MY HUSTLER

TÍTULO ORIGINAL

My Hustler

AÑO DE ESTRENO

1965

DIRECTORES

Andy Warhol, Chuck Wein

PRODUCTOR

Andy Warhol

GUION

Improvisado

REPARTO

Ed Hood (Cliente), Genevieve, la vecina), Paul America (Paul, joven chapero), Joseph Campbell (Joe, chapero mayor), Genevieve Charbon (Dorothy Dean (Mujer con lápiz de labios), J.D. McDermott (Kali)

CINEMATOGRAFÍA

Andy Warhol

BANDA SONORA

Inaplicable

VESTUARIO

Sin acreditar

PAÍS DE ORIGEN

Estados Unidos

DISTRIBUCIÓN

Andy Warhol Films

DURACIÓN
79 minutos

ED: ¿Qué estás haciendo sin el uniforme puesto? Cuando te contraté lo hice con el propósito de que me sirvieras. Si esta es tu idea de la servidumbre, no es una idea muy buena. No llevas puesto el uniforme. Yo puse un anuncio explicando que deseaba un sirviente que entendiera el concepto de la disciplina. Con disciplina estaba sugiriendo que llevara botas, tuviera algún conocimiento sobre cinturones y cuero, y tú te presentas con estas pintas. Está claro que no tienes la más mínima idea del tipo de servidumbre que yo tenía en mente. ¿Sabes para qué has sido contratado? Déjalo, no importa. Si miras a tu alrededor, podrás ver a un chico rubio. Mira hacia allí. ¿Lo ves? Ahora no solo has sido contratado por servidumbre y disciplina, sino también como mi guardaespaldas. Eso quiere decir que también tienes que encargarte de ese chico. Ocúpate de cualquier cosa que necesite, y puede que necesite un estilo muy personal. Si quiere algo, debes proporcionárselo inmediatamente. Si, por otro lado, pone alguna dificultad, tendrás que ayudarme a ocuparme de él. ¿Me estas siguiendo? Vale, tráeme algo de hielo para mi bebida.

SINOPSIS

Durante la primera parte de la película, Ed se encuentra en el porche de su casa contemplando la playa. Ed es un hombre de mediana edad, atendido por un sirviente particular, el cual ha contratado para el fin de semana. Pronto se reúne con él su vecina Genevieve, y ambos comienzan a observar a un joven atractivo, rubio y muscular que se encuentra en la playa tomando el sol. Los dos comienzan a comentar el aspecto físico del hombre de la playa, sintiéndose atraídos hacia él. A Ed y Genevieve se une otro chapero de más edad llamado Joe, que es reconocido por Ed como un traficante de drogas. Los tres desean al hombre rubio de la playa, cuyo nombre es Paul.

Joe consigue conversar con Paul, lo que desata los celos de Ed, quien consigue que ambos acudan a su casa. Joe y Paul se duchan y afeitan en el baño, iniciando una conversación sobre el trabajo como chapero, y como ganar dinero fácil atendiendo a gente como Joe. Cada uno de los tres que desean al hombre rubio intenta por todos los medios captar su atención. 

Ed y Genevieve les interrumpen en el baño varias veces para que no ocurra nada.

CURIOSIDADES

Se trata de la primera de las películas experimentales de Andy Warhol en que empezó a utilizar el movimiento de cámaras. También hiso uso de una trama completamente desestructurada, sin guion y basada completamente en la improvisación. Únicamente dio una idea de lo que estaba sucediendo a algunos de los actores. La película fue rodada durante el Fin de Semana del Trabajo del año 1965. Contó únicamente con un presupuesto de quinientos dólares. La película tuvo algunas emisiones privadas y fue estrenada en el Teatro Hudson en Julio de 1967. Se convirtió en el primer éxito de taquilla de Andy Warhol.

El joven rubio de la película se llamaba Paul Johnson inicialmente. Conoció a Andy Warhol en “Ondine”, una discoteca de Nueva York a principios de 1965. Warhol quedó prendado de Johnson, al que consideraba “increíblemente atractivo”. 

