VIDAS AL LÍMITE

TÍTULO ORIGINAL
Total Eclipse
AÑO DE ESTRENO
1995
DIRECCIÓN
Agnieszka Holland
PRODUCCIÓN
Jean-Pierre Ramsay-Levi
GUION
Christopher Hampton
REPARTO
Leonardo DiCaprio (Arthur Rimbaud), David Thewlis (Paul Verlaine), Romane Bohringer (Mathilde Maute), Dominique Blanc (Isabelle Rimbaud), Félicie Pasotti (Isabelle de niña), Nita Klein (Madre de Rimbaud), James Thierrée (Frederic), Emmanuelle Oppo (Vitalie), Denise Chalem (Señora Maute de Fleurville), Andrzej Seweryn (Señor Maute de Fleurville), Christopher Thompson (Carjat), Bruce Van Barthold (Aicard), Christopher Chaplin (Charles Cros), Christopher Hampton (El Juez), Mathias Jung (Andre), Kettly Noël (Mujer somalí), Cheb Han (Djami)
CINEMATOGRAFÍA
Yorgos Arvanitis
BANDA SONORA
Jan A. P. Kaczmarek
VESTUARIO
Pierre-Yves Gayraud
PAÍS DE ORIGEN
Reino Unido
DISTRIBUCIÓN
Fine Line Features
DURACIÓN
111 minutos
 

PAUL VERLAINE: Soy fiel a todos mis amantes porque una vez que los he amado, los amo eternamente. Y cuando estoy solo al amanecer, cuando amanece, cierro los ojos y entonces los celebro a todos.”
ARTHUR RIMBAUD: Eso no es fidelidad; es nostalgia. Si no dejas a Mathilde no es por fidelidad, es por debilidad.”
PAUL VERLAINE: No, si la fuerza implica brutalidad, prefiero ser débil.
ARTHUR RIMBAUD: En tu caso la brutalidad también implica debilidad. No esperes por mi parte fidelidad
PAUL VERLAINE: ¿Por qué eres tan cruel conmigo?
ARTHUR RIMBAUD: Porque lo necesitas.
PAUL VERLAINE: ¿Es que no es suficiente para ti saber que te amo más de lo que jamás he podido amar a nadie, y que siempre te amaré?
ARTHUR RIMBAUD: Calla, eres un borracho ridículo.

PAUL VERLAINE: Dime que tú me amas.
ARTHUR RIMBAUD: Déjate de tonterías.
PAUL VERLAINE: Por favor, por favor, es importante para mí. Quiero oírlo.
ARTHUR RIMBAUD: Ya sabes que te aprecio mucho.
 
SINOPSIS
El poeta francés Paul Verlaine se reúne con Isabelle Rimbaud, hermana del poeta Arthur Rimbaud. Isabelle revela que Rimbaud ha fallecido debido a un cáncer que se extendió desde su rodilla a pesar de que se le había amputado la pierna para intentar detener la enfermedad. La joven también le solicita que le entregué todos los escritos de Rimbaud, para que la familia pueda hacer una selección de aquellos que deban sobrevivirle, y así destruir a los que puedan seguir destruyendo la reputación de su familia. Verlaine fue el amante de Rimbaud, con quien mantuvo una destructiva relación.

A la edad de veintisiete años, Verlaine estaba casado con la joven Mathilde Maute, y ambos esperaban su primer hijo. Tras leer algunos escritos de poesía del joven Rimbaud, de dieciséis años de edad, Verlaine se decidió a invitarlo a Paris, para pasar un tiempo en la casa de su suegro, donde vive con su esposa. Desde su llegada, Rimbaud muestra una actitud arrogante, insultante y vulgar. La falta de modales y decencia de Rimbaud asquean a los suegros de Verlaine, que no tarda en sentirse completamente fascinado por la belleza del joven, así como la originalidad de sus ideas. Sin embargo, la relación de los amantes se sumerge en un sadomasoquismo cada vez más incontrolable.
 
CURIOSIDADES
La película está basada en una obra de teatro escrita en 1967 por Christopher Hampton, que además se encargó de escribir el guion cinematográfico. 

Se trata de una representación histórica bastante fiel acerca de la relación apasionada y sadomasoquista de los poetas conocidos como Arthur Rimbaud y Paul Verlaine. Rimbaud fue un poeta francés del siglo XIX, famoso por su estilo transgresor y surrealista, que además contribuyo notablemente al Simbolismo. Su personalidad era irrespetuosa, caótica y en ocasiones violenta. Mantuvo una relación con el escritor Paul Verlaine a menudo basada en el abuso y el sadomasoquismo. La violencia llegó hasta tal punto, que empujo a Verlaine a disparar sobre la muñeca de Rimbaud en uno de sus ataques de locura pasional. Rimbaud falleció a la temprana edad de treinta y siete años, debido a un tumor en la rodilla que se extendió a pesar de habérsele sido amputada la pierna. Era aficionado a escribir cartas, las cuales han podido proporcionar una relato vivido del caos que supuso su vida personal. Verlaine llegó a abandonar a su esposa e hijo, que eran víctimas de sus constantes maltratos, al sentirse obsesionado con la belleza del joven Rimbaud. Murió a la edad de cincuenta y un años víctima de la drogadicción y el alcoholismo.   

