MY LIFE WITH JAMES DEAN

TÍTULO ORIGINAL
Ma vie avec James Dean
AÑO DE ESTRENO
2018
DIRECCIÓN
Dominique Choisy
PRODUCCIÓN
Nathalie Algazi, François Drouot, Marie Sonne-Jensen
GUION
Dominique Choisy
REPARTO
Johnny Rasse (Géraud), Mickaël Pélissier (Balthazar), Nathalie Richard (Sylvia), Juliette Damiens (Gladys), Marie Vernalde (Louise), Bertrand Belin (Maxence), Yannick Becquelin (Jimmy), Tancredi Volpert (Ludwig), Sophie Matel (Catherine), Julien Graux (Tony), Tajamul Faqiri-Choisy (Milad, cantante, Maharajá), Eric Goulouzelle (Bertrand), Françoise Lebrun (Madre de Géraud)
CINEMATOGRAFÍA
Laurent Coltelloni
MÚSICA
Bertrand Belin
VESTUARIO
Céline Mombert
PAÍS DE ORIGEN
Francia
DISTRIBUCIÓN
Contre-Allée Distribution
DURACIÓN
108 minutos
 

BALTHAZAR: Te quiero.
GÉRAUD: ¿Perdona?
BALTHAZAR: Ya me has oído. Te quiero.
GÉRAUD: ¿Pero, por qué?
BALTHAZAR: No sé por qué.
GÉRAUD: No me conoces.
BALTHAZAR: Sí, vi tu película.
BALTHAZAR: No es motivo para enamorarse.
GÉRAUD: Para mí sí lo es.
GÉRAUD: Venga ya, es una película. No soy yo.
BALTHAZAR: ¿De verdad? ¿No pensaste alguna vez que eras James Dean para escapar del mundo real? Yo creo que lo hiciste.
GÉRAUD: Para nada, lo inventé. Es una película. Nunca pensé que era James Dean. Él es cómo…
BALTHAZAR: ¿Cómo qué?
GÉRAUD: Cómo nada.  Es halagador que te enamores de mí, pero no me viene bien, y no sirve de nada.
BALTHAZAR: ¿El amor es útil?

 
SINOPSIS
Géraud Champreux es un cineasta de Paris, que acaba de dirigir su nueva película "Mi vida con James Dean". El joven es invitado a un modesto festival de cine en un pueblo costero del norte de Francia, área de Normandía. Nada más llegar se encuentra con que la mujer que lo había invitado no se encuentra allí para recibirlo. Al acudir a la proyección de su película, el portero le trata con diferencia. También le deja claro que un pueblo como en el que se encuentran, solo funcionan las comedias y las películas de acción norteamericanas. Dentro del cine conoce a un joven de gran altura llamado Balthazar, que es el encargado de cobrar y proyectar la película. Géraud se lleva su primera decepción al observar que solo hay una espectadora para ver su obra. Balthazar se queda más impresionado al ver que la película es una historia cargada de homoerotismo gay.

Al día siguiente, Géraud recibe la visita de Catherine, encargada del festival que además tenía que haberlo recibido. Catherine esta sumida en el llanto porque acaba de romper con su pareja Louise, motivo por el que no acudió a recibirlo. Por otro lado, la encargada del hotel, Gladys, ha llegado a la conclusión de que será la próxima estrella en una película de Géraud. Balthazar declara de forma repentina haberse enamorado de Géraud, quien tiene una complicada relación con el actor protagonista de su película. Por otro lado tenemos a una misteriosa anciana, que es la única asistente a las proyecciones del joven director. Entre todo este caos, Géraud decide que ha llegado el momento de escribir su propio guion para desarrollar un nuevo proyecto.
 
CURIOSIDADES
La idea de la película surgió por casualidad, cuando Dominique Choisy se encontraba escribiendo el guion de una historia que tendría lugar en Buenos Aires. 

El proyecto incluía un papel de gran importancia para Johnny Rasse, a quien ya conocía. Sin embargo, el actor se hartó de esperar y le espetó que tardaría años en producir su película argentina, y que no quería escribir. Le preguntó por qué no creaba una historia más simple, que pudiera rodar de inmediato. En aquel momento Choisy estaba recorriendo varios cines de Francia para presentar su película " Les fraises des bois". Esto le llevó a preguntarle en broma si le gustaría que creara una película sobre un cineasta que recorriera el país para responder preguntas sobre la película que había dirigido. Para su sorpresa, Rasse le preguntó: ¿Por qué no?"
En una conversación posterior, Rasse le comentó que cuando era más joven solía viajar a Le Tréport, ciudad en la que tiene lugar la película. Acudía con sus amigos para ir de bares y comportarse como un "tipo duro", por lo que le llamaban el James Dean de Le Tréport. Las dos ideas se fusionaron en la cabeza de Choisy, y esa misma noche dejó de escribir su película argentina y comenzó a escribir "Mi vida con James Dean". 

El director reconoció no incluir ningún aspecto autobiográfico. Solo tenía en común con el personaje el acudir a presentaciones de sus películas. Llegó a reconocer que en ocasiones apenas había tenido espectadores. Al igual que el protagonista, había experimentado la sensación de soledad en lugares extraños.
Choisy siempre se ha mostrado en contra de los procesos de casting, y prefería seleccionar a sus actores en obras de teatro, escuelas de arte dramático y otros sitios. Su sistema se basaba en ver al alguien que le inspirara y escribirle un papel. Conoció a Michkäel Pellisier en un curso de arte dramático donde daba clase, y supo que necesitaba crear al personaje de Balthazar para él.
 
CRÍTICA PERSONAL
Cuando comencé a leer entrevistas a Choisy sobre la película, logré confirmar lo que me parecía observar en la película. Y es que la película tiene un gran premisa, pero es fácil ver que fue creada con prisa y sin prestar demasiado atención a la cohesión de la trama. 

