ABUSE

TÍTULO ORIGINAL

Abuse
AÑO DE ESTRENO
1983
DIRECCIÓN
Arthur J Bressan Jr
PRODUCCIÓN
Steven McMillin
GUION
Arthur J Bressan Jr
REPARTO
Richard Ryder (Larry Porter), Raphael Sbarge (Thomas Carroll), Steve W James (Doctor Bennett), Kathy Gerber (Kathy Logan), Jack Halton (Profesor Rappaport), Mickey Clark (Laura), Maurice Massaro (Señor Carroll), Susan Schneider (Señora Carroll), Luba Gregus (Sara), Kathy Giotta (Elaine), Tracy Vivat (Amy), Billy Lux (Aaron), Paul Peterson (David), David Schachter (Mark), Jean Garrett (Dean Kinkaid), Pam Poitier (Samantha), Jeff Olmsted (Richard Blake), Jim O’Connor (Frankie Timmons)
CINEMATOGRAFÍA
Douglas Dickinson
BANDA SONORA
Shawn Philips
VESTUARIO
Sin acreditar
PAÍS DE ORIGEN
Estados Unidos
DISTRIBUCIÓN
Cinevista
DURACIÓN
94 minutos
 

THOMAS CARROLL: ¿Eres gay?
LARRY PORTER: ¿Marica? Sí. ¿Y tú?
THOMAS CARROLL: Sí.
LARRY PORTER: Bien. Ahora, si quieres empezar a beber cerveza deberías comenzar con Miller o Heineken. Son más suaves y las puedes encontrar en cualquier tienda. Pruébala.
THOMAS CARROLL: ¿Qué tal? Me refiero, a que aspecto tengo.
LARRY PORTER: Tienes buen aspecto.
 
THOMAS CARROLL: Pero antes de hablar necesito que sepas que quiero mucho a mis padres. Son buenos conmigo casi siempre, no solo en Navidad o mi cumpleaños, sino todos los días. No siempre me gusta lo que me hacen, o lo que se hacen el uno al otro, pero sé que me quieren.
LARRY PORTER: De acuerdo.

THOMAS CARROLL: Siempre comienza con algún tipo de discusión, alguna tontería, y yo ya comienzo a prepararme, pues presiento lo que va a suceder en cuestión de segundos. Lo puedo presentir por el tono de sus voces. Es difícil de explicar, las bofetadas duelen, pero he aguantado cosas peores. Les cambia la expresión, y eso es lo que más miedo me da. Me dan ganas de salir corriendo y escapar. Lo cual es una tontería, porque no hay sitio al que pueda ir, o donde pueda esconderme.
 
SINOPSIS
Thomas Carroll es un adolescente de catorce años que lleva tiempo sufriendo abusos físicos a manos de sus padres. El destino le lleva a conocer a Larry Porter, un aspirante a cineasta homosexual. Porter lleva tiempo deseando crear un documental que aborde los abusos físicos que sufren algunos chicos a manos de sus padres, y sus desastrosas consecuencias. 

Sin embargo, no ha logrado encontrar a un muchacho que protagonice el documental ni conseguir la financiación requerida. Thomas decide llamar a Larry para participar en su documental, pero al no poder dejarle el número de casa de sus padres opta por quedar con él cerca de un puente. Thomas reconoce ser gay también y accede a participar en el proyecto de Porter, revelando terribles sufrimientos debido a los abusos de sus padres, que han llegado a provocar quemaduras en su cuerpo.
Sin embargo, para poder contar con Thomas en su documental, Larry es informado de que necesita el consentimiento de los padres del joven. Poco a poco, la amistad entre Larry y Thomas se convierte en una relación intima que complica todavía más las cosas. Larry se verá obligado a tomar una solución definitiva cuando Thomas reciba la peor tortura a manos de sus padres hasta la fecha.
 

CURIOSIDADES
La película fue escrita y dirigida por Arthur Bressan, que se inspiró en la relación que mantuvo con un joven menor de edad, que fue sometido a peligrosos abusos físicos a manos de sus padres. Arthur Bressan conoció al verdadero Thomas Carroll en el año 1975, siendo el joven víctima de terribles abusos físicos a manos de sus padres. En aquel entonces, Bressan no se había planteado hacer una película sobre los abusos físicos en menores. Sin embargos, ambos se hicieron amigos, pasando a convertirse en amantes. Los abusos que sufrió Thomas comenzaron a ser tan peligrosos, que Bressan decidió fugarse con él a otra ciudad ocultando sus verdaderas identidades. Con el tiempo, la relación entre ambos acabó llegando a su fin. Fue entonces cuando Bressan vio la posibilidad de realizar una película sobre su historia, apreciando un potencial de gran peso emocional. El propio director confesó que tanto sus amigos heterosexuales como homosexuales le habían criticado por la relación que había mantenido con Thomas. 

