EL LUGAR SIN LÍMITES

TÍTULO ORIGINAL 
El Lugar Sin Límites
AÑO DE ESTRENO
1977
DIRECCIÓN
Arturo Ripstein
PRODUCCIÓN
Francisco del Villar
GUION
José Donoso
REPARTO
Roberto Cobo (Manuela), Lucha Villa (La Japonesa), Ana Martín (Japonesita), Gonzalo Vega (Pancho), Julián Pastor (Octavio), Carmen Salinas (Lucy), Fernando Soler (Don Alejo), Emma Roldán (Ludovinia), Hortensia Santoveña (Clotilde), Blanca Torres (Blanca), Marta Aura (Emma), Tere Olmedo (Lila), Agustín Silva (Reynaldo), Cecilia Leger (Lupe), César Sobrevals (Enrique), Ana Iris Nolasco (Prostituta)
CINEMATOGRAFÍA
Miguel Garzón
BANDA SONORA
Joaquín Gutiérrez Heras
VESTUARIO
Sin acreditar
PAÍS DE ORIGEN
México
DISTRIBUCIÓN
World Artists
DURACIÓN
110 minutos
 

MANUELA: No pongas eso, porque pensándolo bien, lo que les voy a bailar es la leyenda del beso, que es más dramática todavía. Pero tú me tienes que acompañar, porque es un baile donde una mujer muy bella encuentra dormido a un jovencito en el bosque, pero muy guapo. Pero que esta como enojado, y el pobre ni ve, ni oye, ni come, ni nada. Pero entonces dice la leyenda que él va a volver a vivir, cuando una mujer muy bella pase por ahí, por ese bosque dónde él está como dormido.
PANCHO: Pero y yo que diablos hago.
MANUELA: Espérate, tú te quedas sentadito aquí, aquí, en medio de la pista. Ay, está cayendo la tarde y una mujer muy divina está recogiendo flores en el bosque, y se perdió. ¿Y qué ve de repente? Pues al hombre más vigoroso del mundo. Pero que desgracia, parece que está todo muerto, y sé acerca así. Así, y lo mira, y le gusta tanto, que aunque él esté muerto, le dan ganas de darle un besote, y se acerca. Ay, no besa, y ella se está yendo cuando él se despierta. No estaba muerto. Y él le pide a ella que le de un beso en los ojos para ya no ser ciego. Sí, un beso en los ojos, para ya no ser ciego. Ay viejo, tú me tienes que decir, ‘bésame en los ojos, mi amor’.

PANCHO: Yo no te digo nada pinchejo tonto.
MANUELA: Pues si no me lo dices, ya no bailo.
PANCHO: Bueno, bueno, bésame en los ojos vieja puta.
MANUELA: Entonces la mujer divina, esa mujer divina, nada de eso que dices… y él ve por primera vez lo divina que es y le pide que le de un beso en las rodillas, para poder caminar.
PANCHO: Bésame las rodillas Manuelita.
MANUELA: Entonces ella, tan buena que es, se agacha a besarle las rodillas, pero como es cegatona, se equivoca.
 
SINOPSIS
Manuela es un hombre gay que vive en un pueblo mexicano que está quedando deshabitado poco a poco, en compañía de su hija Japonesita. Ambas residen en un burdel usado por escasas prostitutas. Don Alejo es un acaudalado anciano que poco a poco se ha hecho con todas las casas del pueblo. 

Años atrás, cedió el burdel a la madre de Japonesita, una prostituta conocida como la Japonesa. Ella apostó a que podría seducir a Manuelita y tuvo éxito, haciéndose con el burdel convencida de que Don Alejo lograría resucitar la ciudad. Sin embargo Don Alejo no es hombre de palabra, y siempre parece haberse ceñido a intereses personales. Manuela quiere vender, pero Japonesita se resiste al desear llevar a cabo los sueños de su madre.
La situación se complica ante la llegada de Pancho, un hombre rudo y atractivo, acompañado de su cuñado Octavio. Hace un año que agredió a Manuela y le rompió su vestido de flamenca rojo. Don Alejo aprecia a Manuela y advierte seriamente a Pancho, para que se mantenga alejado de ella. Sin embargo, para proteger a Japonesita, Manuela se embarca en un baile de seducción, que puede acabar siendo peligroso al destapar los verdaderos deseos de Pancho.
 
