COMPAÑEROS INSEPARABLES

TÍTULO ORIGINAL

Longtime Companion

AÑO DE ESTRENO

1990

DIRECTOR

Norman René

PRODUCTORES

Stan Wlodkowski, Lydia Dean Pilcher

GUION

Craig Lucas

REPARTO

Campbell Scott (Willy), Patrick Cassidy (Howard), John Dossett (Paul), Mary-Louise Parker (Lisa), Stephen Caffrey (Lanas), Bruce Davison (David), Mark Lamos (Sean), Dermot Mulroney (John), Michael Schoeffling (Michael), Brian Cousins (Bob), Welker White (Rochelle), Michael Carmine (Alberto)

CINEMATOGRAFÍA

Tony C Jannelli

BANDA SONORA

Greg De Belles

VESTUARIO

Walker Hicklin

PAÍS DE ORIGEN

Estados Unidos

DISTRIBUCIÓN

Samuel Goldwyn Company

DURACIÓN

96 minutos

WILLY: ¿Parece inconcebible, verdad?

LISA: ¿Qué vayamos?

WILLY: Que hubiera un tiempo anterior a todo esto, cuando no nos despertábamos preguntándonos quien está enfermo, quien más ha muerto.

LANAS: ¿Has pensando que si algún día encuentran un remedio, la gente volverá a acostarse con cualquiera?

WILLY: ¿Y eso qué importa?

LANAS: Es solo una pregunta.

WILLY: Lo sé, lo sé. Yo, yo creo que la cuestión no es quien se acueste con quien, estoy harto de oír a todo el mundo pontificar sobre el tema.

LISA: Excepto a nosotros.

WILLY: Excepto a nosotros, sí. Quiero estar aquí, cuando den con el remedio.

LANAS: ¿Te imaginas lo que sería?

LISA: Como el fin de la Segunda Guerra Mundial.

SINOPSIS

Willy, John, Liza, David, Sean, Michael, Bob y más reciente Lanas, son un grupo de amigos. Durante el verano de 1981, durante el cual Willy y Lanas se enamoran, surge una nueva enfermedad que afecta a la comunidad gay comprometiendo el sistema inmunitario de los que la contraen. La vida del grupo de amigos cambia radicalmente mientras se enfrentan a la nueva y más trágica epidemia de siglo veinte.

Durante los siguientes ocho años el grupo va disminuyendo a medida que sus miembros van contrayendo la enfermedad que pasa de ser conocido como el cáncer gay, a recibir el nombre definitivo de SIDA. La vida de los que consiguen sobrevivir a la epidemia cambiara drásticamente, mientras se enfrentan al futuro con incertidumbre.

CURIOSIDADES

La película realiza una crónica a través de los primeros ocho años de la epidemia causada por el SIDA a través de un grupo de amigos. Es la primera película distribuida a nivel mundial, con publicidad notoria, en tratar el tema del SIDA. Sin embargo no es la primera en hacerlo exclusivamente, existiendo otras como “Miradas en la Despedida”, o la que se cree que es la primera “Buddies” del año 1985. El título de la película proviene del método utilizado por el New York Times para describir en una esquela al miembro superviviente de una pareja gay (Compañero Inseparable / Longtime Companion).

Craig Lucas, encargado del guion, realizó una adaptación de su propia obra de teatro acerca de la aparición y estragos sentimentales del SIDA, por encima de las consecuencias físicas de la misma enfermedad, o de los conflictos políticos detrás de la misma.

Con un reparto diverso, mezcla de actores conocidos y futuras estrellas, la película triunfó amasando una gran cantidad de premios y honores.

La mayoría fueron por la actuación de Bruce Davidson que llegó a ser nominado al Oscar por su interpretación, convirtiéndose en uno de los primeros actores en recibir una nominación por interpretar a un personaje abiertamente gay. A parte de dicha nominación se llevó un Globo de Oro, el Premio al Espíritu Independiente, el Premio de la Sociedad Nacional de Crítica, y el del Círculo de Críticos de Nueva York al mejor actor secundario.

CRÍTICA PERSONAL

La película consigue conmover, emocionar, e incluso aterrorizar al espectador mostrándonos un viaje desde los tiempos felices de una pandilla a los tiempos en que la muerte, la incertidumbre, la angustia y impotencia se apoderan de sus vidas.