Algunos pensaban que lo habían estado explotando, y otros consideraban que el joven lo había utilizado para poder escapar de sus padres. Aunque Bressan escuchó los consejos de sus amigos, optó por no hacerles caso y se volvió a reunir con Thomas para llevar a cabo un proyecto que consideraba único.
Bressan había iniciado su carrera en la industria del porno, pero llegó a realizar dos películas comerciales, de entre otras varias, para abordar temas serios. La primer fue la que abordamos hoy, sirviendo como un análisis sobre el abuso físico de padres e hijas, e implícitamente sobre las relaciones entre mayores y menores de edad. La segunda fue “Buddies” (1985), que se convirtió en la primera película de temática gay en abordar la crisis del SIDA en la década de 1980. La película examina la red de amigos organizada para ayudar a aquellos que fueron infectados durante el comienzo de la pandemia. Bressan falleció víctima del SIDA en julio de 1987, a la edad de cuarenta y cuatro años.
 
CRÍTICA PERSONAL

Ciertamente, la película aborda el problema de los abusos físicos a menores de una forma brutal y desgarradora. También logra abrir un debate inteligente al mostrar la relación íntima entre mayor y menor de edad, de una forma comparativa a los abusos parentales. ¿Justifica esto dichas relaciones? Evidentemente no, pero ya resulta un logra el hecho de que logre abrir un debate complicado. Richard Ryder y Raphael Sbarge resultan muy convincentes en sus respectivos papeles y Sbarge logra despertar una evidente empatía.
Se mezcla trama con entrevistas y declaraciones propias de un documental, que al interrumpir la trama provocan que se pierda oportunidad de entrar dentro de los personajes a un nivel mucho más profundo a nivel sentimental y psicológico. También eché de menos un contraste entre los abusos y momentos de carió que el propio Thomas describía y le provocaban remordimientos.
 
CALIFICACIÓN
7- Bastante bien

LA MUERTE DE MIKEL

TÍTULO ORIGINAL

La muerte de Mikel

AÑO DE ESTRENO

1983

DIRECTOR

Imanol Uribe

PRODUCTORES

José Cuxart i Guardia

GUION

José Ángel Rebolledo, Imanol Uribe

REPARTO

Imanol Arias (Mikel), Montserrat Salvador (Doña María Luisa), Fernando Telletxea (Fama), Amaia Lasa (Begoña), Ramón Barea (Jon Uriarte), Martín Adjemián (Martin), Juan María Segues (Don Jaime), Xabier Elorriaga (Iñaki), Daniel Dicenta (Inspector), Alicia Sánchez (Arantxa), Javier Villalba (Cecilio), Carmen Chocarro (Maite), Iñaki Merino (Ivan), Nati Ortíz de Zárate (Miren), Paco Sagarzazu (Peio), Jaime Villalba (Psiquiatra), Esther Esparza (Nati), Manuel Bronchud (Segundo inspector), Benito Ansola (Sacerdote), Mal Ilarduia (Joven pareja), Íñigo Eiguren (Joven pareja)

CINEMATOGRAFÍA

Javier Aguirresarobe

BANDA SONORA

Alberto Iglesias

VESTUARIO

Kontxa Agirretxe, Josune Lasa

PAÍS DE ORIGEN

España

DISTRIBUCIÓN

Divisa Home Video

DURACIÓN
90 minutos

FAMA: ¿No me das un beso de despedida?

MIKEL: No, ahora no.

FAMA: ¿Qué te pasa? Anoche no tenías tantos remilgos.

MIKEL: Anoche estaba muy borracho. Y me alegro.

FAMA: Al principio todos los maricones sois iguales.

