EL LUGAR SIN LÍMITES

TÍTULO ORIGINAL 
El Lugar Sin Límites
AÑO DE ESTRENO
1977
DIRECCIÓN
Arturo Ripstein
PRODUCCIÓN
Francisco del Villar
GUION
José Donoso
REPARTO
Roberto Cobo (Manuela), Lucha Villa (La Japonesa), Ana Martín (Japonesita), Gonzalo Vega (Pancho), Julián Pastor (Octavio), Carmen Salinas (Lucy), Fernando Soler (Don Alejo), Emma Roldán (Ludovinia), Hortensia Santoveña (Clotilde), Blanca Torres (Blanca), Marta Aura (Emma), Tere Olmedo (Lila), Agustín Silva (Reynaldo), Cecilia Leger (Lupe), César Sobrevals (Enrique), Ana Iris Nolasco (Prostituta)
CINEMATOGRAFÍA
Miguel Garzón
BANDA SONORA
Joaquín Gutiérrez Heras
VESTUARIO
Sin acreditar
PAÍS DE ORIGEN
México
DISTRIBUCIÓN
World Artists
DURACIÓN
110 minutos
 

MANUELA: No pongas eso, porque pensándolo bien, lo que les voy a bailar es la leyenda del beso, que es más dramática todavía. Pero tú me tienes que acompañar, porque es un baile donde una mujer muy bella encuentra dormido a un jovencito en el bosque, pero muy guapo. Pero que esta como enojado, y el pobre ni ve, ni oye, ni come, ni nada. Pero entonces dice la leyenda que él va a volver a vivir, cuando una mujer muy bella pase por ahí, por ese bosque dónde él está como dormido.
PANCHO: Pero y yo que diablos hago.
MANUELA: Espérate, tú te quedas sentadito aquí, aquí, en medio de la pista. Ay, está cayendo la tarde y una mujer muy divina está recogiendo flores en el bosque, y se perdió. ¿Y qué ve de repente? Pues al hombre más vigoroso del mundo. Pero que desgracia, parece que está todo muerto, y sé acerca así. Así, y lo mira, y le gusta tanto, que aunque él esté muerto, le dan ganas de darle un besote, y se acerca. Ay, no besa, y ella se está yendo cuando él se despierta. No estaba muerto. Y él le pide a ella que le de un beso en los ojos para ya no ser ciego. Sí, un beso en los ojos, para ya no ser ciego. Ay viejo, tú me tienes que decir, ‘bésame en los ojos, mi amor’.

PANCHO: Yo no te digo nada pinchejo tonto.
MANUELA: Pues si no me lo dices, ya no bailo.
PANCHO: Bueno, bueno, bésame en los ojos vieja puta.
MANUELA: Entonces la mujer divina, esa mujer divina, nada de eso que dices… y él ve por primera vez lo divina que es y le pide que le de un beso en las rodillas, para poder caminar.
PANCHO: Bésame las rodillas Manuelita.
MANUELA: Entonces ella, tan buena que es, se agacha a besarle las rodillas, pero como es cegatona, se equivoca.
 
SINOPSIS
Manuela es un hombre gay que vive en un pueblo mexicano que está quedando deshabitado poco a poco, en compañía de su hija Japonesita. Ambas residen en un burdel usado por escasas prostitutas. Don Alejo es un acaudalado anciano que poco a poco se ha hecho con todas las casas del pueblo. 

Años atrás, cedió el burdel a la madre de Japonesita, una prostituta conocida como la Japonesa. Ella apostó a que podría seducir a Manuelita y tuvo éxito, haciéndose con el burdel convencida de que Don Alejo lograría resucitar la ciudad. Sin embargo Don Alejo no es hombre de palabra, y siempre parece haberse ceñido a intereses personales. Manuela quiere vender, pero Japonesita se resiste al desear llevar a cabo los sueños de su madre.
La situación se complica ante la llegada de Pancho, un hombre rudo y atractivo, acompañado de su cuñado Octavio. Hace un año que agredió a Manuela y le rompió su vestido de flamenca rojo. Don Alejo aprecia a Manuela y advierte seriamente a Pancho, para que se mantenga alejado de ella. Sin embargo, para proteger a Japonesita, Manuela se embarca en un baile de seducción, que puede acabar siendo peligroso al destapar los verdaderos deseos de Pancho.
 
CURIOSIDADES

Esta película está considerada por muchos como la primera en tratar la homosexualidad de forma abierta y sin barreras, pero principalmente analiza la represión sexual en la sociedad mexicana de la época. Dicho análisis continúa siendo relevantes en la actualidad, enfocándose en la obsesión de probar la masculinidad de forma obsesiva. Ripstein llenó la película de simbolismos siendo el moribundo pueblo un reflejo de los personajes. La película defiende la existencia del infierno en la Tierra, por lo que la película comienza con una cita de Christopher Marlowe en la que Fausto le pregunta a Mefistófeles sobre el infierno. La idea defiende la noción de que el infierno es ilimitado y no se concentra en un único lugar. Abandonar el pueblo moribundo no supone abandonar el infierno, que siempre nos acompaña. De hecho, la película se promocionó con la frase: “debajo del cielo está el infierno y debajo del infierno está el lugar sin límites”. Arturo Ripstein siempre ha mostrado interés por mostrar el México que nadie desea ver, a menudo condenado a la pobreza y se ve encerrado en su propio espacio personal.

