CON EL CONSENTIMIENTO DE LOS ADULTOS

TÍTULO ORIGINAL
Consenting Adult
AÑO DE ESTRENO
1985
DIRECCIÓN
Gilbert Cates
PRODUCCIÓN
Ray Aghayan, David Lawrence
GUION
John McGreevey
Basado en la novela de Laura Z Hobson
REPARTO
Marlo Thomas (Tess Lynd), Martin Sheen (Ken Lynd), Barry Tubb (Jeff Lynd), Talia Balsam (Margie), Ben Piazza (Doctor Mark Waldo), John Terlesky (Peter Roberts), Corinne Michaels (Claire), Matthew Laurance (Nate), Joseph Adams (Stu), Richard Sargent (Pat Malone), Moira Walley (Sue Wister), Jeff Irvine (Hank), Dave Sayer (Dependiente), Rebecca Staples (Maribel), Kim Kondrashoff (Dev), Roman Podhora (Ray), Peter Giaschi (Mark), John Ormerod (Kerry)
CINEMATOGRAFÍA
Frank Stanley
BANDA SONORA
Laurence Rosenthal
VESTUARIO
Toni A. Spadafora
PAÍS DE ORIGEN
Estados Unidos
DISTRIBUCIÓN
ABC
DURACIÓN
100 minutos
 

JEFF LYND: Es como cuando no haces preguntas, pero las puedes ver en tu cara. Sería mucho más fácil si preguntaras.
JEFF LYND: Solo estoy intentando entenderlo. Me dijiste que no habías tenido relaciones sexuales y te creo. Pero esa es la razón por la que no entiendo cómo puedes saber lo que te gusta.
JEFF LYND: Antes de hacer algo, experimentas sentimientos. ¿Verdad?
TESS LYND: ¿Cuáles?
JEFF LYND: ¿Te acuerdas cuando conociste a papá? Debiste sentir algo especial, quiero decir, al escuchar su voz, al verlo, al estar a su lado. Pensabas en él; soñabas con él; lo deseabas. Otros tíos y amigos, como Pete, hablan sobre sus novias, lo que sienten, lo que sueñan y hacen. Yo pienso en alguna chica e intento sentir lo mismo. Mamá, he abrazado a una chica, la he besado, la he tocado; y ella me ha tocado a mí, pero no he sentido nada de eso. Es como si estuviera enfrente de una enorme pared de cristal mirando, pero sin participar, sin sentimientos. Sin embargo, hay un chico del equipo de natación. Yo no soy especial para él, solo un compañero, pero cuando lo veo y estoy cerca de él, me siento vivo. Esa pared desaparece.

 
SINOPSIS
Ken y Tess tienen una familia aparentemente perfecta, con sus hijos Margie y Jeff. Margie es su hija mayor, y se ha casado con un joven llamado Nate. La pareja no tarda en anunciar que espera su primer hijo. Por su parte, Jeff es un atractivo estudiante universitario, capitán del equipo de natación. Siempre se ha sentido más unido a su padre, pero ambos han sufrido una fuerte discusión recientemente que han logrado superar. Un día, Tess recibe una carta de Jeff en la que el joven le pide que se reúna con él para hablar. Jeff confiesa ser homosexual, aunque todavía no ha mantenido relaciones con nadie. Aunque Tess elogia que haya hablado con franqueza con ella, reacciona buscándole ayuda psiquiátrica.
Jeff comienza a asistir a terapia con el apoyo de su madre, pero su padre corta todo contacto con el joven al considerar que no servirá para nada. Efectivamente, Jeff se siente cada menos cómodo con la terapia, y acaba por mantener relaciones con un joven. 

Durante el día de año nuevo, Jeff revela la experiencia a sus padres y su decisión de abandonar la terapia. Su padre reacciona echándolo de casa y cortando todo apoyo financiero, mientras que su madre queda devastada. Margie acepta a Jeff y acoge en su casa, mientras Tess debe enfrentarse a una importante decisión, si no desea perder a su hijo.
 
CURIOSIDADES
La película esta basada en la novela del mismo título escrita por Laura Z Hobson y publicada en el año 1975. El productor Ray Aghayan necesitó un total de diez años para poder llevar a cabo esta película. Su primer paso fue hacerse con los derechos de la novela de Hobson, el mismo año de la publicación de su novela. Su primera idea era crear una película cinematográfica, pero no tardó en darse cuenta de que sería más fácil crear un proyecto televisivo. Sin embargo pasaron cuatro años hasta que se animó a retomar el proyecto con ayuda de David Lawrence. 