Lo llegó a comparar con un dibujo de las tiras de Mister America, pulcro, guapo y con un cuerpo muy simétrico. Warhol invitó a Paul Johnson a su estudio, denominado “The Factory”, donde terminó por instalarse de forma permanente. En poco tiempo Warhol le concedió el nombre artístico de Paul America. El nombre surgió del hecho que Paul vivía antes en el Hotel America.

La película provocó que Paul America se volviera muy famoso, y acabara por hacerse con el título de icono gay. America aseguró que en el momento en el que rodaron la película, no tenía idea alguna de la trama, solamente teniendo que reaccionar al resto de los actores. También admitió que en aquel entonces estaba drogado, consumiendo habitualmente LSD. El uso constante de drogas más el éxito de la película le convirtió en un hombre paranoico, y que veía cámaras donde quiera que fuera. La película también cuenta con Joe Campbell, que interpreta a un chapero de edad más avanzada y que en la vida real había sido pareja de Harvey Milk.

CRÍTICA PERSONAL

Evidentemente es digno elogiar el haber realizado la película con medios escasos, y el haber conseguido hacerse con seguidores y admiradores.

Debo empezar admitiendo que no soy un gran fan del cine experimental, ni tampoco del trabajo de Warhol. Dicho esto, la película me pareció un sinsentido carente de diálogos trabajados, trama interesante o personajes que despierten el más mínimo interés. Dividida en dos partes, la primera nos muestra a tres personajes describiendo a América como si solo fuera un mero trozo de carne. No hay interés alguno aparte de la atracción sexual. Las conversaciones son superficiales y carecen de momentos divertidos o ingeniosos. La segunda parte tiene lugar en un cuarto de baño, con dos chaperos conversando y siendo interrumpidos por aquellos que desean a America. Llega un momento en que la historia resulta infantil y ridícula.

Añadido a esto, la película termina de forma abrupta, sin resolución alguna o conclusión después de este tedioso enredo. Yo no voy a negar que existan elementos artísticos, pero desde luego no puedo elogiar algo que no despertó mi interés en ningún momento. Cuando una película de apenas una hora se te hace eterna, siempre he considerado que se está haciendo algo mal.

Por lo general, siempre he considerado que las películas experimentales no buscan entretener sino probar que sus respectivos creadores son artistas muy por encima de los meros mortales que no se dignen a valorar sus trabajos.

CALIFICACIÓN

2- Mal

ENCUESTA SOBRE EL AMOR

TÍTULO ORIGINAL

Comizi D’Amore

AÑO DE ESTRENO

1964

DIRECTOR

Pier Paolo Pasolini

PRODUCTOR

Alfredo Bini

GUION

Pier Paolo Pasolini

REPARTO

Pier Paolo Pasolini (Entrevistador), Lello Bersani (Narrador), Io Apolloni (Entrevistado), Ignazio Buttitta (Entrevistado), Adele Cambria (Entrevistada), Camilla Cederna (Entrevistada), Graziella Chiarcossi (Entrevistada), Peppino Di Capri (Entrevistado), Oriana Fallaci (Entrevistada), Antonella Lualdi (Entrevistada), Alberto Moravia (Entrevistado), Cesare Mussatti (Entrevistado), Giuseppe Ungaretti (Entrevistado)

CINEMATOGRAFÍA

Mario Bernardo, Tonino Delli Colli

BANDA SONORA

Inaplicable

VESTUARIO

Inaplicable

PAÍS DE ORIGEN

Italia

DISTRIBUCIÓN

Titanus Distribuzione

DURACIÓN
90 minutos

PIER PAOLO PASOLINI: ¿Sabrás que en lo sexual existen anomalías? ¿Qué es el sadismo?

ENTREVISTADO: No lo sé.

PIER PAOLO PASOLINI: ¿Qué es el masoquismo?

ENTREVISTADO: No lo sé.

PIER PAOLO PASOLINI: ¿Qué es un invertido?

ENTREVISTADO: Eso sí que lo sé. Puedes dar con un invertido que sea una lesbiana. Yo salí con una lesbiana. Quizás le gustaba, no me parecería raro. Hay anormales, hombres que son mujeres.

PIER PAOLO PASOLINI: ¿Qué siente hacia esas personas anormales?

ENTREVISTADO: Asco.

PIER PAOLO PASOLINI: ¿Por qué es uno invertido?

