MY LIFE WITH JAMES DEAN

TÍTULO ORIGINAL
Ma vie avec James Dean
AÑO DE ESTRENO
2018
DIRECCIÓN
Dominique Choisy
PRODUCCIÓN
Nathalie Algazi, François Drouot, Marie Sonne-Jensen
GUION
Dominique Choisy
REPARTO
Johnny Rasse (Géraud), Mickaël Pélissier (Balthazar), Nathalie Richard (Sylvia), Juliette Damiens (Gladys), Marie Vernalde (Louise), Bertrand Belin (Maxence), Yannick Becquelin (Jimmy), Tancredi Volpert (Ludwig), Sophie Matel (Catherine), Julien Graux (Tony), Tajamul Faqiri-Choisy (Milad, cantante, Maharajá), Eric Goulouzelle (Bertrand), Françoise Lebrun (Madre de Géraud)
CINEMATOGRAFÍA
Laurent Coltelloni
MÚSICA
Bertrand Belin
VESTUARIO
Céline Mombert
PAÍS DE ORIGEN
Francia
DISTRIBUCIÓN
Contre-Allée Distribution
DURACIÓN
108 minutos
 

BALTHAZAR: Te quiero.
GÉRAUD: ¿Perdona?
BALTHAZAR: Ya me has oído. Te quiero.
GÉRAUD: ¿Pero, por qué?
BALTHAZAR: No sé por qué.
GÉRAUD: No me conoces.
BALTHAZAR: Sí, vi tu película.
BALTHAZAR: No es motivo para enamorarse.
GÉRAUD: Para mí sí lo es.
GÉRAUD: Venga ya, es una película. No soy yo.
BALTHAZAR: ¿De verdad? ¿No pensaste alguna vez que eras James Dean para escapar del mundo real? Yo creo que lo hiciste.
GÉRAUD: Para nada, lo inventé. Es una película. Nunca pensé que era James Dean. Él es cómo…
BALTHAZAR: ¿Cómo qué?
GÉRAUD: Cómo nada.  Es halagador que te enamores de mí, pero no me viene bien, y no sirve de nada.
BALTHAZAR: ¿El amor es útil?

 
SINOPSIS
Géraud Champreux es un cineasta de Paris, que acaba de dirigir su nueva película "Mi vida con James Dean". El joven es invitado a un modesto festival de cine en un pueblo costero del norte de Francia, área de Normandía. Nada más llegar se encuentra con que la mujer que lo había invitado no se encuentra allí para recibirlo. Al acudir a la proyección de su película, el portero le trata con diferencia. También le deja claro que un pueblo como en el que se encuentran, solo funcionan las comedias y las películas de acción norteamericanas. Dentro del cine conoce a un joven de gran altura llamado Balthazar, que es el encargado de cobrar y proyectar la película. Géraud se lleva su primera decepción al observar que solo hay una espectadora para ver su obra. Balthazar se queda más impresionado al ver que la película es una historia cargada de homoerotismo gay.

Al día siguiente, Géraud recibe la visita de Catherine, encargada del festival que además tenía que haberlo recibido. Catherine esta sumida en el llanto porque acaba de romper con su pareja Louise, motivo por el que no acudió a recibirlo. Por otro lado, la encargada del hotel, Gladys, ha llegado a la conclusión de que será la próxima estrella en una película de Géraud. Balthazar declara de forma repentina haberse enamorado de Géraud, quien tiene una complicada relación con el actor protagonista de su película. Por otro lado tenemos a una misteriosa anciana, que es la única asistente a las proyecciones del joven director. Entre todo este caos, Géraud decide que ha llegado el momento de escribir su propio guion para desarrollar un nuevo proyecto.
 
CURIOSIDADES
La idea de la película surgió por casualidad, cuando Dominique Choisy se encontraba escribiendo el guion de una historia que tendría lugar en Buenos Aires. 

El proyecto incluía un papel de gran importancia para Johnny Rasse, a quien ya conocía. Sin embargo, el actor se hartó de esperar y le espetó que tardaría años en producir su película argentina, y que no quería escribir. Le preguntó por qué no creaba una historia más simple, que pudiera rodar de inmediato. En aquel momento Choisy estaba recorriendo varios cines de Francia para presentar su película " Les fraises des bois". Esto le llevó a preguntarle en broma si le gustaría que creara una película sobre un cineasta que recorriera el país para responder preguntas sobre la película que había dirigido. Para su sorpresa, Rasse le preguntó: ¿Por qué no?"
En una conversación posterior, Rasse le comentó que cuando era más joven solía viajar a Le Tréport, ciudad en la que tiene lugar la película. Acudía con sus amigos para ir de bares y comportarse como un "tipo duro", por lo que le llamaban el James Dean de Le Tréport. Las dos ideas se fusionaron en la cabeza de Choisy, y esa misma noche dejó de escribir su película argentina y comenzó a escribir "Mi vida con James Dean". 