La película se concentra en los aspectos humanos, el cariño, el apoyo, los sentimientos compartidos, y aparca la reivindicación y la política, sin menospreciar ambos aspectos que serían el enfoque de muchas películas en el futuro, en un proyecto cuyo único propósito es humanizar a las víctimas de la mayor epidemia del siglo veinte.

No cabe duda de que triunfa en todos los aspectos. Un ejemplo claro son Willy y Lanas que inician su relación sentimental al mismo tiempo que aparece el virus. Uno no puede evitar entender su angustia en una época en la que poco se sabía sobre la enfermedad, lo que se muestra en una pareja que intenta salvar su relación sin mantener relaciones sexuales el uno con el otro.

A medida que la película avanza uno va comprobando como el grupo va disminuyendo dramáticamente, y eso es lo que refuerza la gravedad de una época que supuso un antes y después para la comunidad gay. Sin lugar hay escenas que consiguen quedar marcadas en la mente de cualquiera como John prisionero de un respirador en la cama del hospital, o la fantástica interpretación de Davidson, en lágrimas, en el momento en el que le comunica a su pareja que puede irse de su lado. Todas las interpretaciones están a la altura de las circunstancias, y el formato de la película que nos va indicando en el año en el que estamos en cada momento, es muy acertado y evidentemente apropiado.

La segunda mitad de los años ochenta ya incluía películas que trataban el tema del VIH, siempre desde la incertidumbre, pero esta marca un nuevo comienzo ya que en el momento de su estreno la enfermedad ya era humana, y no homosexual, y el interés mediático era mayor. Me resulta difícil de creer que exista alguien que vea esta película y no consiga emocionarse. Personalmente encontré que el final de la película, que transcurre supongo en la imagen de los supervivientes, fuera de lugar. Me pareció un intento de dar un final feliz a una situación que aún día de hoy no lo ha tenido.

CALIFICACIÓN

9- Muy bien

COMING OUT

TÍTULO ORIGINAL

Coming Out

AÑO DE ESTRENO

1989

DIRECTOR

Heiner Carow

PRODUCTOR

Horst Hartwig

GUION

Wolfram Witt

REPARTO

Matthias Freihoff (Philipp), Dagmar Manzel (Tanja), Dirk Kummer (Matthias), Michael Gwisdek (Achim), Werner Dissel (Walther), Gudrun Ritter (Señora Möllemann), Axel Wandtke (Jakob), Walfriede Schmitt (Madre de Philipp), Robert Hummel (Lutz), Maria Planitzer (Oberärztin)

CINEMATOGRAFÍA

Martin Schlesinger

BANDA SONORA

Stefan Carow

VESTUARIO

Regina Viertel

PAÍS DE ORIGEN

Alemania del Este

DISTRIBUCIÓN

DEFA-Studio

DURACIÓN

112 minutos

PHILIPP: ¿Por qué tengo que justificarme? ¿Por qué? ¿Es mejor fingir? ¿Mentirse a uno mismo? ¿Aspirar a alfo que no se podrá conseguir nunca? ¿Hacer infelices a los demás por falta de alternativa, solo porque la naturaleza me ha hecho así? ¿A quién le hago daño? ¿A mi supuesta reputación? ¿No tenemos derecho a vivir de acuerdo a nuestra naturaleza?

  

PHILIPP: Alguien tiene que saber su nombre y donde vive.

CAMARERO: Nadie conoce el nombre de nadie, o su dirección en este lugar. Todo el mundo está solo aquí. Todos tienen miedo.

SINOPSIS

Philipp es un profesor de Bachiller en constante conflicto con su homosexualidad, la cual es incapaz de aceptar.

En su afán de intentar lo que considera una vida normal, comienza una relación con Tanja tras tropezar con ella accidentalmente. Ambos terminan casándose. Matthias es un joven que tras intentar suicidarse debido a su homosexualidad, termina por aceptarla con el apoyo de su familia y amigos.