Roberto Cobo se encarga de interpretar el papel protagonista, lo cual le valió una nominación al Ariel al Mejor Actor. Alcanzó la fama y fue reconoció por interpretar al primer personaje homosexual abierto en el cine mexicano, siendo también homosexual reconocido. Falleció en 2002, víctima de un cáncer de esófago.
 
CRÍTICA PERSONAL
Destacaré tres aspectos formidables de la película. Por encima de todo me quedé impresionado por la labor interpretativa de Roberto Cobo, que me dejó cautivado. La escena en la que baila y narra la leyenda del beso es una verdadera joya. Lo segundo es la brillante manera en la que expone la hipocresía de la supuesta masculinidad a través del homosexual reprimido que encontramos en Pancho, cuya vida podría haber dado un giro a mejor. Uno puede pasar de odiar a sentir pena por el personaje en un instante. La tercera es la alegoría del pueblo moribundo, que representa el espíritu igualmente moribundo de los personajes. 

Me quedé impactado por el final y con  esa simple conversación entre Japonesita y Lucy, todavía ignorantes de lo acontecido. Una gran parte de la escena de flashback me pareció errónea, dañando especialmente la solidez del personaje de Manuela. La escena de su relación con la Japonesa no me pareció bien establecida, y tampoco me pareció que aportaba gran cosa al personaje. Hubiera apreciado más tiempo para el desarrolló del personaje de Pancho, que en ocasiones se atisba más interesante de lo que parece.
 
CALIFICACIÓN
7- Bastante bien

ALEXANDER

TÍTULO ORIGINAL

Alexander: The Other Side of Dawn

AÑO DE ESTRENO

1977

DIRECCIÓN

John Erman

PRODUCCIÓN

Wilfred Lloyd Baumes

GUION

Walter Dallenbach

REPARTO

Leigh McCloskey (Alexander Duncan), Eve Plumb (Dawn Wetherby), Juliet Mills (Myra), Jean Hagen (Casera), Lonny Chapman (Eddie Duncan), Earl Holliman (Ray Church), Alan Feinstein (Charles Selby), Asher Brauner (Buddy), Diana Douglas (Clara Duncan), Pat Corley (Marty), Frances Faye (Ella misma), Alice Hirson (Jueza White), Jonathan Banks (Michael), Fred Sadoff (Señor Anderson), Doria Cook-Nelson (Della), Jack Rader (Jack), Claudia Bryar (Señorita Mathias), Gary Campbell (Bernard), Noel Conlon (Thomas), Robert Doyle (Frank), Yolanda Galardo (Linda), Colin Hamilton (Patrick), Wayne Heffley (Possehl), Lincoln Kilpatrick Jr (Jeff), Damu King (Red)

CINEMATOGRAFÍA

Gayne Rescher

BANDA SONORA

Fred Karlin

VESTUARIO

Guy Verhille

PAÍS DE ORIGEN

Estados Unidos

DISTRIBUCIÓN
NBC

DURACIÓN
96 minutos

ALEX DUNCAN: He tenido suerte, supongo.

RAY CHURCH: Te ha tocado la Juez White, una suerte. Pero te garantizo que si volvieras a entrar ahí, ella sería tan dura como el juez más implacable.

ALEX DUNCAN: No volveré.

RAY CHURCH: He oído eso antes. Aquel chico también lo decía. Oye, ¿verdad que aparenta más de diecisiete años?

ALEX DUNCAN: Sí.

RAY CHURCH: La calle le ha marcado. Cuando tenía catorce era la estrella del barrio. Era un chico increíblemente guapo. A esa edad le conocí, cuando empezó a prostituirse.

ALEX DUNCAN: Pero Ray, escuche, no tiene que contarme batallitas, estoy convencido.

RAY CHURCH: Eso espero Alex, aunque realmente no lo creo. A pesar de ese trabajo honrado que tienes ahora.

ALEX DUNCAN: Trabajo para Charles, somos amigos, nada más.

RAY CHURCH: Claro que es amigo tuyo, no lo pongo en duda. Pero es listo y sabes que le estas utilizando. Alex, Charles también se está ocultando. Dime, ¿a dónde podrás ir cuando se canse de ti?

SINOPSIS

Siendo un adolescente, Alex Duncan es un joven introvertido y amante del arte que vive en una granja rural de Oklahoma. Sin embargo, la pobreza de la familia provoca que su padre termine por echarle, ya que no puede mantener a todos. Alex se muda a Hollywood, California, donde termina por dedicarse a la prostitución femenina y masculina. Durante su trabajo conoce a una joven adolescente Dawn, también dedicada a la prostitución. Ambos se enamoran y Alex decide ayudarla a escapar del sórdido mundo en que ambos se encuentran. Como consecuencia de dicho intento, Alex es herido mortalmente por el chulo de Dawn. Sin embargo, el joven consigue recuperarse y con el dinero ahorrado envía a Dawn a su pueblo. Mientras, el se quedará para ahorrar dinero suficiente para que puedan casarse. Sin embargo, las cosas se ponen difíciles. Debido al incidente con el chulo, Alex pierde el trabajo legal que había conseguido, y también su apartamento. 