El director reconoció no incluir ningún aspecto autobiográfico. Solo tenía en común con el personaje el acudir a presentaciones de sus películas. Llegó a reconocer que en ocasiones apenas había tenido espectadores. Al igual que el protagonista, había experimentado la sensación de soledad en lugares extraños.
Choisy siempre se ha mostrado en contra de los procesos de casting, y prefería seleccionar a sus actores en obras de teatro, escuelas de arte dramático y otros sitios. Su sistema se basaba en ver al alguien que le inspirara y escribirle un papel. Conoció a Michkäel Pellisier en un curso de arte dramático donde daba clase, y supo que necesitaba crear al personaje de Balthazar para él.
 
CRÍTICA PERSONAL
Cuando comencé a leer entrevistas a Choisy sobre la película, logré confirmar lo que me parecía observar en la película. Y es que la película tiene un gran premisa, pero es fácil ver que fue creada con prisa y sin prestar demasiado atención a la cohesión de la trama. 

Es curioso, porque todos los actores realizan una gran labor, dado el caótico guion. Quizás por este motivo la película sigue atrayendo la atención, aunque en ocasiones se salga de su propio tiesto. La historia de amor esta bien establecida, pero luego se crean ciertos obstáculos para los personajes que se superan sin mayor esfuerzo para un final apresurado. El entorno de un pueblo poco acostumbrado a películas homoerótico no se explota en absoluto. Apenas tenemos un puñado de personajes que no le hacen vacío al protagonista, por lo que se explota su sensación de soledad en un entorno que bien pudiera ser hostil. La aportaciones de algunos personajes es cuestionable, y el misterio de la anciana que asiste al cine resulta ser revelado con premura. Aún así, encontré que la película era interesante, y me gustó que defendiera un poco ese amor a primera vista por parte de Balthazar, que a menudo olvidamos como adultos.
 
CALIFICACIÓN
6- Bien

MADRE AMADÍSIMA

TÍTULO ORIGINAL
Madre Amadísima
AÑO DE ESTRENO
2009
DIRECCIÓN
Pilar Távora
PRODUCCIÓN
Pilar Távora
GUION
Santiago Escalante
REPARTO
Ramón Rivero (Alfredito mayor), Gala Évora (Rosario joven), José Burgos (Alfredito joven), Gloria de Jesús (Rosario mayor), María Alfonsa Rosso (Abuela Antonia), Carlos Cabra (Padre), David Lora (Javi), Nacho Igueño (La Girasol), Julio Vargas (Titanlux joven), Alicia Moruno (Amiga 1 joven), Celia de Molina (Amiga 2 joven), María Cabrera (Amiga 1 mayor), Belén López-Escobar (Amiga 2 mayor), Santiago Escalante (Titanlux mayor), Sebastián Haro (Capitán Cuartel), Inma Font (Madre Pepe), Bernabé Rico (Antonio), Maite Murillo (Prima Paqui), Ramón Bocanegra (Cabo cuartel), Pablo Acosta (Soldado 1), Arturo Parrilla (Soldado 2), Baldo Cordero (Soldado 3), Juan Cano Almirante Base de Rota), Víctor Carretero (Oficial de Guardia), Amparo Marín (Duquesa), Carmen Miró (Paca), Juan Vicente Fernández de la Rosa (Cura Isidoro), Álvaro Climent (Hijo Javi)
CINEMATOGRAFÍA
Marc Cuxart
MÚSICA
José Miguel Évora, Borja Évora
VESTUARIO
Lucía Navarro
PAÍS DE ORIGEN
España
DISTRIBUCIÓN
Artimagen Producciones
DURACIÓN
103 minutos
 

ALFREDITO JOVEN: Desde hace ya un tiempecito hemos hecho tocamientos de esos que ustedes llaman impuros.
ALFREDITO MAYOR: Aquí estoy yo, pa que usted me ponga la pena conveniente por estos pecados que nunca le confesé. ¿Cómo? Que esto es gravísimo. Lo de mi padre pegándole a mi madre normal, esto gravísimo. Pues mire usted, con lo de mi padre lo pasé fatal, con lo de Javi no puedo decir lo mismo. Dígame, dígame cual es la pena.
CURA ISIDORO: Cien Padre Nuestros
ALFREDITO JOVEN: ¿Cien Padre Nuestros? Ay mire, no me lo podría cambiar usted por trescientas Ave Marías. Es que tengo la letra del Padre Nuestro perdida por los pensamientos.
CURA ISIDORO: ¿Ah sí? Pues trescientos.
 

ALFREDITO MAYOR: Javi, aquella tarde, tenía los ojos más verdes que nunca. Unos ojos que aun guardo en mi memoria y que nunca olvidé. Estuvimos muchas tardes durante mucho tiempo desquitándonos de todo el tiempo que aquellos curas habían estado quitando aquello de la cabeza. Eso sí, por supuesto a escondidas de todos. Una tarde, estuve muchas horas esperando, pero no apareció. Supe entonces que no volveríamos a estar juntos.  Y así fue, él nunca más volvió.

 
SINOPSIS
Alfredito es un hombre homosexual en la cincuentena avanzada, que trabaja como vestido de la Virgen de su pueblo. Cuando esta a punto de tener lugar una procesión, se encarga de desvestir y vestir a la virgen, que afectuosamente llama su “Negrita”. Mientras lo hace comienza a contarle toda la historia de su vida. Alfredito nació en 1952 y siempre tuvo el amor de su madre, que intentó protegerlo de la agresividad de su padre, aunque no siempre tuvo éxito. Ya adolescente, Alfredito descubrió su homosexualidad y comenzó una aventura secreta con el atractivo hijo del alcalde, Javi. Sin embargo, Javi dejó de acudir a sus encuentros secretos, dejando a Alfredito devastado. Ser homosexual en la época del franquismo era sinónimo de soledad y rechazo, y Alfredito solo soñaba con salir de su pueblo.