Es curioso, porque todos los actores realizan una gran labor, dado el caótico guion. Quizás por este motivo la película sigue atrayendo la atención, aunque en ocasiones se salga de su propio tiesto. La historia de amor esta bien establecida, pero luego se crean ciertos obstáculos para los personajes que se superan sin mayor esfuerzo para un final apresurado. El entorno de un pueblo poco acostumbrado a películas homoerótico no se explota en absoluto. Apenas tenemos un puñado de personajes que no le hacen vacío al protagonista, por lo que se explota su sensación de soledad en un entorno que bien pudiera ser hostil. La aportaciones de algunos personajes es cuestionable, y el misterio de la anciana que asiste al cine resulta ser revelado con premura. Aún así, encontré que la película era interesante, y me gustó que defendiera un poco ese amor a primera vista por parte de Balthazar, que a menudo olvidamos como adultos.
 
CALIFICACIÓN
6- Bien

NADIE NOS MIRA

TÍTULO ORIGINAL
Nadie nos mira
AÑO DE ESTRENO
2017
DIRECCIÓN
Julia Solomonoff
PRODUCCIÓN
Felicitas Raffo, Andrés Longares, Natalia Agudero Campillo, Nicolás Herreño Leal, Lúcia Murat, Jaime Mateus-Tique, Elisa Lleras
GUION
Christina Lazaridi, Julia Solomonoff
REPARTO
Guillermo Pfening (Nico), Rafael Ferro (Martín), Paola Baldión (Viviana), Mayte Montero (Marina), Asia Pfening (Theo 3 meses), Brian Leider (Padre moderno), Elena Roger (Andrea), Ana Carolina Lima (Tikki), Kerri Sohn (Claire), Pascal Yen-Pfister (Pascal), Cristina Morrison (Kara), Mirella Pascual (Mamá de Nico), Lisandra Payan (Yoli), Danielle Silva Dos Santos (Camila), Katherine Vásquez (Katty), Charlie Costi (Theo 10 meses), Petra Costa (Petra), Javana Mundy (Briana), Philipe Christodoulou (Kevin), Ruy Carlos Alonso (Turista brasileño), Adriana Ferreira Sebolt (Turista brasileña), Austria de Jesús (Empleada), Fernando Frías (Director mexicano)
CINEMATOGRAFÍA
Lucio Bonelli
MÚSICA
Sacha Amback
VESTUARIO
Marjory Castellanos
PAÍS DE ORIGEN
Argentina
DISTRIBUCIÓN
Primer Plano Film Group
DURACIÓN
102 minutos
 

NICO: Quería darte las gracias. Siempre fuiste generoso conmigo.
JEFF: Estaba enamorado de ti. ¿Sabes? He estado estudiando algo de español. Pero es complicado, especialmente eso de estar o ser. Quiero decir, es ‘"estoy triste’"o "soy triste".
NICO: Es complicado. Ser es permanente, ¿sabes? Estar es circunstancial.
JEFF: Así que en tu caso, "tú estás en Nueva York, pero tú eres en Buenos Aires".
NICO: No, lo que quieres decir es que soy de Buenos Aires.
JEFF: No, eso no es lo que quiero decir.
 
ANDREA: Parar, no te desubiques. Sos peor que Asunción, te metes, me juzgas. Al final Pascal tiene razón.
NICO: ¿A ver? ¿Qué dice Pascal?

ANDREA: Que no te puedes hacer cargo de tu fracaso; que te refugias en nuestro hijo; que jugas a ser su papá.
 
SINOPSIS
Nico es un joven actor argentino de treinta y cinco años, que se muda a Nueva York con la intención de forjarse una nueva carrera en la industria sin ayuda o conexiones. Desea estar cerca del desaliento de un posible fracaso, pero a menudo se ve cegado por ilusiones de un éxito inmediato. Ha abandonado una prometedora carrera interpretativa en Argentina, principalmente debido a una escabrosa ruptura con su mentor y productor Martín. Quizás por este motivo, tras llegar a Nueva York se muestra convencido de que su talento lo ayudara a reencontrarse con el éxito, y que de esta forma probará su valía. Sin embargo, todo resulta ser dificultades. Es demasiado rubio para interpretar un personaje latino, y su acento es demasiado marcado para interpretar un personaje americano.

Esto provoca que Nico se vea atrapado entre dos identidades, el exitoso actor sudamericano y el inmigrante intentando sobrevivir con diferentes trabajos hasta alcanzar el éxito. Sin embargo, consigue obtener ayuda de su antigua compañera de habitación Andrea, que tras casarse con el americano Pascal reside en Nueva York. Andrea le da trabajo como cuidador de su hijo de tres meses Theo, trabajo del que Nico se va sintiendo cada vez más dependiente. Las visitas de compañeros de profesión como Pablo complican su doble vida, y las cosas empeoran cuando Martín le visita. Su antiguo amante desea que regrese a su serie en Argentina, donde ha dejado a su personaje en coma para dejar abierta esa puerta del regreso. Sin embargo, martín esta casado y la relación que ha mantenido con Nico ha sido siempre tóxica.
 
CURIOSIDADES

Julia Solomonoff abordó la película como un proyecto acerca de las dificultades de los exilios autoimpuestos. El film narra como los placeres del anonimato y la libertad contratan con el dolor de la soledad y la perdida que dan forma a la experiencia inmigrante. El título hace referencia al hecho de que Nico es un actor conocido que en ese momento no tiene público, ni director, ni equipo, lo cual es algo serio para alguien de esa profesión. El guion intenta evitar analizar al protagonista, y se centra en narrar la historia desde su punto de vista. De esta forma no se crea un juicio ni se desarrolla condescendencia, con el único propósito de entenderle mostrando sus acciones. Solomonoff se reafirmó en esto al explicar que es una película subjetiva en su mirada. La directora aseguró no tener interés alguno en las ideas de juicios morales y aseguró preferir una relación más empática entre el espectador y el protagonista. Su deseo era que el espectador se pusiera en el lugar de Nico sin prejuicios. Literalmente afirmo: “Y eso para mí es una fuerza del cine. Me interesa mucho más usar el cine para generar empatías o conexiones que para emitir juicios o mensajes o crear héroes”.