Gracias al apoyo de Martin Starger, el proyecto fue aprobado por la ABC a finales de 1983. La novela de Hobson tenía lugar en la Ciudad de Nueva York, y el final de su trama tenía lugar justo en el momento en que los Disturbios de Stonewall tenían lugar. Esto se modifico para la película, cuya trama tiene lugar en Seattle durante el año 1985, eliminando uno de los giros argumentales más importantes de la novela. Y es que el personaje de Jeff salía del armario al mismo tiempo que nacía la revolución gay que daría lugar al Orgullo celebrado anualmente.
Hobson declaró que su novela mostraba su propio proceso a la hora de aceptar la homosexualidad de su hijo Christopher. Su novela narraba trece años en la vida de la familia Lynn, mientras que en la película solo se abarcaba un solo año. El apellido de la familia también fue cambiado para la película, y pasó a ser Lynd. El personaje de Tess era una editora de libros en la novela, pero paso a ser una ama de casa suburbana en la película. 

Esto resulta curioso si uno considera que la actriz Thomas era una feminista convencida, pero la actriz aceptó el papel al considerar que era fascinante y realista. En la novela Jeff tenía una hermana y un hermano, pero se decidió que solamente tuviera una hermana en la película. La novela también mostraba tensión sexual entre Ken y Test, ya que él había sido educado como protestante y ella en la religión judía.
 
CRÍTICA PERSONAL
Hay que reconocer que esta es una de esas películas francamente valientes para la época. No he tenido el placer de leer la novela, pero sin hacer las inevitables comparaciones, la película me impresionó bastante. Si bien es cierto que múltiples películas abordaban el tema del conflicto familiar a la hora de salir del armario, debo reconocer que me gustó ver como la madre de Jeff intentaba ayudar sinceramente desde la ignorancia. 

Pero en esta ocasión, también partimos desde esa ignorancia con el personaje de Jeff, quien también considera la posibilidad de curarse. Aunque la resolución amistosa es poco creíble para la época, reconozco que conlleva un mensaje de optimismo.
A pesar de contar con un guion bastante notable, Barry Tubb flaquea en alguna de las escenas. Esto se aprecia considerablemente al tener que compartir escenas con la excepcional Marlo Thomas. La trama con el personaje del padre tampoco me acabó de convencer, especialmente su conclusión. El optimismo es bueno, pero no debe de ser excesivo.
 

CALIFICACIÓN
8- Notable

BUDDIES

TÍTULO ORIGINAL 
Buddies
AÑO DE ESTRENO
1985
DIRECCIÓN
Arthur J Bressan Jr
PRODUCCIÓN
Arthur J Bressan Jr
GUION
Arthur J Bressan Jr
REPARTO
Geoff Edholm (Robert Willow), David Schachter (David Bennett), Billy Lux (Edward), David Rose (Steve), Libby Saines (Señora Bennett), Damon Hairston (Profesor de gilmnasia), Tracy Vivat (Enfermera), Susan Schneider (Sylvia Douglas), Joyce Korn (Lynn)
CINEMATOGRAFÍA
Carl Teitelbaum
BANDA SONORA
Jeffrey Olmstead
VESTUARIO
Sin acreditar
PAÍS DE ORIGEN
Estados Unidos
DISTRIBUCIÓN
New Line Cinema
DURACIÓN
81 minutos
 

DAVID BENNETT: Si pudieras estar sano, quiero decir completamente sano durante un solo día. ¿Qué harías?
ROBERT WILLOW: ¿Sin condiciones, durante veinticuatro horas por arte de magia.?
DAVID BENNETT: Sí, durante un día. ¿Qué harías?
ROBERT WILLOW: Me gustaría estar con Edward. No en el pasado como en esa película, sino aquí y ahora en Nueva York. Pero seríamos amantes, y nos lo montaríamos sin problemas porque nunca he estado con nadie tan cachondo como Edward. Por supuesto esto es una preferencia personal, pero estaríamos juntos. Desayunaríamos, nos daríamos una ducha, saldríamos a dar un paseo por Central Park. Y esto es un poco raro, pero a una hora poco convencional, como las dos, tomaría un vuelo exprés a Washington DC. Y tendría un palo de madera, un marcador, y una cartulina para ser el único piquete fuera de la Casa Blanca. Como si fuera un bufón, al estilo de Don Quijote. En la cartulina escribiría algo como, ‘América, el SIDA no es una enfermedad gay, nos hace daño a todos, concentrar todo el dinero en la investigación’. Y entonces regresaría a Nueva York, cenaría con Edward, saldríamos por un par de bares, y volveríamos a casa para follar sin parar. ‘Mi Día Sano’ por Robert Willow. ¿No es una locura?

SINOPSIS
David Schachter es un joven estudiante de posgrado de veinticinco años de edad, que decide entrar en el servicio de voluntariado conocido como “Buddies” (Colegas). La organización se dedica a ayudar, acompañar e intentar ejercer de amigos de pacientes terminales de SIDA. David recibe la tarea de acompañar a un paciente llamado Robert Willow, de treinta y dos años edad. Robert llevaba años ayudando a la comunidad gay como activista, pero al ser diagnosticado ha sido abandonado por amigos y familia. En su primer encuentro los dos chocan de forma amable al tener personalidades opuestas. David no se siente intrigado por el activismo, se ve como más conservador, y prefiere vivir una vida tranquila con su pareja Steve.
Sin embargo, los dos comienzan a pasar más tiempo juntos y poco a poco forjan un estrecho lazo de amistad. Sin cambiar sus respectivas posturas acerca de la vida, logran apreciar lo que les hace únicos y especiales. 

