UN HOMBRE SIN IMPORTANCIA

TÍTULO ORIGINAL
A Man of No Importance
AÑO DE ESTRENO
1994
DIRECCIÓN
Suri Krishnamma
PRODUCCIÓN
Jonathan Cavendish
GUION
Barry Devlin
REPARTO
Albert Finney (Alfie Byrne), Brenda Fricker (Lily Byrne), Michael Gambon (Carney), Tara Fftzgerald (Adele Rice), Rufus Sewell (Robbie Fay), Patrick Malahide (Carson), David Kelly (Baldy), Mick Lally (Padre Kenny), Anna Manahan (Señora Grace), Joe Pilkington (Ernie Lally), Brendan Conroy (Rasher Flynn), Joan O’Hara (Señora Crowe), Eileen Reid (Señora Rock), Eileen Conroy (Señora Curtin), Maureen Egan (Señora Dunne), Paddy Ashe (Señor Ryan), Pat Killalea (Phil Curran), John Killalea (Jack Curran), Pascal Perry (Señor Gorman), Paudge Behan (Kitty), Jimmy Keogh (Tesorero), Ingrid Craigie (Camarera), Enda Oates (Garda), Damien Kaye (Foley), Catherine Byrne (Mujer en el canal), Dylan Tighe (Hijo de la casera), Stuart Dunne (John)
CINEMATOGRAFÍA
Ashley Rowe
MÚSICA
Julian Nott
VESTUARIO
Phoebe de Galle
PAÍS DE ORIGEN
Irlanda
DISTRIBUCIÓN
Majestic Films
DURACIÓN
99 minutos
 

ROBBIE FAY: No ensucies mi hermoso autobús con tus mugrientos codos.
ALFIE BYRNE: No, está impecable Bosie. Puedo verme reflejado como Narciso.
ROBBIE FAY: Ya empiezas…
ALFIE BYRNE: ¿A qué?
ROBBIE FAY: A lo de siempre, grandes palabras, poesía.
 
LILY BYRNE: No tengo hambre.
ALFIE BYRNE: Es tu plato favorito, mollejas.
LILY BYRNE: Solo con pensar donde has puesto las manos.
ALFIE BYRNE: Precisamente, nunca las he puesto en ninguna parte. Nunca las he tenido cerca de nadie. Puedes creerme, ni siquiera he rozado a nadie. La única persona que me gusta, bueno, que amo, maldita sea…
LILY BYRNE: Es un hombre.

ALFIE BYRNE: Sí, es un hombre. Pero descuida, porque la simple idea de que yo pudiera quererle, amarle, o solo sentir algo especial por él, le resultaría tan repulsivo que no podría alejarse lo suficiente de mí. Con que tranquila, mis manos no conocen lamento. Tomate el desayuno.
 
SINOPSIS
En el Dublín de 1963, Alfie Byrne es un hombre de edad avanzada que trabaja en una empresa de autobús cobrando los billetes. Los pasajeros le han tomado cariño porque durante los viajes, Alfie se dedica a recitar numerosas obras, sintiendo una evidente predilección por las obras de Oscar Wilde. Su hermana Lily lleva mucho tiempo buscando una mujer para que Alfie pueda compartir su vida con alguien. Sin embargo, todos ignoran que Alfie es gay y se ha pasado la vida entera en el armario. Vive secretamente enamorado de su compañero de trabajo, Robbie Fay. Su única vía de escape es su amor por el teatro, por lo que ha producido varias obras que se interpretan en una iglesia, contando con amigos y pasajeros del autobús. Su último proyecto es llevar a cabo la producción de la obra de Wilde, “Salomé”.

Consciente de que el parroco se mostrara en contra de que dicha obra se interprete en su iglesia, Alfie decide ocultarle cual es su verdadero proyecto. Alfie conoce a una nueva y hermosa joven pasajera en el autobús, llamada Adele Rice, que considera perfecta para el papel de Salomé. Sin embargo, Robbie se niega a interpretar al personaje de Juan al Bautista. Al descubrir que Adele no es la chica pura y virginal que había creado en su mente, Alfie sufre una fuerte crisis de identidad. Sin embargo, esto le lleva a tomar una decisión drástica y acude a un bar gay por primera vez. Allí se dirige a un joven y guapo muchacho al que intenta pagar para recibir caricias. Sin embargo, el joven le lleva a fuera donde sus amigos le propinan una paliza. Tras esto, el secreto de Alfie queda expuesto y el buen hombre tendrá que enfrentarse a las consecuencias.
 
CURIOSIDADES

El título de la película es un guiño a la obra de Oscar Wilde titulada “A Woman of No Importance”. Suri Krishnamma dirigió la película centrándose en tres vidas que el protagonista Alfie se ve obligado a vivir. La primera es su vida y mundo privado, donde mantiene su homosexualidad y sus sueños románticos en secreto. La segunda es su vida pública y la imagen que transmite a todo el mundo, a la vez que oculta sus propios secretos. La tercera es el propio Oscar Wilde, su héroe literario al que imita en su forma de vestir y a la hora de llevar a cabo sus producciones.
La idea original de Krishnamma era contar con un actor joven para interpretar al personaje de Alfie. Sin embargo, no terminaba de decidirse por el actor a pesar de haber llevado a cabo una ardua búsqueda para encontrar uno. Un año antes de estrenar la película conoció a Albert Finney en una pequeña oficina de la calle Regent. Su equipo le sugirió que contara con Finney para el papel, y tanto el director como el productor Jonathan Cavendish cambiaron de idea acerca del personaje. 