La película no fue muy bien acogida por la crítica por haber mostrado de forma explícita la violencia física a la que los dos amantes se sometían, sin siquiera intentar mostrar aspecto alguno que ayudara a la empatía. Inicialmente se deseaba contar con River Phoenix para interpretar a Rimbaud, pero tras fallecimiento se optó por contar con Leonardo DiCaprio. John Malkovich iba a encargarse de la dirección pero terminó por abandonar el proyecto. David Thewlis accedió a afeitarse parte de la cabeza para la película, para poder obtener un mayor parecido a Verlaine.
 
CRÍTICA PERSONAL

Tengo que comenzar señalando el extraordinario trabajo de David Thewlis, que a pesar de un guion mejorable nos regala una interpretación sobresaliente. Al margen del valor histórico de la trama de la película, ésta también sirve como una tremenda muestra de como el masoquismo puede desembocar una relación completamente destructiva. 

La adicción no solo parte de Verlaine hacia Rimbaud, sino que el tanto el joven como Mathilde terminan por sufrir esa misma adicción. La destrucción mental de Verlaine resulta estremecedora en algunas escenas, como en la que agrede a su esposa embarazada o lanza contra la pared la cuna de su hijo recién nacido. Thewlis consigue aterrar con sus ataques de violencia, y despertar compasión cuando se percata de los horrores que ha cometido, sin llegar a provocar que el espectador establezca empatía alguna con él.
El guion se concentra demasiado en la relación destructiva de los personajes sin profundizar en los motivos que los ha llevado a una situación tal radical. Esto ocurre especialmente con el personaje de Verlaine, sobre quien no se muestra aspecto alguno de su pasado. Aunque se muestra la familia de Rimbaud y el entorno en que ha crecido, tampoco se profundiza en sus orígenes. DiCaprio resulta excesivo en algunas ocasiones, dañando la credibilidad de su personaje.

 
CALIFICACIÓN
7- Bastante bien

NOIR ET BLANC

TÍTULO ORIGINAL
Noir et Blanc
AÑO DE ESTRENO
1986
DIRECCIÓN
Claire Devers
PRODUCCIÓN
Claude-Éric Poiroux
GUION
Claire Devers
REPARTO
Francis Frappat (Antoine), Jacques Martial (Dominique), Joséphine Fresson (Edith), Marc Berman (Roland), Catherine Belkhodja (Chica de la limpieza), Claire Rigollier, Benoît Régent (Hotelero), Isaach De Bankolé, Arnaud Carbonnier, Christophe Galland
CINEMATOGRAFÍA
Daniel Desbois, Christopher Doyle, Alain Lasfargues, Jean-Paul Rosa da Costa
BANDA SONORA
Inaplicable
VESTUARIO
Sin acreditar
PAÍS DE ORIGEN
Francia
DISTRIBUCIÓN
Forum Distribution
DURACIÓN
80 minutos
 

ANTOINE: Era demasiado tímido, o a lo mejor no sentía ninguna curiosidad. No me conocía en absoluto. La sola idea de un masaje me asustaba, pero dejé que el miedo me abandonara. Como todo lo demás en mi vida, no fue una elección consciente, ni me costó trabajo. Pero desde aquel momento, el ansia y el deseo han gobernado mi vida. Pero ese deseo se volvió demasiado grande y lograste ver a través de mí fácilmente. Ya no podías resistir el deseo de golpearme. Pero no tengo deseos ni secretos que confesar, ni siquiera placer, siempre me pillas por sorpresa. Nunca sé dónde vas a poner tus manos, en mis hombros, mi pierna, mi cintura… Descubro el placer mucho más tarde, cuando muevo una extremidad o acaricio una herida. Recuerdo la primera vez, y es el recuerdo del dolor lo que me proporciona placer.
DOMINIQUE: Antoine, estoy asustado.
ANTOINE: Yo también estoy asustado. No soy valiente. Sufro tanto como cualquiera. Cada golpe duele, mis músculos arden, mis huesos se quiebran, pero ya no le tengo miedo al dolor. Todo el mundo quiere morir sin dolor, pero lo que es terrible es la propia muerte. Sí, tengo miedo, pero es la muerte lo que me da miedo.

DOMINIQUE: ¿Qué es lo que quieres de mí?
ANTOINE: Pégame Dominique, pégame con toda tu fuerza.
 