La experiencia cambia a David a nivel emocional, y el joven decide hacer todo lo posible para que Robert se evada y pase momentos gratos en su compañía. Al percatarse de su propia felicidad, ya que cuenta con padres que aceptan su homosexualidad, y una pareja con la que vive, David se percata de la terrible soledad de Robert. Esto le lleva a decidir que su nuevo mejor amigo no debe ser olvidado.
 
CURIOSIDADES
Se trata de la primera película en la historia del cine en abordar el tema del SIDA, que tantos estragos provocó en la década de 1980. Fue escrita, producida y dirigida por Arthur J Bressan Jr, convirtiéndose además en su última película. Bressan falleció en julio de 1987, dos años después de su estreno, víctima del SIDA. Cabe decir que este fue su proyecto más importante con diferencia, llegando a declarar que le había salido directamente del corazón y le había ayudado a enfrentarse a lo inevitable. El mismo año del estreno de su última película también se estrenó “Invierno en Primavera” (1985), creada para ser estrenada directamente en televisión. 

Aunque algunos la señalaron como la primera película en abordar el SIDA, y fue más conocida, se estrenó dos meses después de “Buddies”. El título de la película hace referencia a un programa de ayuda que realmente existió, para ayudar a los muchísimos pacientes terminales abandonados por familia y amigos.
Bressan comenzó su carrera en la industria de la pornografía gay, hasta que decidió comenzó a sumergirse en el cine independiente de temática gay. Otras de sus películas conocidas incluyen “Gay USA” (1977), un documental sobre el surgimiento de los movimientos por los derechos gais en América en un momento de suma dificultad. También escribió y dirigió “Abuse”, abordando el tema de los maltratos recibidos por chicos gais a manos de sus padres. Las películas “Abuse” y “Buddies” se han restaurado y las copias de sus originales se conservan en la Biblioteca Pública de San Francisco como parte de una colección donada por el Festival de Cine Frameline.
 

CRÍTICA PERSONAL
Lo primero que hay que dejar bien claro, es que está fue la primera. Durante la siguiente década surgieron un sinfín de películas que abordaban el tema del SIDA, y debido a la falta de tratamientos de una forma sumamente trágicas. Sin embargo esta película tiene un aspecto que no se ha vuelto a imitar, o por lo menos yo no tengo conocimiento de ello. En esta primera película se nos presenta una situación desoladora que a mi me impactó. Robert Willow está completamente solo, y no tiene a nadie que lo ayude a enfrentarse a su trágico e inevitable final. Después de haber luchado incansablemente por nuestros derechos, ha sido abandonado por sus amigos y familia. No solo se enfrenta a la muere, sino al hecho de que será completamente olvidado. Nadie recordará quien fue o cuales fueron sus logros. El personaje de David representa un miedo más que justificado en 1985, pero también la enorme capacidad de bondad por parte del ser humano. David atraviesa un viaje personal para percatarse de una crisis que también le afecta de forma indirecta. 

Por ello Bressan es inteligente al presentarnos al joven como alguien poco interesado en el activismo, y que solo desea vivir en tranquilidad con su pareja. El problema es que el SIDA rompió la tranquilidad de todos en la década de 1980. La película finaliza con un realismo destructivo. No tenemos despedida sensiblera entre nuestros personajes, y David se encuentra una cama vacía al ir a comunicarle la publicación de su artículo. La vida es así.
 
CALIFICACIÓN
10- Sobresaliente

THE ANGELIC CONVERSATION

TÍTULO ORIGINAL

The Angelic Conversation

AÑO DE ESTRENO

1985

DIRECCIÓN

Derek Jarman

PRODUCCIÓN

James Mackay

GUION

Derek Jarman

Sonetos de William Shakespeare

REPARTO

Judy Dench (Narradora), Paul Reynolds, Philip Williamson, Dave Baby, Timothy Burke, Simon Costin, Christopher Hobbs, Philip McDonald, Toby Mott, Steve Randall, Robert Sharp, Tony Wood

CINEMATOGRAFÍA

Derek Jarman, James Mackay

BANDA SONORA

Coil

VESTUARIO

Sin acreditar

PAÍS DE ORIGEN

Reino Unido

DISTRIBUCIÓN
BFI Video

DURACIÓN
78 minutos

"Soy tu esclavo. ¿Qué más puedo querer

que no sea complacer tus deseos?

No tengo nada importante que hacer

hasta que tú requieres de mi empleo.

Del tiempo no reprocho la cadencia

lenta de minutos cuando en ti pienso.

Ni siento la amargura de tu ausencia

cuando adiós me dices y no te tengo.