A pesar de perder a Javi, logra hacerse amigo de otro homosexual del pueblo al que llaman la Titanlux, quien durante un tiempo lo sumerge en el mundo de las drogas.  La oportunidad de abandonar el pueblo llega cuando es reclutado para llevar a cabo su servicio militar en la marina. Aterrado, Alfredito encuentra el consuelo al hacerse amigo de un compañero homosexual llamado la Girasoles. Gracias a él consigue completar su servicio militar, a pesar de demostrar ser un inútil en la instrucción. De regreso, su vida se concentra en su madre y en algunas aventuras que no llegan a buen puerto. Su madre enferma y esta en estado terminal, pero Alfredito le pide a la Virgen que viva lo suficiente para que pueda ver como ha vestido a la imagen durante la procesión.
 
CURIOSIDADES

La película es una adaptación de la obra de teatro del mismo título escrita por Santiago Escalante y estrenada en el año 2005. Escalante adaptó la obra en el guion de la película, que fue dirigida por Pilar Távora. La idea de llevar a cabo la adaptación surgió mientras Távora entrevistaba a Ramón Rivero y Santiago Escalante como parte de una serie sobre la historia del teatro andaluz producida por Canal Sur. Fue entonces cuando los dos le hablaron de la obra de teatro que tenían en cartelera, y Távora decidió de forma inmediata que deseaba adaptarla para la gran pantalla. La directora deseaba realizar una película con un mariquita de pueblo que fuera el protagonista, y que además pudiera aportar algo a la tolerancia y el respeto. También deseaba reflejar la soledad y sufrimiento de otros homosexuales que habían experimentado las vivencias de Alfredito, que habían sufrido la transición del franquismo a la era moderna. 

Otros temas que le atraían era el amor de madre, la amistad, o el desamor. La película tuvo veintidós candidaturas a los Premios Goya en su edición de 2011, aunque no logró hacerse con ninguna nominación.  
 
CRÍTICA PERSONAL
Pues la verdad es que me llevé todo una sorpresa al ver esta película. Lo primero que pensé fue que ya era hora que el personaje mariquita recibiera un homenaje digno el cine. Y no es solo el homenaje que recibe, sino que además que la historia de su vida es toda una muestra de superación y de amor. Muchos consideran que el termino mariquita es despectivo, y siempre he considerado que depende de quien y como lo use. El mariquita existe y forma parte de nuestra comunidad, y solo un homófobo lo ridiculiza, muchos incluidos entre nuestra minoría. Cuando yo salí del armario conocí a muchos Alfreditos, pues me gustaba estar entre gente que había experimentado tantos cambios a lo largo de las décadas. Como resultado aprendí tanto como se puede aprender de esta película. 

La película esta cargada de un dramatismo conmovedor, pero se equilibra con momentos muy divertidos que en ningún momento hacen uso del humor fácil y barato. 

La historia del desamor del personaje me sacó las lágrimas, igual que su experiencia en la mili me arrancó contantes sonrisas. Al margen de esto, el amor de la madre y la tristeza y cambio ante su pérdida me tocaron muy hondo. Matrícula de Honor.
 
CALIFICACIÓN
10- Sobresaliente

EL HIJO DE MUDGE

TÍTULO ORIGINAL
The Mudge Boy
AÑO DE ESTRENO
2003
DIRECCIÓN
Michael Burke
PRODUCCIÓN
Elizabeth W Alexander, Alison Benson, Randy Ostrow
GUION
Michael Burke
Basado en el corto de Michael Burke
REPARTO
Emile Hirsch (Duncan Mudge), Tom Guiry (Perry Foley), Richard Jenkins (Edgar Mudge), Pablo Schreiber (Brent), Zachary Knighton (Travis), Ryan Donowho (Scotty), Meredith Handerhan (Tonya), Beckie King (April), Sandra Gartner (Lydia Mudge), Tara O’Reilly (Emily Foley), Barbara Lloyd (Irene Blodgett), Sam Lloyd (Ray Blodgett), Hannah Franzoni (Tracey Foley), George Woodard (Merrit Foley), Munson Hicks (Sacerdote), Rose Marie Perfect (Dueña de la tienda), Macklen Makhloghi (Adolescente borracho), Sean Flood (Amigo del adolescente)
CINEMATOGRAFÍA
Vanja Cernjul
BANDA SONORA
Marcelo Zarvos
VESTUARIO
Toni Fusco
PAÍS DE ORIGEN
Estados Unidos
DISTRIBUCIÓN
Showtime Networks
DURACIÓN
94 minutos

DUNCAN MUDGE: Siempre he creído que si eras una buena persona, cuando te murieses irías derecho al cielo. Como una especie de recompensa. Pero al final solo te meten bajo tierra, donde los bichos y los gusanos te comen.
PERRY FOLEY: Seguro que el cielo existe. Tiene que haber un cielo.
 