SINOPSIS
Antoine es un hombre estirado e introvertido que trabaja como contable. Está casado con Edith, que todavía elige su ropa y sus zapatos. Tras visitar las instalaciones de un gimnasio propiedad de Roland, Antoine decide aceptar trabajar como su contable durante un mes, ya que el negocio necesita clarificar sus libros de contabilidad. Roland le anima a utilizar las instalaciones del gimnasio en su tiempo libre, así como sus servicios. Antoine se fija en un musculado africano en la piscina, llamado Dominique. Al descubrir que trabaja como masajista en las instalaciones, Antoine decide utilizar sus servicios.
Al someterse a los masajes de Dominique, Antoine descubre que el dolor no solo le sana a nivel físico, sino que además le produce placer. Poco a poco los masajes se vuelven más violentos bajo el consentimiento de Antoine, que encuentra que cuanto mayor el dolor más placer recibe. 

Por su parte Dominique siempre ha tenido un lado sádico, y disfruta proporcionándole dolor. La situación se escapa del control de ambos cuando Dominique le rompe un brazo. Edith también observa que Antoine ha cambiado y ha comenzado a mostrar una personalidad más agresiva. Roland termina por despedir a ambos. Sin embargo, Antoine no puede parar y se sigue sometiendo a Dominique, que le secuestra y lleva a un hotel para continuar con la insana relación. Antoine termina confesándole su fascinación con el temor y el dolor, y reconociendo que solo tiene miedo a la muerte.
 
CURIOSIDADES
Se trata de la primera película escrita y dirigida por Claire Devers. Se inspiró en una historia corta escrita por Tennessee Williams y publicada en 1948, titulada “El Deseo y el Masajista Negro”. A la hora de realizar su proyecto cinematográfico, Devers tuvo claro que deseaba combinar escenas sensuales con otras dotadas de cierto grado de terror. 

Al mismo tiempo quería ahondar en ese deseo de autodestrucción que algunos desarrollan, y el deseo de causar dolor por parte de otros. Consideró que el proyecto debería realizarse en blanco y negro, pues el contraste podría crear ambientes inquietantes y perturbadores.
El dialogo utilizado es mínimo, y la película también carece de estructura convencional con la intención de incrementar el misterio aterrador que rodea la trama. Por otro lado la directora consideró interesante experimentar con las reacciones del espectador, con la intención de que éste no pudiera dejar de prestar atención a la mencionada trama, a pesar de sentir un absoluto rechazo a la relación de ambos protagonistas. Lo consideraba otro tipo de sadomasoquismo, siendo ella la dominatrix. Devers fue nominada a los Premios César de 1987 en la categoría de Mejor Director Debutante, aunque no se hizo con el premio.
 
CRÍTICA PERSONAL

La película aborda determinados aspectos del sadomasoquismo de forma realista, y sin ser extremadamente gráfica, consigue perturbar al espectador. Aunque el personaje de Dominique es bastante plano, hay aspectos de Antoine que me parecieron interesantes. Devers muestra como una vida monótona y carente de emociones puede caer en la más absoluta depravación. Logra analizar el sadomasoquismo desde la perspectiva de una adicción que termina por destruir todo nuestro entorno, ya sea laboral o sentimental. Pero lo especialmente curioso es que en el caso de Antoine, el personaje tampoco parece haber perdido nada al caer en ese inevitable pozo de autodestrucción. También admiré la escenografía que diferenciaba el placer de un masaje, y el modo en que dicho placer no es experimentado por el protagonista hasta que se convierte en dolor.

Si examinar el mundo del sadomasoquismo sin provocar el rechazo del espectador ya es complicado, Devers fracasa doblemente al mostrar escenas perturbadoras sin llegar a ahondar en la psique de los personajes o en sus respectivos problemas. Devers nos deleita con escenas perturbadoras, aunque creo que lo son más en la perspectiva del año de su estreno. No es que me sienta escandalizado por dichas escenas, pero Devers se limita a intentar escandalizar sin luego profundizar en la temática que ha escogido. Queda evidenciada la adicción al dolor de Antoine, aunque no se examina el origen de esta. Presentar a un personaje como retraído y estirado se me antoja insuficiente. Al mismo tiempo, tenemos el mismo problema con el personaje de Dominique, cuyos deseos de producid dolor tampoco se examinan en ningún momento.
Otro fallo considerable radica en que la trama da un giro que rompe toda la credibilidad de la situación abordada. El final, sin revelarlo,  anula cualquier intento de abordar de forma seria el problema del sadomasoquismo, ya que gira más alrededor de la psicopatía.
 
CALIFICACIÓN
5- Aceptable

NO SKIN OFF MY ASS

TÍTULO ORIGINAL

No Skin Off My Ass

AÑO DE ESTRENO

1991

DIRECCIÓN

Bruce LaBruce

PRODUCCIÓN

Jürgen Brüning

GUION

Bruce La Bruce

REPARTO

Bruce LaBruce (Peluquero), G.B. Jones (Jonesy), Klaus von Brücker (Skinhead), Caroline Azar, Beverly Breckenridge, Laurel Pervis, Kate Ashley, Jena von Brücker, Nicholas Davies

CINEMATOGRAFÍA

Bruce LaBruce, G.B. Jones

BANDA SONORA

Inaplicable, hace uso de otros trabajos

VESTUARIO

Sin acreditar

PAÍS DE ORIGEN

Estados Unidos

DISTRIBUCIÓN

Strand Releasing

DURACIÓN
73 minutos

JONESY: Hola. ¿Dónde has estado? No te he visto en un par de días.

