LAS HORAS Y LOS TIEMPOS

TÍTULO ORIGINAL 
The Hours and Times
AÑO DE ESTRENO
1991
DIRECCIÓN
Christopher Münch
PRODUCCIÓN
Christopher Münch
GUION
Christopher Münch
REPARTO
David Angus (Brian Epstein), Ian Hart (John Lennon), Stephanie Pack (Marianne), Robin MacDonald (Quinones), Sergio Moreno (Miguel), Unity Grimwood (Madre)
CINEMATOGRAFÍA
Christopher Münch
BANDA SONORA
Inaplicable
VESTUARIO
Sin acreditar
PAÍS DE ORIGEN
Estados Unidos
DISTRIBUCIÓN
Good Machine
DURACIÓN
57 minutos
 

BRIAN EPSTEIN: ¿Así que has pensado en hacerlo alguna vez?
JOHN LENNON: Lo he hecho, pero me molesta mucho. Supongo que por lo menos no puedes dejar embarazado a nadie.
BRIAN EPSTEIN: Cierto.
JOHN LENNON: ¿Y eso no le quita placer al asunto?
BRIAN EPSTEIN: En absoluto.
JOHN LENNON: No puedes negarme que es doloroso.
BRIAN EPSTEIN: Es una cuestión de relajación.
JOHN LENNON: ¿Relajación? ¿Cómo puedes estar relajado en el momento en que en tío está a punto de metértela?
BRIAN EPSTEIN: Mirándole a los ojos.
JOHN LENNON: ¿Y eso te tranquiliza?
BRIAN EPSTEIN: Sí.
JOHN LENNON: Será tranquilizador para ti, pero yo sé que no sería capaz de aguantarlo.
 

BRIAN EPSTEIN: Me ha sorprendido que hayas sacado este tema ahora. ¿Por qué resulta incómodo que hablemos de ello?
JOHN LENNON: No lo sé
BRIAN EPSTEIN: Me pone en una situación complicada. Verás, siento que debo sacar el tema, pero que luego estoy condenado por hacerlo.
JOHN LENNON: Me gusta oírte hablar de tus conquistas, el camionero, aquel estibador…
BRIAN EPSTEIN: Sí, bueno, todo eso está muy bien, pero cuando es algo que te llega a los más hondo, entonces no sé qué decir al respecto.
 
SINOPSIS
En el año 1963, el manager the Los Beatles, Brian Epstein, decide acompañar a John Lennon en un viaje a Barcelona. La idea es que el viaje sirva para que Lennon descanse y desconecte de su ajetreada vida con el grupo. 

Durante el vuelo, una atractiva azafata llamada Marianne les atiende, y John Lennon flirtea con la joven hasta que consigue obtener su número de teléfono. Brian es homosexual, y aunque esto no se ha hecho público, John es consciente de ello y mantiene una sólida amistad con él. A su llegada al hotel, surge una conversación espontanea sobre el sexo homosexual. Lennon confiesa que a veces ha considerado probarlo, pero el hecho de que debe ser muy doloroso ha terminado por echarle atrás. Por otro lado también le confiesa que le irrita el hecho de que su círculo más cercano piense que puede haber algo entre ambos.
Esa misma noche, la pareja decide acudir a un bar gay, donde conocen a un joven llamado Quinones, que es gay y está casado. John decide invitarle al hotel, donde mantienen una conversación que no lleva a nada. Sin embargo, Brian se enfada con su amigo, declarando que nada le importa porque es consciente de que nunca tendrá lo que desea. Más adelante, John decide lanzarse y permitir que Brian comparta un baño con él, sin saber que provocará esto.

CURIOSIDADES
La película es una historia ficticia sobre lo que podría haber pasado cuando John Lennon y su manager Brian Epstein fueron de vacaciones a Barcelona en 1963. Existían rumores reales de la posibilidad que ambos hubieran mantenido relaciones sexuales durante dichas vacaciones. Aunque Lennon siempre negó dichos rumores, declaro que durante esas vacaciones habían mantenido una relación muy intensa que no se había consumado. Su primera mujer Cynthia describió la relación de ambos hombres como platónica.
Christopher Münch abordó el proyecto como reto personal al tener que encargarse de escribir el guion, producir, dirigir y encargarse de la cinematografía. Escribió el guion durante varias semanas a principio de 1988, y viajó a Inglaterra para encargarse del reparto durante la primavera. Las escenas del hotel fueron rodadas en el Avenida Palace de Barcelona, donde curiosamente los Beatles habían estado durante su único concierto en la Plaza de Toros Monumental, en julio de 1965. 

