CHABUCA

TÍTULO ORIGINAL
Chabuca
AÑO DE ESTRENO
2024
DIRECCIÓN
Jorge Carmona del Solar
PRODUCCIÓN
Miguel Valladares Vives
GUION
Christopher Vásquez, Mariana Silva, Ítalo Cordano
REPARTO
Sergio Armasgo (Ernesto), Izan Alcázar (Ernesto niño), Miguel Dávalos (André), Haydeé Cáceres (Estela), Gina Yangali (Miluska), Brando Gallesi (Julio), Alejandro Villagómez (Josué), Renato Rueda (Gabriel Sarmioni), Gerson del Carpio (Coco), Liliana Alegría (Sor Rosa), Norka Ramírez (Nelly), Rodrigo Palacios (Gerente hijo), Gianfranco Brero (Gerente padre), Sebastián Barreto (Ramiro), Fernando Reynoso (Kevin), Ebelin Ortiz (Yolanda), Issa Ringgold (Vicky), Elsa Olivero (Tía Zoila), Erick Elera (Tío David), Ramón García (Monseñor), Ricardo Combi (Willy Ville), Emilio Montero Schwarz (Carlos Caicho), Coco Gutierrez (Vecino)
CINEMATOGRAFÍA
Renzo Rivas
MÚSICA
Karin Zielinski
VESTUARIO
Pepe Guevara
PAÍS DE ORIGEN
Perú
DISTRIBUCIÓN
Tondero Films, Netflix
DURACIÓN
113 minutos
 

YOLANDA: ¿Y tú crees que alguien le interese ver a una...?
ERNESTO: ¿Una chola graciosa y encantadora? Sí.
YOLANDA: ¿Ese es el nombre que vas a usar?
ERNESTO: Sí, ese es, Chabuca.
VICKY: ¿Por Chabuca Granda?
ERNESTO: Ya quisiera Vickicita. Esa es la más grande. Yo solamente soy una chola grandota y grandiosa. Una chabucona.
VICKY: Me gusta.
YOLANDA: Será pues.
 
ANDRÉ: ¿Te crees la gran cagada ahora, porque tienes tu casa y tu programa?
ERNESTO: Me creo la gran cagada porque tengo amigos que me quieren por lo que soy.
ANDRÉ: Eres un mal agradecido. Yo te di todo. Te di mi tiempo; te di mi amor; te du mi vida.
ERNESTO: ¡Un virus! Eso es lo único que me queda de ti.
 

SINOPSIS
Ernesto Pimentel es un niño que lleva una vida muy humilde, pero con el cariño de su madre Nelly. Sin embargo, con solo once años tiene que enfrentarse a la muerte de su madre. Ernesto se va a vivir con su abuela Estelas y su tío David. A pesar de esta situación, Ernesto continúa su educación con ayuda de Sor Rosa, para quien trabaja ayudando a clasificar donaciones, con la recepción de personal y otras tareas. Entrando en la preadolescencia, Ernesto descubre su homosexualidad y se enfrenta a su primera decepción, confundiendo sexo con amor. Sin embargo, los rumores sobre su homosexualidad le llevan a perderlo todo, y no tiene más remedio que ingresar a su abuela en un hospicio. Su abuela es casi invidente, por lo que debe seguir trabajando y acaba residiendo en el seminario en el que trabajaba.
Los religiosos esperaban que todo el tiempo viviendo en el seminario lo llevarían a descubrir su vocación, pero esto no es lo que ocurre. Ya mayor de edad, Ernesto abandona el seminario para intentar convertirse en actor. 

Consigue un trabajo como actor de obras infantiles, pero también comienza a trabajar como bailarín en un bar gay. También conoce a un aspirante a actor llamado André, con quien inicia una relación que parece ir viento en popa. Sin embargo, André se va tornando tóxico, y acaba por transmitirle el VIH. Sin embargo, Ernesto tiene una nueva oportunidad cuando le ofrecen más dinero por actuar como drag queen. Ernesto crea un personaje de lo más inusual, vestido con un traje típico de la sierra peruana y con tacones altos. Ernesto se transforma en la chola Chabuca. No solo consigue un gran éxito en el bar, sino que además acaba iniciando una carrera en la televisión peruana, participando en espacios humorísticos hasta conseguir su propio programa.
 
CURIOSIDADES

La película esta basada en la vida de Ernesto Pimentel, más conocido por su personaje de la chola Chabuca. Chola es un término peruano que se refiere a las mujeres que viven en la serranía de Perú. Todos sus vestidos se basan en vestuario tradicional andino, con faldas denominadas como polleras. Pueden pesar entre quince y veinticinco kilos. Pimentel modificó levemente su vestuario para otorgarle más glamour. El personaje de Chabuca acabó convirtiéndose en un ícono televisivo y humorístico, pero que a la vez representaba a la mujer andina.
El rodaje de la película duró un total de cuatro semanas, desde julio hasta agosto de 2023, y tuvo lugar en Arequipa y Lima. En la trama de la película se optó por cambiar el nombre del que fuera amante de Pimentel, Alex Brocca, por el de André. Sin embargo, la película se vio envuelto en cierto grado de controversia debido al libro de Brocca, "Canto de dolor: no repitan la canción". Muchos aseguraron que la película no era imparcial, y que demonizaba en exceso al actor. 

El productor Valladares declaró lamentar esto, pues la película abordaba temas más importantes para que fueran parte de un debate controvertido. Se refirió específicamente a temas como los abusos sexuales, o la visibilidad de los pacientes de VIH y el estigma de la enfermad.
Alex Brocca falleció a la edad de treinta y seis años, a raíz de una bronconeumonía. Pimentel ha formado parte de la campaña de lucha contra el VIH desde 1990. Tuvo un hijo llamado Gael en julio de 2019, gracias a reproducción asistida.
 
CRÍTICA PERSONAL
Siempre he mantenido que las películas históricas y autobiográficas son complicadas de llevar a cabo. A fin de cuentas la versión puede ser parcial, comprometida o deformada. De hecho, me interesó mucho estudiar esa controversia a raíz de fans de los dos protagonistas, que se enfrentaban por dicha veracidad. Más allá de esto, la película me pareció sobresaliente. 