SKINHEAD: Es una larga historia.

JONESY: Me preocupo de mi hermano pequeño.

SKINHEAD: Lo siento.

JONESY: Entonces, ¿qué ha pasado?

SKINHEAD: Bueno, conocí a un tío en el parque, y me invitó a su apartamento. Se sentía solo y le molan los Skinheads, así que fui. No ocurrió nada.

JONESY: Tienes mejor aspecto cuando te abofetean.

SKINHEAD: Me dio un baño y me acostó; y entonces me escapé por la ventana y vine aquí a visitarte.

JONESY: Así que has sido un chico malo.

SKINHEAD: No lo he sido. Estoy aquí.

JONESY: Bueno, dime la verdad. ¿Qué ocurrió de verdad? Bueno olvídalo

PELUQUERO: Ey, ¿qué está ocurriendo aquí? ¿Quién es esta, y que estás haciendo? ¿Qué es lo que ocurre?

JONESY: Soy su hermana, y debes saber que él es tan maricón como tú, y le gustas. Y además puede hablar, así que por qué no os conocéis de una vez. Tengo una película que hacer.

SINOPSIS

Un peluquero solitario se encuentra en su apartamento viendo los créditos iniciales de “That Cold Day in the Park” (1969). En ese momento observa algo por la ventana y baja para dar un paseo por el parque. Sentado en un banco se encuentra un Skinhead hacia el que se siente inmediatamente atraído. El peluquero logra convencerle para que le acompañe a su apartamento, donde se encarga personalmente de darle un baño. Tras esto le lleva a un dormitorio, donde procede a dejarle encerrado. El Skinhead logra escapar por la ventana y procede a visitar a su hermana Josie, que está realizando una película titulada “Sisters of the SLA”. El Skinhead le cuenta lo ocurrido, y su hermana le interroga negándose a creer que no haya pasado nada entre su hermano y el peluquero. Tras esto el Skinhead le ayuda con una prueba de casting que está realizando.

Mientras tanto el peluquero no para de experimentar sueños y fantasías en los que aparece el Skinhead. Curiosamente el Skinhead decide visitarle, aunque no se muestra comunicativo. Poco después ambos son visitados por Josie, que revela que su hermano está fingiendo su falta de interés por el peluquero, asegurando a este último que sí se siente atraído hacia él.

CURIOSIDADES

Aunque había realizado varios cortos anteriormente, esta fue la primera película oficial de Bruce LaBruce. Sin presupuesto alguno y con la colaboración de G.B. Jones, rodó esta película en Super-8, y en un blanco y negro granulado. La película carece de sincronización entre los escasos diálogos y sus personajes, y al ser estos montados posteriormente llegan a eclipsar los temas musicales elegidos. Esto fue realizado a propósito para otorgar a la película el aspecto y sensación de una película pornográfica barata. Esto contribuía a crear una atmosfera porno en la que un apuesto hombre, sin demasiada inteligencia, se convertía en interés de otro, que acababa usándole para hacer realidad sus fantasías. 

De esta forma el director se tomó la libertad de incluir imágenes explicitas de fetichismos, llegando incluso al sexo oral.

En la película se aprecian elementos sexuales provocativos, mensajes políticos y comportamientos radicales, que seguirían siendo la base de otras películas futuras del director. También se inspiró en ambientes clandestinos como los del Queercore, Punk, Skinhead, y la música underground de Canadá. El reparto también incluyó a Caroline Azar y Beverly Breckenridge de la banda musical “Fifth Column”. La Bruce también quiso defender que los fetichismos tendían a ser incomprendidos, y que detrás de ellos se podía esconder una historia de amor que exigía empatía. La película ha sido considerada por parte de la crítica como una revisión del film “That Cold Day in the Park” (1969), que el personaje del peluquero está viendo al principio de la trama. Se trata de la historia de una mujer rica y solitaria que invita a su casa a un hombre joven que conoce en un parque. 

Tras esto le invita a vivir con ella, y la trama se convierte en un estudio sobre la personalidad de un individuo emocionalmente inestable, lleno de obsesiones y de sexualidad reprimida.

La película se distribuyó por numerosos festivales de cine de todo el mundo, y para un sector de la audiencia se ha convertido en clásico de culto. El guitarrista del grupo Nirvana, Kurt Cobain, declaró que se trataba de su película favorita.

CRÍTICA PERSONAL

Lo único que puedo elogiar es que hayan logrado distribuir está película.