Se percataron de que era mejor que Alfie fuera un hombre de avanzada edad en el Dublín de los años sesenta, que se hubiera visto a pasar toda su vida en el armario. Este concepto les pareció a ambos mucho más interesante.
La película dio lugar a un musical del mismo título que fue estrenado en el año 2002. Contó con un libreto de Terrence McNally, adaptando el guion de la película, música compuesta por Stephen Flaherty y letras escritas por Lynn Ahrens.
 

CRÍTICA PERSONAL

Es evidente que lo más elogiables es el sobresaliente Albert Finney, que consigue interpretar a un personaje ya de por sí entrañable, consiguiendo que el espectador comprenda sus deseos, lamente su sufrimiento y desee lo mejor para él. Siempre me han gustado esas historias que narran salidas del armario a edades avanzadas. 

La película nos hace reflexionar sobre como algunas personas lo hacen demasiado tarde, habiendo perdido mucho en sus vidas. La película se concentra demasiado en el desarrollo de la producción de la obra de teatro de Alfie. No es hasta el último tercio de la trama cuando el personaje se ve obligado a salir del armario, y se examinan las inevitables consecuencias. Me hubiera gustado ver más resoluciones, especialmente con el personaje de su hermana y con el de Robbie.

 
CALIFICACIÓN
8- Notable

LA MAISON DE HIMIKO

TÍTULO ORIGINAL
Mezon do himiko 

(メゾン・ド・ヒミコ)
AÑO DE ESTRENO
2005
DIRECCIÓN
Isshin Inudô
PRODUCCIÓN
Osamu Kubota, Shinji Ogawa
GUION
Aya Watanabe
REPARTO
Joe Odagiri (Haruhiko), Ko Shibasaki (SaorI), Min Tanaka (Himiko), Kira Aoyama (Yamazaki), Shin’ichi Hatori (Locutor), Hirozaku Inoue (Takao), Junkyu Moriyama (Kijima), Chiharu Muraishi (Erina), Hiroki Murakami (Chubby), Hidetoshi Nishijima (Hosokawa), Tokimasa Tanabe (Junya), Torauemon Utazawa (Ruby), Shin’ichi Yanagisawa (Masaki), Youchan (Kikue)
CINEMATOGRAFÍA
Takahiro Tutai
BANDA SONORA
Haruomi Hosono
VESTUARIO
Michiko Kitamura
PAÍS DE ORIGEN
Japón
DISTRIBUCIÓN
Asmik Ace Entertainment
DURACIÓN
130 minutos
 

SAORI: ¿Se han llevado a Ruby sin saber que era una reina?
HARUHIKO: Sí.
SAORI: Pero acabaran por enterarse, tú mismo lo dijiste.
HARUHIKO: Es un riesgo. Si descubren que es una reina podrían volver a traerla aquí. Pero a lo mejor deciden dejar que se quede con ellos. Merecer la pena intentarlo incluso si solo hay una maldita oportunidad.
SAORI: Pero ¿por qué has tenido que engañarles?
CHUBBY: No había tiempo, si hubiera tenido que esperar a que aceptara que Ruby era una reina antes de que se la llevaran, habría muerto. Lo sabes mejor que nadie.
SAORI: Dejar que Ruby muera sola. Es su castigo por abandonar a su familia y pensar solamente en sí misma. ¿Por qué cargar a su hijo con ella? ¿Sois conscientes del dolor y sufrimiento que le habéis provocado? Tenéis miedo y os habéis librado de Ruby para sentiros mejor. Me dais asco. Vuestros homoegos me dan escalofríos.

HARUHIKO: No es asunto tuyo. Este es un hogar para gais, para que los gais sean felices.
SAORI: Entonces este lugar es una mentira, es falso.
HARUHIKO: Márchate.
 
SINOPSIS
Saori es una joven que lleva tiempo sufriendo dificultades para ganarse la vida con su trabajo en una tienda de pintura. Siendo niña su padre declaró su homosexualidad y la abandonó a ella y a su madre. Debido a esto ha desarrollado un intenso odio hacia su padre, culpándole de la muerte de su madre hace ya tres años. Un día recibe la visita de un joven apuesto llamado Haruhiko, que declara ser el amante de su padre, Himiko. Haruhiko le explica que Himiko ha una residencia de ancianos para hombres gay que lleva funcionando cinco años. También le explica que padece un cáncer terminal, aunque Saori muestra indiferencia ante el descubrimiento. Sin embargo, Haruhiko le hace una excelente oferta económica para que trabaje en la residencia. Debido sus problemas económicos, Saori acepta la oferta a pesar de tener que enfrentarse a su pasado.