CURIOSIDADES

Esta película está considerada por muchos como la primera en tratar la homosexualidad de forma abierta y sin barreras, pero principalmente analiza la represión sexual en la sociedad mexicana de la época. Dicho análisis continúa siendo relevantes en la actualidad, enfocándose en la obsesión de probar la masculinidad de forma obsesiva. Ripstein llenó la película de simbolismos siendo el moribundo pueblo un reflejo de los personajes. La película defiende la existencia del infierno en la Tierra, por lo que la película comienza con una cita de Christopher Marlowe en la que Fausto le pregunta a Mefistófeles sobre el infierno. La idea defiende la noción de que el infierno es ilimitado y no se concentra en un único lugar. Abandonar el pueblo moribundo no supone abandonar el infierno, que siempre nos acompaña. De hecho, la película se promocionó con la frase: “debajo del cielo está el infierno y debajo del infierno está el lugar sin límites”. Arturo Ripstein siempre ha mostrado interés por mostrar el México que nadie desea ver, a menudo condenado a la pobreza y se ve encerrado en su propio espacio personal.

Roberto Cobo se encarga de interpretar el papel protagonista, lo cual le valió una nominación al Ariel al Mejor Actor. Alcanzó la fama y fue reconoció por interpretar al primer personaje homosexual abierto en el cine mexicano, siendo también homosexual reconocido. Falleció en 2002, víctima de un cáncer de esófago.
 
CRÍTICA PERSONAL
Destacaré tres aspectos formidables de la película. Por encima de todo me quedé impresionado por la labor interpretativa de Roberto Cobo, que me dejó cautivado. La escena en la que baila y narra la leyenda del beso es una verdadera joya. Lo segundo es la brillante manera en la que expone la hipocresía de la supuesta masculinidad a través del homosexual reprimido que encontramos en Pancho, cuya vida podría haber dado un giro a mejor. Uno puede pasar de odiar a sentir pena por el personaje en un instante. La tercera es la alegoría del pueblo moribundo, que representa el espíritu igualmente moribundo de los personajes. 

Me quedé impactado por el final y con  esa simple conversación entre Japonesita y Lucy, todavía ignorantes de lo acontecido. Una gran parte de la escena de flashback me pareció errónea, dañando especialmente la solidez del personaje de Manuela. La escena de su relación con la Japonesa no me pareció bien establecida, y tampoco me pareció que aportaba gran cosa al personaje. Hubiera apreciado más tiempo para el desarrolló del personaje de Pancho, que en ocasiones se atisba más interesante de lo que parece.
 
CALIFICACIÓN
7- Bastante bien

NI EN TU CASA NI EN LA MÍA

TÍTULO ORIGINAL

Bedrooms and Hallways

AÑO DE ESTRENO

1998

DIRECCIÓN

Rose Troche

PRODUCCIÓN

Dorothy Berwn, Ceci Dempsey, Liz Bunton

GUION

Robert Farrar

REPARTO

Kevin McKidd (Leo), Julie Graham (Angie), Simon Callow (Keith), Con O’Neill (Terry), Harriet Walter (Sybil), Christopher Fulford (Adam), James Purefoy (Brendan), Jennifer Ehle (Sally), Tom Hollander (Darren), Hugo Weaving (Jeremy), Paul Higgins (John)

CINEMATOGRAFÍA

Ashley Rowe

BANDA SONORA

Ian MacPherson, Alfredo D. Troche

VESTUARIO

Annie Symons

PAÍS DE ORIGEN

Reino Unido

DISTRIBUCIÓN

Momentum Pictures

DURACIÓN 
96 minutos

DARREN: ¿Qué más quieres? Es una ricura, es encantador y ha hecho el desayuno.