Tampoco me pongo a pensar celoso

en dónde estarás y qué estás haciendo.

Como un triste esclavo pienso en los otros

a quienes das alegría, y entiendo."

William Shakesperare

SINOPSIS

Una mujer a quien no podemos ver se dedica a recitar catorce sonetos escritos por William Shakespeare. Entre cada soneto somos expuestos a una serie de narraciones visuales que desarrollan una trama. La base es un hombre que sin palabras busca aquello que su corazón desea. 

Las fotografías se suceden en stop-motion, la música es etérea, y los escenarios que podemos ver se basan en los cuatro elementos de nuestro planeta. Podemos ver peñascos, y rocas de menor tamaño, el mar, humo, la niebla y un jardín. El misterioso hombre deberá embarcarse en la misión de lidiar con esos elementos y mostrarse digno de su objetivo.

De esta forma el hombre se ha embarcado en su búsqueda del amor, y el viaje se ha convertido en una odisea. Antes de poder encontrar  su amor verdadero, el hombre siente la necesidad de purificarse, pues de otra forma no será digno. Para ello comienza a lavar a una figura humana cubierta de tatuajes, casi angelical. De esta forma se sumerge en la humildad de la servidumbre. Una vez consiga aprender esa lección, podrá encontrar a su amor. Al mismo tiempo, ese amor que desea encontrar también ha iniciado un viaje para encontrarle, enfrentándose a obstáculos similares, y la necesidad encontrarse a si mismo.

CURIOSIDADES

Durante la década de 1980, Derek Jarman se había convertido en uno de los líderes en la campaña de oposición contra el Artículo 28 en el Reino Unido. El artículo intentaba prohibir la promoción de la homosexualidad, o la publicación de material homosexual en las escuelas públicas. También se pretendía la prohibir la mismísima defensa de la homosexualidad. Como homosexual declarado, Jarman había creado varias películas que incluían dicha temática, y “The Angelic Conversation” se convirtió en su respuesta a la creación de dicho artículo. Jarman también participaba en la lucha social contra el SIDA, y un año después de esta película descubriría ser seropositivo. El director falleció víctima del SIDA en el año 1994, en Londres, a la edad de 52 años.

La película que abordamos hoy se convirtió en uno de sus proyectos más artísticos, ya que siempre se había sentido fascinado por la combinación del arte y el cine. A menudo se describía como un artista que usaba la cinematografía como una paleta de pinturas para crear sus cuadros. 

El tono de esta película está marcado por una yuxtaposición de Images fotografías que se mueven lentamente, mezcladas con la narración de catorce sonetos de William Shakespeare. La actriz Judi Dench se encarga de leer dichos sonetos, que son los: 57, 90, 43, 53, 148, 126, 29, 94, 30, 55, 27, 61, 56, y 104. La película hace uso de imágenes primordialmente homoeróticas y paisajes turbios. A través de esas imágenes, dos hombres inicial un viaje para poder encontrarse.

A la hora de explicar o describir la película, Jarman señaló que se trataba de un mundo soñado, lleno de magia y de rituales. Sin embargo, había incluido imágenes de coches en llamas y sistemas de radar, para recordar que siempre se debe pagar un precio para conseguir alcanzar nuestros sueños, en un mundo de violencia. Describe también el destino como algo que hay que buscar, y que nos viene decretado para que esperemos sentados. La banda sonora de la película fue compuesta e interpretada por el grupo Coil, y distribuida en el albúm del mismo título. 

El grupo estaba compuesto por Peter Christopherson, John Balance, y Stephen Thrower. En el año 2008, Peter Christopherson cooperó con David Tibet, Othon Mataragas, y Ernesto Tomasini para crear una nueva banda sonora para la película, con motivo de su reestreno el Festival de Cine Gay y Lésbico de Turín. La música de la película también incluye los “Sea Interludes” de Benjamin Britten.

CRÍTICA PERSONAL

Lo único que me pareció magistral en la película fue escuchar a la genial Judy Dench recitar los sonetos de Shakespeare.

No voy a dudar de las cualidades artísticas de Jarman, pero su estilo nunca ha ido conmigo. He logrado disfrutar de algunos de sus trabajos, pero la mayoría me parecen demasiado metafóricos, si esa es la palabra adecuada. 

Jarman tiende a centrarse tanto en lo artístico, que se olvida de la gran diferencia entre una película y una poesía. Esa diferencia no es otra que la longitud o duración. Una poesía puede ser difícil de interpretar o entender, pero tiende a ser corta, con lo cual es fácil verse interesado. Cuando conviertes una película en una poesía, el resultado es que la trama sea excesivamente lenta, o que el espectador termine por perder interés en lo que está viendo. A mí personalmente no me gusta ese estilo, me parece tedioso, y convierte cualquier película en una experiencia agotadora. Aunque esto pueda ser del gusto de muchos, para mi supone un esfuerzo insufrible, que se multiplica en esta película plagada de escenas borrosas, construidas a base de fotografías en stop-motion.