La película fue rodada estacionalmente, más concretamente durante el transcurso de tres estaciones. Fue galardonada con el premio de desarrollo Heineken Voces del Festival de Cine de Tribeca de 2013.
 
CRÍTICA PERSONAL

La idea de un personaje que procede del mundo de la fama y el cine, y se ve sumergido en una atmosfera de fracaso me pareció francamente interesante. Nico es, efectivamente, un personaje que despierta cierto grado de empatía. Quizás el acierto de Solomonoff sea no mostrarnos como era en el mundo del que procedía, ya que a lo mejor nos hubiéramos encontrado con un personaje más rechazable. De hecho veo que la película nos muestra tres fases, la del exceso de confianza, jugando al anonimato entre las niñeras, pasando al de la cruda realidad de que ya nadie le mira, al regreso a casa ya cargado con una personalidad renovada gracias a la experiencia. Y es que el título es revelador para cualquiera, que como yo ha ido haciéndose mayor para descubrir que ya no le mira nadie.

Creo que la trama y el guion se queda corto, y que la ausencia escogida de diálogos no llega a funcionar del todo. Si bien la intención de Solomonoff era despertar conexión con Nico sin llegar a juzgarle, hay escenas que provocan que esto sea muy complicado. Señalaré el conflicto con Andrea debido a la utilización de su hijo para robar. Y es que la escena me parece metida un poco a calzador. Nico acaba bastante hundido sin una suficiente exposición, y se recupera para regresar sin una lograda evolución narrativa.
 

CALIFICACIÓN
6- Bien

BERLIN DRIFTERS

TÍTULO ORIGINAL
Berlin Drifters
AÑO DE ESTRENO
2017
DIRECCIÓN
Koichi Imaizumi
PRODUCCIÓN
Jürgen Brüning, Hiroki Iwasa, Claus Matthes
GUION
Gengoroh Tagame
REPARTO
Koichi Imaizumi (Koichi), Lyota Majima (Ryota), Mioo Sato (Mioo), Michael Selvaggio (Michael), Xiaogang Wei (Xiaogang), Calude Kotlz (Fotógrafo), Jochen Werner (Hombre de la plaza), Toby Ashraf (Hombre en coche), Christian Slaughter (Hombre en la oficina), Lupus (Hombre en el parque), Bishop Black (Hombre en el sótano), Katharina Zetti (Camarera), Uwe Röttgen (Amigo de Xiaogang), Sophie Lindenau (Amiga de Xiaogang), Wieland Spech (Amigo de Xiaogang), Florian Hagen (Artista alemán), Yuzuru Ikushima (Médico), Hiromi Imaizumi (Madre de Koichi), Tokio Imaizumi (Padre de Koichi)
CINEMATOGRAFÍA
Hiroki Taguchi
MÚSICA
PEixe-elétrico
VESTUARIO
Sin acreditar
PAÍS DE ORIGEN
Japón
DISTRIBUCIÓN
Habakari-Cinema+Records
DURACIÓN
123 minutos
 

RYOTA: Es alemán. Creo que a los europeos se les da bien el romance. En Holanda el matrimonio gay es legal. Si este romance sigue adelante, podría casarme con él. Puede que me lo proponga. En Japón, cuando te enamoras de otro tío, nunca piensas en casarte con él. Pero cuando estaba con él, a mi se me ocurrió. Podríamos casarnos. Nunca me he sentido así antes. Esto es algo nuevo para mí. Es increíble, nunca me lo hubiera imaginado. Es la primera vez que pienso en casarme.
KOICHI: ¿Matrimonio? Así que te casarás con él si te lo propone.
RYOTA: Sí, puede que sí.
KOICHI: ¿Tus padres sabes que eres gay?
RYOTA: No, no se lo he dicho.
KOICHI: ¿Y crees que te vas a casar? ¿Qué les vas a decir? Se llevarían un susto de muerte.

RYOTA: Supongo, eso es un problema.
KOICHI: Piensa un poco por una vez. ¿Vas a verle también hoy?
RYOTA: Sí, el romance continúa.
KOICHI: Sí, ya quisieras. Solo es sexo, ¿no es así?
RYOTA: Las dos cosas.
 
SINOPSIS
Ryota es un joven japones que ha viajado hasta Berlín con la esperanza de iniciar una relación con un hombre que ha conocido en la red. Nada más conocerse, los dos mantienen una intensa relación sexual. Sin embargo, la idea de iniciar una relación nunca había pasado por la mente del alemán, que solo buscaba aventuras de una noche. Ryota llegó con un billete abierto y le pide a su ligue que le permita quedarse en su casa un tiempo, pero éste se niega a aceptarlo. Por este motivo, el joven japonés acaba en un club nocturno, donde se somete sexualmente a un grupo. Es aló donde conoce a un hombre mayor llamado Koichi, que enseguida se siente atraído hacia el joven. 

Un amigo de Koichi le sugiere que acoja a Ryota en su casa, y Koichi no duda en hacerlo. Nada más llegar, ambos mantienen relaciones. Como Ryota quiere pasar más tiempo en Berlín, Koichi le ofrece alojamiento a cambio de sexo.
Koichi es un hombre muy solitario, y esa soledad ha comenzado a agobiarlo bastante. Aunque esta prendado de Ryota, el atractivo joven no para de vagar por las calles de Berlín, manteniendo una relación sexual después de la otra. Su arrogancia es tal, que comienza a desatender a Koichi y olvidarse del favor que le esta haciendo. Finalmente, Ryota conoce a un atractivo alemán, y se autoconvence de que ha encontrado el amor de su vida. Le comunica a Koichi que esta convencido de que su nuevo ligue acabará pidiéndole matrimonio y decide marcharse, dejándolo abandonado. Koichi queda devastado y pronto descubre que su madre esta a punto de morir y que además es seropositivo.
 