Al intentar ejercer de chapero de nuevo, da con policías en cubierto que le detienen. El psicólogo Ray Church, que además es gay, decide ayudar a Alex en todo lo posible. Sin embargo, Alex conoce a un jugador de football profesional llamado Charles Selby. Charles es gay y decide acoger a Alex, a cambio de sus servicios.

CURIOSIDADES

Se trata de una película producida para la televisión, que en realidad es la segunda parte de otra dedicada al personaje de Dawn, y titulada “Street Dawn” (1976). La cadena NBC estrenó esa película como intento de mostrar la dureza de la prostitución en las jóvenes que eran echadas de casa. Eve Plumb interpretaba esta dulcificada historia, incluso para la época. La película arrasó en niveles de audiencia, motivo por el cual la cadena decidió realizar una segunda parte. Sin embargo, se optó por aparcar al personaje de Dawn, y concentrarse en el de Alex que ya aparecía en la primera parte y se convertía en el interés romántico de la joven. 

De hecho “Street Dawn” finalizaba con el personaje de Alex siendo apuñalado por el chulo de Dawn, cuando la pareja intentaba escapar. Fue todo un cliffhanger.

Leigh McCloskey interpretó a Alex en ambas películas. En la primera ya quedaba claro que el personaje se dedicaba a la prostitución masculina, razón por la que dedicarle una película se convirtió en algo muy adelantado para aquel entonces. Aunque la película también trataba el tema de la prostitución de forma suavizada, se arriesgó al abordar el mundo de la homosexualidad, aunque fuera por encima. De hecho el personaje acababa siendo el mantenido de una estrella de football en el armario, algo impensable a finales de la década de 1977. “Street Dawn” (1976) fue dirigida por Randal Kleiser, mientras que “Alexander” (1977) pasó a ser dirigida por John Erman, que no había tenido nada que ver con la primera. La película incluyó la última aparición de la actriz Jean Hagen, casera de Alex, que moriría en agosto de 1977.

CRÍTICA PERSONAL

No cabe duda que abordar el tema de la prostitución en la televisión de la década de 1970, fue todo un riesgo. Lo primero que destacaría es que la película logra realizar una crítica necesaria a esos padres que condenan a sus hijos a una vida que puede empujarles a la prostitución. También atacó a las leyes de aquel entonces, que no permitían que esos jóvenes pudieran trabajar legalmente por su edad, y no tuvieran más remedio que caer en un sórdido mundo. Se muestra muy bien ese mundo de prostitución callejera, contra el de la prostitución mantenida. En este segundo ámbito me pareció muy acertada la forma de mostrar como el mantenido terminaba por caducar, ante la aparición de alguien mejor. Estos temas se han mostrado mucho posteriormente, pero en 1977 era algo casi tabú.

Al tener que dulcificar tanto la historia, se provoca el efecto de no lograr reflejar la dureza de dicho mundo de prostitución. Existen también algunas situaciones que resultan bastante inverosímiles. Leigh McCloskey era entonces un actor atractivo, me pareció demasiado plano a la hora de mostrar sus emociones. Pasando por las serias dificultades que abordaba, me daba la sensación de que siempre tenía la misma expresión en la cara. Eve Plumb me pareció igualmente inverosímil. Me parecía más una princesita en apuros, que una adolescente adaptándose al mundo tras haber sido prostituta.

CALIFICACIÓN

6- Bien

WORD IS OUT

TÍTULO ORIGINAL

Word is Out: Stories of Some of Our Lives

AÑO DE ESTRENO

1977

DIRECCIÓN

Peter Adair, Nancy Adair, Veronica Selver, Andrew Brown, Robert Epstein, Lucy Massie Phenix

PRODUCCIÓN

Peter Adair

ENTREVISTAS

Lucy Massie Phenix, Robert Epstein, Andrew Brown, Veronica Selver, Nancy Adair, Peter Adair

REPARTO

Pat Bond, John Burnside, Sally M. Gearhart, Elsa Gidlo, Donald Hackett, Tom Fitzpatrick, Harry Hay, Pam Jackson, Rusty Millington, Trish Nugent, Mark Pinney, Rick Stokes, George Mendenhall, Bernice “Whitey” Fladden, Nadine Armijo, Dennis Chiu, Cynthia Gair, Nathaniel Dosrky, David Gillon, Freddy Gray, Linda Marco, Tede Matthews, Michael Mintz, Betty Powell, Ann Samsel

CINEMATOGRAFÍA

Lucy Massie Phenix, Robert Epstein, Andrew Brown, Veronica Selver, Nancy Adair, Peter Adair

MÚSICA

Trish Nugent

VESTUARIO

Inaplicable

PAÍS DE ORIGEN

Estados Unidos

DISTRIBUCIÓN

New Yorker Films

DURACIÓN 
133 minutos

RICK STOKES: Mi mujer, en aquel entonces, decidió llamar a la mujer de Joe para decirle que si me quería que viniera a buscarme. Cuando esto se le comunicó a mi suegro, acabé siendo enviado a una institución mental. Fueron incapaces de lidiar con el hecho de que fuera gay, así que buscaron a un médico que pudiera curarme. Recuerdo que la primera vez que le vi me dijo que podrían castrarme, pero que iban a intentar algunos tratamientos para ver si podían conseguir algo.