PERRY FOLEY: No podemos volver a hacer nada de eso. No está bien.
DUNCAN MUDGE: No le he contado nada Perry.
PERRY FOLEY: No podemos seguir haciendo eso. Es de maricones, y yo no soy maricón.
DUNCAN MUDGE: Ya lo sé. Lo siento Perry.
PERRY FOLEY: Siempre lo sientes. ¿Y de que te arrepientes?  A veces actúas como si fueras una maldita chica, Duncan. ¡Mierda!
DUNCAN MUDGE: Perry.
PERRY FOLEY: ¿Qué?

DUNCAN MUDGE: ¿Alguna vez has pensado en besarme?
PERRY FOLEY: Estás loco Duncan. ¡No! Ni hablar. (le besa violentamente) ¿Es eso lo que quieres?
DUNCAN MUDGE: No. (se besan con cariño hasta que Perry para)
PERRY FOLEY: Eres un maldito maricón. Mantente alejado de mí.
 
SINOPSIS
La madre del joven Duncan Mudge fallece tras sufrir un ataque al corazón mientras paseaba en bicicleta. Pasado un tiempo, Duncan es un adolescente abatido por la perdida de su madre, y cada vez más distanciado de su padre, quien no es capaz de lidiar con la pérdida. Duncan conserva una gallina que era la favorita de su madre, de quien aprendo que para calmar al animal, bastaba con introducir su cabeza en su boca. También siente un apego especial a la ropa de su madre, incomodando a su padre cuando es descubierto llevando alguna prenda. A pesar de sus peculiaridades, Duncan es un chico sensible y amable, que tiene problemas para encajar en el entorno rural en el que siempre ha vivido.

Los demás chicos se burlan de él a menudo, pero de alguna forma logra establecer una conexión con muchacho llamado Perry. Éste sufre abusos de su padre y es popular entre las chicas, despertando también el interés de Duncan. Los dos jóvenes comienzan a pasar más tiempo juntos y mantienen conversaciones sobre la muerte y la pérdida que esta conlleva. Tras una fiesta adolescente, Perry acompaña a Duncan a su casa, donde le anima a ponerse el vestido de novia de su fallecida madre. Esto provoca que Perry acabe violando a Duncan, que esperaba que su relación tuviera tintes más románticos.
 
CURIOSIDADES
La película esta basada en el corto creado por el propio Burke, titulado “Fishbelly White” y estrenado en 1998. Dicho corto pasó a formar a parte de la recopilación incluida en la película “Boys Life 5” (2006). Michael Burke desarrolló el guion para la película en Sundace Labs en el año 2000. 

Se inspiró en sus propias vivencias, pues había crecido en el mundo rural de Vermont, y deseaba contar una historia acerca de un chico demasiado sensible para el tipo de entorno en el que se había visto obligado a crecer. Emile Hirsch fue escogido para interpretar al personaje protagonista, después de que Burke apreciara su trabajo en “La Peligrosa Vida de los Altar Boys” (2002). El director le permitió que creara los pensamientos internos del personaje de Duncan, pues iba demostrando una enorme sinceridad en su interpretación. El personaje de Duncan requería eso, pues era el único de la película que se escondía detrás de máscaras y se mostraba tal y como era.
El mayor reto para Burke fue rodar las escenas intensas en las que los personajes de Perry y Duncan tenían relaciones íntimas. La escena más complicada fue la violación, seguida del beso entre ambos personajes. Los actores, Hirsch y Guiry, intentaron suavizar esa dificultad mediante bromas detrás de las cámaras. 

Sin embargo, Hirsch declaró que había sido más difícil rodar la escena en la que Perry lo empujaba y le llamaba maricón tras el beso, que la de la violación. La escena tuvo que ser repetida en numerosas ocasiones, siendo la más difícil de la película.
 

CRÍTICA PERSONAL

Brutal, pero dotada de gran belleza y sensibilidad, la película es toda una montaña rusa emocional. Lo más curioso es que ni siquiera aborda la salida del armario del personaje, limitándose a mostrar el choque cultural de Duncan en un entorno rural y extremadamente machista. Hirsch resulta ser un personaje refrescante por su inocencia y excepcional sensibilidad, pero el espectador puede percibir las mismas rarezas que echan atrás a Perry. El mayor ejemplo es el momento en el que introduce la cabeza de la gallina en su boca al principio de la película, sin que explique el motivo hasta que la trama ha avanzado. 

Su obsesión con la ropa de su madre también se va clarificando a lo largo de la trama, y parece que Burke desee que caigamos en prejuicios con facilidad, para luego mostrarnos que las cosas no son como parecen. Agradecí que la historia con Perry no saliera bien, dotando al drama de la película de un realismo brutal. Si la escena de la violación es desgarradora, lo es mucho más la del beso, donde se decide que dirección seguirá la relación. Burke logró engancharme a través de sus personajes y una trama fascinante.

Me quedó la sensación de que el final de la película no daba clausura a parte de la trama, con Duncan sin reconocer abiertamente su homosexualidad, y con su padre ayudándolo sin que pareciera ser consciente de todos los problemas a los que se había enfrentado.
 