CURIOSIDADES
La película está dirigida y protagonizada por Koichi Imaizumi. En el Festival Internacional de Cine de Berlín de 2008, había presentado su película “Hatsu-Koi” (First Love), y regresó a Berlín para rodar “Berlin Drifters” en el año 2016. En “Hatsu-Koi” había mostrado el proceso en el que un estudiante de instituto lograba hacerse con su nueva identidad como gay. En esta ocasión decidió mostrar la historia de adultos de diferentes edades que se mudaban de Tokio a Berlín. El guion fue escrito por Gengoroh Tagame, un artista gay erótico japones conocido a nivel internacional. De hecho fue la primera vez que el artista escribía un guion.
La película muestra escenas explicitas de sexo que duran bastante tiempo, aunque siempre muestran el uso de preservativos. Una de las cuestiones que deseaban explorar si las condiciones que rodeaban a los hombres gais japoneses habían cambiado a lo largo de los años en relación al amor y el sexo. Se optó por usar Berlín como reflejo y médium para abordar estos temas. 

Para director y guionista era la versión gay del siglo XXI de “El Último Tango en París”, pero danzada por hombres que siguen flotando a la deriva en sus vidas.
 
CRÍTICA PERSONAL
Pocas veces tratan el tema de la soledad, desde el punto de vista del gay que es utilizado en su debilidad por un joven seguro de sí mismo. Esa fue la idea base de la película que yo observé, y que no fueron capaces de aprovechar.
Que haya alguien el 2017 que piense que incluir escenas explícitamente pornográficas en una película es una provocación que reta al espectador a pensar, me parece inverosímil. Es otro ejemplo de proyecto pretencioso que se queda en nada. Pueden añadir algún dialogo interesante e intentar profundizar, pero lo que tenemos es una película pornográfica. 

Los personajes no se desarrollan suficientemente. 

De hecho, si eliminamos las escenas porno, dudo que el metraje de dos horas llegue a media si quiera. El mensaje tampoco es revelador, y la trama es completamente previsible. Las interpretaciones son bastante mediocres. Ni siquiera el porno es convincente, y en ocasiones da la sensación de que Ryota esta siendo torturado. Más que provocarme, me dejó completamente perplejo, e incapaz de entender como alguien podía pensar que esta película podría funcionar.

Quizás tengamos otro caso de arrogancia en que el equipo creativo piense que nosotros somos el problema por no entenderles.

 
CALIFICACIÓN
3- Deficiente

AGAINST THE LAW

TÍTULO ORIGINAL
Against the Law
AÑO DE ESTRENO
2017
DIRECCIÓN
Fergus O'Brien
PRODUCCIÓN
Scott James Bassett
GUION
Brian Fillis
Basado en la novela Peter Wildeblood
REPARTO
Peter Mays (Peter Wildeblood), Richard Gadd (Eddie McNally), Paul Keating (Fanny), Mark Edel Hunt (Edward Montagu), Mark Gatiss (Doctor Landers), Richard Dillane (Fiscal Roberts), Charlie Creed-Miles (Superintendente Jones), David Robb (Lord Wolfenden), Josh Collins (Michael Pitt-Rivers), Daniel Betts (Abogado Rawlinson), Timoty Watson (Empleado de Assize), Barney White (Dan Starling), James Gaddas (Gobernador Cockayne), Claire Bond (Iris), Matthew Canny (John Reynolds), Mark Holgate (Tony), David Watson (Reportero de radio)
CINEMATOGRAFÍA
Johann Perry
MÚSICA
Roger Goula Sarda
VESTUARIO
Tami French
PAÍS DE ORIGEN
Reino Unido
DISTRIBUCIÓN
BBC
DURACIÓN
84 minutos
 

ABOGADO RAWLINSON: ¿Cómo describiría su relación con Edward McNally?
PETER WILDEBLOOD: Me encariñé de él. No tiene educación pero es inteligente. Mi trabajo me hacía vivir en un estilo que no terminaba de disfrutar. Así que me resultaba agradable relacionarme con alguien que era sencillo, sin pretensiones y afectuoso conmigo.
ABOGADO RAWLINSON: ¿Qué clase de cartas le estaba escribiendo?
PETER WILDEBLOOD: Eran cartas emotivas. Contenían palabras de cariño inusuales para ser intercambiadas entre dos hombres.
ABOGADO RAWLINSON: Y le escribió cartas similares.
PETER WILDEBLOOD: Me sentía muy solo en aquel momento.
ABOGADO RAWLINSON: ¿Está familiarizado con lo que ha sucedido con Oscar Wilde.
PETER WILDEBLOOD: Oscar Wilde fue acusado de sodomía. Nunca he cometido perversión o sodomía con nadie.

 
PETER WILDEBLOOD: Ha sido todo el amor que he conocido.
FISCAL ROBERTS: El arresto ha debido de suponer toda una carga sobre usted.
PETER WILDEBLOOD: Si naces invertido sexual siempre tendrás una carga sobre tu alma. Si hubiera alguna forma de librarse de ella tendría que estar agradecido, porque ha sido una desventaja para mí, y no me ha llevado a nada más que soledad e infelicidad.
FISCAL ROBERTS: No tengo más preguntas.
 
SINOPSIS
En el año 1952, la homosexualidad es considerada un crimen en el Reino Unido. Peter Wildeblood es un escritor tímido y amable que acaba de poner fin a su relación con una mujer. Poco después conoce a un cabo de la Real Fuerza Aérea llamado Eddie McNally, y ambos inicial una relación amorosa. 