Una noche Philipp termina accidentalmente en un bar gay donde tiene contacto visual con Matthias. Incomodo, Philipp acaba borracho y Matthias le ayuda a volver a casa. Tras varios encuentros surge el amor entre ambos, pero Philipp sigue sin ser capaz de salir de su armario particular, mientras su matrimonio con Tanja se va deteriorando. Cuando la verdad sale a la luz, llegará el momento de tomar decisiones.

  

CURIOSIDADES

Se trata de la primera y última película de temática gay realizada en la República Democrática Alemana. Se estrenó el nueve de noviembre de 1989.

El estreno fue interrumpido porque justo en ese momento estaba teniendo lugar la caída del Muro de Berlín. Sin embargó la mayoría de los espectadores solicitaron que se terminara proyectar la película, antes de salir y unirse a la gran celebración.

“Coming Out” se llevó a cabo gracias al éxito de las anteriores películas de Carow, lo cual le dio carta blanca con la DFA para llevar a cabo nuevos proyectos. La temática de la salida del armario se mostraba como algo extremadamente difícil y traumático, debido al país donde tenía lugar. Carow se esforzó en mostrar lugares donde la comunidad gay se reunía, ya fueran bares o parques y plazas donde se practicaba el Cruising, en el este de Berlín. El edificio de la escuela es el Carl-von-Ossietzky-Gymnasium, cuyos pasillos y escaleras destacan por su amplitud. Se trataba de un colegio historicista, y muchos de los profesores se interpretaron a si mismo. Durante el rodaje de la película varios alumnos fueron expulsados al aprovechar la atención para manifestarse públicamente en contra de los desfiles militares del ejército.

La película triunfó en el Festival de Cine Internacional de Berlín en 1990 donde Heiner Carow recibió dos premios, más una nominación adicional, por su trato en lo referente a la salida del armario en una sociedad opresiva. Se elogió la tranquilidad del movimiento de cámara en combinación con los excelentes actores y una música en acorde a la sensibilidad del tema.

CRÍTICA PERSONAL

Esta es una de esas joyas con la que uno se encuentra por accidente, y no tan conocida como debería serlo. Desde el comienzo del film, quedé total y completamente cautivado por su línea argumental y por la simplicidad de sus personajes, lo cual irremediablemente provoca que el espectador consiga sentirse identificado con cada uno de ellos.

Creo que los tres personajes principales, Philipp, Tanja y Matthias están perfectamente definidos. Uno de los grandes aciertos de la película es que entre sus personajes principales no hay verdaderamente buenos o malos.

Todos tienen sus problemas particulares, y sus puntos débiles, los cuales les empujan a decisiones precipitadas con sus inevitables consecuencias.

Tanja es una chica introvertida, siempre ha sido ignorada por los hombres, y esto le ha llevado a recluirse y no salir. De repente aparece Philipp, un joven apuesto y divertido, y que centra toda su atención en ella, y le hace sentirse como nunca lo ha hecho especial. Una persona racional se movería con cautela, sin embargo tras su primera cita ya están hablando de matrimonio. Por supuesto la idea de que Philipp pueda ser homosexual no pasa por la mente de Tanja, que como es natural desea que el milagro que está experimentando no se desvanezca. Cuando esto ocurre, uno no puede evitar sentirlo por ella.

Matthias es el personaje con el que comienza la película. Le conocemos justo cuando ha intentado suicidarse al darse cuenta de que es homosexual. Afortunadamente para él, recibe el consuelo de una enfermera que le explica que “ser homosexual no es motivo para llorar”.

La siguiente vez que vemos a Matthias, las cosas han cambiado, ha aceptado su homosexualidad, y cuenta con el apoyo absoluto de su familia y círculo de amigos. Sin embargo su visión romántica e idealista del amor a primera vista le empuja a una relación que no podrá funcionar, y al posterior desencanto. Su problema es que al superar la fase de salir del armario, piensa que ya triunfado, cuando solo ha superado el primer obstáculo. Todos hemos pasado por eso también.

