BEZNESS

TÍTULO ORIGINAL

Bezness

AÑO DE ESTRENO

1992

DIRECTOR

Nouri Bouzid

PRODUCTORES

Horst Bohse, Jutta Diemert

GUION

Nouri Bouzid

REPARTO

Abdellatif Kechiche (Roufa), Ghalia Lacroix (Khomsa), Jacques Penot (Fred), Manfred Andrae (Aleman), Mustapha Adouani (Comisario), Adel Boukadida (Aziz), Ahmed Ragoubi (Navette), Naoufel Zaghbib (Crac), Jamel Sassi (Flash), Noureddine Ben Oune (Barg Ellil), Sondos Belhassen (Ghalia), Najoua Hafedh (Fatma), Habib Zrafi (Padre de Roufa), Amel Baccouche (Madre de Roufa), Claire Jouvet (Chica de la piscina), Marie Montchrartmont (Tunecina), John Wright (Cliente de Ribat), Deborah Handfforth (Chica del autobus), Amir Fatma Jelassi (Lamia), Ahmed Ben Taieb (Hobbi), Mustapha Baaziz (Guia)

CINEMATOGRAFÍA

Alain Levent

BANDA SONORA

Anouar Brahem

VESTUARIO

Naama Jazy, Pierre Yves Gayraud

PAÍS DE ORIGEN

Francia

DISTRIBUCIÓN

Amorces Diffusion

DURACIÓN
100 minutos

COMISARIO: Tu pasaporte está confiscado. No te hagas el inocente y escúchame.

ROUFA: Comisario, es agua pasada.

COMISARIO: Escúchame, no olvides que eres árabe. Vamos a ver, aunque te dé el pasaporte, el visado quién te lo dará. ¿Mi madre? ¿Te hace gracia?

ROUFA: Tampoco me voy a poner a llorar.

COMISARIO: Hubieras podido ser guía y no chapero.

ROUFA: ¿Yo chapero? Créame comisario, ya no voy con tíos. Mi especialidad son las mujeres.

COMISARIO: Me estas empezando a cargar. ¿Ya es una especialidad? Te lanzas, quieres ser el mejor, pobre idiota. Total, ¿para qué? ¿Para ser qué? Muertos, futuros desgraciados. En el extranjero os espera el SIDA, vender droga, la prisión y luego la expulsión. Solo unos pocos consiguen papeles.

ROUFA: ¡Pare ya! ¡Me da igual! No quiero saberlo. No quiero saberlo.

COMISARIO: Me preocupas, no destroces tu vida.

ROUFA: ¿A ver si al final vas a ser maricón?

FRED: Dime. ¿Te da miedo?

ROUFA: Lo que temo es encontrarme en una revista para hombres.

SINOPSIS

Fred es un fotógrafo que se encuentra en la ciudad de Susa, Túnez, para realizar un reportaje los Bezness. Estos son jóvenes gigolos que utilizan sus encantos y el sexo para conseguir el dinero de turistas de cualquier edad y sexo. Sin embargo, las fotografías en esta ciudad son consideradas una violación de la privacidad de sus habitantes. Para poder hacer su trabajo, Fred contrata a un atractivo Bezness llamado Roufa que se encarga de protegerle e impedir que le arrebaten su material fotográfico cada vez que es descubierto. Roufa se dedica a vender su cuerpo tanto a hombres como mujeres, y es extremadamente popular y efectivo en su trabajo. Su sueño es poder abandonar Susa y establecerse en Europa para iniciar una nueva vida.

Aunque Roufa es muy liberal con su propio comportamiento y el de sus clientes, se muestra conservador y represivo con sus parientes, especialmente su joven prometida Khomsa. Sin embargo, las pretensiones de Roufa se enfrentan a serias dificultades, comenzando por un comisario que confisca su pasaporte. Su actitud hacia su familia también terminará por volverse en su contra.

CURIOSIDADES

El término “Bezness” procede de la palabra inglesa “business” (negocios). Generalmente hace referencia a las actividades dirigidas a obtener beneficio mediante la manipulación de turistas para beneficio propio. En un sentido más limitado hace referencia a fingir sentimientos románticos hacia mujeres para obtener beneficios materiales o incluso permisos de residencia en países occidentales. Fue esta película que analizamos, la cual introdujo el término por primera vez. La palabra también ha sido utilizada como verbo tras la película, refiriéndose a la acción de embelesar o seducir a otra persona.

La película fue escrita y dirigida por Nouri Bouzid con la intención de despertar en el espectador un interés por considerar el fenómeno que puede suponer el turismo y sus consecuencias. Aunque no había sido del todo desarrollada hasta la década de 1960, la región de Susa en Túnez desarrolló un crecimiento en el sector del turismo considerable. Como efecto colateral, la cultura local se ha desarrollado para atender a las demandas de la industria turista. Bouzid decidió realizar dicho análisis a través del mundo de los gigolos, más específicamente el personaje de Roufa. Dicho personaje se muestra dividido entre el estilo de vida occidental o local, mientras ambos estilos chocan de forma contundente. Fred es la cara opuesta, mostrando una tolerancia inusual por parte de un turista. Bouzid declaró que deseaba que los espectadores fueran manipulados para sentirse identificados con personajes poco halagadores.