A su llegada a la residencia, Saori se muestra hostil y nada receptiva todos los residentes, a los que considera bichos raros. Sin embargo, no tarda en empezar a darse cuenta de que todos tienen en común la soledad, que han podido superar en la residencia. Poco a poco, comienza a sentir afecto por los ancianos que residen allí. Sin embargo, se ve incapaz de sentir nada que no sea rechazo hacia su padre, mientras comienza a sentir algo imposible por el apuesto Haruhiko.
 
CURIOSIDADES
Se trata una película rodada por el director Isshin Inudô, tras el éxito que había tenido con “Jose, Tiger and Fish” (2003). El guion fue escrito por Aya Watanabe, también autora de la anterior película mencionada. Fue el tercer guion realizado por Watanabe, para el cual dedicó cinco años de sumo cuidado debido a la importancia que había puesto sobre la historia. La idea básica era abordar la idea universal de que en el fondo, todos los seres humanos estamos solos. 

Aunque la película aborda esa soledad mediante un grupo de ancianos gais, también lo hace a través del personaje de Saori, que odia a su padre por haberle abandonado pero desarrolla un vínculo con su joven amante. Otra tema abordado por Watanabe es el de la necesidad de superar problemas pasados, que puedan ejercer una evidente barrera en nuestro presente. En el Festiva del Cine Nippon Connection, la película se hizo con el Premio Nippon Cinema.
 

CRÍTICA PERSONAL

Parece que la vejez es un tema que se aborda poco en el cine de temática gay, quizás porque evidencie una realidad irrefutable. A mi siempre me ha parecido que es una idea que tiene el potencial de generar grandes historias, y esta es una de esas ocasiones. La idea de una residencia de ancianos gay no solo me pareció interesante, sino que logró acaparar mi interés. La película aborda el tema de la soledad y las problemáticas que genera a los ancianos homosexuales. 

Sin familia directa, y ante la posibilidad del rechazo por parte de otros familiares, debido a la orientación sexual, el problema es evidente. La historia logra capturar esa tristeza, aunque la mezcla con ciertas dosis de humor para aliviarla. El personaje de Saori es excepcional, porque nos muestra el otro lado del drama. Saori fue abandonada por su padre gay, pero no desarrolla homofobia limitándose a concentrase en ese abandono. De ahí desarrolla la creencia de lo importante que es ser fiel a si mismo, ya no por el daño que te puedas provocar, sino también por el que puedas generar a los demás. No odia a su padre por no ser gay, sino por no haberlo aceptado antes de que provocara daños colaterales. De hecho, me encanta la escena en la que está a punto de mantener relaciones con Haruhiko. Saori detiene el avance del joven porque se percata de que nunca le podrá dar lo que desea, y escoge ser fiel a la verdad en lugar a sus deseos.
El reparto que interpreta al grupo de ancianos es entrañable, aunque en ocasiones poco creíbles. 

La escena en la que acuden a la discoteca es divertida e ingeniosa, y el desarrollo de su relación con Saori está muy bien llevado y es creíble. Luego esta el personaje del niño homófobo que termina arrepintiéndose e intenta ayudar a los ancianos.
Principalmente creo que el grupo de ancianos tiene personajes muy poco creíbles, en particular los transexuales que parecen meras caricaturas. Parece mentira que no se pudieran contratar a actrices transexuales para dichos papeles. Los actores no están a la altura de las circunstancias. El final es demasiado abrupto, mostrándonos una crisis afectiva entre los personajes, para que en cinco minutos se reencuentren sin conflictos.  
 
CALIFICACIÓN
7- Bastante bien

EL AMOR ES EXTRAÑO

TÍTULO ORIGINAL

Love Is Strange

AÑO DE ESTRENO

2014

DIRECCIÓN

Ira Sachs

PRODUCCIÓN

Ira Sachs, Lucas Joaquin, Lars Knudsen, Jayne Baron Sherman, Jay Van Hoy

GUION

Ira Sachs, Mauricio Zacharias

REPARTO

John Lithgow (Ben Hull), Alfred Molina (George Garea), Marisa Tomei (Kate Hull), Charlie Tahan (Joey Hull), Cheyenne Jackson (Ted), Harriet Sansom Harris (Honey), Darren Burrows (Elliot Hull), Christian Coulson (Ian), John Cullum (Padre Raymond), Adriane Lenox (Directora), Manny Perez (Roberto), Sebastian La Cause (Marco), Christina Kirk (Mindy), Tank Burt (Doreen), Jason Stuart (Oficiante), David Bell (David), Michael J Burg (Camarero), Christopher King (Abogado)