Existen partes de la historia que fueron extraídas del libro “The Love You Make”, publicado en 1983 y escrito por Peter Brown y Steven Gaines. Un ejemplo es la historia que Brian narra sobre como recibió una paliza, le robaron y le chantajearon mientras ligaba con un chapero en unos baños públicos.
El rodaje llevó solo cuatro días en Barcelona y un par de días más en Londres. Tras esto, Christopher Münch regresó a Los Ángeles, donde pasó dos años editando la película, que sería estrenada en 1991, en los festivales de cine de Toronto, Berlín, Sundance y New Directors. No esperaba recaudar beneficio alguno, ya que el proyecto era simplemente un reto personal, pero la película fue estrenada en cines al año siguiente. Ganó el premio de Reconocimiento Especial por parte del Jurado en el Festival de Cine Sundance de 1992.
 
CRÍTICA PERSONAL

Siempre me han fascinado las historias de atracción sexual de dos personas de orientaciones opuestas, quizás porque todos hemos pasado por ello. David Angus me pareció muy convincente al mostrar su conflicto interno al sentirse atraído hacia alguien que no puede conseguir. Ian Hart realiza una formidable labor representando al pícaro que juega con la idea que se le presenta, siendo consciente del deseo que despierta. Hay conversaciones geniales en la película.
Mi principal problema es que la película se basa más en especulaciones y cotilleos que en algo real. Lo curioso es que el tema que aborda no requiere que se usé a los personajes de Lennon y su manager, con lo que se concentra más en el morbo de un cotilleo de la época. Tampoco me acabó de convencer la resolución de la historia, que además abusa del uso de interiores, que además ralentiza la trama.
 
CALIFICACIÓN
6- Bien

LA RADIO PIRATA

TÍTULO ORIGINAL

Young Soul Rebels

AÑO DE ESTRENO

1991

DIRECCIÓN

Isaac Julien

PRODUCCIÓN

Nadine Marsh-Edwards

GUION

Isaac Julien, Paul Hallam

REPARTO

Valentine Nonyela (Chris), Mo Sesay (Caz), Dorian Healy (Ken), Frances Barber (Ann), Sophie Okonedo (Tracy), Jason Durr (Billibud), Gary McDonald (Davis), Debra Gillett (Jill), Eamonn Walker (Carlton), James Bowers (Sparky), Billy Braham (Kelly), Wayne Norman (Bigsy), Danielle Scillitoe (Trish), Ray Shell (Jeff Kane), Nigel Harrison (Cid Man), Brian Conway (Policía), Mike Mungarvan (Policía), Sayan Akkadas (Chica asiatica punk), Shyro Chung (TJ), Adam Prince (Segurata), Michael Mascoll (Chico Soul), Freddie Brooks (Chico Soul), Rodríguez King-Dorset (Irvine), Lloyd Anderson (Peluquero)

CINEMATOGRAFÍA

Nina Kelgren

BANDA SONORA

Simon Boswell

VESTUARIO

Annie Curtis-Jones

PAÍS DE ORIGEN

Reino Unido

DISTRIBUCIÓN

BFI

DURACIÓN 
105 minutos

CAZ: Que gilipollas eres, ¿no eres capaz de hacer caso a nadie?

BILLIBUD: Solo estaba repartiendo mis panfletos.

CAZ: ¡Estabas fuera de lugar Blondie! Todo el día predicando sobre el imperialismo. ¡Mírate! Crees que siempre estas a salvo, ¿verdad? Que puedes hacer siempre lo que te salga de los cojones.

BILLIBUD: Cuanto estoy contigo Caz…

CAZ: ¿Sí? Pues esto también depende de muchas cosas.

BILLIBUD: Pero todavía vamos a actuar en el parque, ¿verdad?

CAZ: Hay tiempo de sobra para eso. Vamos a curarte la cara Blondie.

BILLIBUD: ¿Por qué sigues llamándome Blondie? Ni siquiera soy rubio.

CAZ: No te preocupes por eso, eres lo más parecido a uno.

SINOPSIS

En el año 1977, en Londres, dos amigos llamados Chris y Caz trabajan en una emisora pirata en la zona de Dalston. Ambos no tardan en descubrir que su buen amigo TJ ha sido asesinado en el parque, mientras hacia cruising. Aunque Caz ha quedado devastado por la muerte de su amigo, su amigo Chris parece estar más preocupado por lograr comenzar una carrera en la radio comercial, sin comprometer sus gustos musicales. Ambos han defendido siempre la idea de promocionar la música soul, cuando la música emergente punk parece controlar el mundo comercial.

Sin embargo, el asesinato de TJ provoca una incrementada tensión entre ambos, haciendo que tomen caminos completamente diferentes. Chris descubre que tiene una cinta en la que el asesinato ha sido grabado, pero no se atreve a entregarla como prueba a la policía. Sin embargo, la policía le detiene debido a que tiene el radio casete de TJ en su posesión. Aunque admite necesitar la ayuda de Caz, este se encuentra más concentrado en su nueva relación con un chico llamado Billibud. 

Para sorpresa de Caz, Billibud no es solo un joven apuesto, sino que además es fan de la música punk, aficionado a las camisetas de diseño de Vivienne Westwood. Billibud también comienza a hablarle de sus ideas socialistas. Mientras ambos amigos permanecer distanciados, un asesino todavía anda suelto.