LEO: Pero ese tío está conmigo por rechazo. ¿Entiendes? Hacia las mujeres en general, me quiere porque no soy una mujer.

DARREN: Una buena razón para querer a alguien.

LEO: Es una razón negativa Darren, me quiere por lo que no soy y no por lo que soy.

DARREN: ¿Es bueno en la cama?

LEO: Sí, sí que lo es, pero…

DARREN: Entonces quédate con él.

LEO: Darren, ya sabes cuál es mi peor pesadilla.

DARREN: Enamorarte de un hombre heterosexual, sí, sí, sí… Mira Leo, las relaciones terminan, la gente se separa, uno de los dos muere, así que por qué no disfrutas. A mí me parece que se te ha presentado una oportunidad única, aprovéchala.

LEO: Oh Darren, ¿por qué tengo que tener una vida sexual tan complicada?

DARREN: Verás, eso te pasa porque emites vibraciones complicadas. Simplifica tus vibraciones y tu vida sexual también se simplificará.

LEO: Eso es muy sabio.

DARREN: En serio Leo, sabes cuál es tu problema, ¿verdad? Siempre quieres garantías.

LEO: ¿No las quiere todo el mundo?

DARREN: No, desde luego que no. Y el resultado es que dejas que el primer tío con el que te has acostado en mucho tiempo, se vaya sin saber cuándo volverás a verle.

SINOPSIS

Leo es un hombre homosexual que acaba de cumplir treinta años. Al llegar a casa no se alegra al descubrir que sus compañeros de apartamento, Darren y Angie, le han organizado una fiesta sorpresa. Entre los invitados se encuentran varias personas con las que Leo ha compartido relaciones muy personales, por lo que Leo decide ocultarse en su habitación para recordar cómo los eventos de los últimos días le han llevado a ese día.

Su hermano Adam le animó a asistir a un grupo de terapia para hombres dirigido por el excéntrico Keith, casado con Sybil. 

Durante la primera sesión, Leo se conoce a un atractivo irlandés llamado Brendan, hacia quien siente una inmediata atracción. Durante otra sesión, termina por confesar dicha atracción a todo el grupo, pero Brendan es heterosexual y vive con su exnovia Sally. Sin embargo, Brendan no se siente intimidado ante esa revelación y termina por forjar una sólida amistad con Leo. A medida que se van conociendo, la tensión sexual entre ambos aumenta, y Brendan termina por confesar su curiosidad homosexual. Leo y Brendan terminan por acostarse, tras lo cual Leo comenzará a tener serios temores sobre el rumbo de la relación. Las cosas se complicaran cuando Sally entre en escena, y resulte ser la novia de instituto de Leo, antes de que saliera del armario.

CURIOSIDADES

La película tiene la peculiaridad de contar con varios actores a punto de comenzar carreras de interpretación de considerable fama. El protagonista Kevin McKidd pasaría a ser conocido por contar con importantes papeles en películas como “Topsy-Turvy” (1999), “La Leyenda de Nicholas Nickleby” (2002) o “De-Lovely” (2004), y en series como “Anna Karenina” (2002), “Roma” (2005), o “Anatomía de Grey” (2005). James Purefoy alcanzó la fama por películas como “Mansfield Park” (1999), “Resident Evil” (2002), “La Feria de las Vanidades” (2004), y por interpretar a Marco Antonio en la serie “Roma” (2005). Tom Hollander también tuvo éxito en películas como “Gosford Park” (2001), “Espías en Cambridge” (2003), “The Libertine” (2004), y “Orgullo y Prejuicio” (2005), recibiendo nominaciones por su labor actoral en varias de estas películas. También es reconocido por haber interpretado al personaje villano de Cutler Beckett en las películas “Piratas del Caribe: El Cofre del Hombre Muerto” (2006) y “Piratas del Caribe: En el Fin del Mundo” (2007). 