Finalmente llegamos al protagonista Philipp. Le inunda el miedo, no cuenta con el apoyo de su madre y teme por su puesto como Profesor. Cuando se lanza a ese intento de relación perfecta con Tanja, queda claro que en ningún momento tiene la intención de hacerle daño, solo quiere hacer las cosas de la forma en la que todos le han indicado que deben de hacerse. Sin embargo cuando surge el flechazo con Matthias se descubre a si mismo descubriendo sensaciones, y aspectos del amor que no ha logrado encontrar con Tanja, y se da cuenta de que no le está proporcionando lo que ahora recibe de su amante.

Cuando la situación explota, nos encontramos con un personaje que se queda solo, y de esta manera se enfrenta a la batalla final de la auto-aceptación, para poder seguir adelante. Es formidable como personajes tan similares están destinados a tomar senderos distintos.

Formidable su conversación con el hombre que le enseña que las cosas pueden ir peor, narrándole su experiencia como prisionero de un campo de concentración para homosexuales durante la Segunda Guerra Mundial.
No hay nada negativo que yo haya sido capaz de encontrar en esta película.

CALIFICACIÓN

10- Sobresaliente

TRILOGÍA DE NUEVA YORK

TÍTULO ORIGINAL
Torch Song Trilogy
AÑO DE ESTRENO
1988
DIRECTOR
Paul Bogart
PRODUCTORES
Howard Gottfried, Ronald K. Fierstein
GUION
Harvey Fierstein
REPARTO

Harvey Fierstein (Arnold Beckoff), Anne Bancroft (Señora Beckoff), Matthew Broderick (Alan Simon), Brian Kerwin (Ed Reese), Karen Young (Laurel), Eddie Castrodad (David), Ken Page (Murray), Charles Pierce (Bertha Venation), Axle Vera (Marina del Rey), Benji Schulman (Joven Arnold Beckoff), Lorry Goldman (Phil Beckoff), Edgar Small (Jacob Beckoff), Bob Minor (Gregory), Byron Deen (Roz)
CINEMATOGRAFÍA
Mikael Salomon
BANDA SONORA
Peter Matz & Allan K Rosen
VESTUARIO
Colleen Atwood
PAÍS DE ORIGEN
Estados Unidos
DISTRIBUCIÓN

New Line Cinema
DURACIÓN

120 minutos

DAVID: Tengo veintiún años, mucho éxito, y aún cuando conozco a un tío, me echa un vistazo y solo quiere sexo.
ARNOLD: Yo cuando conozco a un tío me echa un vistazo y lo único que quiere que es conversación.
DAVID: No todos los tíos…

ARNOLD: Hay algo más que quiero que comprendas. He aprendido solo a coser, a cocinar, reparar cosas, a hacer muebles, e incluso he aprendido a darme ánimos yo solo, para así no tener que pedirle nada a nadie. Yo no pido nada de nadie excepto amor y respeto, y aquel que no pueda darme esas dos cosas no tiene sitio en mi vida. Tú eres mi madre, te quiero, de veras, pero si no puedes respetarme no tienes nada que hacer aquí.

SINOPSIS
Arnold Beckoff es gay, proviene de una familia judía, y se dedica al mundo del transformismo en la ciudad de Nueva York bajo el seudónimo de la Jamona de Virginia. En perpetuo conflicto con su estricta madre, que es incapaz de aceptar su homosexualidad, comenzara un viaje en el mundo de las relaciones sentimentales. A través de ellas descubrirá el significado de los distintos tipos de amor que uno puede encontrar en su vida, siempre desde su sincera bondad, y autodeterminación a valerse por su mismo.
A su vida llegaran Ed, un hombre bisexual lleno de inseguridades, Alan, un joven y apuesto modelo que vera en él lo que suele pasar desapercibido para muchos, y su hijo adoptivo David, que acabará adoptándole como modelo a seguir para salir de sus dificultades. La prueba definitiva seguirá siendo la aceptación de su madre.