Cinematografía, banda sonora, vestuario, todo esta meticulosamente cuidado, pero tengo que destacar a los actores, que estuvieron muy por encima de lo que se les exigía. Armasgo y Dávalos tienen una gran química, y su trayectoria del amor al odio es francamente desgarradora. La historia de Pimentel, la cual es que más se aborda, se muestra de una forma empática y conmovedora.
Quizás me hubiera faltado un análisis sobre su lado más oscuro, pues todos los tenemos. Y es que el personaje se presenta como excesivamente perfecto y víctima. Y sin embargo, su historia te atrapa y sirve de inspiración para luchar contra las adversidades, sin que nuestra bondad quede dañada. Y es que al final, me quedé con la idea de que la película abordaba la necesidad de soñar, y luchar por los sueños. No quiero acabar sin elogiar el vestuario, tan importante en este ocasión, y al joven Izan Alcázar. No es habitual encontrar niños actores que sepan convencer, y el muchacho me sorprendió muy gratamente.
 
CALIFICACIÓN
9- Muy bien

TARNATION

TÍTULO ORIGINAL
Tarnation
AÑO DE ESTRENO
2003
DIRECCIÓN
Jonathan Caouette
PRODUCCIÓN
Jonathan Caouette, Stephen Winter
GUION
Jonathan Caouette
REPARTO
Renee LeBlanc, Jonathan Caouette, Adolph Davis, Rosemary Davis, David Sanin Paz, Joshua Williams, Michael Cox, David LeBlanc, Stacey Mowery, Michael Mouton, Greg Ayres, Vanda Stovall, Dagon James, Vivian Kalinov, Steve Caouette, Lisa Berri, Kelli Brisbane, Mike Smith Rivera, Miek Coccia, Caity Creitz, Daniel Letterie, Sterling Price McKinney, Michael Sillery, Layard Thompson
CINEMATOGRAFÍA
Jonathan Caouette
BANDA SONORA
John Califra, Max Avery Lichtenstein
VESTUARIO
Inaplicable
PAÍS DE ORIGEN
Estados Unidos
DISTRIBUCIÓN
Wellspring Media Hope Runs High
DURACIÓN
91 minutos
 

RENEE LEBLANC: Sufrí muchos abusos cuando era una niña. Era un problema continuo. No podía predecir en ningún momento, cuando iba a recibir un golpe, una bofetada, o cuando la gente que me crío iba a arrastrarme por el pelo. La gente enferma termina criando a niños enfermos. Mis hijos son Jonathan y David, y son dos chicos especiales y maravillosos. Cuando era pequeña, la madre que me crío me perseguía por toda la casa con un cinturón en la mano. Yo me tumbaba boca abajo en la cama y ella me latigaba en la espalda. Rosemary fue la mujer que me crío y era esquizofrénica, neurótica y psicótica. Me propinaba puñetazos y abusos constantes. Solo espero no transmitir nada de esto a mis hijos y así romper el ciclo.
 
JONATHAN CAOUETTE: No sé si es porque ahora soy un adulto, pero la gente me suele preguntar por qué estoy tan preocupado, o por qué mi rostro refleja tanto estrés. También me preguntan por qué no soy capaz de completar un frase, o qué diablos me pasa. 

Habíamos visto "Cómo en los viejos tiempos" con Goldie Hawn y Chevy Chase cómo tres veces seguidas. Eran aquellos tiempos en los que podías ir al cine y ver una película una y otra vez. ¡Mierda, joder! No quiero acabar como mi madre, y tengo miedo porque cuando era pequeño y ella tenía mi edad, la que tengo ahora, treinta y uno años, ella parecía estar mucho mejor de lo que esta ahora. Quiero muchísimo a mi madre pero, aunque sea algo jodido, no puedo escapar de ella. Vive dentro de mí. Esta en mi pelo, detrás de mis ojos, bajo mi pie. Ya esta en el piso de arriba, no puedo hacer esto.
 
SINOPSIS
Jonathan Caouette lleva a cabo un documental autobiográfico mediante el uso de fotografías y grabaciones de video que incluyen entrevistas a familiares. El documental muestra escenas de su infancia, adolescencia y edad adulta. También analiza la vida de su madre Renee LeBlanc, quien durante su juventud recibió tratamiento de electroshock. 

Esto solo empeoró las cosas, y con el paso de los años su salud mental se fue deteriorando cada vez más. Debido a la enfermedad de su madre, y a la ausencia permanente de su padre, Caouette se instala con sus abuelos Adolph y Rosemary Davis cerca de Houston. A pesar la ideología de sus abuelos es radicalmente opuesta a la del joven, éstos acaban convirtiéndose en una familia para el joven, que crece desarrollando una gran creatividad como actor, escritor y director. Sin embargo, sacar temas acerca de las terapias de electroshock de su madre provoca más de una
Caouette asume su homosexualidad a una edad temprana y acaba mudándose a Nueva York a la edad de veinticinco años. Allí inicia una relación con David Sanín Paz, quien se convierte en el más grande de sus apoyos. De hecho, la pareja recibe la vista de la madre Caouette a menudo, formando lo que se podría denominar una familia disfuncional aunque efectiva y llena de amor. Sin embargo, los años pasan, Caouette cumple treinta y un años, y aunque quiere a su madre, su mayor temor es acabar como ella.

 
CURIOSIDADES
Jonathan Caouette trabajó en esta película documental autobiográfica durante veinte años. Analizó cientos de horas de rodaje Super 8, cintas VHS, fotografías e incluso mensajes de contestador automático, para recrear la historia de su vida y su relación con su madre enferma Renee. A la edad de doce años, Caouette fumó fenciclidina accidentalmente, lo que más tarde provocaría que un médico le diagnosticaría un trastorno de despersonalización. Crear esta película documental se convirtió en una terapia para intentar otorgar a su trastorno un forma coherente cinematográfica. Realizó la película con un presupuesto de doscientos dieciocho dólares y utilizó software iMovie gratis en un Mac.
Mientras daba forma a todo el material que había recopilado, Caouette decidió enviar una cinta de prueba a la audición de la película “Shortbus” (2006) de John Cameron Mitchell. La cinta contenía una grabación de Caouette a la edad de once años, imitando a una esposa que había sufrido maltratos. El director quedó tan impresionado con la cinta, que lo animó a seguir trabajando en su proyecto. 