SINOPSIS

Este documental alterna las entrevistas de veintiséis personas, que hablan sobre sus experiencias como hombres gay y mujeres lesbianas. Los entrevistados comprenden un grupo de entre dieciocho y setenta y siete años de edad. Las entrevistas tienen lugar en San Francisco, Nuevo México y Boston. Las personas entrevistadas tienen ocupaciones diferentes que varían desde estudiantes, hombres de negocio conservadores, drag queens, amas de casa y otras varias. También se hace uso de diversidad racial con entrevistas a caucásicos, hispanos, afro-americanos y asiáticos. 

Entre los entrevistados se encuentran personas la escritora Elsa Gidlow, la profesora Sally Gearhart, el inventor John Burnside, el luchador por los derechos civiles Harry Hay, y el cineasta Nathaniel Dorsky entre otros.

Las personas escogidas describen sus experiencias al salir del armario, al enamorarse o ver el final de la relación. También explican cómo han luchado contra los prejuicios, los estereotipos y unas leyes discriminatorias. Todos realizan sus testimonios con inteligencia, elegancia, honestidad y convicción, creando una conmovedora historia oral.

CURIOSIDADES

Se trata de un documental creado al final de la década de 1970, en las que se entrevista a veintiséis hombres y mujeres homosexuales. Fue dirigida por seis personas que juntos eran conocidos como Mariposa Film Group. 

La idea surgió de Peter Adair, que también se encargó de la producción y fue uno de los seis directores. Adair opinaba que el mayor problema de la homosexualidad en la década de 1970 era la invisibilidad, a pesar de que comenzaban a surgir manifestaciones. También pensaba que los homosexuales eran definidos por los heterosexuales, que con desconocimiento hacían uso de los estereotipos para hacerlo. De esta forma deseaba crear un documental en el que las declaraciones de varias personas rompieran con dichos estereotipos.

Realizar la película fue trabajo arduo en el que los directores viajaron por todo el país para entrevistar a alrededor de doscientos cincuenta hombres gais y lesbianas. Al final seleccionaron a veintiséis de entre todos estos. El proyecto contó con una inversión inicial de treinta mil dólares, recaudados de gente que creía en el proyecto y deseaba que la película se llevara a cabo. Al principio se pensó en mostrar solamente las entrevistas de ocho personas, y al presentar el resultado del documental a espectadores seleccionados, estos mostraron interés en que se incluyeran más entrevistas que mostraran diversidad de clase social, raza y nacionalidad. 

Debido a esto se dedicaron más años a recrear el proyecto, en las que se entrevistaron a doscientas cincuenta personas, seleccionando a veintiséis candidatos finales.

La película se estrenó en el Castro Theater de San Francisco en noviembre de 1977, y tuvo una distribución limitada en cines a nivel nacional el año siguiente. Fue la primera película documental sobre homosexuales, además creada por homosexuales. Se convirtió en icono de las entonces emergentes manifestaciones por los derechos de los gais. La película finalizaba mostrando una dirección a la que poder enviar cartas expresando opiniones y críticas sobre la película. Los directores recibieron miles de cartas que expresaban lo importante que había sido para ellos ver el documental. En algunas de ellas llegaban a declarar que el documental había salvado sus vidas. Para las personas solitarias que vivían en estados más conversadores, el documental fue la primera oportunidad de ver a personas realistas y mensajes positivos sobre la homosexualidad.

En el año 2007, para celebrar el treinta aniversario del documental, se decidió restaurarlo para que quedara en perfecto estado. También se incluyó algo de material extra que no había sido utilizado, aumentando la duración original de ciento veinticuatro a ciento treinta y tres minutos.

CRÍTICA PERSONAL

Todo proyecto de este tipo es siempre positivo, pero cuando se realizan en una época que conlleva dificultades sociales, pasa al siguiente nivel siendo admirable. Lo brillante de este documental es que sigue siendo relevante a día de hoy, ya que muchos de los problemas sociales que narran los entrevistados siguen existiendo en muchos lugares del planeta. Lo más curioso de este documental es que a pesar de que sus protagonistas narren dificultades considerables, no se pierde en ningún momento ese optimismo de un futuro mejor. El documental es de por su optimista porque sus protagonistas lo son al reconocer que las cosas han mejorado… y estamos hablando de la década de 1970.

En una nota muy personal, debo reconocer que el documental se me hizo difícil, porque en todo momento era consciente de que ese optimismo iba a chocar en breve con la inminente masacre provocada por el SIDA en la siguiente década. De hecho, el propio creador del documental, Peter Adair, sería una de las víctimas de la enfermedad, falleciendo a la temprana edad de cincuenta y dos años. Saber lo que se avecinaba al ver el documental, le proporciona una aun mayor relevancia.