CURIOSIDADES

Se trata de la primera película narrativa de Isaac Julien. Examina las interrelaciones entre los movimientos culturales juveniles de finales de la década de 1970 en Reino Unido, y las tensiones sociales, culturales y políticas entre ellos. Los movimientos culturales de los jóvenes a los que la obra se refiere, son las subculturas de los jóvenes, que incluyen skinhads, punks, y soulboys. La trama de la película transcurre principalmente en Dalston, que aunque tenía mala reputación por su carencia de “ética” en las décadas de 1970 y 1980, contaba con varios residentes famosos. Entre las personalidades con residencia en Dalston se encuentran Tony Blair, los actores Stephen Fry y Hugh Laurie, y la actriz Emily Lloyd. Julien planteó la película como una especie de máquina del tiempo, usando la trama para escapar de eventos históricos y para avanzar en otros. 

Por este motivo, la historia del film tiene lugar en el año 1977, a pesar de que la película fue concebida en la década de 1980. La razón por la que el guionista y director eligió el año 1977, fue que servía de frontera entre dos periodos radicalmente diferentes para la comunidad gay. Dicho año marca un antes del comienzo del azote de la crisis del SIDA, pero todavía se ve sumergido en un periodo de júbilo, marcado por la lucha racial, la música punk y soul, las emisoras de radio pirata y el surgimiento de los movimientos y manifestaciones por los derechos gay.

El personaje de Billibud obtuvo su nombre del personaje ficticio Billy Budd, que aparece en la novela de Herman Melville, “Billy Budd, Sailor”, escrita en 1988 publicada en el año 1924, tras la muerte del autor. En la novela, Billy Budd es descrito como alguien conocido por su belleza y su inocencia. La película ganó el premio de la crítica en el Festival de Cannes de 1991.

CRÍTICA PERSONAL

Julien tiene éxito al mostrar ciertos aspectos de una subcultura bastante desconocida, en el periodo de los años setenta. Me fascinó ese énfasis en como la cultura musical creaba divergencias y conflictos sociales, y el como la música más tradicional se puede ver eclipsada por nuevos estilos. Uno puede apreciar esto perfectamente, porque sigue ocurriendo a día de hoy, cuando muchos luchan porque la música que les marcó en su juventud siga perdurando y acaba extinguida.

Por otro lado la relación de amistad entre los personajes de Caz y Chris, y el cómo diferentes eventos y situaciones provocan que su amistad pase por altibajos. Pero me quedo con la relación entre Caz y Billibud, porque es ahí donde se encuentra esa divergencia. Uno procede de la música soul, y otro es un joven aficionado al punk, pero ambos cruzan esas fronteras para encontrarse. Es brillante la idea de la música como representación de las barreras raciales.

Toda la trama del asesinato me pareció irrelevante y, lo que es peor, ni siquiera tiene una resolución que justifique todo su desarrolló en la película. Me quedé bastante indiferente al descubrir quien había sido el asesino, y me pareció una perdida de tiempo cuando se podrían haber explorado otros aspectos. La cinematografía falla en repetidas ocasiones, no logrando hacer que parezca que la trama está teniendo lugar en 1977, sino más bien en plena década de 1980.

CALIFICACIÓN

6- Bien

NO SKIN OFF MY ASS

TÍTULO ORIGINAL

No Skin Off My Ass

AÑO DE ESTRENO

1991

DIRECCIÓN

Bruce LaBruce

PRODUCCIÓN

Jürgen Brüning

GUION

Bruce La Bruce

REPARTO

Bruce LaBruce (Peluquero), G.B. Jones (Jonesy), Klaus von Brücker (Skinhead), Caroline Azar, Beverly Breckenridge, Laurel Pervis, Kate Ashley, Jena von Brücker, Nicholas Davies

CINEMATOGRAFÍA

Bruce LaBruce, G.B. Jones

BANDA SONORA

Inaplicable, hace uso de otros trabajos

VESTUARIO

Sin acreditar

PAÍS DE ORIGEN

Estados Unidos

DISTRIBUCIÓN

Strand Releasing

DURACIÓN
73 minutos

JONESY: Hola. ¿Dónde has estado? No te he visto en un par de días.

SKINHEAD: Es una larga historia.

JONESY: Me preocupo de mi hermano pequeño.

SKINHEAD: Lo siento.

JONESY: Entonces, ¿qué ha pasado?

SKINHEAD: Bueno, conocí a un tío en el parque, y me invitó a su apartamento. Se sentía solo y le molan los Skinheads, así que fui. No ocurrió nada.

JONESY: Tienes mejor aspecto cuando te abofetean.

SKINHEAD: Me dio un baño y me acostó; y entonces me escapé por la ventana y vine aquí a visitarte.

JONESY: Así que has sido un chico malo.

SKINHEAD: No lo he sido. Estoy aquí.