Al mismo tiempo, Mitchell mostró el material a Stephen Winter, director artístico de MIX NYC, una organización sin animo de lucro dedicada a ayudar al cine independiente de temática gay. Winter también era el director del Festival de Cine Experimental Gay y Lesbico de Nueva York, y decidió ayudar a producir la película. Una copia de la cinta llegó a manos de su amigo Gus Van Sant, quien se sintió conmovido y decidió unirse a Mitchell como productor ejecutivo.
El crítico de cine Roger Ebert se convirtió en uno de sus grandes apoyos, y ayudó a conseguir que se recaudaran otros cuatrocientos mil dólares por parte de la distribuidora para mejorar sonido, mejoras de grabado, banda sonora, y otros aspectos. De hecho, también fue necesario realizar cortes porque la duración inicial era de dos horas y cuarenta minutos. De esta forma, la película pudo distribuirse en cines. La película ganó el premio al Mejor Documental de la Sociedad Nacional de Crítica Cinematográfica. También recibió nominaciones en el Festival de Cine de Londres y de Los Ángeles
 

CRÍTICA PERSONAL
Debo reconocer que no hay nada más conmovedor o que más pueda llegar al fondo del corazón que la más cruda realidad. Este documental es una patente evidente del sufrimiento de Jonathan Caouette y de su madre. Hay determinadas conversaciones, entrevistas y monólogos que resultan completamente devastadoras. Como espectador desarrollé la mayor empatía posible hacia la situación de la familia. Formidable como ninguno de los protagonistas reacciona con odio contra aquellos que les han hecho daño.
Por otro lado debo reconocer que me sentí bastante incomodo con determinadas grabaciones, que me parecen francamente personales para ser mostradas en un documental. De hecho me pregunto si muchas habrán o habrían tenido autorización. Por eso me sentí divido entre la admiración y la incomodo. Algunas de escenas del principio no me parecieron relevantes, ejerciendo más bien como relleno.
 
CALIFICACIÓN
6- Bien

THE EINSTEIN OF SEX

TÍTULO ORIGINAL
Der Einstein des Sex
AÑO DE ESTRENO
1999
DIRECCIÓN
Rosa von Praunheim
PRODUCCIÓN
Rosa von Praunheim
GUION
Chris Kraus, Valentin Passoni
REPARTO
Kai Schuhmann (Magnus Hirschfeld), Friedel von Wangenheim (Magnus Hirschfeld), Ben Decker (Adolf Brand), Wolfgang Völz (Jefe de Policía), Otto Sander (Profesor Steinach), Meret Becker (Arbeiterin), Monika Hansen (Condesa), Gerd Lukas Storzer (Barón Hermann von Teschenberg), Olaf Drauschke (Karl Giese), Tima die Göttliche (Dorchen), Gerry Wolf (Tío von Hirschfeld), Tante Gesche (Christa Pasemann)
CINEMATOGRAFÍA
Elfi Mikesch
BANDA SONORA
Karl-Ernst Sasse
VESTUARIO
Doris Wolf
PAÍS DE ORIGEN
Alemania
DISTRIBUCIÓN
Ventura Film
DURACIÓN
102 minutos
 

MAGNUS HIRSCHFELD: Tienes que acudir a la policía.
BARÓN VON TESCHENBERG: Después de lo ocurrido en Austria, nadie creería que ni siquiera lo he tocado.
MAGNUS HIRSCHFELD: Por Dios Hermann, ¿cómo has podido? De entre todos los chicos, a un chantajista. ¿Sabes lo que esto podría suponer para mí?
BARÓN VON TESCHENBERG: Sí claro, tú, tú, tú, siempre se trata de ti. Lo único que te importa es tu trabajo, tu ciencia, tu misión. Trabajas como un demonio desde que amanece hasta que anochece, incluso por las noches por tus antigüedades. ¿Pero qué pasa conmigo? ¿Qué me queda a mí? Durante todos los años que he pasado aquí, ¿acaso he encontrado el amor, el dinero, o el reconocimiento? Tú quedas con todo el reconocimiento, tú, el médico famoso. Un poco de experiencia por ahí, un paciente rico por el otro lado, pero yo soy solo tu lacayo. Solo soy bueno para darte un toque distinguido.
MAGNUS HIRSCHFELD: Hermann.

BARÓN VON TESCHENBERG: Ya no soy Hermann, ahora soy la Emperatriz Elizabeth; y una Emperatriz sabe cuándo tiene que marcharse.
MAGNUS HIRSCHFELD: Podrías acudir al comisario de policía.
BARÓN VON TESCHENBERG: ¿Y por qué iba a ayudarme?
MAGNUS HIRSCHFELD: Has bailado con él.
BARÓN VON TESCHENBERG: Te deseo suerte desde el fondo de mi corazón.
 
SINOPSIS
Tras la muerte de su padres, Magnus Hirschfeld pasó a ser criado por su tío, en compañía de su hermano adoptivo hermano. Magnus desarrolla un gran interés por la medicina, algo que comparte con Richard. Sin embargo, Richard ha decidido adoptar doctrinas convencionales, y Magnus se niega a condenar a la homosexualidad como una enfermedad patológica o algo innatural. Al mismo tiempo, el joven se ha percatado de su intensa atracción hacia otros hombres, y poco después recibe la visita de un joven oficial pidiéndole ayuda tras haberse enamorado de otro hombre. 