Los dos permanecen en contacto escribiéndose cartas de amor, y tienen encuentros esporádicos. Con el tiempo, Wildeblood le presenta a sus amigos, Lord Montagu y su primo Michael Pitt-Rivers. Sin embargo, la correspondencia que Wildeblood mantiene con Edward acaba provocando que sea arrestado. Tanto Wildeblood como Montagu y Pitt-Rivers son sometidos a un juicio por indecencia y atentado contra la moral. Tanto Eddie McNally como Johnny Reynolds, conocido del círculo de Montagu, reciben inmunidad si testifican contra los tres miembros de la alta sociedad.
Durante el juicio, Wildeblood termina por confesar su propia homosexualidad y realiza un conmovedor alegato en relación a las dificultades que su sexualidad le ha provocado. Añadido a la devastadora traición de McNally, Wildeblood es condenado y enviado a prisión junto a Montagu y Pitt-Rivers. Una vez en prisión, Wildeblood mantiene una conducta ejemplar y decide aceptar la posibilidad de recibir un tratamiento que lo cure. 

Sin embargo, cuando se le propone un peligroso tratamiento de electroshock, vuelve a defender el hecho de que no debería estar en prisión por ser homosexual. Durante su encarcelamiento, es informado de la existencia del comité Wolfenden, establecido como respuesta a una creciente oposición al trato vejatoria que sufren los homosexuales. Esto provoca que Wildeblood comience a escribir su libro “Against the Law”, defendiendo el derecho de los homosexuales a vivir en paz.
 
CURIOSIDADES
Fergus O'Brien dirigió este proyecto televisivo para celebrar el cincuenta aniversario de la despenalización de la homosexualidad en el Reino Unido. La trama esta basada en el libro del mismo título escrito por Peter Wildeblood, y narra los hechos reales que llevaron a su encarcelamiento junto a Lord Montagu y Michael Pitt-Rivers. 

Los tres fueron enviados a prisión tras ser condenados por indecencia y sodomía. Wildeblood publicó el libro en 1955, pero todavía tendría que esperar casi una década para ver los logros de sus esfuerzos. En su libro describía las dificultades que sufrió por ser homosexual, así como los tratos vejatorios que sufrió en la Prisión Wormwood Scrubs durante su encarcelamiento. Su trabajo fue fundamental para la despenalización de la homosexualidad en su país.
La estructura de la película es muy similar a la estrenada diez años antes, “A Very British Scandal” (2007). Dicho proyecto también narra la historia de Peter Wildeblood, interpretado por Martin Hudson, y fue creado para celebrar el cuarenta aniversario de la despenalización homosexual. Tanto ese proyecto como el que tratamos hoy insertan entrevistas realizadas a homosexuales de avanzada edad que se enfrentaron a la discriminación y riesgo de acabar en prisión durante la década de 1950 y 1960.
 

CRÍTICA PERSONAL

Como he mencionado en numerosas ocasiones, me encantan estos proyectos dedicados a recordar los tiempos difíciles que la comunidad homosexual tuvo que pasar en el pasado. Creo es esencial, sobre todo considerando la propensión de la nueva generación a despreciar a los mayores gais y lo que sufrieron, cuando se lo han encontrado todo hecho gracias a ellos. Las entrevistas insertadas en la película son conmovedoras y ayudan a aumentar ese grado de comprensión.
El proyecto resulta repetitivo, en especial si uno ya ha visto “A Very British Scandal” (2007). Comparativamente es prácticamente igual y no aporta nada nuevo, perdiendo la esencia de la originalidad. Si bien las entrevistas insertadas siguen siendo un conmovedor alegato, no aportan nada nuevo en relación al anterior proyecto.
 
CALIFICACIÓN
7- Bastante bien

LAS HERIDAS DEL VIENTO

TÍTULO ORIGINAL
Las Heridas del Viento
AÑO DE ESTRENO
2017
DIRECCIÓN
Juan Carlos Rubio
PRODUCCIÓN
Bernabé Rico
GUION
Juan Carlos Rubio
REPARTO
Kiti Mánver (Juan), Dani Muriel (David)
CINEMATOGRAFÍA
Roberto Fernández
MÚSICA
Inaplicable
VESTUARIO
María Luisa Engel
PAÍS DE ORIGEN
España
DISTRIBUCIÓN
Versión Digital
DURACIÓN
75 minutos
 

DAVID: ¿Qué quieres?
JUAN: La verdad.
DAVID: ¿La verdad sobre qué?
JUAN: Sobre tu padre, que sientes por él.
DAVID: Querrás decir que sentía.
JUAN: No, quiero saber lo que sientes ahora. En un féretro no se entierran los rencores o las dependencias, siguen más allá persiguiéndonos toda la vida.
 
SINOPSIS
David es un hombre de treinta y siete años que acaba de perder a su padre. Nunca sintió una verdadera conexión de afecto con él, y solo recuerda haber recibido sus caricias cuando lloró de niño al ver la película “Bambi”. Tras la muerte de su padre, David comienza el tedioso trabajo de examinar sus pertenecías, y da un fajo de cartas de amor que había estado recibiendo. Sorprendido al descubrir una viuda extramarital que desconocía de su padre, David se lleva una sorpresa aun mayor al descubrir que las cartas han sido escritas por un hombre llamado David. Sorprendido ante este descubrimiento, David decide que ha llegado el momento de conocer finalmente a su padre.

David conoce a Juan a quien enseguida cataloga como un gay solo y amargado, que además mantiene una actitud defensiva. Sin embargo, aunque David busca una supuesta verdad, también muestra la misma actitud y el choque entre ambos es inevitable. Sin embargo, los dos se necesitan, pues buscan la verdad detrás de la relación que mantenían con el mismo hombre. Ambos tienen en común la búsqueda del cariño que nunca creyeron poseer.
 