FAMA: Intenté suicidarme una vez en casa de mi madre. Me tomé treinta y tantas pastillas y estuve muy mal. Bueno, como que me estaba muriendo y si no es por el médico, de esa no salgo. Pero lo más importante es que cuando ya pude empezar a hablar, le conté todas mis penas. Pues eso, que si yo era el tren de los demás, que tenía un problema muy especial, que era un homosexual en resumidas cuentas. Y resulta que entonces él me dice tranquilamente que ya lo sabía. Fue como si de repente lo viera todo claro. Había estado ocultándome de la gente creyendo que guardaba un gran secreto, y hasta el médico lo sabía. A partir de ese momento cambié radicalmente y empecé a aceptarme como era. Y ahora soy feliz. Te juro que si volviera a nacer me gustaría ser como soy, pero sin tener que pasar por lo que he pasado, claro.

SINOPSIS

Mikel es un joven y apuesto farmacéutico que reside en el pueblo vizcaíno de Lekeitio. Procede de una familia de alto nivel social y económico, dominada por su controladora madre Doña María Luisa. Esto no le ha impedido militar en la izquierda abertzale. Sin embargo su matrimonio está sometido a una crisis insostenible, debida a que Mikel tiene inclinaciones homosexuales que intenta reprimir. Mikel acaba separándose de forma definitiva de su mujer cuando las crisis nerviosas que sufre provocan que agreda a su mujer en un intento fallido de intimar sexualmente. Cada vez más desesperado, Mikel llega a intentar suicidarse al conducir en sentido contrario en plena autopista. Es entonces cuando Mikel conoce a una transformista llamada Fama, con la que mantiene relaciones sexuales. Todavía con inseguridades, Mikel decide mantenerse alejado de Fama. Sin embargo el joven decide ir a su encuentro y comparte sus vivencias personales para ayudarle a aceptar su homosexualidad. 

Cuando Mikel sale del armario comienzan los problemas, al verse expulsado del partido en el que milita, y carecer del apoyo de su círculo de amistades. Su propia madre no está dispuesta a ser fuente constante de rumores en el pequeño pueblo, por culpa de su hijo.

CURIOSIDADES

La película fue rodada en el pequeño pueblo de Lekeitio, situado en la costa de Vizcaya. Algunas escenas se rodaron en Bilbao, como las del club gay en el que el personaje de Mikel conoce a Fama. Con el mismo estilo de “Juego de Lágrimas” (1992), o “El Beso de la Mujer Araña” (1985), la película combina temas de política revolucionaria, terrorismo,  y homosexualidad para examinar la represión ideológica de lo diferente. Antonio Banderas se presentó a las pruebas por el papel de Fama, y llegó a enviar fotografías en las que estaba caracterizado como Drag Queen a Imanol Uribe. María Barranco se encargó de su maquillaje. 

Sin embargo el papel fue a parar a Fernando Telletxea, entonces conocido como el transformista Fama, que conservó su nombre artístico en la película. Imanol Uribe le escogió tras oírle cantar en un programa de la radio.

La película funcionó muy bien en taquilla, siendo una de las más exitosas del año provocado por el incremento de financiación del gobierno Vasco entre los años 1982 y 1987. También fue una de las películas más taquilleras de España, despertando el interés del público en el cine más regional.

CRÍTICA PERSONAL

Se trata de una película bastante avanzada a su época, explorando la salida del armario de un personaje y sus consecuencias, en un pueblo pequeño. 

El guion está bien elaborado, dejando claro que la represión del personaje homosexual resulta ser su mayor problema a la hora de convivir con un matrimonio condenado al fracaso, una madre controladora y clasista, y unos colegas en política considerablemente hipócritas. Si bien es cierto que Imanol Arias no destacó especialmente en esta ocasión, al contar con un guion coherente y bastante bien esbozado, aunque con sus problemas, la película consiguió despertar mi interés desde el principio. El hecho de que conozcamos el destino del protagonista desde el principio es efectivo, pues logra mantenerte en vilo a la espera de averiguar qué es lo que ha podido ocurrir.

Personalmente creo que el personaje de Fama es lo más destacable e interesante, aunque no se ha aprovecha todo lo posible. Genialmente interpretado, y con las mejores secciones del guion, el personaje sirve de vía de escape a un mundo de represiones y aparentemente sin salida.