Magnus se niega a atenderlo al ser muy tarde, y el joven oficial se suicida esa misma noche. El evento afecta a Magnus profundamente, por lo que decide concentrarse en la sexología.
Durante esa temporada, Magnus siente una fuerte atracción correspondida hacia el Barón Hermann von Teschenberg. Aunque siempre anima a sus pacientes a aceptar su homosexualidad o transexualidad, Magnus se ve incapaz de aceptar la suya y rechaza a Hermann por miedo a dañar su reputación. Mientras lucha para abolir la Proposición 175, creada para penalizar la homosexualidad, conoce a Dorchen Richter, que acaba de perder su trabajo por ser transexual. Magnus la contrata como enfermera y termina por fundar su propio Instituto de Sexología tras la Primera Guerra Mundial. A pesar de sus logros y avances, se ve obligado a enfrentarse a desprestigios y ataques físicos. Cada vez más convencido sobre la necesidad de aceptar la diversidad sexual, Magnus inicia una relación con un estudiante llamado Karl Giese. Durante un viaje a Estados Unidos, en compañía de su nueva pareja Li Tong, Magnus se enfrenta al hecho de que los nazis controlan Alemania y su origen judío le impide regresar.

CURIOSIDADES
La película fue producida y dirigida por Rosa von Praunheim, quien tomó un interés especial por mostrar la vida de Magnus Hirschfeld, un sexólogo que había alcanzado grandes logros para ayudar a homosexuales y transexuales al principio del Siglo XX. Se estableció en Berlín, donde se convirtió en sexólogo y defensor de las minorías sexuales. Fundó el Comité Científico Humanitario y la Liga Mundial Para la Reforma Sexual. Sus idas radicales cambiaron durante un tiempo las ideas y formas de pensar de la sociedad alemana acerca de la sexualidad. Luchó contra la Proposición 175, creada para perseguir a los homosexuales, y fundó el Instituto de Sexualidad. Sin embargo, todo su trabajo se fue al traste ante el auge de los nazis, que saquearon el mencionado instituto y quemaron todo su trabajo de investigación. Hirschfeld no se encontraba en Alemania durante esos sucesos, y se vio obligado a permanecer en el exilio. Su ama de llaves y enfermera Dorchen Richter, estaba presente durante ese ataque nazi. 

Había sido una de sus primeras pacientes transexuales. Se desconoce que fue de ella tras el ataque, aunque se cree que falleció durante el mismo.
Aunque la película esta basada en la vida de Hirschfeld, contiene varios eventos ficticios que carecen de veracidad histórica, para intensificar las emociones de los personajes. La película incluye a tres de los amigos más cercanos a Hirschfeld. Estos son el Barón von Teschenberg, Karl Giese y Dora Richter. Hirschfeld murió de un ataque al corazón en mayo de 1935, a la edad de sesenta y siete años.
 
CRÍTICA PERSONAL
La primera parte de la película es francamente prometedora. El joven Hirschfeld es interpretado a la perfección, con sus inseguridades y sus convicciones. 

Esa dualidad en un atractivo joven resulta fascinante. Esa primera parte refleja a la perfección ese conflicto personal en el que el personaje exige de sus pacientes lo que es incapaz de lograr por si mismo. 
La segunda parte que nos muestra al ya adulto Hirschfeld es un verdadero desastre. Creo que se intenta conseguir un grado de dramatismo que no se alcanza nunca. Pero lo que es peor, es que la película se torna ridícula. Se decide adoptar un tono gráfico completamente innecesario, que se torna ridículo. La escena de las juventudes nazis asaltando el Instituto de Sexualidad deberían ser dramáticas, pero me parecieron risibles, solo dignas de una comedia barata. Esto supone un fracaso a la hora de transmitir una tragedia histórica.
 
CALIFICACIÓN
4- Insuficiente

CIUDADANO COHN

TÍTULO ORIGINAL
Citizen Cohn
AÑO DE ESTRENO
1992
DIRECCIÓN
Frank Pierson
PRODUCCIÓN
Doro Bachrach, Cynthia Fitzpatrick
GUION
David Franzoni
REPARTO
James Woods (Roy Cohn), Joe Don Baker (Joseph McCarthy), Joseph Bologna (Walter Winchell), Ed Flanders (Joseph Welch), Frederic Forrest (Dashiell Hammett), Lee Grant (Dora Cohn), Pat Hingle (J Edgar Hoover), John McMartin (Médico mayor), Josef Sommer (Al Cohn), Daniel Benzali (Cardenal Spellman), Tovah Feldshuh (Iva Schlesinger), John Finn (Senador Charles Potter), Frances Foster (Annie Lee Moss), Allen Garfield (Abe Feller), David Marshall Grant (Robert F Kennedy), Joe Grifasi (Gerald Walpin), Daniel Hugh Kelly (Congresista Neil Gallagher), Karen Ludwig (Ethel Rosenberg), Peter Maloney (Ray Kaplan), Novella Nelson (Annie Lee Moss), Jeffrey Nordling (G David Schine)
CINEMATOGRAFÍA
Paul Elliott
BANDA SONORA
Thomas Newman
VESTUARIO
Jill M Ohanneson
PAÍS DE ORIGEN
Estados Unidos
DISTRIBUCIÓN
HBO
DURACIÓN
111 minutos
 

JOSEPH WELCH: Bien, ¿cómo lo ha hecho Señor Cohn?
ROY COHN: El juicio se acabó. Pudo con McCarthy, pero conmigo no.
JOSEPH WELCH: ¿Cree que estaba en el juicio? ¿Y por qué se le juzgaba? Permítale decirle Señor que, ni le guardo rencor, ni tampoco le deseo mal alguno en sus preferencias sexuales o las de sus amigos; ni al Señor, ni a su excelencia el Cardenal. Pero avergüéncese, Señor Cohn, por perseguir en público a aquellos que en privado no son diferentes que usted.
ROY COHN: No soy maricón.
MÉDICO: Claro, se está muriendo de paperas.
ROY COHN: Me importa una mierda lo que piense.
 
AL COHN: Yo no te hice como eres. Lo hiciste tú, un monstruo. ¿Por qué?

ROY COHN: ¿Por qué? ¿Una confesión? ¿Por qué he vivido como un judío que perseguía judíos? ¿El homosexual que crucificaba homosexuales? Ejercía en los grandes tribunales y engañaba y robaba a todos.
 