CALIFICACIÓN
9- Muy bien

GYPSY 83

TÍTULO ORIGINAL

Gypsy 83

AÑO DE ESTRENO

2001

DIRECCIÓN

Todd Stephens

PRODUCCIÓN

Todd Stephens, Karen Jaroneski,

GUION

Todd Stephens

REPARTO

Sara Rue (Gypsy Vale), Kett Turton (Clive Webb), Karen Black (Bambi LeBleau), John Doe (Ray Vale), Anson Scoville (Zechariah Peachey), Paulo Costanzo (Troy), Carolyn Baeumler (Lois), Stephanie McVay (Polly Pearl), Amanda Talbot (Connie), Vera Beren (Emperatriz Chi Chi Valenti), Eileen Letchworth (Señora Larson), Andersen Gabrych (Banning), Michael Cavadias (Hazleton), Heather Litter (Kitty Boots), Matthew Faust (Candidato a Fraternidad), Tyler Morgan (Candidato a Fraternidad)

CINEMATOGRAFÍA

Gina Degirolamo, Mai Iskander

BANDA SONORA

Marty Beller

VESTUARIO

Kitty Boots

PAÍS DE ORIGEN

Estados Unidos

DISTRIBUCIÓN

Palisades Pictures, Small Planet Pictures

DURACIÓN 
94 minutos

CLIVE WEBB: Es sexo me parece tan… desagradable.

GYPSY VALE: Oh no, el sexo puede ser estupendo. Realmente no lo recuerdo, pero…

CLIVE WEBB: A lo mejor tú y yo podríamos intentarlo.

GYPSY VALE: Sí, claro, creo que ya he pasado mi fase de mariliendre intentando relaciones sexuales con maricones, pero gracias por la oferta. Ya he pasado por eso.

CLIVE WEBB: Así por lo menos estaría seguro de serlo.

GYPSY VALE: Cariño, eres marica, con eme mayúscula.

CLIVE WEBB: ¿Así que ya lo sabes? Pues a algunos de nosotros no nos gusta ser definidos por nuestra sexualidad.

GYPSY VALE: Vaya, lo siento.  ¿Puedo hacerte una pregunta?

CLIVE WEBB: ¿Qué?

GYPSY VALE: ¿Eres gay?

CLIVE WEBB: Sí, pero no tengo nada en común con esa gente. Quiero decir, que me importa una mierda Judy Garland o… Stonewall. Ser marica es solo una pequeña parte de mi personalidad.

GYPSY VALE: Sí, como quieras.

SINOPSIS

Gypsy Vale es una joven de veinticinco años que reside en Sandusky, Ohio. Allí es amiga del joven Clive Webb, un homosexual de dieciocho años. Ambos son góticos y fans de la música de Stevie Nicks, lo que les convierte en inadaptados sociales para el resto de habitantes del pueblo. Los padres de Gypsy estuvieron una vez juntos en una banda, pero su madre les abandonó para intentar forjar una carrera musical en Nueva York. Aunque Gypsy desea triunfar en el mundo de la música. A pesar de sus dudas, Clive termina por convencerla para ambos viajen a Nueva York, para que Gypsy se presente a las pruebas de un evento llamado “La Noche de las Mil Stevies”, en un club gótico.

Durante el viaje a Nueva York la pareja se enfrenta a obstáculos personales y provocados por la intolerancia ajena. Ambos se enfrentan entre sí al recoger a un Amish fugado llamado Zechariah. 

Clive queda prendado del joven y le confiesa su virginidad, para descubrir que Zechariah se siente atraído hacia Gypsy. Por otro lado, los tres se encuentran con un grupo perteneciente a una fraternidad, que está realizando pruebas de iniciación. Clive termina teniendo su primera experiencia sexual con un miembro de la fraternidad llamado Troy. Sin embargo, tanto Gypsy como Troy terminan por ser abandonados y humillados, por lo que deberán reconciliarse para seguir su viaje a Nueva York. Allí Gypsy descubrirá que fue de su madre.

CURIOSIDADES

Se trata de la primera película escrita y dirigida por Todd Stephens. Previamente, había escrito el guion de la película “Edge of Seventeen” (1998), que fue dirigida por David Moreton y también tiene lugar en Sandusky, Oregón. 

Aunque se puede ver la influencia de esta película en “Gypsy 83”, también se percibe el esfuerzo de Stephens para que tuviera su propia personalidad. Todd Stephens fue criado en Sandusky, de ahí su interés por mostrar la vida de un homosexual en dicha ciudad. De hecho, “Edge of Seventeen” sirve como trabajo casi autobiográfico de sus primeras experiencias como gay. El título de esa película se inspiró el albúm discográfico titulado Bella Donna, de la cantante Stevie Nicks. A fecha de esta post, está previsto que el director estrene la película “Swan Song” en el año 2020. La película será la tercera cuya trama tendrá lugar en Sandusky, cerrando lo que se está empezando a definir como la Trilogía de Sandusky de Todd Stephens.

Como he mencionado, el director es un gran fan de la cantante Stevie Nicks, razón por la que la incluye como inspiración de sus personajes en “Gypsy 83”. La mencionada cantante es conocida por su distintiva voz, personalidad mística y poética en el escenario, y sus letras cargadas de simbolismo.