JONESY: Bueno, dime la verdad. ¿Qué ocurrió de verdad? Bueno olvídalo

PELUQUERO: Ey, ¿qué está ocurriendo aquí? ¿Quién es esta, y que estás haciendo? ¿Qué es lo que ocurre?

JONESY: Soy su hermana, y debes saber que él es tan maricón como tú, y le gustas. Y además puede hablar, así que por qué no os conocéis de una vez. Tengo una película que hacer.

SINOPSIS

Un peluquero solitario se encuentra en su apartamento viendo los créditos iniciales de “That Cold Day in the Park” (1969). En ese momento observa algo por la ventana y baja para dar un paseo por el parque. Sentado en un banco se encuentra un Skinhead hacia el que se siente inmediatamente atraído. El peluquero logra convencerle para que le acompañe a su apartamento, donde se encarga personalmente de darle un baño. Tras esto le lleva a un dormitorio, donde procede a dejarle encerrado. El Skinhead logra escapar por la ventana y procede a visitar a su hermana Josie, que está realizando una película titulada “Sisters of the SLA”. El Skinhead le cuenta lo ocurrido, y su hermana le interroga negándose a creer que no haya pasado nada entre su hermano y el peluquero. Tras esto el Skinhead le ayuda con una prueba de casting que está realizando.

Mientras tanto el peluquero no para de experimentar sueños y fantasías en los que aparece el Skinhead. Curiosamente el Skinhead decide visitarle, aunque no se muestra comunicativo. Poco después ambos son visitados por Josie, que revela que su hermano está fingiendo su falta de interés por el peluquero, asegurando a este último que sí se siente atraído hacia él.

CURIOSIDADES

Aunque había realizado varios cortos anteriormente, esta fue la primera película oficial de Bruce LaBruce. Sin presupuesto alguno y con la colaboración de G.B. Jones, rodó esta película en Super-8, y en un blanco y negro granulado. La película carece de sincronización entre los escasos diálogos y sus personajes, y al ser estos montados posteriormente llegan a eclipsar los temas musicales elegidos. Esto fue realizado a propósito para otorgar a la película el aspecto y sensación de una película pornográfica barata. Esto contribuía a crear una atmosfera porno en la que un apuesto hombre, sin demasiada inteligencia, se convertía en interés de otro, que acababa usándole para hacer realidad sus fantasías. 

De esta forma el director se tomó la libertad de incluir imágenes explicitas de fetichismos, llegando incluso al sexo oral.

En la película se aprecian elementos sexuales provocativos, mensajes políticos y comportamientos radicales, que seguirían siendo la base de otras películas futuras del director. También se inspiró en ambientes clandestinos como los del Queercore, Punk, Skinhead, y la música underground de Canadá. El reparto también incluyó a Caroline Azar y Beverly Breckenridge de la banda musical “Fifth Column”. La Bruce también quiso defender que los fetichismos tendían a ser incomprendidos, y que detrás de ellos se podía esconder una historia de amor que exigía empatía. La película ha sido considerada por parte de la crítica como una revisión del film “That Cold Day in the Park” (1969), que el personaje del peluquero está viendo al principio de la trama. Se trata de la historia de una mujer rica y solitaria que invita a su casa a un hombre joven que conoce en un parque. 

Tras esto le invita a vivir con ella, y la trama se convierte en un estudio sobre la personalidad de un individuo emocionalmente inestable, lleno de obsesiones y de sexualidad reprimida.

La película se distribuyó por numerosos festivales de cine de todo el mundo, y para un sector de la audiencia se ha convertido en clásico de culto. El guitarrista del grupo Nirvana, Kurt Cobain, declaró que se trataba de su película favorita.

CRÍTICA PERSONAL

Lo único que puedo elogiar es que hayan logrado distribuir está película.

Como ya he mencionado en numerosas ocasiones, no me gusta el estilo de Bruce LaBruce. No me parece interesante, provocativo o incluso pornográfico, me parece aburrido, a menudo cayendo en el absurdo por pretender transmitir un supuesto mensaje profundo. Añadido a esto, se percibe perfectamente que esta es su primera película por sus evidentes defectos. 

Me da igual si la intención es la de que la película parezca una porno de segunda, la cinematografía es impresentable, el montaje de diálogos es lamentable, y el sonido peor. Por muy profundo que se quiera poner, no funciona.

Por otro lado me quedé sorprendido al leer una entrevista en la que declaraba desear mostrar el amor oculto tras el fetichismo. Esto me parece una idea interesante, pero me temo que LaBruce fracasa estrepitosamente al intentarlo.