Hugo Weaving ya se había hecho famoso por su papel en “Las Aventuras de Priscilla, Reina del Desierto” (1994), y había proporcionado su voz para el perro Rex en la película “Babe” (2005). Sin embargo alcanzaría una fama incluso mayor por sus papeles en las trilogías de “Matrix” y “El Señor de los Anillos”.

El grupo de apoyo para hombres que se menciona en la película es real, y su manager fue contactado por el estudio. Se le preguntó si alguien de la asociación proporcionaría a algún miembro realmente atractivo, ya que se necesitaba uno para el film. Kevin McKidd coincidió con James Purefoy en la serie “Roma” (2005), donde el primero declaro que la escena en la que tenía que besar a Purefoy había sido una experiencia bastante desagradable.

CRÍTICA PERSONAL

Reconozco que el reparto realiza una gran labor con el material que se les proporciona, especialmente McKidd. Algunos fragmentos del guion me llamaron la atención bastante, por contener conversaciones bastante relevantes en el ámbito de las relaciones personales. 

Por lo general, McKidd logra convencer al vender ese pánico a enamorarse de alguien que no comparte su misma orientación sexual. Utilizando el personaje de Darren, que me irritó bastante a pesar del genial Hollander, también se analizan aspectos de las relaciones que me parecieron ingeniosas. Personalmente encontré que la película empezaba a ser entretenida a partir de su segundo tercio.

A pesar de que el guion tiene algún momento brillante en lo relativo a diálogos, como historia tiene lagunas por todas partes. Los actores realizan una buena labor, pero sus personajes están poco definidos y en su mayor parte se basan en clichés. Esto no sería algo negativo, si la trama estuviera bien planteada y les llevará a alguna parte lógica, pero no es así. Sin entrar en detalles, el final me pareció muy deficiente, y no por proporcionar conclusiones inesperadas, sino porque no tienen sentido alguno. Con la excepción del personaje de McKidd, y solo en algunos momentos, el resto de los personajes no me parecieron lo suficientemente interesantes.

CALIFICACIÓN

5- Aceptable

VERDE VERDE

TÍTULO ORIGINAL

Verde verde

AÑO DE ESTRENO

2012

DIRECTOR

Enrique Pineda Barnet

PRODUCTOR

Santiago Llapur

GUION

Enrique Pineda Barnet

REPARTO

Héctor Noas (Alfredo), Carlos Miguel Caballero (Carlos), Farah Maria (Dama seductora), Rocío García (Pintora), Waldo Franco (Turista vieja), Adrián Olivares Chapiau (Stripper), Beatriz Viña (Puta insistente), Eldis González (Barman), Alejandro Padrón (Baterista), Alain Ortíz (Amigote de Carlos), Daniel Pacheco (Amigote de Carlos), Ernesto Santana (Amigote de Carlos), Armando Corrales (Amigote de Carlos), Dayron Moreno (Amigote de Carlos), Guillermo Castellón (Estibador), Ariel Albóniga Carmona (Pareja gay), Javier Casas (Pareja gay), Alejandro Olarriz (Marinero), Alexander Seguí (Marinero), Romel Mohamed Elazzeh (Marinero), Jorge Yera Viqueira (Marinero), Dayron Naranjo (Marinero)

CINEMATOGRAFÍA

Raúl Rodríguez Cabrera

BANDA SONORA

Juan Piñera

VESTUARIO

Gabriel Hierrezuolo

PAÍS DE ORIGEN

Cuba

DISTRIBUCIÓN

Instituto Cubano del Arte e Industrias Cinematográficos

DURACIÓN
74 minutos

ALFREDO: Oiga macho, "verde, verde da maduro". ¿Sabes?