CURIOSIDADES
La Trilogía en el titulo hace referencia al viaje de Arnold en sus relaciones con los hombres en tres etapas concretas de su vida. La primer se basa en su primer amante Ed, un bisexual que termina por abandonarle para casarse. La segunda narra su encuentro con el que será el amor de su vida, Alan. Y sobre el tercero hay distintas opiniones, hay quien piensa que es su hijo adoptivo David (yo sigo esa teoría), y hay quien cree que se refiere a su regreso con Ed.
En 1988 Fierstein adaptó la obra de teatro a esta versión cinematográfico que necesitó de amplios cortes en el argumento original. Para no necesitar hacer mención de le epidemia de VIH que empezó a tomar lugar a finales de los ochenta, Fierstein retrasó el marco temporal del transcurso de la acción a una década antes.
Originalmente Mathew Broderick se negó a interpretar el papel de Alan. Hay que entender que en los ochenta todavía suponía un riesgo considerable aventurarse a interpretar el papel de un hombre homosexual para la carrera de cualquier homosexual. Tate Donovan fue contratado para interpretar dicho papel, pero cuando Broderick cambió de opinión, Donovan fue despedido en el acto.
Fierstein creó específicamente el papel de Bertha Venation para hacer mención especial al papel del transformista Charles Pierce.

CRÍTICA PERSONAL
Si tengo que elegir una película de temática gay como mi favorita, sin duda se trata de esta. Recuerdo perfectamente la primera vez que vi esta película. Acababa de salir del armario, y en mi suma ingenuidad e inocencia pensé que con semejante acto de auto confirmación, todas mis dificultades habían llegado a su fin. Como es natural se abría un mundo completamente nuevo ante mi, y una de las primeras cosas que comencé a hacer fue alquilar cualquier película de temática gay que encontrase. “Trilogía de Nueva York” fue de las primeras, y me llegó al corazón de una manera especial.
El personaje de Arnold resulta entrañable como un hombre homosexual, tierno dedicado a sus amigos, que lucha por hacerse un hueco en la vida tanto a nivel profesional, como sentimental. Su buen corazón triunfaba ante los desesperantes obstáculos que se le presentaban. Creo que hay pocos personajes en el cine de temática gay que merezcan más el calificativo de héroes de película como el de Arnold.
Arnold representa lo que yo denominaría como un héroe gay, que es fiel a sus principios y sueños a pesar de las dificultades que suponía salir del armario en un tiempo en que las cosas no resultaban tan fáciles como ahora. La película también es brillante por conseguir que el espectador entienda ambos puntos de vista, tanto el de Arnold, como el de su madre.
Pero sobre todo, me sobrecogió en personaje de su madre, interpretado por la genial Anne Bancroft. Arnold luchaba, ante cualquier otra cosa, por el cariño de su tradicional madre judía. Aunque la película no acaba con una resolución de ese conflicto madre e hijo, si nos entregaba lo que podía ser interpretado como un primer paso a la reconciliación. Otro aspecto que me hizo sentirme identificado fue la extraña situación en la que resulta tener problemas para aceptar a su hijo gay es la madre y no el padre. El personaje de la madre es temperamental pero si se analiza es comprensible. Tenemos a la clásica madre que no puede aceptar la homosexualidad de su hijo, pero intenta combinar este problema con el hecho de le quiere en todo momento. Como ella mismo reconoce en uno de los sublimes diálogos de la película, Arnold tiene un corazón de oro.
Todos los actores realizan una soberbia labor, no creo que haya ni uno solo que flaquee. Cada uno de los personajes es todo un mundo e invita al espectador a analizar, para entender de donde vienen, y por qué sienten como sienten. Matthew Broderick realiza un gran trabajo como el adorable Alan en busca del amor verdadero, y la buena química con Fierstein es evidente.
En conjunto es una película atemporal acerca de la superación de los problemas, y de la fidelidad de la gente con sus principios. No cae en los clásicos clichés ni presenta a los cuerpos perfectos que invaden la temática de hoy en día, mostrando un ambiente común y con el que el espectador puede identificarse. A día de hoy no encontrado otra que la supere, y no cejo en recomendarla.
No hay nada negativo que yo haya sido capaz de encontrar en esta película.