CINEMATOGRAFÍA

Christos Voudouris

MÚSICA
Inaplicable

VESTUARIO

Arjun Bhasin

PAÍS DE ORIGEN

Estados Unidos

DISTRIBUCIÓN
Sony Pictures Classics

DURACIÓN
94 minutos

GEORGE GAREA: Queridos padres, a estas alturas ya conocerán mi feliz noticia y mi triste noticia. Poder casarme por fin con Benjamin Hull, mi compañero durante casi cuarenta años en una pequeña ceremonia aquí en Nueva York, fue uno de los momentos más felices de mi vida. Por desgracia, luego supe que no podía seguir dando clases de música en el Saint Joyce. La mayoría de ustedes y todo el colegio sabían que soy homosexual, y que Ben es mi compañero de toda la vida. Siempre he recibido apoyo de todos, por lo cual les estoy agradecido. También deseo recalcar que comprendo que lo que ha pasado no es culpa del Saint Grace ni de su directiva. Sin embargo, sí les animo a aprovechar esta oportunidad para entablar una conversación con sus hijos acerca de si se ha hecho o no justicia. Lo último que quiero que aprendan de todo esto, es que deben ocultar lo que son o lo que piensan si creen que puede traerles problemas. La vida nos pone obstáculos, pero aprendí muy joven que siempre son menores si los afrontamos con sinceridad. Creo que el mundo es mejor cuando las personas no mienten. Como dijo San Pablo en su carta a los Corintios: ‘el amor no se alegra de la injusticia, sino que se regocija con la verdad.

SINOPSIS

Ben y George viven en Manhattan y llevan juntos como pareja treinta y nueve años. Debido a la legalización del matrimonio gay, deciden casarse finalmente. George es un profesor de música en un colegio católico, y cuando su matrimonio es descubierto resulta fulminantemente despedido. Sin su sueldo, la pareja de recién casados ya no se puede permitir conservar su apartamento en Manhattan. Cada uno de ellos se ve obligado a pedir ayuda a sus respectivas familias y conocidos, motivo por el que acaban separados. Ben se traslada a Brooklyn con su sobrino Elliot, su esposa novelista Kate y su sobrino adolescente Joey. Por su parte, George es acogido por una joven pareja gay, que eran sus vecinos y trabajan como policías.

Aunque todavía forman un matrimonio, Ben y George añoran su mutual compañía cada vez más, y buscan la forma de pasar algo de tiempo juntos. 

Al mismo tiempo, aquellos que han decidido acogerles se ven obligados a lidiar con las dificultades de tener que convivir con una persona más, en un espacio diseñado para menos. La evidente diferencia generacional también supondrá una barrera considerable. El conflicto surgirá cuando ambas partes comiencen a plantearse si realmente son capaces de lidiar con los cambios que han sufrido.

CURIOSIDADES

Mauricio Zacharias cooperó con el director Ira Sachs para elaborar el guion. La idea surgió del deseo de ambos de explorar el amor maduro y contar la historia de una de esas escasas parejas homosexuales que había logrado permanecer unida durante décadas y todavía experimentaba la felicidad. Zacharias declaró que cada vez que se encontraba cerca de una de esas parejas sentía la calidad y paz que aportaba el amor que había conseguido perdurar, algo que raramente había sido explorado en la gran pantalla. Fue de esa forma que el proyecto de esta película surgió, con la imagen de dos hombres mayores en la setentena que habían logrado encontrar el amor.

Ira Sachs deseaba realizar el mismo tipo de proyecto, pero por motivos diferentes. Se había inspirado en una pareja en concreto, la de su tío abuelo y su amante. Los dos eran hombres y habían estado juntos durante cuarenta y cinco años. El amante de su tío abuelo se llamaba Ted Rust, era un escultor, y había fallecido a la edad de noventa y nueve años. Había logrado llevar una vida creativa y completa, por la que Sachs aspiraba profundamente. El director era muy consciente de la generación gay que había llegado a la vejez, y sentía verdadera admiración por ella. De esta forma decidió que la película sería una elegía hacia dicha generación, que además había experimentado una vida con diferentes oportunidades de las que la generación actual gozaba.

Tanto Sachs como Zacharias combinaron sus diferentes ideas, personajes y situaciones para dar forma y estructura al proyecto. Editaron el primer borrador del guion conjuntamente hasta que quedaron satisfechos con el resultado que los llevaría a crear la película final.

CRÍTICA PERSONAL

Hay que empezar elogiando a un reparto sobresaliente. John Lithgow y Alfred Molina emocionan a lo largo de  toda la película, y casi lamento que no recibieran más escenas a lo largo de la trama. Fue agradable por una vez ver la historia de una pareja de avanzada edad, que lleva décadas unida. No se puede negar que este tipo de historias no abundan en el cine de temática gay. Los dos protagonistas despiertan una empatía verdaderamente profunda, y su historia consigue conmover. Al mismo tiempo me gustó ese contraste entre las relaciones familiares cuando cada uno va por su lado, contra la situación cuando uno se percata de que acoger a una persona supone ciertas complicaciones. De alguna forma, la película consigue abordar cierto grado de hipocresía que existe en toda familia, independientemente de orientaciones sexuales.

Otro aspecto que me impactó fue la evolución del personaje de Ben con su sobrino. Uno podría cogerle manía al último, pero yo entendí su frustración al ver su habitación invadida, porque a mí me pasó algo similar a su edad. Que el final de la película regrese al personaje del sobrino fue toda una genialidad que no quiero estropear.

Para mí el único problema fue que la base de la trama no estaba bien establecida, no era creíble. Se nos introduce a una pareja inteligente, que no ha ahorrado, y a la que nadie en su familia o círculo de amigos puede acoger conjuntamente pero sí de forma separada. No existe el concepto de habitación de invitados en un lujoso apartamento de Manhattan, ni en la residencia de una familia acomodada y con hijo único. Fue lo único que chirrío, la falta de credibilidad.