SINOPSIS
Ya siendo un niño, John Cohn estaba constantemente protegido por su madre Dora, que no permitía que su marido, un importante juez, educara a su hijo. En el año 1986, John Cohn se encuentra hospitalizado durante la fase terminal de su SIDA, acompañado por su amante y despreciado por su médico. Es entonces cuando Cohn comienza a recordar su carrera, y la importancia que llegó a tener. En su cama, es visitado por visiones de sus enemigos y víctimas, entre los que se encuentran Robert F Kennedy y Ethel Rosenberg. Esta última fue una espía comunista a la que envió a la silla eléctrica junto a su marido. Lo que había comenzado siendo un trabajo para desenmascarar a espías se había convertido en una caza de brujas en una época en la que era mano derecha del Senador McCarthy.

Cohn nunca ha reconocido ser homosexual públicamente, y se ha encargado de perseguir al colectivo acusándolos de ser chantajeados por comunistas. Sin embargo, toda esa época de poder no pudo durar, y tras la caída de McCarthy, Cohn acabó enfrentándose al declive de su propia carrera.
 
CURIOSIDADES
Se trata de una película biográfica producida para la televisión que cubre parte de la controvertida vida del abogado principal y brazo derecho del Senador Joseph McCarthy. Durante numerosas audiencias, Cohn se encargó de ayudar al Senador a investigar a numerosos sospechosos de pertenecer al partido comunista y colaborar como espías para los rusos. Se hizo con gran fama tras ejercer como fiscal del Departamento de Justicia de los Estados Unidos durante el juicio de Julius y Ethel Rosenberg, acusados de espionaje. Su interrogatorio al hermano de Rosenberg lo ayudó a conseguir que la pareja fuera condenada a la silla eléctrica. 

Tras esto continuó ayudando a McCarthy a llevar a traidores comunistas ante la justicia, hasta que la situación se convirtió en una absoluta caza de brujas. Su reputación fue disminuyendo y acabó por hundirse tras la caída de McCarthy.
Cohn era homosexual, aunque nunca salió del armario. De hecho, contribuyó a la persecución de homosexuales apoyando la teoría de que su debilidad los convertía en espías en potencia, chantajeados por los comunistas. Falleció víctima del SIDA en agosto de 1986, a la edad de cincuenta y nueve años. Nunca quiso admitir que estaba enfermo de SIDA, asegurando que tenía cáncer de hígado. La película cubre los últimos días de su enfermedad, enfrentándose a sus víctimas y recordando como su carrera se convirtió en un éxito, para empezar a colapsarse de forma inevitable. James Wood se encargó de interpretar al personaje, consiguiendo ser nominado a los Emmy y los Globos de Oro por su trabajo. La película fue rodada completamente en Pittsburgh, Pensilvania. 

Lee Grant se encargó de interpretar a su madre Dora Cohn, siendo curiosamente una de las actrices que cayó en la lista negra de Hollywood, justo cuando su carrera alcanzaba el mayor éxito, y tras obtener una nominación a Mejor Actriz. El motivo fue su negativa a testificar contra su marido, el guionista Arnold Manoff. Esto provocó que en los siguientes doce años.
 
CRÍTICA PERSONAL
El aspecto más original es aprender sobre un personaje homosexual que representaba la moral más negativa, llegando a convertirse en enemigo de su propio colectivo. James Wood realiza una labor interpretativa excepcional, destacando considerablemente por encima del resto del reparto. La temática de la caza de brujas sea en el ámbito que sea, siempre crea una trama tensa que consigue atrapar la atención del espectador. 

Me pareció especialmente fascinante su relación con su madre, en especial en contraste con su padre, incapaz de enfrentarse a ambos. Igualmente fascinante resulta ver como la arrogancia del personaje aumenta a medida que va perdiendo poder y popularidad.
Creo que a la película le falta objetividad. Con esto no quiero decir que el personaje de Cohn fuera despreciable, pero me hubiera gustado observar algún atisbo de humanidad en las escenas en las que sufre el SIDA terminal. 
 
CALIFICACIÓN
7- Bastante bien

LA PASIÓN DE VIVIR

TÍTULO ORIGINAL
The Music Lovers
AÑO DE ESTRENO
1971
DIRECCIÓN
Ken Russell
PRODUCCIÓN
Ken Russell
GUION
Melvyn Bragg
REPARTO
Richard Chamberlain (Tchaikovsky), Glenda Jackson (Nina), Max Adrian (Nikolai Rubinstein), Christopher Gable (Conde Anton Chiluvsky), Kenneth Colley (Modeste Tchaikovsky), IzabellaTelezynska (Madame Nadezhda von Meck), Maureen Pryor (Madre de Nina), Sabina Maydelle (Sasha Tchaikovsky), Andrew Faulds (Davidov), Bruce Robinson (Alexei Sofronov), Ben Aris (Joven Teniente), Xavier Russell (Koyola), Dennis Myers (Gemelo Von Meck), John Myers (Gemelo Von Meck), Joanne Brown (Olga Bredska), Alexei Jawdokimov (Dmitri Shubelov), Alexander Russell (Niño Von Meck), Clive Cazes (Médico), Georgina Parkinson (Odile), Alan Dubreuil (Príncipe en Lago de los Cisnes)
CINEMATOGRAFÍA
Douglas Slocombe
BANDA SONORA
André Previn
VESTUARIO
Shirley Russell
PAÍS DE ORIGEN
Reino Unido
DISTRIBUCIÓN
United Artists
DURACIÓN
124 minutos
 

TCHAIKOVSKY: Debo pedirte que me perdones Nina. Nunca debí convertirme en tu marido. No puedo esperar que ni me trates como a un hermano. Tú querías un marido; yo quería matrimonio, no una esposa. Creerás que estoy loco, pero eso es lo que quería, matrimonio sin esposa. Loco, loco y ridículo.
NINA: No estás loco Pyotr. Lo entiendo. Nunca pensé que pudieras amarme inmediatamente y quizá nunca lo hagas, pero puedo esperar.
TCHAIKOVSKY: No puedo cambiar. Creo que sabes por qué.
NINA: No puedes condenar toda tu vida a causa del pasado. Las personas no se rigen por lo que les sucedió en el pasado.
TCHAIKOVSKY: ¡Yo sí!
NINA: No dejaré que seas, no, todas aquellas cosas que me dijiste… que querías llevar una vida normal, una vida buena para ser como los demás… lo sentías no has cambiado.