CALIFICACIÓN
10- Sobresaliente

MIRADAS EN LA DESPEDIDA

TÍTULO ORIGINAL

Parting Glances

AÑO DE ESTRENO

1986

DIRECTOR

Bill Sherwood

PRODUCTORES

Nancy Greenstein, Paul L Kaplan, Yoram Mandel, Arthur Silverman

GUION

Bill Sherwood

REPARTO

Richard Ganoung (Michael), John Bolger (Robert), Steve Buscemi (Nick), Adam Nathan (Peter), Kathy Kinney (Joan), Patrick Tull (Cecil), Yolande Bavan (Betty), Andre Morgan (Terry), Richard Wall (Douglas), Kristin Moneagle (Sarah), John Siemens (Dave), Bob Kohrherr (Sam), Theodore Ganger (Klaus), Nada (Liselotte), Cam Brainard (Ricky)

CINEMATOGRAFÍA

Jacek Laskus

BANDA SONORA

Mike Nolan

VESTUARIO

Sylvia Heisel

PAÍS DE ORIGEN

Estados Unidos

DISTRIBUCIÓN

Cinecom Pictures

DURACIÓN

90 minutos

JOAN: ¿Qué vas a hacer cuando ya no esté?

MICHAEL: Echarle de menos.

JOAN: Yo también.

MICHAEL: Su padre ni siquiera lo sabe.”

JOAN: ¡No lo dices en serio! ¿Cuándo piensa decírselo, cuando ya esté muerto?

MICHAEL: Me temo que vamos a acabar siendo nosotros quienes se lo digan cuando muera.

JOAN: Lo que dicen es cierto, los buenos se mueren. Y probablemente viviré para cumplir ciento cincuenta años.

JOAN: Tengo un secreto. Siempre he querido a Nick más que a Robert.

MICHAEL: Lo sé.

JOAN: Nunca se lo he dicho a Nick.

MICHAEL: Mejor así.

JOAN: A veces me siento tan culpable.

MICHAEL: No es culpa tuya, no es culpa de nadie.

JOAN: No es eso, es que hay veces cuando estoy allí, que en lo único que puedo pensar es en lo feliz que estoy por no haberme infectado.

JOAN: ¿Quién no lo haría?

SINOPSIS

Michael y Robert son una pareja gay que reside en Nueva York durante los años ochenta. La relación de ambos se ha vuelto algo predecible y para arreglar la situación Robert ha aceptado un trabajo que le obligara a estar ausente durante dos años en África. Mientras tanto Michael continua cuidando de su antigua pareja, Nick, enfermo de SIDA, de quién sigue enamorado. En el transcurso de dos días, la pareja acude a cenar con los jefes de Robert, y más tarde a una fiesta de despedida organizada por la amiga de ambos, Joan. Mientras tanto Nick tiende a asilarse cada vez más.

Durante el curso de dos días el peculiar triangulo habrá de enfrentarse a sus relaciones, emociones, conflictos, miedos y sentimientos para decidir qué hacer con sus vidas, y como continuar adelante.

CURIOSIDADES

En la segunda mitad de la década de los años ochenta comenzaron a imperar las películas de temática gay cuyo argumento giraba acerca del VIH y del SIDA. “Miradas de Despedida” es la primera y única película de Bill Sherwood, que murió de SIDA en 1990. Se trata de hecho de una de las primeras películas en tratar el tema del VIH, pero al contrario de la inmensa mayoría no se regodea en el drama y el sufrimiento, prefiriendo mantener un enfoque más preciso en la incertidumbre. Además de esto intenta mostrar el SIDA, por aquel entonces todavía una enfermedad nueva y llena de ignorantes, dentro de un contexto social. Estos factores la han convertido en todo un clásico de culto dentro del género de la temática gay.

La película muestra la vida urbana de un segmento de la comunidad gay por lo general bastante representativa de la época. Se trata además de la primera película del actor Steve Buscemi, que adquirió fama años más tarde, pero realiza una espléndida labor a la edad de veintiocho años.

A día de hoy todavía considera esta película como su mejor labor de interpretación.

La banda sonora incluye temas de Bronski Beat que resaltan ese aíre nostálgico de los años ochenta. Curiosamente la película sigue siendo una gran desconocida en gran parte de la comunidad, en parte eclipsada por el éxito de “Compañeros Inseparables” en 1990.

CRÍTICA PERSONAL

Es evidente que el director sabía lo que se sentía en los años ochenta con esta enfermedad, y lo reflejó en esta su única película, cuatro años antes de sucumbir al SIDA. Lo que más me gusta esta película es que no intenta ni ser pretenciosa, ni adoctrinar al resto de la sociedad sobre el sufrimiento del SIDA. Muestra con plena honestidad la incertidumbre de su personaje Nick, y al contrario de muchas otras películas la cara amable de aquellas personas que no desaparecieron cuando sus amigos fueron víctimas del virus, Michael.