CALIFICACIÓN

1- Muy mal

EL LENGUAJE PERDIDO DE LAS GRÚAS

TÍTULO ORIGINAL

The Lost Language of Cranes

AÑO DE ESTRENO

1991

DIRECTOR

Nigel Finch

PRODUCTOR

Ruth Caleb

GUION

Sean Mathias

Basado en la novela de David Leavitt

REPARTO

Brian Cox (Owen), Eileen Atkins (Rose), Angus Macfadyen (Philip), Corey Parker (Elliot), René Auberjonois (Geoffrey), John Schlesinger (Derek), Cathy Tyson (Jerene), Richard Warwick (Frank), Nicholas Le Prevost (Nick), Ben Daniels (Robin), Frank Middlemass (Alex), Nigel Whitmey (Winston), Edmund Kente (Bob), Paul Cottingham (Chico porno), Tom Marden (Chico porno), Sjaak Van De Bent (Cantante), Adam Matalon (Portero), Ben McVeigh (Niño en la grúa)

CINEMATOGRAFÍA

Remi Adefarasin

BANDA SONORA

Julian Wastall

VESTUARIO

James Keast

PAÍS DE ORIGEN

Reino Unido

DISTRIBUCIÓN

British Broadcasting Corporation (BBC)

DURACIÓN 
87 minutos

DEREK: Seguro que os preguntareis que es un portal de los deseos. Un portal de los deseos es una puerta entre los lugares que pensabais que eran reales, y los que suponíais que eran imaginarios. A un lado de dichos portales hay algún lugar que parece normal: la escuela, el patio, el dormitorio. Al otro lado hay un acceso hacia un mundo desconocido. Veréis, imaginad una casa construida sobre una línea que divide dos espacios temporales. Sería la una en punto en el dormitorio, y la dos en la cocina y podrías perderte la comida. ¿Qué pasaría con la hora que perderías al atravesar la casa para tomar un bocadillo? Una casa así es el tipo de lugar en que se podría encontrar un portal de los deseos. Un lugar en el que el tiempo está partido.

JERENE: Un niño de unos tres años vivía con su madre, una adolescente perturbada, en un bloque ruinoso. La madre, que apenas lo alimentaba o cuidaba de él, a menudo lo dejaba solo. Al final llamaron a los asistentes sociales. Encontraron al niño considerablemente bien, teniendo cuenta lo gravemente desatendido que había estado. Pero sus juegos eran distintos de todo lo que habían visto hasta entonces. De repente elevaba los brazos y los detenía con una sacudida. Se levantaba sobre sus endebles piernas, y luego se dejaba caer. Hacía ruidos entrecortados y extraños, una especie de chirrido con la garganta. Los asistentes miraron por la ventana y vieron una grúa en el solar de un edificio cercano. Se dieron cuenta de que el niño la estaba imitando. Cuando esta se elevaba él se elevaba. Cuando se inclinaba, él se inclinaba. El niño había encontrado su propio lenguaje. El lenguaje de las grúas.

SINOPSIS

Philip es un joven homosexual que reside en Londres, mantiene una relación con un americano llamado Elliot. Philip trabaja en una empresa editora, y considera que ha llegado la hora de declarar su homosexualidad ante sus padres. Estos se quedan sorprendidos ante dicha revelación, y su madre Rose le comunica que necesitará tiempo para lidiar con ese hecho. Sin embargo su padre Owen toma la noticia de forma más personal, ya que ha llevado una doble vida durante años. Owen también es gay y ha pasado años visitando bares y cines gay de forma clandestina, engañando a los miembros de su familia.

Por su parte, Elliot ha sido adoptado y criado por una pareja gay, Derek y Geoffrey. Sus padres le vistan, y tras pasar un tiempo con ellos decide que ha llegado el momento de cortar con Philip y decide trasladarse a Paris. Philip mantiene una amistad con Jerene, quien era compañera de apartamento de Elliot. Jerene revela estar escribiendo una tesis doctoral sobre los idiomas y el comportamiento. Su estudio incluye el idioma secreto que dos jóvenes gemelos regresaron, y el de un niño desatendido que comenzó a imitar el movimiento de la grúas.

CURIOSIDADES

Se trata de una película británica realizada para ser estrenada en la televisión por la cadena de la BBC. Formaba parte de su serie “Screen Two”, una antología dramática de la cadena. Está basada en la novela del mismo título, escrita por David Leavitt y publicada en el año 1986. Aunque la trama de la novela tenía lugar en Nueva York y contaba con personajes americanos, la película tiene lugar en Londres. Aunque la mayoría de los personajes del film son británicos, los personajes de Elliot, Geoffrey y Winston son americanos, y la trama no dista mucho de la de la novela.

La película fue destacable por la representación de la homosexualidad, para aquel entonces, en una producción televisiva. A pesar de ser realizada para la televisión, la película se emitió en el Festival de Cine de Londres de 1991, durante el mes de noviembre. Tras esto fue emitida por la BBC en febrero de 1992. El film fue emitido en Estados Unidos cuatro meses más tarde, en junio, a través del canal PBS.

Sin embargo la película fue censurada antes de ser emitida en los Estados Unidos, sufriendo algunos cortes. A la hora de distribuir la película en VHS, los cortes se conservaron en dicho país. La cadena PBS había sido objeto de varios ataques por parte de grupos conservativos durante el comienzo de la década de 1990. El motivo era que había emitido varias películas de temática homosexual, que incluía escena de desnudos. Fue por este motivo por el que se realizaron los mencionados cortes en “El Lenguaje Perdido de las Grúas”.