ENTREVISTADO: Por naturaleza. Ha nacido con el impulso de ir con otro hombre.

PIER PAOLO PASOLINI: ¿No hay una razón científica?

ENTREVISTADO: Es un hecho natural. Es de nacimiento. No es nada que se adquiera.

PIER PAOLO PASOLINI: ¿Qué siente usted por las personas así?

ENTREVISTADO: Yo siento compasión.

SINOPSIS

Pier Polo Pasolini entrevista personalmente, micrófono en mano, a varios italianos de distinta procedencia acerca de diferentes cuestiones acerca del sexo. Entrevista a varios niños preguntándoles sobre la procedencia de los bebes. Inquiere a hombres y mujeres, mayores y jóvenes, acerca de la igualdad entre hombres y mujeres. Poco a poco, va indagando sobre temas más específicos, como la importancia de la virginidad, la opinión que la gente tiene acerca de los homosexuales, como el sexo y el honor están conectados. También dedica parte de su documental para preguntar a varias personas sobre si es necesario que se implemente el divorcio en Italia, o el cierre de los burdeles que obliga a que la prostitución se ejerza en la calle.

Durante estas entrevistas en distintas ubicaciones de Italia, Pasolini conversa con Alberto Moravia y Cesare Mussatti. Bersani es intrusivo y dado a los juicios rápidos. La conclusión es que los italianos de 1964 eran o bien medievales, en el sur y entre los pobres, o confusos y propensos a la auto censura, en el norte y entre los burgueses.

CURIOSIDADES

La película es un documental conducido por Pasolini, quien recorrió Italia entrevistando a personas de la ciudad y el campo. Entre esas personas entrevistadas se encuentran niños, adolescentes, hombres y mujeres jóvenes y ancianos, prostitutas o estudiantes. Las preguntas eran variadas teniendo en común la sexualidad y abordando temas como la homosexualidad, la igualdad de derechos entre hombres y mujeres, el divorcio (que todavía no era legal en Italia cuando se realizó la película), y la prostitución. En el caso de la prostitución, la Ley Merlín de 1958 había prohibido la existencia de burdeles, por lo que la prostitución había comenzado a ejercerse en la calle.

El título original de la película era “Cento Paia di Buoi” (Cien Pares de Bueyes). La trama iba a abordar exclusivamente las perversiones sexuales, y los actos que eran considerados tales. Pasolini realizó un boceto de diez páginas sobre la idea original, pero nunca explicó como escenificaría a aquellas víctimas o personas aficionadas de ese tipo de perversiones. Simplemente incluía la sugerencia de describir algunos de estos casos al estilo de la crónica negra. Los productores se mostraron firmemente en contra de esa propuesta, lo que provocó que Pasolini tuviera que cambiar el formato del film y convertirlo en un documental. Tampoco pudo abordar temas excesivamente escabrosos, el más controvertido siendo el de la homosexualidad, sobre la cual no se hablaba nunca. Sin embargo hubo que mezclar algunas preguntas más osadas con otras más llevaderas.

La vida de Pasolini ya era de por sí todo un tema de escándalo. 

En el año 1949 había sido acusado de seducir y pervertir a jóvenes adolescentes con los que mantenía relaciones sexuales mientras daba clases en Carcasa. Este era el pueblo natal de su madre, y también existían rumores sobre el amor morboso del director hacia ella. Pasolini era comunista, hijo de un padre fascista. Aunque no fue encontrado culpable de los cargos en su contra, fue expulsado del partido y de la escuela en la que trabajaba entonces.

CRÍTICA PERSONAL

La verdad es que una de las películas documentales más amenas que he tenido la oportunidad de ver. Personalmente me fascinan este tipo de proyectos porque conceden la oportunidad de ver lo limitado del conocimiento sobre temas sexuales, y lo fuerte que podía ser la homofobia en aquel entonces. Aunque las entrevistas tienen lugar en Italia, no creo que las opiniones fueran muy diferentes en el resto de Europa. Siendo una persona optimista acerca del avance de la tolerancia, aunque quede mucho camino por recorrer, siempre recomiendo ver este tipo de documentales. 

El motivo es tan simple como que nos permiten percatarnos de lo mucho que hemos avanzado. Personalmente, no soy un gran fan de Pasolini, pero en esta ocasión encontré esta película documenta muy entretenida.