El mayor problema de la película es que intenta abarcar demasiadas tramas, ya sean políticas, sociales, familiares o sentimentales. Dicha intención es buena, pero el resultado final es que ninguna de las tramas logra cerrarse de forma efectiva. Como la película deja claro desde el principio que el protagonista fallece, interpretado por un Arias bastante plano, muchas de las mencionadas tramas terminan por ser irrelevantes. Especialmente consideré que el personaje de Fama, que cobraba tanta importancia pasaba al olvido completo durante el acto final de la película. Por otro lado, el tema del terrorismo y la amnistía me pareció metido a calzador, muy forzado, sin tampoco lograr contribuir demasiado.

CALIFICACIÓN

7- Bastante bien

CITY OF LOST SOULS

TÍTULO ORIGINAL

Stadt Der Verlorenen Seelen

AÑO DE ESTRENO

1983

DIRECTOR

Rosa von Praunheim

PRODUCTOR

Rosa von Praunheim

GUION

Rosa von Praunheim

REPARTO

Jayne County (Leila), Angie Stardust, Tara O’Hara, Tron von Hollywood, Rolf Holzhütter, Manfred Finger, Judith Flex, Helga Goetze, Gerhard Helle, Lotti Huber, Katja Kunik, Joaquin La Habana, Burghard Mauer, Gary Miller, Lorraine Muthke (Loretta), Rainer-Götz Otto, Wolfgang Schumacher, Rosa von Praunheim

CINEMATOGRAFÍA

Stephan Köster

BANDA SONORA

Holger Münzer

VESTUARIO

Sin acreditar

PAÍS DE ORIGEN

Alemania Occidental

DISTRIBUCIÓN

Sender Freies Berlin (SFB)

DURACIÓN
91 minutos

TRON VON HOLLYWOOD: Soy de California y procedo de un ambiente conservador. Mi familia era muy religiosa y tenían prohibido el fumar o el bailar. También prohibían el maquillaje y la bebida. No hace falta decir que el sexo también era algo prohibido. Podíamos comer e ir a la iglesia. Mi madre lideraba la liga anti porno y tenía un elefante. Así que abandoné a mis padres para poder experimentar todos los tabús. Quedé alucinado y logré hacerme con un trabajo como stripper. Más adelante realicé un acto sexual con una mujer. Cuantas más tetas, más dinero. Y entonces pasé a las películas porno. Mi mejor número se convirtió en uno de trapecio usando una serpiente.

ROLF HOLZHÜTTER: Trapecios, serpientes… es asqueroso. ¿Hace cuánto tiempo que eres gay?

TRON VON HOLLYWOOD: Me va cualquier cosa. No soy gay, ni hetero, ni bisexual. Soy simplemente sexual.

SINOPSIS

Un grupo de americanos residen en el mundo artístico de Berlín, donde desean marcar la diferencia. Angie Stardust es un bailarín afroamericano procedente de Harlem. Trabajaba en clubs de drag queens, pero ha creado su propio negocio abriendo un restaurante llamado “The Hamburger Queen”. Allí se reúne un grupo de personajes de lo más inusual y variopinto. Gary es un bailarín enamorado de la magia. Tara O’Hara, un antiguo enfermero, ha logrado sentirse orgulloso de su condición andrógina y sus encantos, que no cesa de mostrar en sensuales bailes y stripteases. Joaquin La Habana actúa como hombre y como mujer, Por otro lado, Judith y Tron actúan en un número de trapecio salvaje y erótico. Lia procede del sur, y conoce a un agente de Alemania del Este, decidido a convertirla en la estrella de rock más famosa del país.

La historia de todos estos personajes se narra al estilo de un cabaret musical, mezclando ideas ingeniosas y eróticas. 

Estos personajes tienen algo en común, el deseo de acabar con las etiquetas impuestas por la sociedad así como con las normas convencionales a las que suelen estar atados.

CURIOSIDADES

La película está escrita, producida y dirigida por Rosa von Praunheim, nacido Holger Bernhard Bruno Waldemar Mischwitzky en Riga, Letonia. Cambio su nombre para recordar al colectivo homosexual el triángulo rosa que los homosexuales se veían forzados a llevar en los campos de concentración alemanes. Se convirtió en director de cine, autor, pintor y el más famoso activista por los derechos de los homosexuales en Alemania, Austria y Suiza. Abiertamente gay, sus películas siempre fueron diseñadas para provocar y retar no solo al espectador heterosexual, sino también al espectador homosexual.

“City of Lost Souls” fue una película de muy escaso presupuesto, como la mayoría de sus obras. La trama fue elaborada al estilo de una sátira musical y ficticia. 