CALIFICACIÓN

2- Mal

INVIERNO EN PRIMAVERA

TÍTULO ORIGINAL

An Early Frost

AÑO DE ESTRENO

1985

DIRECCIÓN

John Erman

PRODUCCIÓN

Perry Lafferty

GUION

Ron Cowen, Daniel Lipman

REPARTO

Aidan Quinn (Michael Pierson), Sylvia Sidney (Beatrice McKenna), Ben Gazzara (Nick Pierson), Gena Rowlands (Katherine Pierson), Sydney Walsh (Susan Maracek), Terry O'Quinn (Doctor Redding), John Glover (Victor Mitado), Bill Paxton (Bob Maracek), D. W. Moffett (Peter Hilton), Cheryl Anderson (Christine), Christopher Bradley (Todd), Sue Ann Gilfillan (Enfermera Lincoln), Don Hood (Doctor Gilbert), Barbara Hey (Meredith), Scott Jaeck (Phil)

CINEMATOGRAFÍA

Woody Omens

BANDA SONORA

John Kander

VESTUARIO

Richard Bruno, Arlene Encell

PAÍS DE ORIGEN

Estados Unidos

DISTRIBUCIÓN

NBC

DURACIÓN 
100 minutos

KATHERINE PIERSON: Mientras estaba en el hospital, entró un joven. Era tan frágil y débil, que apenas podía andar. Tenía ese Sarcoma de Kaposi, creo que lo llaman así. Había leído sobre esto, pero no estaba preparada para verlo.

NICK PIERSON: Kate, por favor, ahora no.

KATHERINE PIERSON: Quiero que escuches esto. Cuando ese joven descubrió que tenía SIDA, sus compañeros de piso le echaron del apartamento, y tiraron todas sus cosas a la calle. Ninguno de sus amigos le acogió. Estaba deambulando por las calles enfermo, durmiendo en los bancos del parque. Y lo peor de todo fue que sus padres se lavaron las manos, se negaron a verle. No querían hablar con él, y no lo han vuelto a hacer desde entonces. Está en ese hospital, y está solo. Se está muriendo y está completamente solo. Te aseguro una cosa Nick, eso no le va a pasar a nuestro hijo, no a Michael.

MICHAEL PIERSON: ¿Por qué crees que fue tan difícil volver para contártelo todo? Porque quería que estuvieras orgulloso de mi, y ahora te he decepcionado. No soy el hombre que querías que fuera. Bueno, pues ahora me importa una mierda lo que pienses de mí, porque soy un hombre mucho mejor de que lo que tú llegarás a ser, hijo de puta.

NICK PIERSON: Adelante, insúltame, llámame todo lo que quieras, incluso puedes pegarme si quieres. Lo que sea mientras no te rindas. No quiero que mueras.

SINOPSIS

Michael Pierson vive una vida perfecta en compañía de su pareja Peter, y trabajando como socio en un prestigioso bufete de abogados. Toda su vida ha tenido una salud de hierro, pero de repente comienza a enfermar y termina ingresando en un hospital con neumonía. Tras varias pruebas descubre que ha desarrollado la nueva enfermedad conocida como SIDA. Las cosas resultan peores cuando, tras haber sido fiel a Peter durante su relación de dos años, su novio no lo fue. 

Ante la posibilidad de que su propia pareja le haya contagiado la enfermedad, Michael decide regresar a su casa, donde sus padres ni siquiera saben que es gay. Al confesar su situación ante sus padres, su madre reacciona con preocupación, pero su padre se enfurece y deja de hablarle. Su hermana, que siempre le había apoyado, le prohíbe tener contacto con su sobrino por miedo a que le infecte. Poco después, Michael tiene una recaída y es ingresado en el hospital. Solo su madre acude a visitarle, intentando al mismo tiempo que su padre acepte la situación. En el hospital, Michael también tiene la oportunidad de conocer a otros enfermos que sufren las consecuencias del SIDA, y desarrolla una buenas amistad con uno llamado Victor Mitado.

CURIOSIDADES

La película fue producida para ser estrenada en televisión, y fue la segunda en abordar la crisis del SIDA en la historia del cine. 

Muchos la han considerado la primera de forma errónea, ya que fue estrenada el once de noviembre de 1985. La primera fue la película “Buddies”, que fue estrenada dos meses antes, el 20 de septiembre del mismo año. Los ejecutivos de la NBC supervisaron muy de cerca el proyecto, asegurando que ciertas normas se cumplieran. La pareja gay de la película no podía besarse ni compartir cama en ningún momento, aunque estuvieran vestidos. Sus escenas afectivas tenían que estar compensadas por las escenas afectivas entre el personaje de Michael y su familia. Ron Cowen y Daniel Lipman tuvieron que escribir trece borradores del guion, antes de que este acabara siendo aceptado por la NBC.