Como ya he mencionado en numerosas ocasiones, no me gusta el estilo de Bruce LaBruce. No me parece interesante, provocativo o incluso pornográfico, me parece aburrido, a menudo cayendo en el absurdo por pretender transmitir un supuesto mensaje profundo. Añadido a esto, se percibe perfectamente que esta es su primera película por sus evidentes defectos. 

Me da igual si la intención es la de que la película parezca una porno de segunda, la cinematografía es impresentable, el montaje de diálogos es lamentable, y el sonido peor. Por muy profundo que se quiera poner, no funciona.

Por otro lado me quedé sorprendido al leer una entrevista en la que declaraba desear mostrar el amor oculto tras el fetichismo. Esto me parece una idea interesante, pero me temo que LaBruce fracasa estrepitosamente al intentarlo.

CALIFICACIÓN

1- Muy mal

TRAS EL CRISTAL

TÍTULO ORIGINAL

Tras el cristal

AÑO DE ESTRENO

1987

DIRECTOR

Agustí Villaronga

PRODUCTOR

Teresa Enrich

GUION

Agustí Villaronga

REPARTO

Günter Meisner (Klaus), David Sust (Angelo), Marisa Paredes (Griselda), Gisèle Echevarría (Rena), Imma Colomer (Jornalera), Josuè Guasch (Niño cantor), David Cuspinera (Niño del barracón), Ricardo Carcelero (Angelo de niño), Alberto Manzano (Niño gitano)

CINEMATOGRAFÍA

Jaume Peracaula

BANDA SONORA

Javier Navarrete

VESTUARIO

Andrés Urdiciaian, Imma Vallmitjana

PAÍS DE ORIGEN

España

DISTRIBUCIÓN

Lauren films

DURACIÓN
110 minutos

GRISELDA: ¡Estoy harta de ese muchacho, harta! Voy a despedirlo; no trates de convencerme. Nunca trabajó en un hospital, nunca. Y no logro entender que interés tienes en que se quede.

KLAUS: Griselda.

GRISELDA: No, no. Estoy harta de aguantar esta situación. Encerrada aquí, sin ver a nadie, sin vivir, nada, por ti, solo por ti. No puedo soportarlo más, y menos con ese. Es que no lo entiendo.

KLAUIS: Griselda, quiero se quede.

GRISELDA: ¿Por qué? Está bien. Prefieres poner por delante a ese estúpido que no sirve ni para cuidar a un… un enfermo como tú. Pues hazlo.

KLAUS: Dejé de matar.

ANGELO: ¿Y no lo recuerdas nunca?

KLAUS: Sí, siempre.

ANGELO: ¿Y si pudieras, no lo volverías a hacer?

KLAUS: No.

ANGELO: ¿Te gustaría hacerlo de nuevo?

KLAUS: No.

ANGELO: Yo podría hacer por ti lo que tú no puedes. No estoy tras de un cristal. Puedo ser por ti lo que tú eras antes. Me entiendes, ¿no?

KLAUS: No, no Angelo.

ANGELO: Quiero aprender, ser como tú. Me gusta lo que tú has sido.

SINOPSIS

Klaus es un antiguo médico Nazi que practicó experimentos horribles y sadomasoquistas con niños durante la Segunda Guerra Mundial. Tras la guerra parte al exilio en un remoto pueblo de Cataluña. Allí continúa violando y torturando a niños, matando al último de un golpe en la cabeza y sacando fotos del cadáver. Angelo es una de las víctimas de Klaus. Le ha estado espiando y consigue hacerse con las fotografías y un diario que narra los horrores perpetrados por Klaus. Poco después, Klaus intenta suicidarse saltando desde una torre. Aunque sobrevive, Klaus queda paralitico y confinado a un pulmón de acero bajo el cuidado de su esposa Griselda y su hija Rena.

Griselda se siente esclavizada al tener que cuidar de Klaus por lo que busca a una enfermera que se ocupe de él. Angelo se presenta como un supuesto Angelo dispuesto a cuidar de Klaus. Griselda desconfía del joven y sus sospechas aumentan al descubrir que Angelo no es un enfermero. Sin embargo, Klaus insiste en que el joven se ocupa de él. Angelo y Klaus comienzan una relación sórdida basada en el deseo, la venganza, y la fascinación por el mal. Y es que Angelo desea convertirse en lo que más detesta. Para hacerse con el control de la casa, Angelo decide asesinar a Griselda.

CURIOSIDADES

Se trata del debut como director de Agustí Villaronga. La película fue rodada dos años de su estreno, y financiada parcialmente gracias a subvenciones de los ministerios de cultura de España y el gobierno catalán. 

El título de la película hace referencia al arcaico pulmón de hierro que se ha convertido en prisión del Nazi Klaus tras su intento de suicidio. Villaronga declaró que el origen de la historia surgió cuando leyó acerca de la vida de Gilles de Rais (1404-1440), devoto seguidor de Juana de Arco. Ambos habían luchado juntos, pero Giles de Raus había sido juzgado y ejecutado por la Iglesia Católica por herejía y crimines sexuales y sodomía contra hasta ochocientos niños.