CALIFICACIÓN

8- Notable

LA ESCALERA

TÍTULO ORIGINAL

Staircase

AÑO DE ESTRENO

1969

DIRECTOR

Stanley Donen

PRODUCTOR

Stanley Donen

GUION

Charles Dyer

REPARTO

Richard Burton (Harry Leeds), Rex Harrison (Charlie Dyer), Cathleen Nesbitt (Madre de Harry), Avril Angers (Señorita Ricard), Stephen Lewis (Jack), Beatrix Lehmann (Madre de Charlie), Pat Heywood (Enfermera), Michael Rogers (Cantante Drag), Royston Starr (Cantante Drag), Jake Kavanagh (Chico del coro), Dermot Kelly (Sepulturero), Gordon Heath (Cartero), Neil Wilson (Policía), Shelagh Fraser (Monitora de scouts), Gwen Nelson (Matrona)

CINEMATOGRAFÍA

Christopher Challis

BANDA SONORA

Dudley Moore

VESTUARIO

Clare Rendlesham

PAÍS DE ORIGEN

Reino Unido

DISTRIBUCIÓN

20th Century Fox

DURACIÓN
96 minutos

HARRY LEEDS: Tú y tu puto sarcasmo. Para ti es fácil, conservas tu figura. Pero yo estoy acabado, aunque por dentro sigo siendo el mismo. Por dentro llevo pantalones italianos ajustados, Charlie. ¿Pero quién lo sabe? ¿Quién quiere verme con pantalones ajustados? Soy como la oreja de una cerda, un símbolo fálico, marchitado y pasado de moda.

CHARLIE DYER: Que cosas tan sucias dices. Mantén el orgullo, mantenlo.

HARRY LEEDS: He renunciado a esperar comprensión de tu parte.

CHARLIE DYER: ¿De qué te quejas? ¿De qué te quejas? Todos nos devaluamos. ¿Qué me dices de mis varices? Mis piernas son como perchas de loro cagadas.

HARRY LEEDS: Tú todavía eres guapo por fuera.

CHARLIE DYER: Oh, vale.

CHARLIE DYER: Estoy tan asustado Harry.

HARRY LEEDS: No tengas miedo Charlie; no tengas miedo. Ya veremos; ya veremos. Construiremos una escalera que llegue hasta el cielo, y no estaremos solos volando tan alto. ¿Has intentado rezar Charlie?

SINOPSIS

Harry y Charlie han sido pareja durante treinta años. A pesar de tenerse verdadero cariño, tienden a enfrentarse en ataques verbales bastante crudos, con la intención de hacerse daño pero al mismo tiempo para admitir que siguen necesitándose a pesar del paso del tiempo. Ambos viven encima de la peluquería de Harry, denominada “Chez Harry”. Con ellos vive la madre de Harry, una anciana inválida y propensa a los ataques de histeria. Este no es el único problema  de Harry, que sufre de alopecia cubriéndose con un turbante, y negándose a llevar la peluca que tiene, debido a sus crecientes inseguridades. Charlie es un antiguo actor que vive del legado de un simple anuncio televisivo, y su trabajo más famoso, que todavía se emite. 

Sin embargo conserva el ego característico de su profesión.

La relación de ambos perdura a pesar de los constantes ataques entre ambos, con Charlie culpando a Harry de desear su fracaso para que pueda desarrollar una relación más dependiente hacia él. La tensión entre ambos aumenta cuando Charlie recibe una citación para ser juzgado, tras haberse insinuado a un agente de policía sin ser consciente de su identidad. Otro inminente evento que no ayuda a la situación es el de la visita de Cassie, hija de Charlie a la que no ha visto desde que naciera veinte años atrás.

CURIOSIDADES

Se trata de la adaptación de la obra de teatro del mismo título de Charles Dyer, encargado de adaptarla, estrenada tres años atrás del estreno del film. La obra original solamente contenía a los dos personajes protagonistas, una pareja gay de avanzada edad que reside encima de la peluquería que poseen en el East End de Londres. 

Los personajes se llaman Charles Dyer, nombre del guionista, y Harry Leeds, anagrama de su propio nombre. La acción tenía lugar durante el transcurso de una noche, en la que la pareja discutían su pasado volátil aunque lleno de cariño, y lo que supondría el futuro si no estuvieran el uno con el otro.

Al adaptar su obra para crear la película, Dyer amplió la historia para incluir el barrio de sus personajes protagonistas, añadió varios personajes como sus respectivas madres, y amplió el periodo de la trama a un total de diez días. Debido a las leyes de impuestos en el Reino Unido, las estrellas del film insistieron en que la película fuera rodada en Paris. Este requisito aumentó considerablemente al presupuesto y los ya inflados sueldos de los actores. Rex Harrison cobró un millón de dólares, y Richard Burton un millón doscientos cincuenta mil. Elizabeth Taylor, casada entonces con Richard Burton, se encontraba rodando “El Único Juego de la Ciudad” (1970) al mismo tiempo que la película se encontraba en producción.