El mensaje resulta perfectamente claro sin necesidad alguna de regodearse en el sufrimiento, y no infravalora los problemas del resto de los personajes. La sigo considerando una película acerca de decisiones, la necesidad de tomarlas, y la imposibilidad de aislarse cuando llega dicho momento. No hay buenos ni malos, uno tiene que entender la postura de cada personaje, incluso de Robert, que se siente desbordado por la situación de su pareja, y el antiguo amor de este, y se ve forzado a enfrentarse a sus propias inseguridades. La pregunta es la misma al final: ¿Puede uno huir de sus problemas, o es inevitable que estos terminen por alcanzarnos? La película consigue abordar estas dudas, y las de la comunidad sin caer en determinados clichés característicamente peligrosos.

Sin duda hay que tener en cuenta que es una película de diálogos, los cuales están cargados de estados emocionales mientras los personajes se enfrentan a la gran incertidumbre que provocó el SIDA en los años ochenta. Un ejemplo que derrocha honestidad es la conversación entre Joan y Michael (que se puede leer más arriba).
La película es excelente, aunque me hubiera gustado ver un final más definido. El final solo sugiere al espectador las decisiones que van a tomar los protagonistas, pero esas sugerencias distan mucho de ser definitivas.

CALIFICACIÓN

9- Muy bien

MI HERMOSA LAVANDERÍA

TÍTULO ORIGINAL

My Beautiful Laundrette

AÑO DE ESTRENO

1985

DIRECTOR

Stephen Frears

PRODUCTORES

Tim Bevan, Sarah Radclyffe

GUION

Hanif Kureishi

REPARTO

Gordon Warnecke (Omar Hussein), Daniel Ley-Lewis (Johnny), Saeed Jaffrey (Nasser Hussein), Roshan Seth (Hussein), Derrick Branche (Salim N Hussein), Rita Wolf (Tania N Hussein), Souad Faress (Cherry N Hussein), Richard Graham (Genghis), Shirley Anne Field (Rachel)

CINEMATOGRAFÍA

Oliver Stapleton

BANDA SONORA

Ludus Tonalis

VESTUARIO

Lindy Hemming

PAÍS DE ORIGEN

Reino Unido

DISTRIBUCIÓN

Mainline Pictures

DURACIÓN

97 minutos

OMAR: Mi padre, hizo todo lo posible por ti, y por todos mis amigos. ¿No es así?

JOHNNY: ¿A qué te refieres?

OMAR: A como años más tarde, vio a los mismos chicos, ¿y qué estaban haciendo? Desfilar, desfilar a través de Lewisham. Todo eran ladrillos, botellas y chaquetas militares. Todo eran “Fuera con los inmigrantes”, “Matarlos”. Gente que conocíamos, y allí estabas tú; él te vio desfilando. No lo niegues estábamos allí cuando pasaste. Papá se odió a sí mismo y a su trabajo. Tenía miedo de que andara por las calles. Se desahogó con mi madre, y ella no lo pudo soportar. ¡Tanto fracaso, y vacío!

JOHNNY: No hay nada que pueda decir para compensarte aquello. Solo hay cosas que puedo hacer para demostrarte que ahora estoy contigo.

SINOPSIS

Omar Hussein es un joven de origen pakistaní que reside en el Londres de los años ochenta, ciudad que detesta por su racismo hacia su comunidad, y sus actuales políticas económicas e internacionales. Su tío sin embargo se ha integrado perfectamente en la sociedad inglesa donde ha adquirido fama como empresario. El padre de Omar le pide que ayude a su hijo otorgándole un trabajo. Primeramente, Omar trabaja lavando coches, pero eventualmente se le hace entrega de una vieja lavandería, cuyo negocio debe ayudar a resurgir.

Omar se reencuentra con Johnny, antiguo miembro de un grupo racista y violento, con quien mantuvo una relación durante su época de estudiantes. Ambos inician una relación amorosa, mientras roban a Salim, traficante de drogas, para obtener dinero para que la lavandería salga adelante. Sin embargo, la familia de Omar, y la antigua banda de Johnny, pueden suponer una amenaza.