CRÍTICA PERSONAL

Si hay algo que me sorprendió de esta película fue la presentación de un tema desde una perspectiva original. Son muchas las películas que tratan sobre el tema de un joven que debe salir del armario ante sus padres, pero lo sorprendente de esta es que al hacerlo despierta de la necesidad de su propio padre de salir del armario también. Curiosamente, los personajes de los padres de Philip me parecieron muchísimo más interesantes. 

Esa sensación de afrontar una realidad muy distinta a la vivida durante décadas en un matrimonio ficticio, se transmite a la perfección gracias al excelente trabajo de Brian Cox y Eileen Atkins. Sus hilos argumentales son excepcionales. También me fascinaron los extractos anotados más arriba, sobre todo el relativo a la necesidad de desarrollar una distinta forma de comunicarse, para terminar por aceptarse a uno mismo.

Considerando la historia que se narra es bastante intensa, la reacción de los personajes y resolución me parece demasiado apresurada aunque resulte creíble. Los personajes de Philip y Elliot me parecen poco desarrollados, y su corta historia en el film bastante poco interesante.

CALIFICACIÓN

8- Notable

EDUARDO II

TÍTULO ORIGINAL

Edward II

AÑO DE ESTRENO

1991

DIRECTOR

Derek Jarman

PRODUCTORES

Steve Clark-Hall, Antony Root

GUION

Derek Jarman, Ken Butler, Stephen McBride

REPARTO

Steven Waddington (Eduardo II), Tilda Swinton (Isabela), Andrew Tiernan (Piers Gaveston), Nigel Terry (Mortimer), John Lynch (Spencer), Dudley Sutton (Obispo de Winchester), Jerome Flynn (Kent), Jody Graber (Principe Eduardo), Annie Lenox (Cantante), Jill Balcon (Noble), Barbara New (Noble), Andrea Miller (Noble), Brian Mitchell (Noble), David Glover (Noble), John Quentin (Noble), Andrew Charleson (Noble), Roger Hammond (Obispo), Allan Corduner (Poeta), Tony Forsyth (Policía capturado), Lloyd Newson (Bailarín), Nigel Charnock (Bailarín), Mark Davis (Marinero), Andy Jeffrey (Marinero), Barry Clarke (Hombre con serpiente)

CINEMATOGRAFÍA

Ian Wilson

BANDA SONORA

Simon Fisher Turner

VESTUARIO

Sandy Powell

PAÍS DE ORIGEN

Reino Unido

DISTRIBUCIÓN

Working Title Films

DURACIÓN
90 minutos

MORTIMER: Monstruo de los hombres. No busques otra fortuna que no sea la desgracia y la muerte.

PIERS GAVESTON: Mis señores, os doy las gracias. Pues percibo que mi rumbo es uno, la ejecución es el otro, y la muerte lo es todo.

MORTIMER: Adelante, dejemos que tu sombra parlamente con el Rey Eduardo.

SINOPSIS

Una vez es coronado rey, Eduardo II convoca a su amigo y amante Piers Gavstion. Este último había sido exiliado por el Obispo de Winchester durante el reinado previo. También había sido humillado a manos del Obispo antes del mencionado exilio. Cuando Gavstion regresa, Eduardo no duda en reanudar su relación amorosa con él, concediéndole numerosos regalos y atenciones. Piers Gavstion tampoco duda en vengarse del Obispo que le humilló y expulso, encargándose de torturarle personalmente. El hermano del nuevo rey, Ken, no duda en mostrarse contrario ante la idea del retorno de Gaveston. Lord Mortimer, al mando del ejército del reino, también se muestra contrario a que el nuevo rey retome su relación.

Eduardo II se ha convertido en un hombre obsesionado por la búsqueda del placer, ignorando todo asunto de estado en el proceso. Esto enfurece a los miembros de la corte y desespera a Isabela, la esposa francesa de Eduardo. Isabela intenta desesperadamente volver a ganar el afecto de su esposo, recurriendo incluso a Gaveston. Sin embargo, el amante del rey se limita a humillarla. Al ser rechazado por todos excepto el rey, Gaveston provoca que todos sus enemigos se unan. Esto amenazara con que el rey sea destronado y exiliado.

CURIOSIDADES

La película está basada en la obra de teatro del mismo título escrita por Christopher Marlowe y publicada en 1594, dos años después de la muerte de su autor. La trama gira en torno a la obsesión de Eduardo II de Inglaterra hacia Piers Gaveston, y como la misma termina siendo la causa de la caída de ambos debido a las maquinaciones de Roger Mortimer. 