CALIFICACIÓN

10- Sobresaliente

CAMBIO DE SEXO

TÍTULO ORIGINAL

Cambio de Sexo

AÑO DE ESTRENO

1977

DIRECCIÓN

Vicente Aranda

PRODUCCIÓN

Jaime Fernandez Cid

GUION

Vicente Aranda, Joaquin Jordá

REPARTO

Victoria Abril (José María / María José), Lou Castel (Duran), Fernando Sancho (José Bou, padre de José María), Rafaela Aparicio (Doña Pilar), Montserrat Carulla (Madre de José María), Daniel Martín (Pedro), Maria Elias (Lolita), Bibiana Fernández (Bibí), Rosa Morata (Fanny), Alfred Lucchetti (Médico), Mario Gas (Álvaro), José Gras (El chulo), Manuel Gas (Novio de Doña Pilar), Asunción Vitoria (Madre de Adela), Vicky Peña (Adela), Josep Castillo Escalona (Cliente del restaurante), Joan Borràs (Director del Instituto), José Antonio Vilasaló (Doctor Volpini), Juan Viñallonga (Juan), Víctor Petit (El borracho)

CINEMATOGRAFÍA

Néstor Almendros, José Luis Alcaine

BANDA SONORA

Ricard Miralles

VESTUARIO

Sin acreditar

PAÍS DE ORIGEN

España

DISTRIBUCIÓN

Morgana Films

DURACIÓN
108 minutos

PADRE DE JOSÉ MARÍA: A ti te curo yo, o no te cura nadie. Y si no te curo, te mato. Y desde mañana te voy a poner a trabajar, para hacerte un hombre. ¿Me oyes? ¡Un hombre.

LOLITA: ¿Has ido muchas veces al baile vestido así?

JOSÉ MARÍA: No. Dos o tres veces.

LOLITA: Nunca me había divertido tanto. Y tú tan guapa, tan simpática, moviéndote tan bien. Hasta yo llegaba a creer que eras una chica. Y de pronto, verte así otra vez. Ahora no sé ni cómo hablarte. Me gustaría que siempre fueras una chica. ¿Puede decirme una cosa? ¿Qué sientes cuando estás bailando con un chico?

JOSÉ MARÍA: No sé, supongo que lo mismo que tú.

LOLITA: Pero tú no puedes sentir lo mismo. Yo soy una mujer.

JOSÉ MARÍA: Yo también me siento una mujer.

LOLITA: Pero no lo eres.

JOSÉ MARÍA: ¿Entonces qué soy?

SINOPSIS

José Maria es un joven adolescente que reside en un pequeño pueblo a las afueras de Barcelona, junto a sus padres y su hermana Lolita. Siempre se ha sentido como una mujer, y su feminidad le provoca repetidos problemas en el colegio, donde se burlan de él al considerarle homosexual. El director del colegio decide expulsarle, explicando a sus padres que el muchacho ejercería una mala influencia sobre sus compañeros. Esto enfurece a su padre José Boy, que siempre ha sido un chovinista violento, y le lleva a poner a Jose María a trabajar cortando madera. También le lleva a un club de alterne con la intención de que mantenga relaciones sexuales. Al fracasar, no duda en amenazar al joven, que decide escaparse.

Jose María es instala a Barcelona, donde se instala en la pensión de una amable anciana llamada Doña Pilar. Allí comienza a llevar una doble vida adoptando el nombre de María José. Al conseguir trabajo en una peluquería conoce a Bibí, una transexual que se ha operado con éxito y que se convierte en su consejera y amiga. 

Los inicios de María José son difíciles, hasta que Bibí le da un trabajo en el local de alterne donde actúa, regentado por un hombre llamado Duran. Es en esa etapa donde María José tendrá que enfrentarse a importantes decisiones.

CURIOSIDADES

La película surgió en plena transición democrática en España, durante la cual el cine comenzó a abordar temas que hasta entonces habían sido tabú. Ya en el año 1971, Jaime de Armiñan había tenido el valor de abordar el tema del cambio de sexo con la película “Mi Querida Señorita”, protagonizada por José Luis López Vázquez. Sin embargo fue Vicente Aranda quien abordó el tema con “Cambio de Sexo” por primera vez, de forma explícita y sin ningún tipo de tapujos. El complicado papel protagonista le fue ofrecido inicialmente a Ángela Molina, que lo rechazó. Tras esto cayó en manos de Victoria Abril, y fue su primer papel protagonista en una película. La actriz había conseguido gran popularidad como azafata del programa “Un, Dos, Tres… Responda Otra Vez” en 1976. 

Vicente Aranda descubrió a Bibí Andersen realizando un espectáculo similar al que aparecería en la película. Cautivado por ella escribió el papel de Bibí especialmente para ella.

Curiosamente, el reparto contaba con toda una familia de actores compuesta por Mario Gas, su padre Manuel Gas, su mujer Vicky Peña y la madre de esta Montserrat Carulla. Interpretaban a los personajes de Álvaro, el novio de Doña Pilar, Adela y la madre de José María respectivamente.