Inicialmente Günter Meisner se negó a interpretar al personaje Nazi de Klaus, al quedar horrorizado por la historia. Según Villaronga, Meisner le llamó unas semanas más tarde para aceptar el papel, aludiendo a no poder dejar de pensar en el personaje. Durante las escenas en las que Angelo tenía que llorar, el actor David Sust se puso pasta de dientes bajo los mojos. Tuvo que rodar las escenas tantas veces que acabó por dañar sus ojos seriamente, y tuvo que ponerse gafas de sol durante un tiempo.

Debido a que la película lidiaba con el Nazismo, la pedofilia, la tortura y la homosexualidad, provocó una enorme controversia. Para celebrar el trigésimo aniversario de los Teddy Awards, la película fue seleccionada para ser emitida durante el 66º Festival de Cine Internacional de Berlín, en febrero de 2016.

CRÍTICA PERSONAL

La trama central me pareció fascinante, al mostrar el proceso a través del cual una víctima puede terminar convirtiéndose en aquello que más detesta. La película está dotada de una atmosfera sumamente inquietante, la cual logra mantener al espectador bastante enganchado. Un detalle que me pareció toda una genialidad fue el hacer uso del sonido constante del pulmón de acero durante la trama. Produce determinada sensación de angustia y claustrofobia que no cesa. Toda la trama tiene lugar en la oscuridad interior de la residencia, excepto unas pocas escenas exteriores. También me gustó la estética de tonos azulados en contraste a la mencionada oscuridad.

Otra genialidad es que a pesar de las atrocidades que el personaje de Klaus ha cometido, uno no puede evitar sentir cierto grado de compasión al ver como la situación ha terminado por ser invertida.

Günter Meisner realiza una gran labor debido a las limitaciones físicas de su personaje, pero es sin duda Marisa Paredes quien se lleva la palma. Destacable es su gran escena de tensión al enfrentarse a Angelo.

David Sust me pareció un actor bastante deficiente. Aunque sí logra transmitir ese cambio desde la inocencia a su lado psicópata, me pareció que su dicción arruinaba considerablemente escenas de tremendo calado y tensión. Hay momentos en los que llega a resultar risible. El final tampoco me acabó de convencer del todo.

CALIFICACIÓN

7- Bastante bien

EL FANTASMA

TÍTULO ORIGINAL

O Fantasma

AÑO DE ESTRENO

2000

DIRECTOR

João Pedro Rodrigues

PRODUCTOR

Amândio Coroado

GUION

Alexandre Melo, José Neves

REPARTO

Ricardo Meneses (Sérgio), Beatriz Torcato (Fátima), Andre Barbosa (João), Eurico Vieira (Virgilio), Jorge Almeida (Primer policía), Salomão (Hombre del Doberman), Joaquim Oliveira (Mário), Florindo Lourenço (Matos), Rodrigo Garin (Joven del baño público), Luis Zorro (Joven en habitación de Sérgio), Maria Paola Porru (Madre de João), João Rui Guerra da Mata (Segundo policía), Lorde (Lorde), Swing (Doberman)

CINEMATOGRAFÍA

Rui Poças

BANDA SONORA

Inaplicable

VESTUARIO

João Rui Guerra da Mata

PAÍS DE ORIGEN

Portugal

DISTRIBUCIÓN

Rosa Filmes, Instituto do Cinema Audiovisual e Multimédia

DURACIÓN
87 minutos

 

FÁTIMA: ¿Has tenido un buen viaje? ¿Qué has hecho?

SÉRGIO: He soñado contigo.

FÁTIMA: ¿Un buen sueño o una pesadilla?

SÉRGIO: Un sueño muy hermoso.

FÁTIMA: Cuéntamelo.

SÉRGIO: Virgilio te ha follado. ¿No es así?

 

SINOPSIS

Sergio es un joven de dieciocho años que trabaja en turno de noche como basurero en la ciudad de Lisboa. Vive solo con la única compañía de su perro, y solo recibe afecto por parte de su compañera de trabajo, Fátima. Aunque Fátima se siente atraída hacia Sérgio, el joven es homosexual y además no muestra interés alguno en su compañera.

Sin familia, amigos o amante, la vida que Sérgio se ve sumida en la más absoluta soledad, pero concentrada en un constante deseo sexual que no puede controlar. Sérgio se enfrenta a esa introversión mediante encuentros sexuales espontáneos. Dichos encuentros tienen lugar durante la noche, en sitios como baños públicos, de manera salvaje y descontrolada, y de forma anónima.

Sin embargo, todos esos encuentros no logran satisfacer a Sérgio, sino hundirlo más en una actitud masoquista, que termina por alienar a su única amiga. Es entonces cuando Sérgio conoce a João, un joven atractivo aficionado a las motos y la natación. Sin embargo, João no muestra interés alguno por él. Sérgio se hunde más en su comportamiento obsesivo, espiando a João y siguiéndole constantemente. Dicha obsesión puede ser la perdición de ambos.