Sabiendo que Pasolini era aficionado al sensacionalismo, no pude evitar pensar que quizás la película no era demasiado objetiva. Aun tratándose del principio de la década de 1960, algunas opiniones me parecían excesivamente anticuadas y obsoletas. El problema de las entrevistas y las encuestas es que pueden ser manipuladas para transmitir un mensaje, y siempre queda la duda sobre su objetividad.

CALIFICACIÓN

9- Muy bien

VÍCTIMA

TÍTULO ORIGINAL

Victim

AÑO DE ESTRENO

1961

DIRECTOR

Basil Dearden

PRODUCTOR

Michael Relph

GUION

Janet Green, John McCormick

REPARTO

Dirk Bogarde (Melville Farr), Sylvia Syms (Laura Farr), Dennis Price (Calloway), Anthony Nicholls (Lord Fullbrook), Peter Copley (Paul Mandrake), Norman Bird (Harold Doe), Peter McEnery (Boy Barrett), Donald Churchill (Eddy), Derren Nesbitt (Sandy Youth), John Barrie (Detective Inspector Harry), John Cairney (Bridie), Alan MacNaughtan (Scott Hankin), Nigel Stock (Phip), Frank Pettitt (Camarero), Mavis Villiers (Madge), Charles Lloyd Pack (Henry), Hilton Edwards (P.H.), David Evans (Mickey), Noel Howlett (Patterson), Margaret Diamond (Señorita Benham), Alan Howard (Frank), Dawn Beret (Sylvie)

CINEMATOGRAFÍA

Otto Heller

BANDA SONORA

Philip Green

VESTUARIO

Vernon Dixon

PAÍS DE ORIGEN

Reino Unido

DISTRIBUCIÓN

Rank Film Distributors

DURACIÓN
96 minutos

INSPECTOR HARRY: ¿Usted sabía que Barrett era homosexual?

MELVILLE FARR: Me dio esa impresión.

INSPECTOR HARRY: También sabrá que más del noventa por ciento de casos de chantaje son de origen homosexual.

MELVILLE FARR: Le voy siguiendo Inspector, pero no sé qué puede tener que ver todo esto conmigo.

INSPECTOR HARRY: ¿Y no puede aventurar una suposición?

MELVILLE FARR: No.

INSPECTOR HARRY: Una ley que envía homosexuales a la cárcel envía oportunidades para el chantaje. En fin, muchas gracias.

MELVILLE FARR: Bien. ¿Tiene alguna pista sobre el chantajista?

INSPECTOR HARRY: No, no le hemos podido sacar ni una sola palabra a Barrett, y es una pena. El chantaje es un delito fácil de solucionar si colabora la víctima. Pero sin ella, imposible.

MELVILLE FARR: ¿Puedo ver a Boy Barrett?

INSPECTOR HARRY: Me temo que no. Barrett se ha ahorcado en su celda esta mañana. Está muerto.

SINOPSIS

Melville Farr es un Abogado de prestigio que reside en Londres. Allí, esta punto de convertirse en Consejero de la Reina, y se rumorea que podría convertirse en juez en cualquier momento. Aparentemente, está felizmente casado con Laura. Sin embargo, un joven perteneciente a la clase trabajadora, llamado Barrett, comienza a intentar contactar con él. Ambos mantuvieron una relación romántica que nunca llegó a culminar en relaciones sexuales. Melville ignora sus peticiones al pensar que Barrett desea chantajearle por su pasada relación. Sin embargo, Barrett ha estado intentando pedir su ayuda debido a que se ha convertido en víctima de chantajistas. Estos poseen una fotografía en la que Barrett está llorando en los brazos de Melville en un coche.

Barrett ha robado dos mil libras a sus jefes para pagar el chantaje. Perseguido por la policía, necesita la ayuda de Melville para escapar del país. Mientras Melville continua evitándole, Barrett es arrestado por la policía, que descubre el chantaje al que ha estado sometido. 

Desesperado ante la situación, Barrett se suicida ahorcándose en su celda. Al descubrir lo ocurrido y las verdaderas intenciones de Barrett, Melville decide investigar la procedencia de los chantajes. Reclutará a un amigo de Barrett para identificar a otras víctimas de chantaje y dar con los culpables.