CURIOSIDADES
Escrita y dirigida por Juan Carlos Rubio, la película es la versión cinematográfica de su obra de teatro. El director y guionista se licenció en la Real Escuela Superior de Arte Dramático. También trabajo como actor en series de televisión y montajes de teatro. Fue en el año 1992, cuando comenzó a concentrarse en escribir guiones para la televisión, el cine y sobre todo el teatro que ha sido siempre su gran pasión. Sus obras de teatro se estrenaron en países como Perú, Puerto Rico, Argentina, Chile, Costa Rica, Argentina o Estados Unidos. 

En Europa se han estrenado en Eslovaquia, Suiza, Grecia, Italia, Alemania o Estados Unidos. La obra de teatro “Las Heridas del Viento” se estrenó en el año 1999 en Nueva York, y fue candidato a cinco premios de la Asociación de Cronistas del Espectáculo. Entre esos premios se incluyó la categoría de Mejor Espectáculo.
Ya en el año 2017 se animó a llevar a cabo la versión cinematográfica de su obra. Sin embargo, decidió que la película fuera rodada en un teatro, para respetar el espíritu de la misma. Se puede ver el teatro vacío en algunas tomas de la película, que además fue rodada en blanco y negro. Con solo dos actores, el director tuvo problemas para encontrar un actor que lograra convencerle para lo que consideraba el muy complicado papel de Juan. Rubio había trabajado en numerosas ocasiones con la actriz Kiti Mánver, a quien consideraba una actriz formidable. Esto le llevo a proponerle que interpretara a un hombre, y destacó que sus manos fuertes le habían inspirado a hacerlo. 

Mánver aceptó y abordó el papel de Juan. Para el director, “Las Heridas del Viento” es el espectáculo más especial que ha creado hasta la fecha. Explicó que durante el desarrollo de su creación, todas las piezas habían encajado a la perfección. En el teatro consideraba que era una obra que funcionaba mejor ante una pequeña audiencia.
La película hizo merecedor del premio al mejor cineasta de Andalucía 4, concedido por Canal Sur en el Festival de Cine Iberoamericano de Huelva. Recibió el premio en noviembre de 2017, mismo año de su estreno. Dedicó la película a su padre, por todas las cosas que no sabía de él.
 
CRÍTICA PERSONAL

Siempre he mantenido que llevar una obra de teatro a la gran pantalla es algo muy arriesgado. Personalmente creo que funciona en muy raras ocasiones. 

Si además la obra cuenta con escasos actores y tiene lugar en lugares cerrados, la dificultad se incrementa considerablemente. Lo primero a elogiar es que Rubio parece ser consciente de este reto, por lo que primeramente no comete un error que he visto en ocasiones anteriores por otros directores. No aumenta el tiempo de la película, que no llega a la hora y media de metraje. Y es que la obra de teatro solo cuenta con dos actores, por lo que tenemos una combinación de diálogos y monólogos. Debido a este motivo temí que me encontrara con una película tediosa y difícil de seguir. Cual fue mi sorpresa al descubrir que no era así.
La trama me mantuvo enganchado en todo momento, por lo original de la historia y por la montaña rusa de emociones a las que me vi sometido. Kiti Mánver me dejó completamente anonadado con su trabajo, resultando increíblemente convincente interpretando a un hombre gay de otra época. Otro acierto fue que la película no engañara y fuera rodada en un teatro, lo cual creo defiende la esencia de la obra que fue creada en su momento. 

Algunos diálogos y monólogos son formidables y ambos personajes consiguen despertar empatía. Lo curioso es que ambos despertaron mi rechazo inicial, pero fueron ganándome a lo largo de la historia. 
A momentos en los que busca equilibro entre el drama y la comedia. De hecho he visto escenas grabadas de la obra de teatro en la que los espectadores lograban reír. No sé si esa era la intención, pero en mi caso no funcionó y me mantuve bastante serio. Por otro lado creo que el guion tiene algún punto de sobre dramatismo que puede ser efectivo en el teatro, pero no en la pantalla. Dani Muriel realiza un buen trabajo, pero hay algún que otro momento en el que flaquea. En circunstancias normales no sería un problema, pero en contraste con Mánver se aprecia mucho más. El uso del blanco y negro no daña la película, pero tampoco le pude encontrar un propósito especial. Si la obra de teatro la ves “en color”, no veo porque la adaptación cinematográfica no debe mostrarlo.
 
CALIFICACIÓN
7- Bastante bien

¡CÁSATE CONMIGO! POR FAVOR

TÍTULO ORIGINAL
Épouse Moi Mon Pote
AÑO DE ESTRENO
2017
DIRECCIÓN
Tarek Boudali
PRODUCCIÓN
Marc Fiszman, Christophe Cervoni
GUION
Tarek Boudali, Nadia Lakhdar
REPARTO
Tarek Boudali (Yassine), Philippe Lacheau (Fred), Charlotte Gabris (Lisa), Andy (Claire), David Marsais (Stan), Philippe Duquesne (Dussart), Julien Arruti (El ciego), Baya Belal (Ima), Zinedine Soualem (Padre de Yassine), Doudou Masta (Daoud), Yves Pignot (La madre), Fatsah Bouyahmed (Inespector Marocain), Ramzy Bedia (Primer Qatar), Nadia Kounda (Sana), Khadija El Kanouni Jamal (Abuela de Yassine), Manuela Gourary (La abuelita), Camille Lou (Niña del café), Alexis Manenti (Chris), Vladimir Houbart (Jefe de trabajo), Ricky Tribord (El gay), David Diane (El donante), Philippe Valmont (Profesor D’Archi), Vincent Dos Reis (El guardián)
CINEMATOGRAFÍA
Antoine Marteau
MÚSICA
Maxime Desprez, Michaël Tordjman
VESTUARIO
Aurore Pierre
PAÍS DE ORIGEN
Francia
DISTRIBUCIÓN
StudioCanal
DURACIÓN
92 minutos
 