Los personajes de la película que nos concierne hoy se embarcan en un viaje para acudir al evento legendario conocido como “La Noche de las Mil Stevies”, que tiene lugar de forma anual y es organizado por sus fans más dedicados. Es un homenaje a la que consideran “Alta Sacerdotisa del Rock”.

La música original de la película fue compuesta por Marty Beller. La Banda Sonora incluye a iconos muy conocidos de la subcultura gótica, tales como The Cure, Claire Voyant y artistas de música electrónica como Velvet Acid Christ y Apoptygma Berzek. También incluye una versión de la famosa canción de Stevie Nicks “Talk to Me” interpretada por la banda gótica Diva Destruction.

CRÍTICA PERSONAL

De entre los dos personajes, debo reconocer que me quedó con la interpretación de Kett Turton, sin despreciar la de Sara Rue. Ambos personajes están bien definidos y logran mostrar esa vulnerabilidad emocional y frustración derivada de la marginalidad a la perfección. 

Sin embargo Turton va más allá logrando mostrar la fragilidad de su personaje en determinadas situaciones de forma magistral. La dinámica entre ambos personajes es excelente. Resulta curioso ver como Clive es más frágil, pero en ocasiones termina siendo ese apoyo tan necesario para Gypsy.

Me encantan las películas que narran viajes que someten a los personajes a cambios culturales. Dicha temática suele surgir de personajes que abandonan pueblos o lugares extremadamente conservadores, para descubrir las libertades de las grandes ciudades. Adicionalmente la película incluye una serie de obstáculos que hacen del viaje algo muy interesante.

El mayor problema es que la trama tarda demasiado en arrancar. Creo que existe demasiada exposición inicial en el pueblo, cuando dicha información podría haberse intercalado entre los eventos del viaje. Es una de esas películas en las que comencé pensando que la historia iba a ser un completo desastre, pero que terminó por engancharme cuando ya había transcurrido la mitad.

CALIFICACIÓN

7- Bastante bien

TRABAJADORES Y CAMINANTES

TÍTULO ORIGINAL

The Toilers and the Wayfarers

AÑO DE ESTRENO

1995

DIRECCIÓN

Keith Froelich

PRODUCCIÓN

Keith Froelich

GUION

Keith Froelich

REPARTO

Matt Klemp (Dieter), Ralf Schirg (Udo), Andrew Woodhouse (Phillip), Jerome Samuels (Helmut), Joan Wheeler (Anna), Michael Glen (Teniente Scallion), Ralph Jacobus (Carl), Douglas Blacks (Entrenador), Anthony C. Paul (Paul), Johanna Stucki (Renate), Alex Cole (Vendedor de coches), Michael A. Sward (Chapero), Kevin Burns (Detective), Scott Bukowski (Detective), James Hulbert (Párroco), Daniel Ayers (Heinrich), Mischy Ayers (Hermana de Dieter), Christine Ayers (Hermana de Dieter), Heinz Schwerman (Camarero aleman), Karen Manion (Jefa de Udo), Michael Tabor (Camarero Americano)

CINEMATOGRAFÍA

James Frank Tittle

BANDA SONORA

Chang Poling

VESTUARIO

Sally Englelhardt, Jeannie Galioto

PAÍS DE ORIGEN

Estados Unidos

DISTRIBUCIÓN

CMV Laservision

DURACIÓN
75 minutos

HELMUT: No vuelvas a desafiarme, y menos en público. No vuelvas a acercarte a ese maricón. ¡Que no te vuelva a pillar con él!

DIETER: Ha dicho la verdad, nunca hemos hecho nada de eso.

HELMUT: No quiero oír ni una palabra de ese tema.

DIETER: Él no es homosexual, no lo es… pero yo sí.

DIETER: ¿Qué quería ese tipo?

PHILLIP: Te quería a ti, y por supuesto no me extraña.

DIETER: ¿Qué le has dicho?

PHILLIP: Que eras mi primo de Arkansas y que eras virgen.

DIETER: ¡Que cabrón!

PHILLIP: Eh, estaba dispuesto a pagarte ochenta dólares para verte desnudo. Te sorprende, ¿verdad?

DIETER: Yo valgo mucho más, no he venido para eso.

SINOPSIS

Dieter es un atractivo joven de dieciséis años, cuyo mejor amigo es el bromista e irresponsable Phillip. Ambos se encuentran en New Ulm, Minnesota, donde las costumbres conservadoras el idioma de los colonos alemanes todavía prevalecen. No es el ambiente más divertido para dos jóvenes de su edad. La tía de Dieter decide financiar el viaje de un sobrino suyo que no conoce, y que vive en Alemania. Sin embargo se sorprende al recibir a Udo, un joven recién entrado en la veintena, que mantiene una actitud irresponsable y se pasa el tiempo bebiendo cerveza y viendo la televisión. Un día Phillip se lleva una sorpresa al descubrir que Phillip es homosexual, cuando el joven le besa al pensar lo mismo de él. Dieter corta todo contacto con Phillip, pero cada vez se ve más agobiado por las restricciones de su familia.

Cuando el padre de Dieter echa a Udo de su casa, esto provoca un conflicto entre padre e hijo. Su padre llega a darle una azotaina que deja a Dieter humillado. 