CURIOSIDADES

El origen de la película se remonta al hecho de que la homosexualidad era ilegal en Inglaterra y Gales hasta la “Ley de Delitos Sexuales de 1967” que implementó las recomendaciones del “Informe Wolfenden”. De esta forma se despenalizaron las prácticas homosexuales privadas entre mayores de edad, constituyendo un primer paso en relación a los derechos homosexuales. Uno de los motivos era que la ley persecutoria anterior fomentaba los chantajes sobre homosexuales. En el año 1960, la policía ya no tenía gran interés de perseguir relaciones homosexuales en el Reino Unido, aunque los homosexuales seguían viéndose obligados a ocultar su condición para evitar dichos chantajes. 

De ahí surgió la temática de la película, que tuvo siempre la intención de tratar la homosexualidad como un tema nada sensacionalista.

La guionista Janet Green había colaborado previamente con el director Basil Dearden en una película que trataba otro problema social. Era el film “Crimen al Atardecer” (1959), que lidiaba con el racismo hacia los inmigrantes afrocaribeños  en el Reino Unido a finales de la década de 1950. Tras leer el “Informe Wolfenden” y estudiar algunas acusaciones contra hombres homosexuales, Janet Green se convirtió en una ávida activista a favor de una reforma de la ley. Escribió el guion junto a su esposo John McCormick. A pesar de lidiar con un tema tabú, el guion contenía aspectos tradicionales. El personaje de Melville Farr no había mantenido relaciones sexuales con Barrett ni con ningún otro. Añadido a esto, la película tiene el convencionalismo de asegurar que Melville y Laura permanecerán juntos y seguirán siendo fieles el uno al otro.

Cuando el productor Michael Relph y el director Basil Dearden contactaron con Bogarde para que interpretara el papel protagonista, varios actores habían rechazado el mismo. Entre ellos se encontraban Jack Hawkins, James Mason y Stewart Granger. Bogarde aceptó el papel a pesar de que existían rumores acerca de su sexualidad, y llegó a considerar esto la mejor decisión de su vida. De forma similar, varias actrices rechazaron el papel de Laura Farr. Sylvia Syms lo aceptó sin dudarlo. Miembros homosexuales en reparto incluyeron a Dennis Price y Hilton Edwards. El rodaje de la película se completó en solo diez días.

CRÍTICA PERSONAL

La película aborda el problema del chantaje a homosexuales perseguidos por leyes injustos de forma extraordinariamente interesante. La trama de Melville Farr buscando a los chantajistas a través de sus víctimas me pareció sumamente interesante y me mantuvo enganchado. 

La angustia de las víctimas por la posibilidad de perder su estatus social me pareció empática y creíble. El reparto realiza una gran labor interpretativa, destacando a Bogarde, quien logra que empaticemos con su personaje en su viaje al sacrificio social para acabar con la injusticia del chantaje.

El único problema es el convencionalismo a la hora de abordar la homosexualidad, debido a la época del film. La evolución del matrimonio Farr no me convención, ni el hecho de que el protagonista fuera un homosexual que admitida no haber mantenido relación sexual alguna, para intentar conformar cierto sector del público.

CALIFICACIÓN

8- Notable

LOS JUICIOS DE OSCAR WILDE

TÍTULO ORIGINAL

The Trials of Oscar Wilde

AÑO DE ESTRENO

1960

DIRECTOR

Ken Hughes

PRODUCTOR

Harold Huth

GUION

Montgomery Hyde, Ken Hughes

Basado en la obra de teatro de John Furnell

REPARTO

Peter Finch (Oscar Wilde), Yvonne Mitchell (Constance Wilde), James Mason (Sir Edward Carson), Nigel Patrick (Sir Edward Clarke), Lionel Jeffries (Marqués de Queensberry), John Fraser (Lord Alfred Douglas), Sonia Dresdel (Lady Wilde), Maxine Audley (Ada Leverson), James Booth (Wood), Emrys Jones (Robbie Ross), Lloyd Lamble (Charles Humphries), Paul Rogers (Frank Harris), Ian Fleming (Arthur), Laurence Naismith (Príncipe de Gales), Naomy Chance (Lily Langtry), Liam Gaffney (Willie Wilde), Cicely Paget-Bowman (Lady Queensberry), Derek Aylward (Lord Percy Douglas)