CARLOS: ¿Qué cosa?

ALFREDO: Piénselo y verá. Sirve para todo, verde, verde, maduro. Aplíqueselo a la vida. Cuando las cosas parecen más verdes, más verdes, caen maduritas. El odio es cariño.”

CARLOS: Yo soy hombre a todas.

ALFREDO: Sí, sí, dime con quién andas y te diré de lo que careces.

CARLOS: Oye. ¿En tu barco lo saben?

ALFREDO: ¿Y de que deben saber? ¿De mí? A mi camarote vienen marineros, oficiales, todo tipo de gente. Lo mismo doy una aspirina, que un condón, que un consejo. Trato una diarrea y una gonorrea. Les canto boleros, oigo sus problemas y hasta les escribo sus cartas de amor. Soy el más popular y el más libre del barco.

CARLOS: ¿Pero saben que tú eres...?

ALFREDO: Mi lema es, soy popular y si me lo piden hago tacto rectal. Mira, uno no anda por ahí diciendo lo que le gusta comer. No existe un helado de chocolate para la mujer y otro para el hombre. Tú no llevas un cartelito que dice, "yo como coctel de ostiones". El que lo quiera saber te lo pregunta. Y tú le respondes, "a mi lo que me gusta es el marisco". O directamente, "me gustan los ostiones, ¿quieres comerlos conmigo?". No estás ofendiendo a nadie, estás haciendo una invitación.

SINOPSIS

Un hombre huye desesperadamente por un laberinto, buscando una salida que no encontrará. En su fuga tropieza con apariciones que le bloquean el paso: una dama seductora, algunos personajes escapados de un bar singular, una pintora, un barman armado, un stripper, una anciana turista, un estibador acechante.

En un bar del puerto, Alfredo, paramédico de navegación mercantil, conoce a Carlos, informático aspirante a aviador. 

El navegante invita a Carlos a su hangar en el puerto. Allí, Alfredo intenta seducir a Carlos y embarcarse en una relación sexual con él. Aunque Carlos siente el mismo deseo, la presión de la vergüenza, el que dirán, y la obsesión con demostrar su hombría provocan situaciones tensas. En un tira y afloja, Carlos cede e intenta escapar repetidas veces, cuando en realidad intenta escapar de sí mismo.

CURIOSIDADES

Enrique Pineda Barnet aseguró haber tenido muchas influencias a la hora de crear está película, aunque señaló que muchas de estas habían surgido subconscientemente. Sin llegar a tener diecisiete años, antes del año 1950, escribió un poema titulado “Elegía de la Vida”. En aquel entonces estudiaba en el Instituto de la Víbora y lo grabó junto a Carlos  Piñeiro, quien tocó “La Catedral Sumergida de Debussy” al piano. El director ha señalado dicho poema como un origen remoto de la película. El poema aborda el sentimiento de vergüenza y la imposibilidad de superarla. 

Otra inspiración surgió a raíz de la muerte de Miguel Navarro, Roberto Garriga y otros personajes de la cultura que fueron asesinados en escenas homofóbicas.

Al mismo tiempo, la idea de “Verde verde” surgió de un corto que Enrique Pineda Barnet creado en 1970 y titulado “First (Así Como Somos)”. La idea era analizar las contradicciones internas, y el destrozo que estás pueden provocar en una persona. El mismo tema se examinó en la película “Verde verde”, aunque de una forma más brutal y cruda. A través de la homosexualidad, realiza un análisis del hombre y sus sufrimientos individuales. El guion del corto fue concebido como si fuera un monologo teatral, incluyendo elementos de la plástica del cine. La película extendió este concepto con una conversación que disecciona el sentimiento de culpa, el remordimiento que surge de la presión social en el individual.

La película también hace usa del simbolismo, utilizando entre otras cosas la obra plástica de Rocío García. 