TCHAIKOVSKY: Lo que te dije fue un sueño. ¡Nada más! Todos lo dijeron desde el principio, Modeste, Sasha, todos.
NINA: Todos quieren estropear aquellas palaras. Rubinstein estuvo aquí esta mañana, intentando sobornarme. Dijo que ya no componías y que yo era la culpable.
TCHAIKOVSKY: Tienen razón, no he compuesto nada desde nuestro matrimonio. Todo lo que hago es corregir trabajos que ya tenía hechos, hago copias a mis propios cadáveres. ¡No queda nada vivo en mí!
 
SINOPSIS
El compositor y profesor de piano Pyotr Ilych Tchaikovsky mantiene una relación homosexual con el apuesto Conde Anton Chiluvsky, pero cada vez siente más presión por parte de sus amigos y familia para que abandone su irresponsable estilo de vida. 

Su tutor Nikolai Rubinstein aprecia su talento, pero observa que sus composiciones contienen aspectos modernistas que son inaceptables. Sin embargo, Tchaikovsky tiene un golpe de suerte cuando Nadezhda Von Meck, viuda de un magnate, decide patrocinar su trabajo al considerarlo un compositor de enorme talento. Tchaikovsky también decide cambiar su vida y casarse con Antonina Miliukova, una joven apodada Nina que le ha estado escribiendo cartas de amor.
Tchaikovsky reniega de su Anton y de su homosexualidad, casándose con Nina, pero el matrimonio se convierte en un completo desastre. Nina muestra una conducta desequilibrada que empeora con sus celos e incapacidad de obtener una relación sexual satisfactoria con su nuevo marido. La situación también afecta al compositor, que sufre un bloqueo artístico y se ve incapaz de componer nada. A pesar de optar por distanciarse de Nina, Tchaikovsky vuelve a rechazar a Anton. Su hermano Modeste intenta reconducir su vida, cuando la oportunidad del éxito vuelve a llamar a su puerta.

 
CURIOSIDADES
Después de ver algunos de los trabajos televisivos de Russell para la televisión, Harry Saltzman expresó su deseo de trabajar con él. Russell ya había llevado a cabo varias películas televisivas sobre sobre compositores como Debussy o Richard Strauss, por lo que sugirió crear una película biográfica sobre Tchaikovsky, pues era un compositor por el que sentía especial admiración. Saltzman deseaba realizar algo más comercial, lo que llevó a la creación de “Un Cerebro de un Millón de Dólares” (1967). Tras esto, Russell intentó convencerlo para que financiara la película de Tchaikovsky, pero Saltzman se negó porque Igor Talankin ya estaba realizando una película sobre el compositor. Después del éxito de su película “Mujeres Enamoradas” (196), United Artists accedió a financiar el proyecto. Russell declaró más adelante que si no hubiera declarado que la película trataba sobre un homosexual que se enamoraba de una ninfómana, el proyecto nunca habría sido financiado.

El guion se basó parcialmente en una recopilación de cartas de Tchaikovsky publicadas en 1937 bajo el título “Beloved Friend”. Se trata de la correspondencia mantenida entre el compositor y su mecenas Nadezhda Von Meck. El título fue inicialmente “Tchaikovsky” pero hubo que cambiarlo al ser el mismo de la versión de Talankin, que ya se había estrenado, y pasó a ser “The Lonely Heart”. Sin embargo la opción final fue la de “The Music Lovers”, haciendo referencia a todos los personajes que aman al compositor a través de su música. Para Russell, era importante que la película mostrara el hecho de que Tchaikovsky era incapaz de amar a nadie, a pesar de poder componer música hermosa. La película abordaba como los artistas debían trascenderá a sus problemas personales, utilizándolos para crear.
 
CRÍTICA PERSONAL

Sin duda alguna tengo que destacar el trabajo que realiza Glenda Jackson, cuyo personaje maneja a la perfección mostrándonos una evolución asombrosa. Richard Chamberlain también resulta excepcional, aunque no llega al nivel de la actriz. La película se concentra más en los traumas del compositor, y las consecuencias de rechazar su propia homosexualidad. Es cruda al mostrar las debilidades de los personajes, pero ese realismo resulta fascinante y realista.

Quizás una biografía no sea el mejor material para Russell, más propenso a dar rienda suelta a su imaginación. Aunque respeta elementos clave de los aspectos de la vida de los personajes, hay escenas que se puede ver surgen de su deseo de escandalizar a los entonces menos receptivos espectadores. Da la sensación  de exagerar a menudo.
 
CALIFICACIÓN
7- Bastante bien

ROCK HUDSON

TÍTULO ORIGINAL 
Rock Hudson
AÑO DE ESTRENO
1990
DIRECCIÓN
John Nicolella
PRODUCCIÓN
Diana Kerew, Renee Palyo
GUION
Dennis Turner
Basado en la autobiografía de Phyllis Gates
REPARTO
Thomas Ian Griffith (Rock Hudson), Daphne Ashbrook (Phyllis Gates), William R Moses (Marc Christian), Andrew Robinson (Henry Willson), Thom Mathews (Tim Murphy), Michael Ensign (Mark Miller), Diane Ladd (Kay), Joycelyn O’Brien (Sally), Don Galloway (John Frankenheimer), Mathieu Carriére (Médico francés), Larry Dobkin (Raoul Walsh), John Shepard (Capitán Fighter Squadron), Jean Kasem (Madge), George Christy (Periodista), Francis Guinan (Carl), Rhoda Gemignani (Productora de televisión), Julie Tesh (May)
CINEMATOGRAFÍA
Newton Thomas Sigel
BANDA SONORA
Paul Chihara
VESTUARIO
Jodie Lynn Tillen
PAÍS DE ORIGEN
Estados Unidos
DISTRIBUCIÓN
ABC Entertainment Group
DURACIÓN
100 minutos
 

MÉDICO: Solo ha cumplido seis semanas del tratamiento. Debería estar al menos seis meses.
ROCK HUDSON: Tengo asuntos que atender, amigos que no saben lo que ocurre.
MÉDICO: Dígaselo.
ROCK HUDSON: Eso no es posible. Escuche, le aseguro que volveré. Me han ofrecido una serie de televisión.
MÉRICO: ¿Televisión? Está jugándose la vida.
ROCK HUDSON: Mi carrera es mi vida.
 