CINEMATOGRAFÍA

Ted Moore

BANDA SONORA

Ron Goodwin

VESTUARIO

Elsa Fennell

PAÍS DE ORIGEN

Reino Unido

DISTRIBUCIÓN

United Artists

DURACIÓN
123 minutos

LORD ALFRED DOUGLAS: Déjame decirte esto padre. Has estado acosándome durante suficiente tiempo. Si intentas cruzarte en mi camino otra vez, o escribes otra de tus ofensivas cartas, no duraré en buscar la protección de la ley.

MARQUES DE QUEENSBERRY: Puede que tengas que lidiar con la ley antes de lo que crees muchacho.

EDWARD CARSON: Entonces, ¿qué amor es el que no se atreve a pronunciar su nombre?
OSCAR WILDE: El amor que no se atreve a pronunciar su nombre, en este siglo, es un gran afecto de un hombre mayor por uno joven, como el que había entre David y Juan, como en el que Platón sentó las bases de su filosofía, y como el que se encuentra en los sonetos de Miguel Ángel y de Shakespeare. En este siglo es incomprendido, tan incomprendido que podría describirse como el amor que no se atreve a pronunciar su nombre, y por el me encuentro yo donde estoy ahora. Es bello, es bueno, es la más noble forma de afecto. No tiene nada de antinatural. 

Es intelectual, y se da repetidamente entre un hombre maduro y uno joven, cuando el mayor tiene intelecto, y el joven tiene la alegría, la esperanza, y el atractivo de la vida ante sí. De tal manera que el mundo no lo entiende; el mundo se mofa de él, y a veces te ponen en la picota por ello.

SINOPSIS

Durante la década de 1890, Oscar Wilde se ha convertido en toda una celebridad en Londres. Casado con Constance Wilde y padre de dos hijos, parece tener todo lo que se podría desear. En el punto álgido de su carrera, sus obras de teatro y trabajos literarios han alcanzado una fama sin precedentes. Es entonces cuando conoce a Lord Alfred Douglas, apodado como Bosie, con quien mantiene relaciones sexuales. El padre de Bosie, el Marqués de Queensberry no tarda en sospechar lo que está ocurriendo, desarrollando una creciente animosidad hacia el escritor. Propenso a los ataques de ira, el Marqués fracasa en sus repetidos intentos de alejar a su hijo de Oscar Wilde.

Bosie termina por renegar de su familia y abandonarla por Oscar. 

Esto lleva al Marqués de Queensberry a dejar una nota a Oscar, en la que se refiere a él como sodomita. Propenso a la arrogancia, Oscar decide denunciar al Marqués sin pararse a pensar en las posibles consecuencias. El abogado de Queensberry no tarda en hacerse con testimonios de jóvenes con los que Oscar ha mantenido relaciones. De esta forma, se pierde el juicio y el propio escritor acaba por ser acusado. Durante los juicios su fama y fortuna se verán afectadas progresivamente.

CURIOSIDADES

La película está basada en la obra de teatro “The Stringed Lute”, escrita por John Furnell. Como productores ejecutivos, Irving Allen y Albert R. Broccoli decidieron arriesgarse y financiar personalmente la película. Como el film trataba con la homosexualidad de Oscar Wilde, muy pocos cines se prestaron a proyectar la película. Esto provocó que los productores estuvieran a punto de caer en la bancarrota y rompieran la sociedad que habían formado. 

Sin embargo, la película fue muy bien acogida en Europa, convirtiéndose en un éxito artístico haciéndose con varios premios extranjeros. La discordia entre Broccoli con Allen provocó que el primero terminara por fundar “Eon Productions” junto a Harry Saltzman. Ambos se hicieron con los derechos de las novelas de James Bond de Ian Fleming, y el resultado fue una franquicia de éxito que duró más de cincuenta años.

