidas ocasiones. Otros ejemplos son los apreciables sonidos de bocinas de coches, que se escuchan en el estudio del pintor, u otra escena en la que Ranuccio repara y limpia una motocicleta. La intención era hacer uso de una teoría revisionista, que el propio Caravaggio aplicaba a sus cuadros.

La película causó furor, generando acusaciones de todo tipo, desde que su obra había sido irreverente, hasta que su interpretación de la nunca probada homosexualidad del pintor, así como sus impulsos violentos. La película fue presentada al trigésimo sexto Festival de Cine Internacional de Berlín, donde ganó el Oso de Plato al mayor logro individual.

 

CRÍTICA PERSONAL

En este caso hay varias cosas que elogiar. Comenzaré con el elenco de actores que realiza un trabajo excepcional. El triángulo que se forja entre los tres personajes principales es muy interesante, y a la vez creíble. Los tres actores derrochan pasión, aunque siento, como siempre, una especial predilección por Tilda Swinson, a quien siempre he considerado multifacética.

El guion es poesía en estado puro, y casi lamento que en ocasiones sea escaso. Hay determinados monólogos narrativos que se me quedaron grabados a fuego. El aspecto artístico nunca ha sido el punto débil de Jarman, aunque siempre tiende a explotarlo en exceso. Destacaría el uso de cuadros vivientes para marcar distintos episodios narrativos, los cuales me impresionaron considerablemente.

Siempre he tenido el mismo problema con el cine de Derek Jarman. Desde mi punto de vista, sus narraciones se centran en exceso en lo artístico, lo que provoca que la narrativa se vuelva en extremo lenta. Esto me parece doblemente sorprendente considerando que la película solo dura hora y media. Por otro lado, nunca he entendido el uso de anacronismos, por muy artística que sea la razón detrás del uso de los mismos. Nunca le he encontrado el sentido a este recurso, que además chirría con creces en esta ocasión al chocar con el realismo que alcanza la ambientación del siglo diecisiete.

 

CALIFICACIÓN

7- Bastante bien