CRÍTICA PERSONAL

Se trata de un proyecto muy prometedor y osado para su época de estreno. Abordar la prostitución masculina dirigida tanto hacia hombre como mujeres en un país como Túnez me pareció interesante y fascinante. El comienzo de la película captó de forma inmediata mi atención, sobre todo por el contraste entre los personajes de Roufa y Fred. El primero me pareció el ejemplo claro de la actitud hipócrita de alguien que mantiene una actitud conservadora hacia sus semejantes, cuando la suya propia es cuanto menos cuestionable. Por otro lado, Fred representa lo opuesto, negándose a juzgar a pesar de determinadas dificultades. Momentos de diálogos, como la conversación entre Roufa y el Comisario me parecieron sorprendentemente inesperados.

Aunque la película muestra lo fútil de determinadas aspiraciones dentro del mundo de los gigolos en ambiente como el de Túnez, la trama comienza a desinflarse en la segunda mitad de la película. Fred no está bien definido como personaje y sus pensamientos y conflictos se me escapaban a lo largo de la historia. El triángulo que se forma al final de la película me pareció acelerado, mal elaborado y con unas consecuencias irrelevantes para la trama. Esto provocó que perdiera el interés, sobre una historia que prometía y se queda a medias.

CALIFICACIÓN

5- Aceptable

EDUARDO II

TÍTULO ORIGINAL

Edward II

AÑO DE ESTRENO

1991

DIRECTOR

Derek Jarman

PRODUCTORES

Steve Clark-Hall, Antony Root

GUION

Derek Jarman, Ken Butler, Stephen McBride

REPARTO

Steven Waddington (Eduardo II), Tilda Swinton (Isabela), Andrew Tiernan (Piers Gaveston), Nigel Terry (Mortimer), John Lynch (Spencer), Dudley Sutton (Obispo de Winchester), Jerome Flynn (Kent), Jody Graber (Principe Eduardo), Annie Lenox (Cantante), Jill Balcon (Noble), Barbara New (Noble), Andrea Miller (Noble), Brian Mitchell (Noble), David Glover (Noble), John Quentin (Noble), Andrew Charleson (Noble), Roger Hammond (Obispo), Allan Corduner (Poeta), Tony Forsyth (Policía capturado), Lloyd Newson (Bailarín), Nigel Charnock (Bailarín), Mark Davis (Marinero), Andy Jeffrey (Marinero), Barry Clarke (Hombre con serpiente)

CINEMATOGRAFÍA

Ian Wilson

BANDA SONORA

Simon Fisher Turner

VESTUARIO

Sandy Powell

PAÍS DE ORIGEN

Reino Unido

DISTRIBUCIÓN

Working Title Films

DURACIÓN
90 minutos

MORTIMER: Monstruo de los hombres. No busques otra fortuna que no sea la desgracia y la muerte.

PIERS GAVESTON: Mis señores, os doy las gracias. Pues percibo que mi rumbo es uno, la ejecución es el otro, y la muerte lo es todo.

MORTIMER: Adelante, dejemos que tu sombra parlamente con el Rey Eduardo.

SINOPSIS

Una vez es coronado rey, Eduardo II convoca a su amigo y amante Piers Gavstion. Este último había sido exiliado por el Obispo de Winchester durante el reinado previo. También había sido humillado a manos del Obispo antes del mencionado exilio. Cuando Gavstion regresa, Eduardo no duda en reanudar su relación amorosa con él, concediéndole numerosos regalos y atenciones. Piers Gavstion tampoco duda en vengarse del Obispo que le humilló y expulso, encargándose de torturarle personalmente. El hermano del nuevo rey, Ken, no duda en mostrarse contrario ante la idea del retorno de Gaveston. Lord Mortimer, al mando del ejército del reino, también se muestra contrario a que el nuevo rey retome su relación.

Eduardo II se ha convertido en un hombre obsesionado por la búsqueda del placer, ignorando todo asunto de estado en el proceso. Esto enfurece a los miembros de la corte y desespera a Isabela, la esposa francesa de Eduardo. Isabela intenta desesperadamente volver a ganar el afecto de su esposo, recurriendo incluso a Gaveston. Sin embargo, el amante del rey se limita a humillarla. Al ser rechazado por todos excepto el rey, Gaveston provoca que todos sus enemigos se unan. Esto amenazara con que el rey sea destronado y exiliado.

CURIOSIDADES

La película está basada en la obra de teatro del mismo título escrita por Christopher Marlowe y publicada en 1594, dos años después de la muerte de su autor. La trama gira en torno a la obsesión de Eduardo II de Inglaterra hacia Piers Gaveston, y como la misma termina siendo la causa de la caída de ambos debido a las maquinaciones de Roger Mortimer. 