El editor, Geoffrey Foot, tuvo que trabajar muy rápidamente en la película, debido a que en el mismo año se estaba realizando otro film sobre Oscar Wilde. La otra película se tituló “Oscar Wilde” (1960). En un momento dado, el compositor Ron Goodwin se vio obligado a grabar la banda sonora para escenas que todavía no se habían rodado. A pesar de este imprevisto, la música fue editada en la película perfectamente por Foot. De su principio a su final, la película fue rodada en un total de nueve semanas. El papel de Oscar Wilde le fue ofrecido a John Gielgud, quien había tenido grandes éxitos dirigiendo las obras de Wilde, “El Abanico de Lady Windermere” y “La Importancia de Llamarse Ernesto”. 

En la última había también trabajado como actor. Sin embargo, rechazó el papel al considerar que no tenía el aspecto adecuado para interpretar a Wilde. Lionel Jeffries, que interpretaba al Marques de Queensberry, tenía solo cinco años más que John Fraser, que interpretaba a su hijo Bosie.

CRÍTICA PERSONAL

Si hay algo que hay que comenzar por destacar es que esta es una película muy avanzada a su época. Abordar la homosexualidad de Wilde era algo muy delicado al comienzo de la década de 1960. El film cuenta con un reparto espectacular, y todos los actores destacan en sus papeles. Lionel Jeffries me impresionó considerablemente como el Marqués de Queensberry, y todas sus escenas están dotadas de gran intensidad. Quizás su personaje sea excesivamente unidimensional, pero funciona y convence. El vestuario es impecable y el film acierta mostrando el proceso judicial de Wilde, sus tres juicios, con gran detalle.

Aunque Peter Finch me parece un extraordinario actor, no me pareció el más adecuado para interpretar a Wilde. En ese sentido, Stephen Fry me pareció mucho más perfecto en “Wilde” (1997). La relación entre Wilde y Bosie se trata de pies puntillas, mediante rumores y conversaciones. Por otro lado, la película es demasiado larga y al principio se hace algo tediosa.

CALIFICACIÓN

8- Notable

DIFERENTE A LOS DEMÁS

TÍTULO ORIGINAL

Anders als die Andern

AÑO DE ESTRENO

1919

DIRECTOR

Richard Oswald

PRODUCTOR

Richard Oswald

GUION

Richard Oswald, Magnus Hirschfeld

REPARTO

Conrad Veidt (Paul Körner), Fritz Schulz (Kurt Sivers), Reinhold Schünzel (Franz Bollek), Leo Connard (Padre Körner), Ilse von Tasso-Lind (Madre de Körner), Ernst Pittschau (Hermano de Sivers), Alexandra Wiellegh (Mujer del hermano de Sivers), Wilhelm Diegelmann (Padre de Sivers), Clementine Plessner (Madre de Sivers), Anita Berber (Else Sivers), Helga Molander (Señora Hellborn), Magnus Hirschfeld (Doctor Arzt)

CINEMATOGRAFÍA

Max Fassbender

BANDA SONORA

Joachim Bärenz

VESTUARIO

Sin acreditar

PAÍS DE ORIGEN

Alemania

DISTRIBUCIÓN

Richard Oswald-Film Berlín

DURACIÓN
50 minutos

DOCTOR ARZT: La persecución de los homosexuales pertenece al mismo triste episodio de la historia de la humanidad, donde está inscrita la persecución de herejes y brujas. Durante mil quinientos años, estos desafortunados fueron víctimas del fuego y la espada. Ningún cambio tuvo lugar hasta la Revolución Francesa. En todas partes donde se instauró el Código Napoleónico cayeron las leyes contra la homosexualidad debido a ser consideradas una violación fundamental de los derechos del individuo. En muchos países tuvo lugar un cambio radical de la pena de muerte a la completa libertad bajo la ley.

DOCTOR ARZT: Respetadas damas y caballeros, tomen nota. Llegará el día cuando estas tragedias dejen de tener lugar. El conocimiento conquistara al prejuicio, la verdad conquistará a las mentiras, y el amor triunfara sobre el odio.

SINOPSIS

Paul Körner es un famoso violinista que ha sido consciente de su homosexualidad desde la juventud. Residiendo en Alemania, ha comprobado como la ley conocida como “Articulo 175” del Código Penal, creado para la persecución y encarcelamiento de homosexuales, ha provocado varios suicidios en homosexuales. Poco después, Paul conoce a un joven llamado Kurt Sivers, que es un gran admirador de su talento. Paul accede a dar clases a Kurt y pronto surge una relación entre ambos. Sin embargo, los padres de Kurt se muestran en contra de la cantidad de tiempo que su hijo pasa con el violín, así como de su admiración hacia Paul. Por otro lado, los padres de Paul no logran entender el motivo por el que el violinista no termina por casarse y fundar una familia.