 

CURIOSIDADES

Se trata de la primera película de João Pedro Rodrigues, en la que comenzó a trabajar tres años antes de su estreno.

Según el propio director, el film trata el problema de las afecciones y atracciones en la homosexualidad, y fue creado para ser dirigido a las exigencias de una creciente cultura gay dentro de círculos artísticos de Portugal. La película generó una enorme controversia en Portugal debido a sus escenas de sexo explícito. De hecho, se llega a ver al actor Rodrigo Garin practicando una felación sobre Ricardo Meneses con todo detalle. A pesar de las mencionadas controversias, la película fue mostrada en España, Italia, Francia, Brasil y los Estados Unidos. En dichos países obtuvo unos resultados más bien modestos. João Pedro Rodrigues tuvo mejor suerte con su segunda película, “Odete” (2005), que alcanzó mayor notoriedad internacional y fue estrenada en el Festival de Cannes.

El director alegó hacer uso de numerosas metáforas, siendo la principal que el protagonista trabaja como basurero en el turno de noche. Toda la acción tiene lugar en horas nocturnas para reflejar y remarcar la oscuridad y soledad de Sérgio.

El director también señaló que había sido muy fácil trabajar con el actor Ricardo Meneses, quien se había adaptado bien a las exigencias de su complicado papel. Sin embargo, también señaló que no volvería a contar con él en futuras películas. El film prácticamente carece de diálogos, y las escasas frases pronunciadas apenas contribuyen a la trama.

 

CRÍTICA PERSONAL

Solo veo dos aspectos positivos sobre la película. El primero es que el director haya llegado a lograr llevar a cabo el proyecto de crearla. El segundo es una elogiable interpretación por un jovencísimo Ricardo Meneses, que me pareció convincente dentro de la desbarajustada trama.

Siempre me he mostrado en contra de directores ansiosos de provocar sin propósito alguno. Personalmente, encontré que lo el director describía como erotismo era a menudo pura pornografía carente de razonamiento.

Añadido a esto, lo que son descritas como metáforas no son tales, sino apenas comparaciones bastante pobres. Me sorprendió escuchar a João Pedro Rodrigues elogiar, para luego descartar a su actor principal con tanta facilidad. Más bien parece que el director tiene una afición insana a contradecirse a sí mismo, como si deseara probar su inexistente originalidad.

La carencia de diálogos, y lo absurdo e incoherente de las escasas frases, provoca que la trama sea tediosa y carente de interés alguno. Lo que el director señala como un análisis de la soledad fracasa, y solo se nos muestra a un personaje principal claramente perturbado. Resulta imposible establecer empatía alguna con el protagonista, y esto se debe a numerosas razones. A parte de su evidente comportamiento despreciable, el director no examina en ningún momento a sus personajes. No sabemos nada de su pasado, careciendo de una base que nos ayude a entender, que no justificar, las motivaciones que le han llevado a su estado actual.

El director continúa con esa técnica de no explicar nada, quizás para demostrar lo profundo e intelectual que se siente. Bien parece que disfruta menospreciando a sus espectadores, sin percatarse de que muchos pierden interés en lo que quiera que desee transmitir, mayormente provocación. No me considero un puritano, ni me escandalizan las escenas de sexo explícito o depravación humana. Simplemente, me gusta que esos recursos tengan una justificación apropiada que se ajuste a la trama. 

 

CALIFICACIÓN

2- Mal

ENDGAME

TÍTULO ORIGINAL

Endgame

AÑO DE ESTRENO

2001

DIRECTOR

Gary Wicks

PRODUCTOR

Gary Jones

GUION

Gary Wicks

REPARTO

Daniel Newman (Tom), Corey Johnson (Max Bergman), Toni Barry (Nikke Bergman), Mark McGann (Norris), John Benfield (Dunston), Adam Allfrey (Mark), Darren Bancroft (Detective Worth), Perry Blanks (Detective Clarke), Alain Bourgoin (Hombre francés), Julius D’Silva (Andy), Russell Floyd (Mercader), Rachel Izen (Madrastra de Tom), Jeremy Legat (Jonathan Norris), Ben Macleod (Joven Tom), Phillip Manikum (Granjero), Murray McArthur (Detective Kenny), Kate McKenzie (Kathy Norris), John Peters (Padrastro de Tom), Andy Smart (Heavy en el bar), Sam Smart (Detective Wilson)

CINEMATOGRAFÍA

David Bennett

BANDA SONORA

Adrian Thomas

VESTUARIO

Nigel Egerton, Anja Mai

PAÍS DE ORIGEN

Reino Unido

DISTRIBUCIÓN

Various Films

DURACIÓN
109 minutos

MAX: Dios mío. ¿Quién es?

TOM: Mi chulo. ¿Resulta divertido, verdad? Soy un chico de alquiler.

MAX: ¿Qué?

TOM: Soy basura. Ha sido un accidente.

MAX: Llama a la policía. ¿Qué es tan divertido tío? Es un puto cadáver.