SINOPSIS
Roy Fitzgerald es un conductor de camiones que decide presentarse en la oficina del mánager Henry Willson con el deseo de convertirse en una estrella de cine. Willson escoge su nombre artístico, Rock Hudson, y le consigue una frase en la película “Escuadrón de Combate” (1948). Aunque su madre Lay no se siente entusiasmada con su nueva carrera, Hudson decide seguir adelante con sus sueños. 

En un plató conoce a Tim Murphy, con quien comienza una relación que los lleva a vivir juntos. Esto preocupa seriamente a Willis, que le advierte de la posibilidad de que termine por arruinar su carrera. El actor cede e inicia una relación con la secretaria de Willis, Phyllis Gates.
Con el tiempo ambos se casan, pero Hudson continúa visitando bares gais hasta que tres años después la pareja termina por divorciarse. Harto de no poder vivir su propia vida, Hudson decide despedir a Willson y tomar las riendas de su vida. Su carrera comienza a decaer, aunque Hudson encuentra consuelo en un joven llamado Marc Christian, con quien inicia una relación. Sin embargo, cuando Hudson descubre que sufre de SIDA, decide ocultárselo e intenta iniciar un tratamiento en París. Sin embargo una nueva oferta para participar en la serie “Dinastía” le lleva a interrumpir dicho tratamiento. Finalmente su secreto sale a luz en julio de 1985, y el actor fallece en octubre del mismo año.
 

CURIOSIDADES
Se trata de una producción televisiva basada en la autobiografía escrita por la exmujer de Rock Hudson, Phyllis Gates, publicada en 1987 y titulada “Mi Marido Rock Hudson”. El libro aborda la historia de su matrimonio con Hudson, el cual duró desde 1955 hasta 1958, aunque no fue escrito hasta después de la muerte del actor en 1985. En el libro Gates narra que estuvo muy enamorada de Hudson, que ignoraba que fuera gay en el momento en el que contrajo matrimonio con él, y que no fue cómplice de ocultar esa realidad. La película también se basa en artículos de revistas, entrevistas y expedientes judiciales. Estos últimos incluyen transcripciones del Tribunal Superior de Justicia de Los Ángeles, las cuales cubren el juicio ganado por Marc Christian, último amante de Hudson. En dicho juicio, Christian recibió un casi veintidós millones de dólares de compensación por parte del patrimonio del actor, por haberle ocultado su enfermedad durante su relación. En abril de 1989, dicha cantidad fue reducida a cinco millones y medio.

Ese mismo año los canales ABC y NBC comenzaron a plantearse realizar una biografía sobre la vida del actor. NBC comenzó planes para producir una miniserie de cuatro horas de duración, pero antes de que lograran crear un guion, la ABC ya había completado su proyecto, una película de hora y media de duración. Para interpretar al actor se escogió a Thomas Ian Griffith, que acababa de finalizar el rodaje de su primera película “Karate Kid III: El Desafío Final” (1989), en la que interpretaba al personaje de Terry Silver. El actor fue escogido principalmente por su estatura, midiendo metro noventa y seis, mientras que Rock Hudson medía metro noventa y tres, ambos aproximadamente. Para las escenas en las que Hudson estaba deteriorado por el avance de la enfermedad, el actor tuvo que someterse a procesos de maquillaje de entre tres y cuatro horas de duración.  Aunque el trabajo de Griffith fue elogiado, las críticas fueron malas atacando especialmente al guion. Muchos anunciantes abandonaron el proyecto al mostrar preocupación por el modo en que se abordaba la homosexualidad de Hudson.

CRÍTICA PERSONAL

La película aborda algunos hechos reales de la vida del actor de forma efectiva. Sobre todo me impresionó la forma de abordar el Hollywood hipócrita de una era en la que un actor homosexual se veía obligado a vivir una mentira, para detrimento de todos. También me impresionó la forma efectiva de mostrar el pánico irracional ante una entonces nueva pandemia, y el analizar terribles errores o decisiones que se pueden tomar a raíz del miedo personal. Independientemente de la libertad del guion, reconozco que me fascinó ver una historia en la que el miedo provoca que alguien oculte su enfermedad, por miedo a perder el poco cariño que recibe. Esto no justifica la mentira de ninguna forma, pero nos lleva a entender como el miedo nos puede dominar y empujar a tomar decisiones erróneas. 

Principalmente, las películas acerca de la vida de una persona tienden a correr el riesgo de asumir verdades o adoptar posturas poco objetivas. Al investigar sobre esta película me percaté de una polémica lo suficientemente importante, algo que no siempre ocurre. De esta forma, hay aspectos que no se pueden confirmar y que debían haberse omitido, a favor de los hechos. Aunque Thomas Ian Griffith fue elogiado en su papel, personalmente no me convenció. Su declive no logra despertar empatía, cuando es evidente que esa es la intención.
 