La película fue la número uno en audiencia durante la noche de su estreno, logrando un veintitrés por ciento de cuota de pantalla, y siendo vista por alrededor de treinta y cuatro millones de personas. Fue nominada a ocho Premios Emmy, y fueron precisamente los guionistas los que lograron hacerse con un Emmy. Gena Rowlands, Ben Gazzara, Aidan Quinn, Sylvia Sidney y John Glover también fueron nominados por sus excelentes actuaciones. 

A pesar de ese éxito, la cadena perdió medio millón de dólares en ingresos debido a los anunciantes tuvieron serias dudas acerca de patrocinar una película que tratara ese tema.

Uno de los puntos positivos de la película fue que se encargó de abordar los prejuicios que entonces se tenían acerca de la enfermedad y su transmisión, en una época en la que el conocimiento de la ciudadanía era muy limitado. Tras esta película, se comenzó a abordar el tema con cada vez más frecuencia. La película fue distribuida directamente en video en España, con el título de “Diagnostico Fatal: SIDA”. Tiempo después se optó por cambiar el título al considerarlo demasiado negativo y pesimista.

CRÍTICA PERSONAL

Emotiva, lógica y educativa, la película realiza una excelente labor a la vez de estar dotada de una calidad indiscutiblemente superior a muchas películas estrenadas en cine. En la actualidad es muy típico que surjan películas que aborden la crisis del SIDA, y reciban premios y reconocimientos. 

Pero películas como “Invierno en Primavera” fueron mucho más osadas al abordar el tema en un tiempo en que hacerlo era difícil, y la gente sentía incomodidad y prefería ignorar el tema.

Añadido a esto, absolutamente todos los actores realizan una labor excepcional, especialmente Aidan Quinn y John Glover, que abordan el tema con respecto, sensibilidad y humanidad. La película se centra más en la necesidad del apoyo familiar que en lo horrible de ir decayendo en la enfermedad. Una de las cosas que más me agradaron fue que terminara con reconciliación de una todavía sana víctima del SIDA, poniendo énfasis que su viaje en el film era reencontrarse con sus seres queridos.

No hay nada negativo que yo haya sido capaz de encontrar en esta película.

CALIFICACIÓN

10- Sobresaliente

ADIÓS, ROBERTO

TÍTULO ORIGINAL

Adiós, Roberto

AÑO DE ESTRENO

1985

DIRECTOR

Enrique Dawi

PRODUCTORES

Jorge Dawi, Enrique Dawi

GUION

Lito Espinosa

REPARTO

Carlos Calvo (Roberto), Víctor Laplace (Marcelo), Ana María Picchio (Marta), Héctor Alterio, Osvaldo Terranova, María Cristina Laurenz, Héctor Pellegrini, María Vaner, Onofre Lovero, Ercilia Alonso, Jacques Arndt, Pablo Codevila, Ricardo Jordán, León Sarthié, Marcela Sola

CINEMATOGRAFÍA

Luis Vecchione

BANDA SONORA

Pocho Lapouble, Pablo Ziegler

VESTUARIO

Angélica Fuentes

PAÍS DE ORIGEN

Argentina

DISTRIBUCIÓN

Argentina Sono Film S.A.C.I.

DURACIÓN
90 minutos

ROBERTO: Padre, necesito confesarme.

SACERDOTE: Todos tus pecados serán perdonados.

ROBERTO: Mire padre, que no son los mismos pecados de cuando era chico. Mis pecados de ahora son pecados en serio.

SACERDOTE: El Señor te ha de perdonar.

ROBERTO: Padre, estoy viviendo en pareja.

SACERDOTE: ¿Y es una pareja irregular?

ROBERTO: Bastante.

SACERDOTE: ¿Y no estas casado? No te preocupes hijo, el señor te ha de perdonar. ¿Cómo se llama tu pareja?

ROBERTO: Marcelo. Padre, le dije que era un pecado en serio.

SACERDOTE: ¡Idiota! Esto no se arregla en el confesionario.

SINOPSIS

Roberto vive casado y tiene un hijo pequeño. Sin embargo, la relación con su esposa se ha deteriorado debido a los ataque de histeria que ella sufre a menudo. Finalmente, Roberto decide poner fin a su matrimonio y marcharse de su casa. Debido a su precariedad económica, decide seguir el consejo de su primo y buscar a alguien que necesite compartir su piso. De esta forma conoce a Marcelo, quien le alquila una habitación. Ambos se hacen buenos amigos, hasta que Marcelo se enfurece una noche en la que Roberto tras dos mujeres a casa para pasar un buen rato. De esta forma, Roberto descubre que Marcelo es homosexual.

Sin embargo, Roberto disfruta de la compañía y amistad de Marcelo, a quien no considera ninguna amenaza por ser de una orientación sexual diferente. De esta forma, decide quedarse con él. Algo más adelante y tras haber bebido, los dos mantienen relaciones sexuales. 