Aunque la trama de su película se tenía lugar en Las Vegas, Taylor exigió rodar en Paris al director George Stevens para poder estar cerca de su marido. Esto también incrementó considerablemente el presupuesto de su película.

La película fue un fracaso de taquilla y vapuleada por la crítica y sectores reivindicativos de la comunidad homosexual. Muchas asociaciones tildaron el film de homófobo y concretarse en estereotipos dañinos.

CRÍTICA PERSONAL

Empezaré criticando esa hipocresía de la época que tilda la película de homófoba. Esto generalmente es resultado de lo que denominaría “plumofobia”. La película me pareció formidable y no se concentró en ningún tipo de estereotipos. He tenido la suerte de conocer a muchas personas similares a los protagonistas, y no creo que nadie deba de decidir cómo deben de ser o actuar.

Dicho esto, la historia es extraordinaria al reflejar la vida de una pareja gay de ya avanzada edad, con sus miedos, problemas, alegrías, angustias, y discusiones. La película aborda diferentes temas, mayormente esa inevitabilidad del pasar los años y el miedo que conlleva. El personaje de Harry me pareció especialmente fascinante por sus inseguridades, miedos y negación del pasar de los años, cuando se ve enfrentado a esa realidad al cuidar de su anciana madre. Por su parte el personaje de Charlie se enfrenta también a esos temores, más el definitivo que es acabar solo y condenado. En términos generales me pareció una película muy arriesgada y valiente para su década, ya que trataba determinados temas que eran todavía tabú. 

CALIFICACIÓN

10- Sobresaliente

AMOR Y MUERTE EN LONG ISLAND

TÍTULO ORIGINAL

Love and Death on Long Island

AÑO DE ESTRENO

1997

DIRECTOR

Richard Kwietniowski

PRODUCTORES

Steve Clark Hall, Christopher Zimmer

GUION

Richard Kwietniowski

Basado en la novela de Gilbert Adair

REPARTO

John Hurt (Giles De’Ath), Jason Priestley (Ronnie Bostock), Fiona Loewi (Audrey), Sheila Hancock (Señora Barker), Harvey Atkin (Lou), Gawn Grainger (Henry), Elizabeth Quinn (Señora Reed), Maury Chaykin (Irving Buckmuller), Linda Busby (Señora Abbott), Bill Leadbitter (Eldridge), Anne Reid (Maureen), Danny Webb (Dependiente de videoclub), Andrew Barrow (Harry), Dean Gariss (Rob), Robert McKewley (Ayudante de videoclub)

CINEMATOGRAFÍA

Oliver Curtis

BANDA SONORA

Richard Grassby-Lewis

VESTUARIO

Martha Curry, Andrea Galer

PAÍS DE ORIGEN

Canadá

DISTRIBUCIÓN

Cinepix Film Properties, Lions Gate Films

DURACIÓN
93 minutos

GILES DE’ATH: Ronnie, no hay nada más solitario que la vida de un artista. Ya lo descubrirás por ti mismo de un modo doloroso. Uno anhela la dulzura sin saber dónde buscarla. Yo la he encontrado en ti.

RONNIE BOSTOCK: Fantástico.

GILES DE’ATH: Tengo otra cosa que confesarte. No te he citado aquí para despedirme, sino para hacerte una oferta.

RONNIE BOSTOCK: ¿Una oferta?

GILES DE’ATH: Estoy dispuesto a dedicarme a tu carrera.

RONNIE BOSTOCK: Vaya. Giles… yo, me siento honrado. No sé que decir. Ven a Los Ángeles, podemos trabajar juntos.

GILES DE’ATH: No, olvídate de Los Ángeles, deja eso atrás. Tu futuro está en Europa.

RONNIE BOSTOCK: Giles, mira, yo tengo que ir paso a paso. Aunque seguro que a Aud le encantaría volver a Europa. Sería muy divertido y además…

GILES DE’ATH: ¿Divertido? Es un punto de inflexión en tu vida.

RONNIE BOSTOCK: Yo no tengo contactos allí. Aquí la gente me conoce.

GILES DE’ATH: ¿Cómo que, Ronnie? ¿Cómo qué?

RONNIE BOSTOCK: Oye, estaremos en contacto

GILES DE’ATH: Escúchame Ronnie, en Europa se da a menudo el caso de que un joven se beneficie de la sabiduría y experiencia de alguien de más edad. De hecho hay casi una tradición de ese tipo de amistad. Cocteau y Radiguet… Verlaine y Rimbaud.

RONNIE BOSTOCK: ¿Rambo?

GILES DE’ATH: Arthur Rimbaud, un poeta francés. Era el amante de Paul Verlaine.

SINOPSIS

Giles De’Ath es un escritor británico que ha vivido ignorando todo avance tecnológico del siglo XX. Un día sale de su casa olvidando sus llaves y decide acudir a ver una película de E.M. Foster cuando empieza a llover. Sin embargo, entra de forma accidental en una sala que está emitiendo la comedia adolescente “Orgía en la Universidad II”. A punto de marcharse, decide quedarse al quedar fascinado con el actor Ronnie Bostock. 