Narra las vidas de un grupo de artistas de cabaret excéntricos que han llegado a Berlín procedentes de América. En su nuevo hogar luchan por la aceptación social y el poder encontrar un lugar donde puedan dar rienda suelta a su naturaleza creativa. La cantante y artista drag Angie Stardust, la cantante transexual Jayne County y la travesti Tara O’Hara son las protagonistas de la película.

Nacida Wayne Rogers, Jayne County se convirtió en un mito de la comunidad gay por ser abierta acerca de su transexualidad. Nació en Dallas, Georgia, Estados Unidos. Se convirtió en cantante, compositora y productora de discos, logrando que su carrera se expandiera a lo largo de cinco décadas. Fue vocalista en la banda “Wayne County & the Electric Chairs”, adquiriendo gran fama por sus impredecibles excentricidades en el escenario. Se convirtió en la primera cantante de rock transexual, siendo siempre abierta acerca de su vida. Se encargó de darle a la película su título así como de componer su canción principal.

CRÍTICA PERSONAL

A pesar de la mala calidad visual de la película, cuando esta comenzó me sentí completamente entusiasmado. Me encantan los proyectos que introducen al espectador al mundo de distintas tribus urbanas, si se pueden llamar así, de otras décadas. Particularmente, siempre me ha fascinado el mundo de las drag queens y devorado espectáculos sin cesar. Quizás por eso esta película es elogiable, porque muestra ese mundo de una forma que nos hacer percibir como ha ido mutando con el paso de las décadas. El primer número musical de la película me pareció formidable y me hizo pensar que estaba ante algo grande.

El problema es que después del número musical todo fue en debacle. Los personajes son fascinantes pero sus historias se me antojan demasiado enrevesadas y carentes de esos aspectos con los que uno se pueda sentir identificado. 

No es una cuestión de ser bohemio o artista, sino de la mentalidad que se aleja no de los convencionalismos, sino del ser humano del día a día. Ejemplos de esto los encontramos en algunos diálogos que parecen querer probar en ocasiones un nivel intelectual completamente inexistente. Los personajes carecen de una trama unilateral a través de la cual el espectador pueda examinar sus pasados y predicamentos actuales. Esto provoca que a mitad del film uno pueda perder interés o comience a encontrar la historia tediosa y carente de interés.

En un sentido técnico, la cinematografía y el sonido son bastante deficientes. Esto posiblemente se deba a un presupuesto escaso y falta de medios. Desafortunadamente, también provoca que ver la película resulte una tortura visual y sobre todo auditiva debido los cambios radicales de tonos.

Debo ser sincero y admitir que siempre me llevo una gran decepción con este tipo de películas, que podrían abrir ventanas mucho más interesantes al mundo drag del pasado.

CALIFICACIÓN

3- Deficiente

EL HOMBRE HERIDO

TÍTULO ORIGINAL

L’Homme Blessé

AÑO DE ESTRENO

1983

DIRECTOR

Patrice Chéreau

PRODUCTORES

Claude Berri, Marie-Laure Reyre, Ariel Zeitoun

GUION

Hervé Guibert & Patrice Chéreau

REPARTO

Jean-Hugues Anglade (Henri), Vittorio Mezzogiorno (Jean Lerman), Roland Bertin (Bosmans), Lisa Kreuzer (Elizabeth), Claude Berri (El Cliente), Hammou Graïa (Joven en el garaje), Gérard Desarthe (El hombre que se lamenta), Armin Mueller-Stahl (El Padre), Annick Alane (La Madre), Sophie Edmond (La hermana)

CINEMATOGRAFÍA

Renato Berta

BANDA SONORA

Fiorenzo Carpi

VESTUARIO

Caroline de Vivaise

PAÍS DE ORIGEN

Francia

DISTRIBUCIÓN

Gaumont & AJO Distribución

DURACIÓN

109 minutos

HENRÍ: Un compañero de clase, hijo de vigilante de prisiones. Solía visitarle, había barrotes en su habitación.

ELIZABETH: Acuéstate.

HENRI: Ya no es mi amigo, se mudó. Nunca volvimos a vernos. Dejamos de escribirnos porque no merecía la pena.

ELIZABETH: Si merecía la pena, pero siempre ocurre lo mismo.