YASSINE: Que nos casemos.
FRED: ¿Por qué quieres casarte conmigo?
YASSINE: Me salvarías la vida.
FRED: Ah, Lisa tenía razón, eres gay.
YASSINE: ¿Qué?
FRED: Claro, nunca te hemos visto con una tía. Estudiaste Arte…
YASSINE: Arquitectura.
FRED: Lisa se alegrará mucho de que hayas salido del armario.
YASSINE: No digas tonterías. Nos casamos y nos divorciamos. Así podre obtener los papeles. Eso no te cambiará la vida, pero a mí sí.
FRED: Tú no estás bien Yassine. Me conoces. Eres mi mejor amigo, mi primer colega gay.
YASSINE: Que no soy gay.
FRED: Lo que sea, pero no me puedes pedir eso. Lisa está empeñada en que nos casemos. Siempre ha estado a mi lado. Además, si me caso contigo no podré hacerlo con ella hasta al menos… ¡Venga, vale! Pero lo hago por ti

YASSINE: Gracias.
FRED: De nada amiguito gay.
YASSINE: ¿Qué parte no entiendes de que no soy gay?
 
SINOPSIS
Yassine es un joven marroquí que logra su sueño de estudiar arquitectura en Francia. Toda su familia está entusiasmada y le presta toda la ayuda posible. Una vez en Francia, Yassine no tarda en adaptarse y conoce a una joven llamada Claire que sufre constantes burlas por culpa de su peso. Sin embargo, Yassine se enamora de ella perdidamente. Las cosas se tuercen cuando Yassine es invitado a una fiesta y se queda dormido para el examen final. Esto provoca que pierda su visado de estudiante y la oportunidad de sacarse el título. Avergonzado, decide dejar plantada a Claire, considerando que ya no es digno de ella.
Dos años después, Yassine trabaja ilegalmente en una obra y se ha hecho muy amigo de un hombre llamado Fred, cuya novia Lisa esta deseando que le pida matrimonio. Yassine también ha mentido constantemente a sus padres para no decepcionarlos. 

Desesperado y sin más opciones, Yassine le pide a Fred que se case con él para poder regular su situación en Francia. Fred acepta, lo cual disgusta a Lisa que aún así acepta la situación. Tras la boda, Yassine comienza a trabajar y coincide con Claire, quien ha adelgazado y dado un cambio radical. Sin embargo no está dispuesta a perdonarlo. Las cosas se complican cuando un inspector de inmigración llamado Dussart decide probar a toda costa que el matrimonio es un fraude.
 
CURIOSIDADES
Se trata del debut como director del actor Tarek Boudali, que también protagonizó el proyecto junto al actor Philippe Lauche, y contó con Julien Arrruti, con quienes había colaborado anteriormente en otros proyectos. Boudali tuvo la idea de la película durante el periodo en el que la ley de matrimonio gay estaba en proceso de aprobación. Esto le hizo pensar que todos aquellos que quisieran una boda de conveniencia tenían nuevas posibilidades para conseguirlo. 

El actor también consideró que si hubiera visto en una situación sin papeles, le habría pedido a su mejor amigo que se casara con él. Con esta idea decidió consultar a sus amigos para saber su opinión, y todos declararon que era una buena idea que debía sacar adelante. Cuando se le preguntó si había hecho algún tipo de investigación en la comunidad gay, Boudali lo negó. Alegó que aunque tenía muchos amigos gais, no había considerado la necesidad de hacer ningún tipo de investigación, ya que no está rodando un documental. La respuesta de la crítica gay fue variada, pero la película no fue bien acogida por la mayor parte de la comunidad gay, que la consideró un exceso de estereotipos negativos, llegando a describirla como homófoba.
 
CRÍTICA PERSONAL

Aunque el planteamiento no tiene nada de original, tengo que reconocer que la película me arrancó carcajadas en bastantes ocasiones. Curiosamente, me encontré riendo mucho más con gran parte del reparto de personajes secundarios, como es el caso del personaje ciego por poner un ejemplo. Boudali muestra la capacidad de hacer humor, y lo demuestra en muchas escenas, pero lamentablemente en muchas no se esfuerza y acaba recurriendo a los estereotipos de forma soez.
Cuando investigué sobre la película, no me sorprendió leer que Boudali no había realizado ningún tipo de investigación en la comunidad gay. No tengo nada en contra de exagerar los estereotipos, pero me moleta cuando se hace exclusivamente con los personajes homosexuales. Por este motivo considero que el director pecó de soberbia y se limitó a hacer una burla. Quizás no fue de forma intencionada, pero el resultado es ese. 

Añadido a esto, y tal y como he señalado, la idea de la trama tiene poco de original, y muchas de las bromas relacionadas con la comunidad gay se tornan vulgares y ofensivas. Esto es particularmente lamentable, porque el director tiene la capacidad de crear algo divertido, si se hubiera molestado en consultar.
 
CALIFICACIÓN
4- Insuficiente

120 PULSACIONES POR MINUTO

TÍTULO ORIGINAL
120 Battements Par Minute
AÑO DE ESTRENO
2017
DIRECCIÓN
Robin Campillo
PRODUCCIÓN
Hugues Charbonneau, Marie-Ange Luciani, Jacques Audiard
GUION
Robin Campillo, Philippe Mangeot
REPARTO
Nahuel Pérez Biscayart (Sean), Arnaud Valois (Nathan), Adéle Haenel (Sophie), Antoine Reinartz (Thibault), Félix Maritaud (Max), Ariel Borenstein (Jérémie), Aloise Sauvage (Eva), Simon Bourgade (Luc), Médhi Touré (Germain), Simon Guélat (Markus), Coralie Russier (Muriel), Catherine Vinatier (Héléne), Théophile Ray (Marco), Saadia Bentaies (Madre de Sean), Jean-François Auguste (Fabien), Samuel Churin (Gilberti), Julien Herbin (Julien), Mehdi Rahim-Silvioli (Mehdi), Bachir Saifi (Bachir), Jean-François Rabette (Bernin)
CINEMATOGRAFÍA
Jeanne Lapoirie
MÚSICA
Arnaud Rebotini
VESTUARIO
Isabelle Pannetier
PAÍS DE ORIGEN
Francia
DISTRIBUCIÓN
Memento Films
DURACIÓN
140 minutos
 