Tras esto Dieter decide escaparse a Minneapolis con Udo. Esto provoca que la gente comience a sospechar que Dieter es homosexual. Aunque inicialmente esto no es verdad, Dieter no tarda en considerar explorar esa sexualidad. A ellos no tarde de unirse el propio Phillip, al que Dieter vuelve a aceptar admitiendo echarle de menos. Las nuevas experiencias del trío en Minneapolis, buscados por las autoridades, les llevaran a tomar las decisiones menos acertadas.

CURIOSIDADES

La traducción del título sería “Los Trabajadores y los Caminantes”. Se trata de una película independiente de muy bajo presupuesto, que fue escrita, producida y dirigida por Keith Froelich. De hecho es la única película en la que ha trabajado hasta la fecha. Froelich también tiene un breve cameo en la película como un camarero sirviendo cerveza. La película fue concebida como un proyecto rural, que mostrara las dificultades de un adolescente gay a la hora de ser aceptado. 

Fue rodada en blanco y negro, en el mismo pueblo de New Ulm, Minnesota, donde tiene lugar la trama. También hace uso tanto del idioma inglés, como el aleman.

James Frank Tittle se encargó de la cinematografía, y el mayor problema lo tuvo a la hora grabar en la casa del personaje de Anna debido a lo estrechos que eran sus pasillos, para poder hacerlo necesitó crear un pequeña vía con una plataforma móvil para la cámara. La película fue dedicada al padre de Keith Froelich, Walter A. Froelich, que falleció el mismo año de su estreno en el Outfest Film Festival de 1995.

CRÍTICA PERSONAL

La película es modesta y con muchos defectos evidentes. Sin embargo al comenzar a verla con esto en mente, tuve la impresión de que abordaba una temática usada anteriormente de forma bastante original. 

Tanto Matt Klemp como Andrew Woodhouse realizaban un buen trabajo inicial, logrando que la amistad entre Dieter y Phillip fuera creíble, así como la atracción del segundo por el primero. Sin embargo, Froelich realiza un cambio en la trama, diferenciándola de otras a las que estamos acostumbrados. La angustia de los personajes no es tanto por su homosexualidad, sino por el hecho de sentirse atrapados en un pueblo donde lo conservador asfixia su juventud. La aparición de Udo sirve para hacerles ver como debe ser la juventud, sin absurdas restricciones.

En cuanto la película aborda la fuga de los jóvenes de su pueblo, la película se va a pique por completo. Con un metraje muy limitado, la trama avanza con excesiva prisa, atropelladamente, y perdiendo toda la credibilidad posible. Saltamos de la inocencia a la prostitución, y de ahí a la actitud de macarra criminal de forma inverosímil, sin explicación de una motivación creíble. 

El personaje de Phillip plantea la prostitución como forma de vida, como si de comprar un helado se tratara. Dieter acepta la idea sin apenas resistencia, y antes de que nos demos cuenta es un profesional del sexo. Esa parte de los personajes está tan mal abordada y tan mal dirigida, que los actores dejan de realizar un  buen trabajo y se convierten en pésimos actores. Para empeorar las cosas, el personaje de Udo desaparece sin apenas explicaciones.

Muchos actores secundarios son lamentables, y nunca deberían haber osado participar en algo para lo que no están preparados. No puedo creerme que no hubiera estudiantes de arte dramático con más talento para el proyecto, por independiente que fuera. Kevin Burns interpretando al detective en busca de criminales chaperos es risible, y de hecho me despertó una carcajada. El actor que interpreta al padre de Dieter me provocó la misma reacción. Es una pena, porque sin grandes medios, la película podría haber estado bastante bien. Es un ejemplo de que las prisas no son buenas.

CALIFICACIÓN

4- Insuficiente

OLVIDAR VENECIA

TÍTULO ORIGINAL

Dimenticare Venezia

AÑO DE ESTRENO

1979

DIRECTOR

Franco Brusati

PRODUCTOR

Franco Brusati

GUION

Franco Brusati, Jaja Fiastri

REPARTO

Mariangela Melato (Anna), Eleonora Giorgi (Claudia), Erland Josephson (Nicky), Nerina Montagnani (Caterina), David Pontremoli (Picchio), Hella Petri (Marta), Armando Brancia (Propietario del restaurante), Fred Personne (Rossino), Peter Boom (Nieto de Caterina), Siria Betti (Esposa de Rossino), Alessandro Doria (Nicky de niño), Paolo Roversi (Rossino de niño), Anne Caudry (Anna de niña), Daniela Guzzi (Claudia de niña)

CINEMATOGRAFÍA

Romano Albani

BANDA SONORA

Benedetto Ghiglia

VESTUARIO

Luca Sabatelli

PAÍS DE ORIGEN

Italia

DISTRIBUCIÓN

Cineriz, Gaumont

DURACIÓN
110 minutos

PICCHIO: Insiste para que venga a Milán.

ANNA: Sí, sí, lo sé. Me lo ha dicho Nicky y te lo agradezco mucho, pero no es posible.

PICCHIO: ¿Por qué?

ANNA: Porque no estoy preparada. Porque tengo miedo. Porque no saldría bien.

PICCHIO: En casa hay sitio para todos.