SINOPSIS

Tras despedir a su hermana en la estación, el joven Henri conoce a Jean, un atractivo hombre que le invita a un refresco. Unos momentos más tarde le descubre golpeando y robando un hombre. Jean se da cuenta de que está siendo observado y besa apasionadamente ha Henri, para salir corriendo después. Tras este encuentro Henri se obsesiona con el misterioso hombre al mismo tiempo que se convierte en la obsesión de un hombre que a menudo le sigue.

Poco a poco las piezas encajan, y Jean resulta dedicarse a actividades criminales mientras manipula a chaperos en la estación para robar a sus clientes.

Obsesionado con Jean, Henri se muestra dispuesto a introducirse en un mundo oscuro y poco recomendable, alejándose paulatinamente de su familia. Eventualmente, la obsesión de Henri hace que se aleje de su propia identidad para refugiarse en la del hombre que no puede sacar de sus pensamientos.

CURIOSIDADES

Con un guión que ganó el Premio César de Francia al mejor guion el año 1984, Chéreau se embarcó en un proyecto que pretendía mostrar hasta dónde puede llegar la obsesión de origen sexual o sentimental por un ser humano.

Para hacer un reflejó explícito de esa obsesión y el viaje que provoca a un mundo oscuro, el director hizo uso de la noche como momento de la acción mayoritaria. Los personajes fueron diseñados para confundir al público hasta la resolución de la película, momento en que queda claro de qué lado se encuentra cada uno.

Al mismo tiempo se trató de explorar el salir del armario de una manera catastrófica si no hay aceptación y compresión el entorno de un joven. A día de hoy esta película está considerada como una de las más controvertidas del director francés. También se considera uno de los escasos ejemplos de cómo la salida del armario no siempre ha de suceder de una forma positiva, ya que en este caso es una metáfora de la autodestrucción definitiva.

CRÍTICA PERSONAL

La idea es francamente fascinante, y la primera parte de la película consigue mantener al espectador enganchado, mientras se observa el descenso de un joven, a primera vista afable, a un mundo sin retorno. Me encantó el contraste de su imposibilidad para comunicarse con una familia, que parece bastante estable; pero su capacidad para hacerlo en otro ambiente completamente inestable como es el del crimen y la prostitución masculina.

El triángulo que Henri forma con Jean, y su amante Elizabeth es francamente curioso ya que nos permite ver cómo mientras el muchacho va cayendo en un pozo, la joven va logrando salir del mismo. La química entre los dos personajes es la más lograda de toda la película y te hace ver como ella se compadece del muchacho, comprobando que se encuentra en la misma situación obsesiva en la que ella debió caer hace ya tiempo. Hay otras escenas que me parecieron logrando, como Henri y el joven chapero buscando desesperadamente un lugar donde poder besarse, o el momento en el que roba la ropa de Jean como si de una iniciación se tratara, alejándose de su propia manera de ser.

El ambiente de la prostitución gay en los ochenta, comúnmente localizable en lugares públicos como la estación queda reflejado de una manera impresionante, a la vez que logra producir una inmensa tristeza e inquietud.

Jean-Hugues Anglade realiza la única interpretación elogiable en toda la película, el resto tienden a pecar de sobreactuación. La angustia, miedo, y excitación al mismo tiempo quedan reflejados de una manera soberbia a lo largo del viaje del adolescente a un mundo que le aterra y fascina al mismo tiempo.El problema comienza a hacerse evidente a mitad de la película. La historia se torna complicada y enrevesada. Básicamente el director se empeña en complicar una idea que precisamente funcionaba por lo básico de su simplicidad, y eso se nota. Hay escenas que se alargan innecesariamente, exceso uso del plano continuo, y pocas explicaciones para situaciones que aunque pueden ser explicadas de muy distintas formas, no encajan la una con la otra. No me cabe duda de que Vittorio Mezzogiorno representa a un atractivo Jean, porque lo es.

Pero su labor interpretativa me parece exagerada en repetidas ocasiones, y muy poco convincente. Quizás la complicación se deba a lo indefinido de su personaje, al cual no pude acabar de convencer. ¿Es gay? ¿Bisexual? ¿Esta simplemente como una regadera? Mucho metraje desperdiciado en la película podía haberse usado para examinar estos aspectos. El final no me convence no por la violencia implícita en el mismo, no quiero revelar más, sino por su escasa convicción en términos de cómo y porque actúa el protagonista.

CALIFICACIÓN

5- Aceptable