La película está ambientada con un estilo postmoderno, utilizando una mezcla de decorados, atrezos y vestuarios medievales y contemporáneos. De hecho, la fecha de estreno, año 1991, aparece en una proclamación real en un momento de la película. Jarman quiso que la película sirviera como un alegato en contra de la homofobia, mostrando la controvertida y perseguida relación amorosa entre Eduardo II de Inglaterra y Piers Gavstion

El aspecto homosexual insinuado en la obra es mostrado explícitamente por el director Derek Jarman, que lo lleva a primer plano. Especialmente, esto es realizado con la escena de contenido sexo, y mostrando al ejército de Eduardo II como una serie de manifestantes por los derechos homosexuales. Dicho ejército es interpretado por alrededor de noventa miembros de “OutRage”, un grupo militante homosexual. La película sintetiza en gran medida el final de la obra de Marlowe, mostrando al Principe Eduardo bailando  sobre una jaula en la que Isabela y Mortimer se encuentran encerrados. En la historia real, Eduardo III hizo que su madre y Mortimer fueran arrestados, ejecutando al segundo cuatro años más tarde. 

En la obra de Marlowe, la ejecución de Mortimer tiene lugar de forma instantánea.

La película incluyó el debut del actor Steve Waddington, que la protagonizó en el papel de Eduardo II. Allan Corduner interpreta a un poeta, cuyo poema fue extraído de la “Divina Comedia” de Dante Alighieri. Esta película fue la más cara de todas las producciones de Derek Jarman, con un presupuesto de setecientos cincuenta mil libras. En la primera escena entre la Reina Isabela y Mortimer, la actriz Tilda Swinton hace uso de un bolso de “Hermes” que en su momento costó cuatro mil libras. El bolso era incluso más caro que el decorado en el que se encontraba la actriz.

Derek Jarman falleció tres años después del estreno del film, el diecinueve de febrero de 1994. Falleció debido a complicaciones derivadas del SIDA. Controvertido por su estilo cinematográfico, fue considerado un avanzado a su tiempo por su forma de abordar la homosexualidad cuando todavía era tabú.

CRÍTICA PERSONAL

Tengo que empezar por elogiar a Tilda Swinson, que desde mi punto de vista hace que la película me fuera tolerable. Siempre me ha parecido una excelente actriz que no ha sido suficiente valoradas. Sus escenas en la película mostrando una gama amplia de emociones son una maravilla. La película hace un uso inteligente, cuidadoso y respetuoso de la obra de Marlow. Evidentemente, es elogiable que Jarman sea explícito en un momento en que hacerlo era políticamente incorrecto.

Personalmente no me considero fan de Derek Jarman, nunca he encontrado interesante su estilo a la hora de abordar ciertos temas, aunque entiendo que cuente con una legión de seguidores.

Principalmente, si su intención era realizar un alegato en contra de la homofobia, creo que fracasa estrepitosamente. La relación que muestra entre Eduardo y Gavstion no es romántica sino obsesiva. El segundo no consigue arrancar empatía por parte del espectador, a pesar de haber sido una víctima en el pasado. Dicho pasado es algo que Jarman debería haber examinado más profundamente, para despertar al menos cierta conexión con su sufrimiento. Por otro lado, los anacronismos me parecen innecesarios para la trama y no aportan nada que no parezca un capricho por parte del director. Toda la trama tiene lugar en interiores, y hace uso excesivo de entornos oscuros, lo que convirtió la experiencia cinematográfica en considerablemente tediosa para un servidor.

CALIFICACIÓN

4- Insuficiente

VENENO

TÍTULO ORIGINAL

Poison

AÑO DE ESTRENO

1991

DIRECTOR

Todd Haynes

PRODUCTORES

Christine Vachon, James Schamus

GUION

Todd Haynes

Inspirado en las novelas de Jean Genet

REPARTO

Scott Renderer (John Broom), James Lyons (Jack Bolton), Edith Meeks (Felicia Beacon), Millie White (Millie Sklar), Buck Smith (Gregory Lazar), Rob LaBelle (Jay Wete), John Leguizamo (Chanchi), Anne Giotta (Evelyn McAlpert), Lydia Lafleur (Sylvia Manning), Ian Nemser (Sean White), Evan Dunsky (Doctor MacArthur), Marina Lutz (Hazel Lamprecht), Barry Cassidy (Oficial Rilt), Richard Anthony (Edward Comacho), Angela M. Schreiber (Florence Giddens), Justin Silverstein (Jake), Chris Singh (Chris), Edward Allen (Fred Beacon), Susan Norman (Nancy Olsen)

CINEMATOGRAFÍA

Maryse Alberti

BANDA SONORA

James Bennett

VESTUARIO

Jessica Haston

PAÍS DE ORIGEN

Estados Unidos

DISTRIBUCIÓN

Zeitgeist

DURACIÓN
85 minutos 

JOHN BROOM: Eres un estúpido. ¿Lo sabes? ¿Nadie te ha dicho eso nunca?

JACK BOLTON: ¿Qué?