ANNA: Nicky tampoco podría con todos sus viajes. Y en el fondo nunca se ha movido de aquí. Siempre la misma cara, siempre el mismo cuerpo, pero perseguidos durante años a través de otras caras y otros cuerpos. No te ofendas Picchio, pero cuando Nicky se acuesta contigo abraza un sueño.

PICCHIO: ¿Y qué importa?

ANNA: Yo en cambio solo he conocido a Claudia en mi vida. Solo he hecho el amor con ella, y he empezado a odiarla como me odio a mí misma. El día en que nací, Marta empezó a morirse.

PICCHIO: Eso no es cierto.

ANNA: Mira Picchio, mira. Este es el retrato de mis padres. ¿Y sabes quién les sacó los ojos hace más de veinte años? Claudia y yo. Lo hicimos en esta misma habitación. Todo cambia a nuestro lado, crece, madura, muere. Pero nosotras no. Nos quedaremos siempre igual. Ridículas y siniestras como dos niñas de piedra en un cementerio.

PICCHIO: ¿Quién dice eso?

ANNA: Nunca hemos conocido nada que sea distinto a nosotras, nada que sea real. De hecho creo que podríamos vivir simplemente mirándonos en un espejo.

SINOPSIS

Marta es una antigua cantante de ópera que ha criado a los sobrinos de su primer marido, Ricky y Anna, como si fueran sus hijos. La peculiar familia ha residido en una villa rural, hasta que Ricky decide marcharse a Milán. Allí, Nicky inicia una relación con Picchio, un apuesto joven al que le lleva varios años. 

Por su parte, Anna permanece en la villa donde se encarga del cuidado de la granja, a pesar de haber mantenido una relación dificultosa con Marta desde que era una niña. También mantiene una relación amorosa con Claudia, a quien conoce desde la infancia. Claudia ha sido la única persona capaz de penetrar en la mente y el corazón de Anna.

Por su parte, Marta es consciente de la homosexualidad de Nicky y Anna, pero esto nunca le ha molestado. Nicky decide visitar la villa junto a Picchio, que se siente un poco incómodo ante la situación de conocer a la familia de su amante. El propósito de Marta es llevarse a las dos parejas en un viaje a Venecia. Durante la visita, Nicky es invadido por los recuerdos de su infancia en la villa, sintiendo una inmensa nostalgia. Sin embargo, el plan de viajar a Venecia se viene abajo ante la muerte repentina de Marta. Anna y Claudia deben plantearse si seguir en el único lugar que han conocido, o partir y dejar sus recuerdos atrás junto a Nicky y Picchio.

CURIOSIDADES

Escrita, producida y dirigida por el milanés Franco Brusati, la película forma parte de la nueva ola de cine italiano de la década de 1960. Curiosamente, la homosexualidad de todos los personajes protagonistas se sugiere de forma discreta, mostrándose en contra de una promoción publicitaria que no se correspondía. Al mismo tiempo, la película hace extenso uso de los flashbacks y el simbolismo para examinar la vida presente y pasada de las dos parejas, una gay y otra lesbiana. También examina temáticas como la incapacidad de despegarse de un entorno, cuando este ha sido el único que se ha conocido, y  de los sentimientos de nostalgia que se sienten al reencontrarse con el pasado.

La película fue elogiada por crítica y público, llegando a ser considerada como una obra de arte. Sin embargo, hubo sector entre los espectadores homosexuales que lamentaron que las relaciones fueran sugeridas y no analizadas en profundidad. Esto no impidió que la película recibiera numerosos premios en su país de origen. 

También fue candidata al Oscar a la Mejor Película Extranjera, aunque perdió la estatuilla contra la película “El Tambor de Hojalata” (1979).

CRÍTICA PERSONAL

Hay que elogiar la excelente cinematografía que logra sumergir al espectador en la vida de la campiña italiana. Algunas escenas están dotadas de una belleza extraordinaria. La película hace un uso inteligente de los flashbacks, para explicar determinados aspectos del pasado de los personajes protagonistas. Por otro lado, también me encantó ver una película de la década de 1970 en la que el hermano y hermana son gay y lesbiana. De alguna forma, me pareció una forma de motivar una unión necesaria, que me parece bastante ausente en nuestra comunidad a fecha de hoy. Otros aspectos con los que me identifique fueron la dificultad de romper con el pasado, y la extraordinaria forma en la que se logra transmitir sentimientos de nostalgia.

Supongo que resulta extraño darle un aceptable a una película tan elogiada. Sin embargo, hay varios aspectos que no funcionaron conmigo. Principalmente, la trama tiende a disiparse y alejarse de la intención original del director, sobre todo en escenas que me resultaron innecesarios. La homosexualidad de los cuatro protagonistas hay que deducirla durante la mayor parte del metraje. Aunque se aborda en pequeños diálogos a la segunda mitad. Personalmente eché de menos momentos afectivos entre las dos parejas, tanto la gay como la lesbiana. De no ser porque se menciona que son dos parejas, sería imposible deducirlo. Y es que aunque se aprecia la nostalgia y otros temas, no se logra profundizar lo suficiente en los personajes, que para mí son el elemento más importante del film.

CALIFICACIÓN

5- Aceptable