CALIFICACIÓN
6- Bien

LA HISTORIA DE CHRISTINE JORGENSEN

TÍTULO ORIGINAL 
The Christine Jorgensen Story
AÑO DE ESTRENO
1970
DIRECCIÓN
Irving Rapper  
PRODUCCIÓN
Edward Small
GUION
Robert E Kent, Ellis St Joseph
Basado en la autobiografía de Christine Jorgensen
REPARTO
John Hansen (George Jorgensen Jr / Christine Jorgensen), Joan Tompkins (Tía Thora), Quinn K Redeker (Tom Crawford), John Himes (George Jorgensen Sr), Ellen Clark (Florence Jorgensen), Rod McCary (Jess Warner), Will Kuluva (Profesor Estabrook), Oscar Beregi (Doctor Victor Dahlman), Lynn Harper (Dolly), Trent Lehman (George con 7 años), Pamelyn Ferdin (Doly de niña), Bill Erwin (Sacerdote), Joyce Meadows (Tani), Sondra Scott (Angela), Elaine Joyce (Loretta), Don Pierce (Jack)
CINEMATOGRAFÍA
Jacques R Marquette
BANDA SONORA
Paul Sawtell, Bert Shefter
VESTUARIO
Moss Mabry
PAÍS DE ORIGEN
Estados Unidos
DISTRIBUCIÓN
United Artists
DURACIÓN
98 minutos
 

GEORGE JORGENSEN: ¿Profesor, qué significa eso?
PROFESOR ESTABROOK: Desequilibrio químico. Tus glándulas segregan muchas más hormonas femeninas que masculinas. Un nivel tres veces más alto de lo esperado en un hombre normal.
GEORGE JORGENSEN: Entonces tenía razón, no está solo en mi mente.
PROFESOR ESTABROOK: Está en tus glándulas, en tu sangre, y probablemente en cada célula de tu cuerpo. Tú eres… eres una mujer atrapada en el cuerpo de un hombre.
GEORGE JORGENSEN: ¿Hay algo que se pueda hacer por mí?
PROFESOR ESTABROOK: En nuestro país… no.
 
DOCTOR DAHLMAN: Ustedes los americanos han avanzado con tantas cosas, pero cuando se trata de sexo siguen siendo infantiles. Operan el cerebro, realizan lobotomías, pero cuando se trata de un par de testículos, todos se ruborizan.

SEÑOR JORGENSEN: ¿Puedes cambiar a mi hijo para que vuelva a ser lo que fue?
SACERDOTE: ¿Para que vuelva a ser el hombre que quieres que sea en lugar de la mujer que tuvo que ser?
 
SINOPSIS
Desde que era un niño, George Jorgensen se ha sentido diferente a los demás. Nunca se ha divertido con los juguetes etiquetados como para niños, y ha preferido jugar con las muñecas de su hermana. Su madre comienza a preocuparse ante este comportamiento, pero su padre no le presta atención al estar seguro de que es una fase que terminará por pasar. George intenta hacer lo que se supone que debe para contentar a su padre, al que quiere de verdad. Llega a ser reclutado durante la Segunda Guerra Mundial, y tras ser dado de baja completa su educación y se convierte en fotógrafo. Cuando su jefe Jess Warner intenta violarle, George decide enfrentarse a su problema.

Tras hablar con el Profesor Estabrook y someterse a unas pruebas, George confirma sus peores temores, es una mujer atrapada en el cuerpo de un hombre. Al no existir solución alguna en su país, George parte a Dinamarca, donde el Doctor Dahlman esta dispuesto a someterle a una operación de cambio de sexo. En Dinamarca se instala en casa de su tía Thora, a la que decide contarle el verdadero propósito de su viaje. Thora se muestra comprensiva y decide apoyarle. El Doctor Dahlman lleva a cabo su primera operación de cambio de sexo con éxito, y George se convierte en Christina. Elige ese nombre por ser el de la fallecida hija de su tía Thora. Sin embargo, la historia de Christine Jorgensen no ha hecho más que empezar.
 
CURIOSIDADES
Se trata de una película biográfica sobre la transexual Christine Jorgensen. 

La premisa general de la película es bastante fiel a ciertos periodos de la vida de Christina, pero muchos detalles se convirtieron en ficticios por el bien de la continuidad de la película. Se inspiró en la publicada autobiografía de Christine Jorgensen, publicada en el año 1967, y fue dirigida por Irving Rapper. Una de las frases promocionales más importantes de la película fue “El Primer Hombre en Convertirse en una Mujer”. De hecho fue una afirmación errónea ya que otros habían pasado por el mismo procedimiento en el pasado, y curiosamente esto es algo que se menciona durante la trama de la película. Sin embargo es cierto que fue la primera operación de cambio de sexo publicitada con todo detalle.
Edward Small produjo la película, para lo cual compró los derechos del libro en 1968. Escogió a Rapper para dirigir la película, alegando que su sensibilidad le convertía en el candidato ideal. Esto provocó algunos conflictos, pues tiempo después Jorgensen aseguró que el contrato le cedía el diez por ciento del total de los beneficios y el tres y medio del presupuesto. 

Años después, también intentó conseguir una orden para que los herederos de Edward Small no pudieran explotar la película. Aseguró que el productor había desviado cien mil dólares que la pertenecían, para uso privado. También se mostró preocupada ante la posibilidad de que United Artists explotara la película como una de serie B.
Christine Jorgensen falleció en el año 1989, a cuatro semanas de cumplir sesenta y tres años, víctima de cáncer de vejiga y pulmón.
 
CRÍTICA PERSONAL
Este es uno de esos casos en los que hay que tener en cuenta el contexto histórico de la película. Lo principal y más importante es que la intención de Irving Rapper y los guionistas fue noble en todo momento. La historia muestra de una forma sensible la angustia de sentirse atrapado en el género erróneo, y como puede afectar a nuestra infancia y vida personal o profesional. 

No cabe duda de que se trata de una película muy osada para el año 1970, sobre todo porque no evita el momento más crucial en la vida de Jorgensen. John Hansen parece un buen candidato para transmitir esa sencillez, angustia y dulzura, mostrando respeto en todo momento. La película tampoco duda en atacar la hipocresía americana al respecto, y aborda la importancia de la familia en proceso de cambio sexo.
Principalmente, la película se queda corta porque vemos más la vida de Christine estando atrapada en George, que la suya propia. Aunque se abordan algunos miedos y dudas de Christine, se opta por un final feliz que debería marcar el comienzo de su nueva vida, y no su final. Parece más el primer capítulo de una serie. Hay frases que deberían ser cuidadas a la hora de abordar temas sexuales. Señalaré una en la que George asegura no “ser uno de esos”, refiriéndose a los homosexuales.
 
CALIFICACIÓN
7- Bastante bien