CRÍTICA PERSONAL

Desconocí la existencia de esta película durante largo tiempo, lo que me hace pensar que nuestro cine de temática gay no está lo suficientemente promocionado. Victoria Abril logró que me quedara impresionado por su actuación, logrando convencerme de que era un chico de tal manera, que al comienzo de la película no me percaté de que se trataba de la actriz. 

Hay dos elementos que siempre destacaría de esta película. El primero es lo bien que muestra el machismo y chovinismo de nuestra sociedad en la época de la transición. Escenas como la situación escolar del protagonista, sometido a un total bullying por parte de compañeros y profesores, son totalmente devastadores aunque creíbles al mismo tiempo. Lo mismo se puede aplicar a las escenas familiares del protagonista, que demuestran ese machismo intolerante y violento de una sociedad incapaz de asumir determinadas diferencias. Lo segundo es la interpretación de un formidable Fernando Sancho, que demuestra a la perfección ese machismo absoluto, llegando a mostrarse violento con un hijo al que no está dispuesto a aceptar como transexual. La escena en la que le obliga a acudir a un club de striptease para que tenga su primera relación sexual resume la mencionada situación social a la perfección. Lo que realmente asusta es el contraste radical en las pocas ocasiones en que el personaje es incluso amable.

El último tercio de la película flaquea considerablemente, y trama termina por ser poco creíble a pesar de estar basada en un hecho real. Da la sensación de que la película tuviera que completarse a toda prisa, y de hecho deja bastantes elementos en el tintero. La interpretación de Bibiana Andersen es interesante, aunque todavía se aprecia la falta de experiencia que tenía en estos ámbitos. El personaje de Duran me pareció el peor, resultando plano y carente de todo interés. Parecía más un autómata que otra cosa.

CALIFICACIÓN

7- Bastante bien

LA CONSECUENCIA

TÍTULO ORIGINAL

Die Konsequenz

AÑO DE ESTRENO

1977

DIRECTOR

Wolfgang Petersen

PRODUCTOR

Bernd Eichinger

GUION

Alexander Ziegler, Wolfgang Petersen

Basado en la novela de Alexander Ziegler

REPARTO

Jürgen Prochnow (Martin Kurath), Ernst Hannawald (Thomas Manzoni), Werner Schwuchow (Educador Diethelm), Hans-Michael Rehberg (Guardián Rusterholz), Hans Putz (Enrico), Elizabeth Fricker (Babette), Walo Lüönd (Giorgio Manzoni), Edith Volkmann (Señora Manzoni), Erwin Kohlund (Director Reichmuth), Alexis von Hagemeister (Clemens Krauthagen)

CINEMATOGRAFÍA

Jörg-Michael Baldenius

BANDA SONORA

Nils Sustrate

VESTUARIO

Josef Satzinger, Gabriele Gräfin Zu Solms

PAÍS DE ORIGEN

Alemania Occidental

DISTRIBUCIÓN

Interat Filmverleih

DURACIÓN
100 minutos

SEÑORA MANZONI: Thomas, solo queremos lo mejor para ti.

THOMAS MANZONI: ¿Ah sí? ¿Por eso me habéis metido en un trabajo que odio y que no me deja tiempo para ver a Martin?

SEÑORA MANZONI: Nunca confiaste en nosotros lo suficiente.

THOMAS MANZONI: Puede que tuviera que haberos dicho antes que no me gustaban las chicas.

GIORGIO MANZONI: ¡Para inmediatamente! Tú no eres maricón. O me vas a decir que tus compañeros de trabajo te dan por el culo

MARTIN KURATH: Señor Manzoni, por favor. Déjenos vivir la vida que deseamos.

GIORGIO MANZONI: Sal inmediatamente de aquí.

THOMAS MANZONI: Yo me voy con él.

GIORGIO MANZONI: ¡Repite eso!

THOMAS MANZONI: ¡Adelante, pégame!

SEÑORA MANZONI: ¡Giorgio por favor!

GIORGIO MANZONI: Vete si quieres, pero no quiero volver a verte nunca más por aquí.

SINOPSIS

Martin Kurath es un actor homosexual que ha sido condenado a prisión al descubrirse su relación con un menor de edad. En prisión conoce a Thomas Manzoni, un joven de quince años que además es el hijo del alcaide. Tras cooperar en una obra de teatro de la prisión, ambos terminan por enamorarse e iniciar una relación que no dejará a nadie indiferente. Un año después, Martin completa su condena y decide iniciar una vida con Thomas, para lo cual ambos hablan con la familia del joven. Negándose a aceptar la homosexualidad de su hijo, el padre de Thomas le expulsa de casa. Martin y Thomas se instalan juntos, y el joven continúa sus estudios.

Sin embargo el padre de Thomas decide denunciar a su propio hijo provocando su arresto, con la intención de separarle de Martin e impedir que viva como homosexual. 

Thomas es condenado a un brutal reformatorio, donde los agresivos métodos de sus encargados hacen mella en el joven. Martin elabora un plan para rescatarle del reformatorio haciéndose pasar por un psicólogo asignado al horrible lugar. También confía en un buen amigo para que cuide de Thomas hasta que pueda obtener su permiso en residencia en Alemania. Sin embargo, el amigo de Martin terminará por traicionar su confianza.