A través de sus pinturas, el director creó la atmósfera y la visualidad iconográfica de los personajes. García se negó a someter su arte a los requisitos de la película, entregando cuadros y bocetos que la narración le inspirara a ella. A partir de estos, fue el director quien desarrolló su guion.

CRÍTICA PERSONAL

No voy a negar que la película cuente con dos actores que realizan una excelente labor interpretativa. Héctor Noas resulta extremadamente seductor en su interpretación, aunque Carlos Miguel Caballero se lleva la palma logrando transmitir con gran detalle el sufrimiento interno producto de la incapacidad de superar sus sentimientos de vergüenza. La película posee un guion con diálogos que se tornan verdaderamente interesantes en ocasiones.

Lo primero que me vino a la cabeza al ver la película, fue que me parecía un plagio de “Querelle” (1982), sobre todo en lo relativo a la estética y ambientación. 

Al mismo tiempo, este tipo de guiones funcionan mucho mejor en teatro que en la gran pantalla. El problema de la película es que su trama se estira como un chicle, es un tira y afloja constante que al final termina por convertirse en aburrido. La trama se concentra en tres ubicaciones cerradas, en su mayoría en la residencia del personaje de Alfredo. Esto provoca que la ya tediosa historia se torne más difícil de soportar.

La idea de examinar la incapacidad de admitir la homosexualidad por presiones sociales o machistas no es mala, pero tampoco es suficiente para crear un largometraje con dos únicos personajes en una conversación perpetua. Los simbolismos me parecieron pretenciosos, y no me inspiraron el menor interés.

CALIFICACIÓN

3- Deficiente

UNA HISTORIA DIFERENTE

TÍTULO ORIGINAL
A Different Story
AÑO DE ESTRENO
1978
DIRECTOR
Paul Aaron
PRODUCTOR
Alan Belkin
GUION
Henry Olek
REPARTO
Perry King (Albert Walreavens), Meg Foster (Stella Cooke), Valerie Curtin (Phyllis), Peter Donat (Sills), Richard Bull (Señor Cooke), Barbara Collentine (Señora Cooke), Guerin Barry (Ned), Doug Higgins (Roger), Lisa James (Chris), Eugene Butler (Sam), Linda Carpenter (Chastity), Allan Hunt (Richard I), Burke Byrnes (Richard II), Eddy C Dyer (Berny), Richard Altman (Vecino de Phyllis), Richard Seff (Juez de Paz), George Skaff (Señor Hashmoni), Ted Richards III (Justin)
CINEMATOGRAFÍA
Philip H Lathrop
BANDA SONORA
David Michael Frank
VESTUARIO
Robert De Mora
PAÍS DE ORIGEN
Estados Unidos
DISTRIBUCIÓN
AVCO Embassy Pictures & American Cinema Releasing
DURACIÓN
108 minutos

STELLA: Que risa cuando le dijiste gracias. ¡Se lo creyó! ¿Sabes qué me dijo mientras estábamos cenando?
ALBERT: ¿Quién de los dos?
STELLA: Mi madre, mi madre. Estaba muy emocionada, y me dijo: "Stella, has conocido al hombre perfecto". Y yo le dije: "Mamá, no lo sabes bien".

STELLA: ¿Estas bien?
ALBERT: Sí.
STELLA: Pues adiós.
ALBERT: ¡No, espera! ¡Estoy herido! ¡Stella, Stella! ¡Me estoy muriendo!

SINOPSIS
Albert es el chófer y amante de un adinerado pianista llamado Sills. En cuento este se aburre de él, y encuentra un substituto, Albert se encuentra solo y en la calle. Stella es una agente inmobiliario que mantiene una inestable relación con su amante Phyllis, cuya inseguridad la sumerge en constantes depresiones. Además conoce a Albert, pues Sills ha sido uno de sus recurrentes clientes.
Simpatizando con su situación, Stella permite que Albert permanezca en su apartamento con ella, y cuando su estatus de inmigrante ilegal dificulta su estancia en los Estados Unidos, Stella toma la decisión de casarse con él. Eventualmente, ambos acabaran por enamorarse, y su matrimonio se tornara real para la desesperación de Phyllis. Lo problemas surgirán después de que ambos tengan un hijo, y la fidelidad de la pareja sea puesta a prueba.