CURIOSIDADES

Se trata de la quinta película de Frears, originalmente rodada para la televisión, pero que acabó estrenándose en el cine, convirtiéndose en un éxito internacional.

La crítica consideró que la película se beneficiaba mayormente del excelente guion original de Hanif Kureishi, que mostraba la vida Londinense de la era Thatcher a través de las complejas vidas de su comunidad asiática. La trama hace uso de un gran número de temas polémicos y controvertidos, tales como la homosexualidad, el racismo, o las normas económicas y políticas de los años ochenta bajo la administración Thatcher. De hecho mantiene un sentido del humor que varía desde lo irónico a lo mordaz, y crítica seriamente el racismo que impedía la integración pakistaní, en la sociedad Inglesa. Kureishi fue nominado al Oscar por su guion original, pero lo perdió contra Woody Allen por “Hannah y sus Hermanas”.

La película muestra a un entonces desconocido Daniel Ley-Lewis en el papel de Johnny, antiguo miembro de banda antisocial, que se convierte en amante del protagonista.

Curiosamente la película fue estrenada en Estados Unidos el mismo día que “Una Habitación Con Vistas”, donde también trabajaba. Ambos papeles son radicalmente opuestos, pues en la última mencionada representaba a un pedante y estirado caballero inglés. El contraste de ambos personajes a manos del mismo actor, impresionó a la crítica que predijo su excelente futuro como actor.

CRÍTICA PERSONAL

Francamente, es mi opinión que Daniel Ley-Lewis es la estrella que destaca eclipsando al resto de los actores (que son de por sí, bastante buenos a excepción de Gordon Warnecke). Su personaje con un pasado oscuro, relacionado con los grupos que apoyan una actitud fascista, resulta fascinante, sobre todo porque el personaje logra engañar al espectador. Al principio de la película le vemos como un mero vagabundo, y después de un encuentro digamos tenso con Omar, empezamos a comprobar cómo se trata de un personaje francamente atormentado.

Por otro lado el guion de la película es indiscutiblemente soberbio, mostrando los problemas de integración de una minoría extranjera en la Inglaterra de la década de los ochenta. Creo que además es excepcionalmente original, pues nos muestra que los personajes gays no son los únicos que tienen problemas. Todos los círculos sociales que se muestran los tienen. Me pareció formidable el personaje de la amante del tío de Omar, y su confrontación con la hija de este, a la que le hace ver que las cosas han cambiado, que ella como mujer tendrá un montón de oportunidades esperándola, cosa que ha conformado una carencia para las mujeres de su generación (curiosamente lo mismo se puede aplicar a la esposa engañada del tío de Omar).

Otro contraste genial se encuentra entre las dos generaciones de pakistaníes. El padre de Omar se siente rechazado por la sociedad inglesa, y sigue viendo imposibilidades para su gente alrededor. Omar es el contrario, ve que el secreto reside en el poder, y hay ocasiones en las que no duda convertirse en aquello que su padre detesta.

Lo cual hace la relación de ambos interesante. A destacar también la escena en la que inaugura la lavandería, y mientras el tío de Omar baila con su amante, este hace el amor con Johnny en la trastienda.

Genial la banda sonora por ser original y divertida combinando el sonido de las pompas de jabón, haciendo referencia a la lavandería, con sonidos característicos de los años ochenta.
Gordon Warnecke no me convence nada en el papel protagonista, lo cual es dañino, sobre todo considerando que está rodeado de muy buenos actores. Su interpretación del personaje flaquea en repetidas ocasiones, y mutila momentos como en el que le echa en cara a Johnny haber sido miembro de un grupo ultraderechista (Donde Ley-Lewis vuelve a triunfar mostrando la angustia que su personaje siente por su pasado). Eso sí, Warnecke parece no dejar de intentar mostrarnos que tiene una sonrisa bonita (algo que no voy a negar), mientras que su personaje se muestra como un chico básicamente bobo. El problema es que su personaje es el protagonista.

CALIFICACIÓN

9- Muy bien