CURIOSIDADES

La película está basada en la novela autobiográfica del mismo título escrita por Alexander Ziegler y publicada en 1975. El personaje de Martin Kurath está basado en el propio escritor y sus vivencias. Ziegler había estudiado arte dramático en el “Seminario Max Reinhardt” en Viena durante los años 1960 y 1961. También había trabajado como actor para la serie de televisión “Boys and Girls”, creada por Fred Mallow. En el año 1966 fue arrestado y condenado a dos años de prisión por su relación homosexual con un chico de dieciséis años llamado Stephan. 

Durante su tiempo en prisión escribió su primer libro “Laberinto” (1966). Una vez salió de prisión, Ziegler trabajó como periodista y autor en la revista gay alemana “DU&ICH” entre los años 1971 y 1979. Durante esa etapa escribió el libro en que está inspirada la película, así como varios artículos.

Suizo de origen, Alexander Ziegler quiso que el libro sirviera para procesar sus experiencias personales, y sirviera como advertencia sobre las consecuencias que determinadas acciones podían desencadenar. El autor participó de forma activa con el director Wolfgang Petersen para crear el guion. El film fue creado para ser estrenado en televisión, y fue rodado en blanco y negro. La película desencadenó una ávida polémica por el tema a tratar, la homosexualidad que retrataba, y ciertas escenas gráficas en una escena en la que se visionaba pornografía heterosexual. Esto provocó que la película fuera censurada en numerosos canales. Sin embargo, con el tiempo consiguió provocar que se iniciará un dialogo sobre el tema de la homosexual, de forma parecida a los trabajos de Roger Peyrefitte en Francia.

CRÍTICA PERSONAL

La película tiende a ser complicada porque la relación que muestra era considerada ilegal en la época, y es complicado ser moralista al respecto. Sin embargo, la trama es tratada y llevada a cabo con suma delicadeza, logrando despertar empatía y respecto hacia la dificultad de las relaciones homosexuales en una época en la que las mismas eran perseguidas. La moraleja base es que en ocasiones las decisiones que tomamos pueden provocar “consecuencias” desastrosas. De ahí el título, que hace referencia no solo a la decisión del padre de Thomas, que acaba con consecuencias desastrosas, sino a la decisión tomada por la pareja. Las intenciones pueden ser buenas en ambos casos, pero el resultado es igualmente desastroso. Esto me hizo pensar que más que enseñar, el director intentaba reflexionar o hacer pensar que toda acción tiene una consecuencia que no podemos predecir.

Emocionalmente la película consigue conmover y despertar sentimientos encontrados, no solo en lo relativo a la relación y el destino al que la misma se encuentra. Toda la trama del reformatorio resulta devastadora y genera una impotencia basada en la empatía.

El problema es que la trama deja muchas lagunas, mayormente en lo relativo al personaje del padre de Thomas. Si bien su decisión genera consecuencias devastadoras, la película evita tratar el efecto que esto provoca sobre él. Esto hace que el mensaje base de la trama pierda efectivamente, porque el responsable no vuelve a aparecer. El film también da un salto muy apresurado desde la trama del reformatorio al reencuentro entre los dos protagonistas.

CALIFICACIÓN

8- Notable

LOS PLACERES OCULTOS

TÍTULO ORIGINAL

Los placeres ocultos

AÑO DE ESTRENO

1977

DIRECTOR

Eloy de la Iglesia

PRODUCTOR

Óscar Guarido

GUION

Eloy de la Iglesia, Rafael Sánchez Campoy

REPARTO

Simón Andreu (Eduardo), Tony Fuentes (Miguel), Charlo López (Rosa), Beatriz Rossat (Carmen), Antonio Corencia (Raúl), Germán Cobos (Ignacio), Ana Farra (Madre de Eduardo), Ángel Pardo (Nes), Queta Claver (Madre de Miguel), Antonio Iranzo (Padre de Carmen), Antonio Gamero (Mirón en el parque), Josele Román (Pili), Carmen Platero (Olga), Pilar Vela (Criada), Carmen Luján (Madre de Carmen), Rafael Vaquero (Amigo de Eduardo), Antonio Victo (Hijo de Ignacio), Amparo Climent (Hija de Ignacio), Paco España (Él mismo),

CINEMATOGRAFÍA

Carlos Suárez

BANDA SONORA

Carmelo A. Bernaola

VESTUARIO

Antonio Muñoz

PAÍS DE ORIGEN

España

DISTRIBUCIÓN

Film Bandera S.A.

DURACIÓN
95 minutos

MADRE DE EDUARDO: A ti, ¿Qué te ocurre Eduardo? ¿Qué te ha pasado hoy?

EDUARDO: ¿A mí? Estoy perfectamente.

MADRE DE EDUARDO: No. Yo enseguida lo adivino. Es como, como si de repente te apagaras. Es una tristeza que escondes muy dentro, muy encerrada. Pero que se te asoma en los ojos, en la cara, en la voz.