CURIOSIDADES
Probablemente se trate de una de las películas de temática gay que más astillas ha levantado por su implícito mensaje de “el homosexual puede convertirse en heterosexual”. Los críticos se mostraron de acuerdo con el consenso general, de que el final de la película evitaba todos los acontecimientos de la primera mitad de esta, y aunque Perry King y Meg Foster mostraban una inusual química al interpretar a una pareja, se evitaba el tema principal, ambos eran homosexuales.
Los grupos reivindicativos de la comunidad homosexual se mostraron furiosos ante un proyecto que mostraba como la conversión de la orientación sexual no solo era posible, sino relativamente sencilla. “Gay Left”, una publicación acerca de los derechos de los homosexuales, alegó que la película era otro ejemplo de tristes estereotipos, y que la homosexualidad había sido explotada para mostrar un tono liberalista, que en realidad se tornaba conservador, pues la única manera en que los personajes podían adquirir la felicidad era a través de la conversión. Esto fue considerado como ofensivo.

CRÍTICA PERSONAL

Siendo objetivo debo decir que la pareja protagonista realiza una excelente labor interpretativa, y la química entre ambos es admirable. También me parece elogiable la interpretación de Valerie Curtis en el papel de la afligida Phyllis.
La primera mitad de la película es excelente, y muestra una situación que cualquiera puede entender. Dos miembros de una minoría acaban por apoyarse el uno en el otro para solucionar sus problemas. La amistad que surge entre ellos es creíble, e incluso me gustó que ambos tuvieran un hijo, pues si bien era producto de una noche de confusión, no tenía porque ser un obstáculo. La película tropieza cuando Albert tiene una aventura… pero es con otra mujer. Ahí es donde se pierde toda coherencia en el atrevido guión.
Si embargo, debo reconocer que la película resulta entretenida, y logra combinar el drama y la comedia de manera efectiva. También existen determinadas escenas atrevidas como la de Albert en la sauna ante un frustrado intento de ligar por parte de otro hombre, o la cena de los protagonistas con los padres de Stella. La película también mostraba una interesante variante de los roles de genero, si bien estos podían estar basados en estereotipos lo cual supondría un problema.
El problema no lo encuentro en que dos personajes homosexuales ignoren su orientación sexual para encontrar la felicidad entre ellos. El problema es que la trama evita la necesaria explicación de cómo esto ha llegado a ocurrir. Una borrachera, una aventura sexual, y el amor entre un hombre gay y una lésbiana, se torna posible. La situación bien se puede dar en la vida en la real, y yo no voy a negar dicha posibilidad. El problema es que en la película la situación no es creíble. No se nos da una explicación acerca de que elementos de la vida de ambos personajes provocan dichos cambios.
Si bien el vínculo de amistad que muestran los personajes es razonable, y de hecho creíble, no hay nada que nos ayude a entender que ha podido pasar para que se convierta en algo más. El guión da muchísimas cosas por sentado, y esto no es una táctica inteligente.
Por otro lado tenemos a los únicos personajes fieles a su homosexualidad. Uno es Sills, arrogante, pretencioso, caprichoso, manipulador y egoístas. La otra es la pobre Phyllis, insegura, frágil, desequilibrada y condenada a una vida de infelicidad. Ese es otro problema, y ofensa grave, la asunción de que la homosexualidad es una condena, a no ser que uno escoja “convertirse”. Si bien estoy dispuesto a aceptar que esa no era la intención del film, el mensaje sigue siendo el mismo, y es dañino.

CALIFICACIÓN
5- Aceptable