NATHAN: Había una foto de dos tíos estadounidenses en la playa. Bueno, una foto no, había dos fotos, el antes y el después. En la primera se veía a la pareja de maravilla, y en la segunda uno estaba en el estado terminal de la enfermedad. Se llamaba Kenny. Parecía un monstruo. Era la primera vez que veía a una pareja gay en una revista. Pero era para decirnos que los homosexuales íbamos a morir, que moriríamos todos. Me asusté tanto que dejé de follar.
SEAN: ¿Del todo?
NATHAN: Durante cinco años.
SEAN: ¿Estas de coña?
NATHAN: Ya, es un disparate, pero no sabía si tenía el virus, si podía contagiarlo o contagiarme; y tardé mucho en creer en los condones. Cuando vi que funcionaban fue una liberación. Y por entonces volví a encontrarme a Arnaud, el chico del que me había enamorado, y con él volví a follar de nuevo. Pasamos un día cojonudo, y por la noche fuimos a un restaurante. Por el camino me di cuenta de que le costaba un poco andar y respirar. 

Y que había perdido un poco de peso. En la mesa me dijo un montón de cosas. No me acuerdo de qué. Solo que había vuelto a casa de sus padres. No me dijo nada de su salud. Y yo, obviamente, no se lo pregunté. La noche que pasamos fue rara, y nos dijimos lo que debimos. Después de aquel día no supe más de él. Un año después, llamé a sus padres, y se puso su padre. Me dijo que su hijo estaba ingresado. Cuando le pregunté por qué me dijo que yo sabía bien porque, y me empezó a gritar. Entonces colgué y no fui a verlo al hospital.
 
SINOPSIS
A principios de la década de 1990, los activistas de ACT-UP de París se reúnen para discutir el resultado de su última aparición en una conferencia. Durante el debate, queda patente que hay serias diferencias de opiniones sobre el modo en que han actuado. 

Algunos lo consideran excesivo, y otros mantienen que es la única forma efectiva de llamar la atención. Nathan es un atractivo joven seronegativo que se une a la organización justo durante ese debate. Decide participar en demonstraciones en una compañía farmacéutica, y en un colegio donde distribuyen información para prevenir la enfermedad. Entre los miembros del grupo se encuentra Helene, madre de un joven llamado Marco, que se vio infectado debido a una transfusión de sangre contaminada. También se encuentra Sean, uno de los miembros más antiguos, que comienza a dar signos de enfermedades oportunistas.
Nathan y Sean no tardan en conectar y sentirse profundamente atraídos el uno por el otro. Lo que comienza en una relación sexual desemboca en una serie de conversaciones en las que se confiesan sus mayores temores y más profundas experiencias. Sean se infectó a la edad de dieciséis años, tras mantener relaciones sexuales con su profesor de matemáticas. 

Nathan confiesa haber estado cinco años sin mantener relaciones por terror hacia la enfermedad, hasta que logró superarlo. Tuvo una pareja que enfermó y a quien no volvió a ver debido a la interferencia de su padre. Cuando la enfermedad de Sean avanza, comienza a perder la fe en la organización, pero Nathan permanece a su lado para cuidarle.
 
CURIOSIDADES
ACT-UP (Coalición del sida para desatar el poder) es un grupo activista que fue fundado en 1987 para luchar por los derechos de los homosexuales. Su mayor propósito fue llamar la atención sobre la crisis de la pandemia del SIDA, para lograr que se crearan legislaciones efectivas para que la comunidad científica luchara contra la enfermedad, y ayudara a los enfermos. La organización se extendió a nivel internacional, pero también fue famosa por sus crisis internas. La trama de la película gira alrededor del grupo establecido en París. El director Robin Campillo escribió el guion Philippe Mangeot; y no necesitó llevar a cabo una investigación exhaustiva sobre la organización, porque había sido militante durante la década de 1990 y conocía perfectamente sus entresijos. 

La película esta basada en sus propias experiencias como miembro de ACT-UP y una de las escenas refleja una situación verídica en la que tuvo a vestir a su novio tras su muerte. Philippe Mangeot también estuvo involucrado en la organización.
La película se presentó en el Festival de Cannes, donde el director explicó que su motivación para llevar a cabo el proyecto de la película fue el de convertir la fuerza de las palabras en momentos reales de acción. También quiso mostrar la realidad imperfecta de la organización. Logró recaudar un presupuesto de alrededor de cinco millones de dólares en pocos meses. En febrero de 2018, un grupo de manifestantes cristianos interrumpieron la proyección de la película en el Museo Nacional del Campesino Rumano, Bucarest. La declararon una película inadmisible porque trataba sobre homosexuales, y el campesino rumano era cristiano ortodoxo. La proyección formaba parte de una serie de eventos dedicados al Mes de la Historia LGTB. Después de media hora de disputas, la policía desalojó a los manifestantes.
 

CRÍTICA PERSONAL

Me mostré algo escéptico con la película, porque el tema del activismo levanta mucho debate y es difícil de abordar. Sin embargo, debo reconocer que Campillo logró engancharme y se mostró sincero a la hora de abordar su experiencia con ACT-UP. Evidentemente la organización se esforzó por ayudar, pero también cometió errores. Lo que destaco es la historia de Nathan y Sean, que logró conmoverme profundamente. Toda la escena final del fallecimiento esta llevada a cabo con una delicadeza abrumadora, que invita a la reflexión.
Mi mayor problema es una excesiva duración que se concentra en el activismo en exceso. Las primeras escenas de las reuniones son informativas, pero acaban siendo repetitivas.
 
CALIFICACIÓN
9- Muy bien