A partir de este momento, Roberto se ve enfrentado a sí mismo en el proceso de aceptar su homosexualidad, imaginando como personas que ya no están, como sus padres, reaccionarían de saberlo. Su mujer tampoco facilitará las cosas con sus habituales ataques de histeria.

CURIOSIDADES

Con guion de Lito Espinosa, la película estuvo producida y dirigida por Enrique Dawi, quien se convertiría en el primero en abordar la homosexualidad en el cine de Argentina tras el regreso de la democracia. Como es de esperar, esto provocó una agitada controversia para el público. De algún modo, Dawi era consciente de que esto iba a generar polémica. Aunque sus personajes no negaban su homosexualidad, decidió no incluir ninguna escena subida de todo o beso en la película. Su idea era que no era conveniente forzar las cosas por lo que la relación sexual entre los protagonistas solo se mencionó. Tampoco quiso tildar la temática de la película como homosexual, sino basarla en el derecho a la libertad individual.

La narración se transmite de forma retrospectiva, y en ocasiones no tiene un orden cronológico, aunque se sigue con dificultad. Dawi también quiso examinar como el personaje de Roberto se enfrentaba a sus dudas, recreando escenas con sus desaparecidos padres, una antigua novia, antiguos amigos y su sacerdote. De esta forma examinaba esa pregunta que todos podemos hacernos sobre las posibles reacciones de aquellas personas que ya no están, ante un secreto que hemos conservado. También decidió dejar un final abierto a disposición del espectador, ya que se mostraba en contra de los finales felices de Hollywood.

Antes de dedicarse al cine, Enrique Dawi realizó estudios de música e incursionó en el teatro y las artes plásticas. A partir de 1955 se dedicó a la realización de documentales y elaboró guiones para cortometrajes, hasta comenzar a realizar películas de repercusión social. El director fallecería tres años después del estreno de la película que abordamos hoy.

CRÍTICA PERSONAL

Evidentemente hay que elogiar el hecho de que fuera la primera película que abordaba el tema gay de forma tan abierta en su país. Dicho esto, la película tiene momentos francamente divertidos. Me gustaron especialmente las escenas en las que el personaje de Roberto se enfrentaba a las opiniones imaginarias de sus padres, o gente perteneciente a su pasado acerca de su homosexualidad. Las dos escenas con el sacerdote me parecieron brillantes y desternillantes. Carlos Calvo realiza una muy buena labor interpretando la frustración de su personaje en un tono de comedia, y queda bien compensado por la interpretación calmada y pausada de Víctor Laplace. Anna María Picchio también esta sobresaliente en el papel de mujer desesperada e histórica ante la situación que le toca vivir. También debo elogiar que no se ignorasen los sentimientos y dificultades de Marcelo, al enamorarse de un hombre sin las cosas claras.

Hay varios problemas con la película, el primer que examine las posibles dudas de Roberto solamente a raíz de su encuentro sexual con Marcelo, producto de una borrachera. A pesar de estar diseñada como comedia, no me gustó que la película no examinara dichas dudas por otros motivos más sentimentales. Lo curioso es que dichos sentimientos si se desarrollan. La prudencia de la película, ausencia de besos, es más que comprensible, pero el final no me lo pareció tanto. 

CALIFICACIÓN

6- Bien

MALA NOCHE

TÍTULO ORIGINAL

Mala Noche

AÑO DE ESTRENO

1985

DIRECTOR

Gus Van Sant

PRODUCTOR

Gus Van Sant

GUION

Gus Van Sant

Basado en la novela de Walt Curtis

REPARTO

Tim Streeter (Walt Curtis), Doug Cooeyate (Johnny), Ray Monge (Roberto Pepper), Nyla McCarthy (Betty), San Downey (Empleado del hotel), Robert Lee Pitchlynn (Borracho), Eric Pedersen (Policía), Marty Christiansen (Amigo en el bar), George Conner (Wino), Don Chambers (Él mismo), Walt Curtis (George), Kenny Presler (Chapero), Conde Benavides (Chico en el Arcade), Cristo Stoyos (Cantante griego), Matt Cooeyate (Chico del furgón), Dieter Reshhe (Dietista), Frank Euward (Frank), Maruja Muñoz (Mujer del cuchillo)

CINEMATOGRAFÍA

John Campbell

BANDA SONORA

Creighton Lindsay

VESTUARIO

Sin acreditar

PAÍS DE ORIGEN

Estados Unidos

DISTRIBUCIÓN

Gus Van Sant, Janus Films

DURACIÓN
78 minutos

 

WALT CURTIS: Te doy quince dólares si puedo dormir con Johnny. Quince dólares, para mí y Johnny. ¿Está bien?

ROBERTO PEPPER: Esta bien, dámelos.

WALT CURTIS: Quince dólares, ojala tuviera más. Ojala tuviera cien.

ROBERTO PEPPER: Ándele, por el dinero, quince dólares.

WALT CURTIS: Te quiero. Vamos, pregúntaselo.