TOM: Por favor, ayúdame a escapar. Por favor.”

MAX: Llama  a la puta policía. Esto es serio.

TOM: Por favor, ayúdame a escapar.

MAX: Jodete tío, Jodete. Me has jodido, me has jodido de verdad. Vamos.

NIKKI: ¿Puedo hacerte una pregunta estúpida?

TOM: ¿El qué? ¿Si me gustaba cobrar por el sexo?

NIKKI: No. Si sabias que llegarías a necesitarlo.

TOM: Por favor. ¿Qué quieres que te diga? Aprendí a vivir con ello.

SINOPSIS

Para Tom el sexo es moneda de pago, controla el poder y puede inspirar miedo. Sin embargo, Tom es joven con un pasado repleto de dificultades que acaba absorbido por el sórdido bajo mundo a manos del sádico George Norris. Tom se convierte en un peón indefenso de Norris en un fraude de narcóticos con el policía corrupto, Duston. De esta forma, Tom es arrastrado de manera profunda dentro de un círculo vicioso de dinero sangriento, vicio y violencia despiadada de la que no parece haber salida.

Llegado el momento, el destino le otorga a Tom un rayo de esperanza. Cuando Norris es asesinado en su apartamento, Tom aprovecha la oportunidad para escapar. Aterrorizado, y cubierto en la sangre de Norris, Tom se dirige a sus vecinos, Max y Nikki, sus nuevos amigos en la ciudad. Descartando la posibilidad de acudir a la policía, Max y Nikki se apresuran a conducir a Tom a su inhóspita casa de campo en la campiña de gales.

Es entonces cuando Tom comienza a recordar sus pasados sueños, y a recordar tiempos más felices antes de su inocencia fuera destruida. Pero el pasado siempre regresa…

CURIOSIDADES

El título de la película se refiere al término de ajedrez del mismo nombre. Este se refiera a los movimientos y tácticas posteriores a los iniciales de las piezas, más concretamente al plan final realizado por un jugador para acabar con su oponente.

El film fue escrito y dirigido por Gary Wicks, contando con un presupuesto bastante limitado. La película combina los estilos de un thriller con el homo erotismo, con un ritmo ágil a lo largo de la trama. El director puso énfasis en determinadas escenas de violencia, cuyo propósito no era otro que el de perturbar a los espectadores, y que de estas forma estos se vieran sumergidos en el mundo de desesperanza del protagonista Tom. La crítica elogió la labor de interpretación de los actores, así como la eficiente banda sonora.

Gary Wicks recibió dos nominaciones por su dirección en distintos festivales, aunque no logró hacerse con ninguno. Dichas nominaciones fueron en el “Festival de Cine Irlandés y Británico de Cherbourg-Octeville”, y en el “Festival de Cine Gay & Lesbico Internacional de Torino”.

CRÍTICA PERSONAL

Lo que más me sorprendió de la película fue un análisis más serio de lo habitual acerca del pasado, vida y sentimientos de un chapero, que es el personaje protagonista. Tom no se nos presenta como un personaje hueco, sino con ciertas complejidades y bases que logran enganchar al espectador. Y es que por primera vez me encontré sintiendo cierto nivel de empatía hacia la compleja vida de un personaje chapero.

La película nos muestra de forma excepcional las dificultades de ciertos estilos de vida, y como estos se convierten en laberintos de los cuales es complicado salir. El mensaje es desesperanzador, pero inevitablemente realista. El uso de la violencia es crudo pero creíble, lo que hizo que me estremeciera a lo largo de toda la película.

Los eventos están acompañados, de manera excepcional, por una más que eficiente banda sonora, y momentos de verdadera tensión.

Me encantó el uso de flashbacks, que nos va revelando el pasado familiar de Tom a lo largo de la película, y que nos muestra como su familia no era tan perfecta como inicialmente hubiéramos podido pensar, y como dicho pasado sirve como base a la vida carente de cariño y repleta de abusos del personaje.

Es un alegato real acerca de la maldad consistente que existe en este mundo, y su capacidad para destruir. La película te deja mal cuerpo, pero consigue hacer reflexionar al espectador sobre el mundo en el que vivimos.

El ritmo de la película es extremadamente lento en ocasiones. Considero que hay ciertos momentos en los que la credibilidad flaquea, en especial cuando Max y Nikki descubren lo que ha pasado en el apartamento de Tom, y acceden a ayudarle sin mayor resistencia. También la película peca al enviar el mensaje, puede que involuntariamente, de los actos de ayuda nos pueden llevar a un fatal destino. El personaje de Tom no parece excesivamente afectado por los eventos de la muerte de su chulo, e incluso cae en momentos de inmadurez que no encajan con sus experiencias.

A pesar de esto, y aunque la película está dotada de gran dureza, debo reconocer que la consideré un trabajo remarcable, si bien no es mi tipo de género cinematográfico favorito.

CALIFICACIÓN

8- Notable