JOHN BROOM: Y tus hombrecitos pueden montarse en mi jodida polla.

JACK BOLTON: ¿De qué coño estás hablando? Mira John, piérdete. ¿Vale? Si nos ven venir, si nos ven juntos, van a empezar a inventar mierda acerca de nosotros.

JOHN BROOM: ¿Por qué?

JACK BOLTON: No lo sé, pero me lo puedo imaginar.

JOHN BROOM: ¿Por qué?”

JACK BOLTON: Piensan que eres… mira, he intentado decirles que todo va bien contigo. ¡Déjame en paz!

SINOPSIS

HÉROE: Richie es un niño de siete años de edad que ha matado a su padre de un disparo, escapando de forma peligrosa tras el evento.

Entrevistas a varios conocidos de Richie muestran sus puntos de vista diferentes, mientras se va revelando el oscuro secreto de la relación entre padre e hijo.

HORROR: El Doctor Tom Graves ha obtenido fama mediante su estudio de la teoría de coagulación molecular. Ha logrado crear un suero que desata impulsos sexuales, pero comete la imprudencia de tomarlo, comenzando a desarrollar pústulas por todo su cuerpo, sumiéndose en la locura. Las noticias comienzan a referirse a él como el Asesino Leproso, mientras su presencia extiende el contagio y el pánico por toda la ciudad.

HOMO: Durante la década de 1940, un atractivo ladrón llamado John Broom es enviado a prisión. Allí comienza a obsesionarse con Jack Bolton, otro prisionero. Dicha obsesión es meramente sexual y amenaza por consumirlo, empeorando cuando es compartida con Jack.

CURIOSIDADES

Todd Haynes, quien escribió el guion y dirigió la película, se inspiró en las novelas del afamado Jean Genet a la hora de realizar este proyecto. La película sirve como un estudio perturbador de las desviaciones, el condicionamiento cultural y la enfermedad. Para realizar dicho análisis, la película está compuesta de tres segmentos de historias separadas pero relacionadas entre sí. Cada uno de esos segmentos está rodado mediante el uso de tres estilos cinematográficos únicos y distintivos. “Héroe” está narrada en la forma de una especie de documental. “Horror” es una parodia de las películas de ciencia ficción y terror de la década de 1950; y “Homo” es narrada por el protagonista de la historia, siendo el segmento que más se acerca al estilo de Jean Genet.

Cada una de las historias ilustra las vidas de gente que vive fuera de los parámetros que la considerada “sociedad normal”. Las tres historias no se narran en orden, sino de forma intercalada, finalizando sus tramas al final de la película.

Todd Haynes ha declarado que cuando concibió la película, la sociedad se encontraba en plena encrucijada de la epidemia del SIDA. Esto le hizo pensar en lo que Genet habría querido expresar acerca de la enfermedad, y los eventos que tenían lugar en América durante la misma. De esta forma, decidió realizar su propia interpretación mediante el uso de las ideas del escritor.

A medida que la narrativa de las historias se va desarrollando, sus temas comienzan a quedar encadenados, y la tensión se intensifica para crear un clímax de emociones inquietas e inestables. El punto que las tres historias tienen en común es el sexo, el cual no es otra cosa que el veneno al que el título de la película hace referencia. En las tres historias, el sexo es un sinónimo virtual de la perversión, el abuso, la dominación y la enfermedad. Haynes se tomó innumerables libertades con el trabajo de Genet, pero tuvo preciso cuidado de respetar su espíritu.

La película contó con un presupuesto de solamente doscientos cincuenta mil dólares, logrando recaudar casi setecientos noventa mil. Se estrenó en el Festival de Cine Sundance en 1991, tras lo cual tuvo una distribución limitada en cines de todos los Estados Unidos.

CRÍTICA PERSONAL

De los tres segmentos intercalados de la película, mi favorito fue sin duda el de “Horror”. La historia no solo emula las películas de terror de la década de 1950, sino que además sirve de clara alegoría a la epidemia del VIH en la década de 1980. De esta forma, el director nos hace ver la crueldad del rechazo hacia la enfermedad, a través del personaje del científico, convertido en un leproso y rechazado por la sociedad. Pero al mismo tiempo, nos muestra la aceptación de su ayudante, quien logra superar sus miedos muy a pesar de las consecuencias.

“Homo” tiene aspectos visuales verdaderamente admirables, y logra abordar la obsesión sexual hacia otra persona, otorgando al espectador alguna que otra sorpresa para entender  el rechazo que el protagonista logra sufrir.

En términos generales alabaré el intercalar la narrativa de las tres historias.Sin embargo, “Homo” se vuelve demasiado lenta en su narrativa, abusando en demasía de lo visual, cuando un guion elaborado podría haber contribuido a la trama.

“Héroe” me pareció el peor segmento de todos. El estilo de documental con entrevistas a “personas conocidas” del protagonista provocó que perdiera todo interés en la narrativa y su desenlace.

CALIFICACIÓN

7- Bastante bien