EDUARDO: Mamá, si estas mala, lo que tienes que hacer es preocuparte de…

MADRE DE EDUARDO: Cuando tenías catorce o quince años lo descubrí por primera vez. Una noche al volver del colegio vi que estabas sufriendo por algo, algo que ni siquiera tú mismo sabías bien. Tú no te comportabas como tu hermano. Tú no sentías como él. Y cuando te ponías triste, también era una tristeza diferente.

EDUARDO: Pero mamá, ¿por qué no me has hablado nunca de esto hasta ahora?

MADRE DE EDUARDO: Compréndelo. Yo tenía que hacer mi papel y preguntarte de vez en cuando si te decidías o no a casarte, y decir a las amistades que eras un poco especial. Disimular, pero no solo ante los demás sino también ante mi misma. ¿Comprendes? Pero Eduardo, no te quedes solo, por favor. Procura no quedarte solo.

SINOPSIS

Eduardo es un banquero y solitario que ya ha entrado en la cuarentena. Vive su homosexualidad en secreto, pues su avanzada posición económica y social se vería en peligro de conocerse su orientación sexual. Sin embargo, esto no le impide hacer uso de todos los recursos su disposición, mayormente el dinero, para conquistar a muchachos jóvenes, la mayoría chaperos. Un día, al pasar por una universidad, Eduardo se fija en un joven llamado Miguel, un atractivo joven que procede de una familia humilde. Eduardo queda fascinado con el joven, y dicha fascinación aumenta al ver que es un joven trabajador que desea sacar a su familia adelante.

Para pasar tiempo con él, le contrata en una compañía dirigida por su amigo Raúl, con quien tuvo una relación en el pasado. Para ayudarle a escribir a máquina su proyecto de novela, Miguel empieza a acudir al apartamento de Eduardo todas las tardes. Por su parte, Miguel es heterosexual, tiene una novia llamada Carmen, y una aventura con una cuarentona llamada Rosa. Apreciando de veras a Miguel, y consciente de que nunca habrá nada entre ambos, Eduardo decide decirle la verdad con la esperanza de que por lo menos puedan ser buenos amigos. Pero las cosas no serán tan sencillas.

CURIOSIDADES

Eloy de la Iglesia concibió la película con la intención de analizar la problemática homosexual de forma objetiva y dialéctica. Deseaba que a través de la película la gente pudiera ver que ocurría dentro de un mundo de marginado y condenado tanto por las derechas e izquierdas. 

En plena década de 1970, dicho problema afectaba a un amplio porcentaje del país, y según el director se requería de iniciar un amplio debate al respecto. Sin embargo, y a pesar de ya había pasado un año desde la muerte del dictador Franco en España, la censura seguía todavía intentando resistirse. Cuando se presentó “Los Placeres Ocultos” al examen de dicha entidad, la película fue prohibida y no se pudo presentar en los diferentes cines de España. Los críticos reaccionaron dando buenas calificaciones a la película, no solo por su calidad sino porque ya estaban hartos de que la censura se resistiera. Sin embargo, fue necesario esperar un año para que la película fuera finalmente estrenada.

El guion fue escrito por Eloy de la Iglesia con la colaboración de Rafael Sánchez Campoy y Gonzalo Goicoechea. El título inicial del proyecto había sido “La Acera de Enfrente”. Sin embargo, el director ya había previsto que se vería enfrentado a problemas con la censura. Debido a esto, decidió cambiar el título al considerarlo demasiado atrevido. 

Siendo una de las primeras películas que abordaba la homosexualidad, sin caer en clásicos clichés preconcebidos, la película fue controvertida a pesar de ser considerablemente “blanca”. Los problemas con la censura provocaron que durante la noche de estreno en Madrid, varias manifestaciones a favor de los derechos de los homosexuales. El director aseguró que era la primera vez que veía a un grupo gay en Madrid expresarse en público, con sus pancartas y exigencias. El famoso transformista Paco España tuvo una aparición en la película, así como en otras de temática gay. Fue la primera película del joven Tony Fuentes, uno de los protegidos del director. Sin embargo, su voz fue doblada por la de Pedro Mari Sánchez.

CRÍTICA PERSONAL

Formidable joya del cine de temática gay español en plena transición democrática, la película aborda temas muy humanos para acercar al espectador a un colectivo ignorado y marginado. 

Sin embargo, no por ello omite otros aspectos oscuros como la prostitución masculina. Si hay algo que me sorprendió fue el análisis sobre el temor a acabar solo a través del personaje de Eduardo, debido a la entonces ausencia de una familia. La película también aborda la temática adolescente quinqui, que comenzó abordarse a finales de la década de 1970 y durante la siguiente. La película también está dotada de grandes diálogos, algo que yo siempre he apreciado para sostener una trama que invite a la reflexión. También cabe destacar las interpretaciones de actores como Simón Andreu, Ana Farra, o Charo López. La verdad es que este film fue toda una sorpresa.

La película va concentrando una tensión que desemboca justo a punto de finalizar la película. Debido a esto, el final me pareció algo acelerado sin abordar determinados aspectos de la trama que se me antojaron inconclusos. El final no me convenció.

CALIFICACIÓN

9- Muy bien