A partir de ese momento, Giles desarrolla una obsesión por el atractivo actor, recopilando artículos, fotos, y llegando a comprar una televisión y un video para poder ver todas sus películas. Llega a ordenar a su asistenta que acuda menos a menudo a casa para preservar su intimidad y nueva obsesión.

A medida que su atracción hacia el joven aumenta, Giles decide tomarse unas vacaciones y viajar a Estados Unidos. Allí acude a Long Island, Nueva York, donde el joven actor reside. Tras buscarle por la zona, se encuentra con la novia del actor, Audrey, en un supermercado. Giles fuerza un encuentro entre ambos y no tarda en ganarse la confianza de la joven, que ve en el escritor la oportunidad de que Ronnie salga de su encasillamiento cinematográfico. Finalmente, Giles y Ronnie se conocen personalmente.

CURIOSIDADES

La película está basada en la novela del mismo título escrita por Gilbert Adair y publicada por éste en el año 1990. 

John Hurt ya contaba con una reputada carrera como actor; mientras que a la edad de veintiséis años, Jason Priestley había alcanzado el estrellato por su papel en la serie de televisión “Beverly Hills, 90210” (1990). Encasillado en el papel de atractivo adolescente, Priestley vio en esta película la oportunidad de salir de dicho encasillamiento. El joven actor sintió que podía sentirse identificado con el personaje, ya que este era irónicamente un actor de películas adolescentes deseoso de que su carrera alcanzara un nivel de más seriedad más elevado.

La película fue rodada en Nueva Escocia, Canadá, sirviendo dicho entorno para reemplazar al de Long Island, Nueva York. Antes de que el rodaje comenzara, John Hurt y Jason Priestley fueron presentados allí, y dedicaron un tiempo para conocerse mejor mientras exploraban Halifax. La idea era que desarrollaran un grado de amistad para que la conexión entre sus personajes fuera más verosímil.

Años más tarde, Priestley declaró como Hurt le había ayudado y aconsejado, así como haber aprendido mucho del experimentado actor.

CRÍTICA PERSONAL

Habría que remontarse a la cultura griega para establecer los orígenes de la relación entre tutor y pupilo, y como esta iba más allá del aprendizaje adentrándose en terrenos sentimentales o sexuales. La película me pareció muy original al abordar dicha temática aplicada a la era moderna, aunque el resultado no fuera el esperado. El film mezcla situaciones cómicas con otras más dramáticas, principalmente alrededor del personaje de Hurt. El principio de la película tiene momentos de comedia extremadamente inteligente, mostrando al inexperto personaje adentrarse por primera vez en el mundo de la tecnología que tanto ha ignorado durante décadas. Pero al mismo tiempo, ese aspecto supone un elemento dramático en que el espectador se ve obligado a apreciar la triste soledad del personaje.

Hurt y Priestley mantienen una excelente química, aunque el primero eclipsa al segundo con diferencia. La amistad y respeto que sus personajes desarrollan el uno hacia el otro está bien desarrollada y es creíble. Por otro lado me complació como la obsesión del personaje de Hurt por el de Priestley se va convirtiendo en cariño verdadero e incluso amor, de una forma convincente. En términos generales me pareció una gran película que aborda de forma excelente el vacío entre la belleza de la juventud y el inevitable paso del tiempo.

No hay nada negativo que yo haya sido capaz de encontrar en esta película.

CALIFICACIÓN

10- Sobresaliente

HOMBRES, HOMBRES, HOMBRES

TÍTULO ORIGINAL

Uomini, Uomini, Uomini

AÑO DE ESTRENO

1995

DIRECTOR

Christian De Sica        

PRODUCTOR

Aurelio De Laurentiis

GUION

Christian De Sica, Enrico Vanzina

REPARTO

Christian De Sica (Vittorio Mannino), Massimo Ghini (Sandro Di Nepi), Leo Gullotta (Tony Piraino), Alessandro Haber (Dado Piccioni), Monica Scattini (Simonetta), Paco Reconti (Luca), Carlo Croccolo (Peppino), Paolo Conticini (Alex Giannetti), Fabrizio Accordino (Davide), Giovani Acanfora (Muchacho), Acostina Cosco (Sarta Tony), Paolo Gasparini (Michele), Giordana Gey (Paciente de Dado), Maria Teresa Mosci (Cliente de Tony), Sofia Nicole (Carlo), Carla Pampaloni (Patrizia), Fabrizia Sacchi (Anna Farnesi), Elisabetta Tassan (Marta), Carlos Valles (Eddy), Lucia Guzzardi (Madre de Tony)

CINEMATOGRAFÍA

Gianlorenzo Battaglia

BANDA SONORA

Manuel De Sica          

VESTUARIO

Nicoletta Ercole          

PAÍS DE ORIGEN

Italia

DISTRIBUCIÓN

Filmauro

DURACIÓN
83 minutos

DIRECTOR DEL COLEGIO: ¿Puedo darle un consejo? Cuando vea a tu hijo, cuando estén juntos, haga que se dé cuenta de que puede contar con su padre. Que estará ahí incluso cuando no lo esté. Eso es ser un padre normal.