JOHNNY: Veinticinco.

WALT CURTIS: Te daría cincuenta si los tuviera, pero solo tengo quince.

JOHNNY: Lo siento, yo no duermo con putos.

 

SINOPSIS

Walt trabaja como dependiente de una tienda, cuando conoce a dos jóvenes inmigrantes mejicanos llamados Johnny y Roberto Pepper. A menudo demasiado inmerso en su romanticismo, Walt se enamora a primera vista de Johnny.

Con ayuda de su amiga Betty, Walt le invita a cenar con ambos. Johnny vive en una pensión y tiene que regresar a entregar la llave a Roberto, momento en que Walt también decide invitarle. Tras una cena agradable, Walt fracasa en su intento de seducir a Johnny, llegando a ofrecerle quince dólares, que regresa al motel. Al contar con solo una llave, Roberto se queda fuera y Walt le invita a dormir en su casa.

Walt decide conformarse con Roberto, y ambos mantienen relaciones sexuales esa misma noche. Sin embargo, Walt sigue obsesionado con Johnny, quien no muestra interés alguno en él, y a menudo tiene una actitud manipuladora al estar consciente del control que ejerce sobre Walt. Cuando Johnny desaparece, Roberto se queda solo y Walt no duda en ayudarle, estableciendo una extraña relación con él. A pesar de esto, Roberto va desarrollando una actitud igualmente manipuladora.

 

CURIOSIDADES

La película está basada en una novela autobiográfica escrita por el poeta Walt Curtis, de Oregón. El propio Walt Curtis es el protagonista de la novela, interpretado en la película por Tim Streeter, aunque Curtis también adquirió un pequeño papel en la película como George. La novela fue publicada en 1977, y Gus Van Sant la escogió para la que fue su primera película. Contó con un presupuesto extremadamente limitado de veinticinco mil dólares, rodándola en 16 mm y en su mayor parte en blanco y negro. Muchos la han considerado la gran predecesora de su gran éxito “Mi Idaho Privado” (1991). Fue rodada en su totalidad en Portland, Oregón.

La película fue creada dos años después de que Van Sant se instalara en Nueva York para trabajar en una agencia de publicidad. Durante su trabajo en dicha agencia, logró ahorrar el dinero que utilizaría en el ya mencionado presupuesto. En su debut como director, ya dejó clara su preferencia por crear una historia de romanticismo frustrado, un estilo que rozara lo absurdo, y su negativa a tratar la homosexualidad como algo merecedor de juicio ajeno.

Van Sant era ya un declarado homosexual, por lo que se negó a seguir el estilo de muchos directores de temática gay de la época, que a manudo utilizaban las relaciones entre miembros del mismo sexo para crear declaraciones políticas.

A pesar de las dificultades del rodaje y sus limitaciones, la película consiguió que la crítica la aplaudiera, llegando a hacerse con el premio a la Mejor Película Independiente por parte de la Asociación de Críticos de Los Ángeles. Dicho éxito dio lugar a una breve relación entre “Universal Studios” y el director, que terminó cuando el estudio no mostró interés en proyectos sucesivos como “Drugstore Cowboy” y “Mi Idaho Privado”. A pesar de que “Mala Noche” se mostró en varios festivales, no gozó de distribución en cines hasta 1989.

 

CRÍTICA PERSONAL

En lo relativo al trabajo de Gus Van Sant, el primer trabajo que pude ver fue “Mi Idaho Privado”, la cual me pareció bastante remarcable.

Años más tarde me dispuse a ver “Mala Noche”, tras descubrir que era no solo la primera película del director, sino también la precursora de la que ya había visto. Siempre me impresionan esas películas de bajo presupuesto que salen airosas, sobre todo cuando proceden de una década como 1980. Muchas actuales de mayor presupuesto no les llegan ni a la suela de los zapatos. Especialmente, me convencieron los desconocidos actores en sus respectivos papeles.

El personaje de Walt inspira afecto en el espectador, que sufre al ver las manipulaciones a las que es sometido debido a su concepto idealizado del amor. Es un personaje que despierta simpatía debido al buen fondo que posee. Doug Cooeyate realiza una labor igualmente remarcable con el personaje de Johnny, interpretando extremos que van desde la ternura hasta la violencia, mezclados con una picaresca muy efectiva. La narración en off del personaje de Walt es muy efectiva para explorar su viaje afectivo.

Aunque me gusta la idea del amor obsesivo e idealizado, consideré que el personaje de Walt no estaba lo suficientemente desarrollado. SI bien resulta inusual ver a un joven atractivo y afable embarcándose en esos desastrosos afectos, lo es aún más cuando no se exploran las motivaciones que han llevado a Walt a sentir esas atracciones fatales. Simplemente se nos expone a esa obsesión sin explicación alguna, lo que en mi opinión hubiera contribuido a un personaje todavía más completo.

 

CALIFICACIÓN

7- Bien