Las cosas se complican cuando Paul y Kurt son vistos caminando de la mano en el parque por un hombre llamado Franz Bollek. Éste comienza a chantajear a Paul amenazando con denunciarle. Aunque Paul mantiene esto oculto de Franz, la verdad termina por salir a la luz. 

Asustado ante las posibles represalias, Kur abandona a Paul. El violinista se queda desolado y tras varias terapias fallidas encuentra el apoyo del Doctor Arzt, cuya visión de la homosexualidad es completamente tolerante. Es entonces cuando decidirá enfrentarse a Franz Bollek y denunciarle.

CURIOSIDADES

La historia de la película, muda y en blanco y negro debido a la época, fue coescrita por Richard Oswald y el Doctor Magnus Hirschfeld. Éste último también tuvo un pequeño papel en la película y financió parcialmente el proyecto a través del Instituto de Ciencia Sexual. La idea era presentar la historia como polémica contra el Articulo 175 del Código Criminal Alemán, que convertía la homosexualidad en una ofensa criminal. La película es una de las primeras presentaciones cinematográficas solidarias de los homosexuales. La trama básica de la película volvió a ser utilizada de nuevo en la película “Víctima” (1961), protagonizada por Dirk Bogarde.

La película fue una de muchas planeadas en Alemania durante la Primera Guerra Mundial para fomentar la educación sexual. Contiene la conocida Teoría del Intermediador Sexual creada por el propio Doctor Magnus Hirschfeld, quien combatió duramente el Artículo 175. Dicha teoría coloca a la homosexualidad dentro de un amplio espectro que incluye la heterosexualidad, bisexualidad, el transgénero, y el travestismo. De hecho fue Hirschfeld quien creó la palabra travestismo.

Tras la guerra, las leyes de censura fueron eliminadas y la película pudo ser estrenada en el año 1919. Oswald distribuyó cuarenta copias de la película en Alemania y Holanda. Sin embargo, la controversia hacia el film fue tal que provocó el regreso de la censura, a pesar de que el público había reaccionado favorablemente. En el año 1920 las autoridades Nazis prohibieron que la película se proyectara y se encargaron de destruir las copias existentes. Solo una copia fragmentada logró sobrevivir y se le insertaron fotografías con explicaciones de la trama eliminada.

CRÍTICA PERSONAL

Sin duda alguna, es importante comenzar elogiando el hecho de que nos hallamos ante la primera película conocida de temática gay en la historia del cine. Considerando que se trata del año 1919, es sorprendente que un proyecto de estas características viera la luz aunque fuera por breve tiempo. La película está fragmentada pero incluye numerosos aspectos de la temática gay como la relación entre dos hombres de diferente edad, los conflictos familiares, la persecución política y social, y la desesperación de sentirse diferente, tal y como reza el título de la película. La participación del Doctor Magnus Hirschfeld es probablemente lo mejor del film. Quizás porque sus oratorias no están tan sobreactuadas, algo característico en los actores del cine mudo, y sobre todo por su contenido educativo fomentando la tolerancia.

El director consigue señalar el propósito de la película a la perfección. Este no es otro que criticar las leyes persecutorias de cualquier minoría, no solo por ser un delito contra los derechos individuales sino por fomentar actividades criminales. 

La historia del violinista Paul Körner es conmovedora, mostrando las dificultades de un homosexual que solo desea vivir en una sociedad intolerante. A pesar de cierto grado de dramatismo, el film muestra aspectos positivos como el del juez tolerante que simpatiza con el homosexual que ha de juzgar.

Desde mi punto de vista, lo peor de las películas mudas no era la carencia de diálogos sino el estilo de interpretar sobreactuando característico de este cine, y que nunca ha encajado mucho conmigo. Este es evidentemente una valoración muy personal. Por otro lado, creo que la película se concentra demasiado en la crítica social y política, olvidando crear una historia de amor y desamor que sea más creíble.

CALIFICACIÓN

8- Notable