SANDRO DI NEPI: ¿Sabe cuál es el peor defecto de la gente? No tener el valor de decir lo que en realidad quieren decir. Sin embargo, incluso si yo no soy lo que se definiría como normal, creo que siempre seré un buen padre.

VITTORIO MANNINO: Antes te estaba observando con tu nueva esposa, y me di cuenta de una cosa: que te has enamorado. ¡Que imbécil!

ALEX GIANNETTI: Vittorio, cuando hablamos en el estudio te dije una mentira. No es verdad que nunca te…

VITTORIO MANNINO: ¿Qué?

ALEX GIANNETTI: A todos nos cambia la vida.

VITTORIO MANNINO: A mí no. Es mejor que sea así.

SINOPSIS

Sandro, Dado, Tony y Vittorio son cuatro homosexuales que han sido buenos amigos durante veinte años. Dado es un productor de televisión que descubrió su homosexualidad tras haberse casado y tenido un hijo. Dado es un cirujano ortopédico de gran éxito. Tony es un sastre exclusivo para mujeres que vive con su posesiva madre. Finalmente, Vittorio es un arquitecto que lleva enamorado de su joven asociado durante años en el trabajo. Los cuatro han compartido momentos divertidos, problemas, aventuras y más de una decepción. A menudo están acompañados de su buena amiga Simonetta, que recientemente ha revelado su intención de quedarse embarazada de un atractivo joven para ser madre.

Sin embargo, el mundo homosexual de este pintoresco grupo ha cambiado radicalmente, y los cuatro encuentran dificultad para encajar en ese nuevo modelo a medida que envejecen. Dado debe fortalecer sus vínculos con su hijo adolescente. 

Tony no es capaz de llevar a cabo sus proyectos al verse atado a su madre. Dado se siente cada vez más frustrado con su aspecto físico. Vittorio descubre que Alex pretende casarse con una mujer y abandonar su empresa. La amistad de los cuatro se verá puesta a prueba a medida que se enfrenten a sus respectivas crisis.

CURIOSIDADES

Christian De Sica nació en Roma, Italia, siendo el segundo hijo del director de cine italiano Vittorio De Sica y la actriz española María Mercader. Su tío fue Ramón Mercader, asesino de Leon Trotsky. Con ayuda de su padre, Christian de Sica fue capaz de dar sus primeros pasos en el mundo del cine con maestros y mentores de la talla de Roberto Rossellini, Pupi Avati o Salvatore Samperi.

Se encargó de escribir el guion de “Hombres, Hombres, Hombres” así como de dirigir el proyecto. También interpretó al personaje de Vittorio Mannino en la película, rompiendo el cliché que siempre le había llevado a interpretar amantes latinos en diversas comedias. 

Al considerar que estaba encasillado como actor, aprovechó la oportunidad de romper con esa convención interpretando a un personaje homosexual, al que además dio el nombre de su padre. Cuando le explicó al productor su deseo de interpretar a un personaje homosexual, éste creyó que se había vuelto loco. Describió la película como puramente latina, con un sentido del humor que había aprendido de su país y su padre. Según él, los franceses consideraban esa fórmula como inadmisible, ya que solo los italianos y españoles sabían cómo exorcizar la vida a través del humor.

También evito utilizar cualquier punto de vista heterosexual en la película, buscando personajes capaces de coger la vida por los cuernos, enfrentándose al estereotipo de la “loca frágil y débil”. Para ello se inspiró en personajes históricos como Leonardo da Vinci o Luchino Visconti. Fiel admirador de Pedro Almodóvar, se preguntó que hacía que su forma de abordar la homosexualidad en sus películas fuera aceptada en países cuya cultura estaba basada en la idea del macho ibérico. 

También negó que su estilo fuera provocativo, prefiriendo poner detrás de cada historia un poquito de bondad, tal y como hacía su padre.

CRÍTICA PERSONAL

Aunque bastante vapuleada por la crítica, a día de hoy no me disgusta esta película. Es cierto que la primera vez que la vi era un veinteañero y me fue más difícil digerirla; pero dos décadas más tarde la aprecié mucho mejor. En cierto modo me recuerda al clásico “Los Chicos de la Banda” (1970), mostrando a un grupo de amigos que son representados de forma realista e imperfecta. También evoca a un cambio en el estilo de vida que llevaba una generación en el mundo gay, teniendo que hacer una transición radical a punto de entrar en el nuevo milenio. Los personajes tienen momentos divertidos, empáticos y también muestran el lado más oscuro de sus personalidades. Pero ante todo, prevalece la amistad entre ellos, y es que si tuviera que subrayar algo en este film es lo crucial e importante de la amistad.

El gran problema es que la idea central no termina por desarrollar un desenlace satisfactorio. A pesar de los distintos contratiempos, los personajes no ha evolucionada para cuando la trama llega a su fin. En ocasiones, la mencionada amistad del grupo no es verosímil porque no ha sido bien establecida de ningún momento. El director parece dar por sentado que el espectador va a asumir determinados aspectos de la historia sin haberlos definido previamente.

CALIFICACIÓN

7- Bastante bien