La película está ambientada con un estilo postmoderno, utilizando una mezcla de decorados, atrezos y vestuarios medievales y contemporáneos. De hecho, la fecha de estreno, año 1991, aparece en una proclamación real en un momento de la película. Jarman quiso que la película sirviera como un alegato en contra de la homofobia, mostrando la controvertida y perseguida relación amorosa entre Eduardo II de Inglaterra y Piers Gavstion

El aspecto homosexual insinuado en la obra es mostrado explícitamente por el director Derek Jarman, que lo lleva a primer plano. Especialmente, esto es realizado con la escena de contenido sexo, y mostrando al ejército de Eduardo II como una serie de manifestantes por los derechos homosexuales. Dicho ejército es interpretado por alrededor de noventa miembros de “OutRage”, un grupo militante homosexual. La película sintetiza en gran medida el final de la obra de Marlowe, mostrando al Principe Eduardo bailando  sobre una jaula en la que Isabela y Mortimer se encuentran encerrados. En la historia real, Eduardo III hizo que su madre y Mortimer fueran arrestados, ejecutando al segundo cuatro años más tarde. 

En la obra de Marlowe, la ejecución de Mortimer tiene lugar de forma instantánea.

La película incluyó el debut del actor Steve Waddington, que la protagonizó en el papel de Eduardo II. Allan Corduner interpreta a un poeta, cuyo poema fue extraído de la “Divina Comedia” de Dante Alighieri. Esta película fue la más cara de todas las producciones de Derek Jarman, con un presupuesto de setecientos cincuenta mil libras. En la primera escena entre la Reina Isabela y Mortimer, la actriz Tilda Swinton hace uso de un bolso de “Hermes” que en su momento costó cuatro mil libras. El bolso era incluso más caro que el decorado en el que se encontraba la actriz.

Derek Jarman falleció tres años después del estreno del film, el diecinueve de febrero de 1994. Falleció debido a complicaciones derivadas del SIDA. Controvertido por su estilo cinematográfico, fue considerado un avanzado a su tiempo por su forma de abordar la homosexualidad cuando todavía era tabú.

CRÍTICA PERSONAL

Tengo que empezar por elogiar a Tilda Swinson, que desde mi punto de vista hace que la película me fuera tolerable. Siempre me ha parecido una excelente actriz que no ha sido suficiente valoradas. Sus escenas en la película mostrando una gama amplia de emociones son una maravilla. La película hace un uso inteligente, cuidadoso y respetuoso de la obra de Marlow. Evidentemente, es elogiable que Jarman sea explícito en un momento en que hacerlo era políticamente incorrecto.

Personalmente no me considero fan de Derek Jarman, nunca he encontrado interesante su estilo a la hora de abordar ciertos temas, aunque entiendo que cuente con una legión de seguidores.

Principalmente, si su intención era realizar un alegato en contra de la homofobia, creo que fracasa estrepitosamente. La relación que muestra entre Eduardo y Gavstion no es romántica sino obsesiva. El segundo no consigue arrancar empatía por parte del espectador, a pesar de haber sido una víctima en el pasado. Dicho pasado es algo que Jarman debería haber examinado más profundamente, para despertar al menos cierta conexión con su sufrimiento. Por otro lado, los anacronismos me parecen innecesarios para la trama y no aportan nada que no parezca un capricho por parte del director. Toda la trama tiene lugar en interiores, y hace uso excesivo de entornos oscuros, lo que convirtió la experiencia cinematográfica en considerablemente tediosa para un servidor.

CALIFICACIÓN

4- Insuficiente

EL JARDÍN

TÍTULO ORIGINAL

The Garden

AÑO DE ESTRENO

1990

DIRECTOR

Derek Jarman

PRODUCTOR

James Mackay

GUION

Derek Jarman

REPARTO

Tilda Swinton (Madonna), Johnny Mills (Amante), Philip MacDonald (José), Pete Lee-Wilson (Diablo), Spencer Leigh (María Magdalena / Adan), Jody Graber (Niño), Kevin Collins (Amante), Dawn Archibald, Milo Bell, Vernon Dobtcheff, Michael Gough, Mirabelle La Manchega, Jessica Martin, Jack Birkett (Poncio), Mike Tezcan, Matthew Wilde, Stephen McBride (Narrador)    

CINEMATOGRAFÍA

Christopher Hughes

BANDA SONORA

Simon Fisher Turner

VESTUARIO

Annie Symons

PAÍS DE ORIGEN

Reino Unido

DISTRIBUCIÓN

Basilisk Communications

DURACIÓN
95 minutos

SINOPSIS

Una idílica, y aparentemente feliz pareja anónima ve como su vida es interrumpida cuando los dos son arrestados, seriamente humillados, torturados, y finalmente asesinados. Durante cada uno de esos procesos, tienen lugar una serie eventos, casi todos representados con iconografías religiosas. En un momento, una Madonna es sobreexpuesta y acosada por varios paparazzi usando pasamontañas. Otra imagen nos muestra a Jesús observando con dolor cómo el mundo pasa ante sus ojos. Judas es ahorcado y utilizado por el diablo para promocionar tarjetas de crédito.

Todos estos eventos tienen lugar en un mundo contemporáneo, dependiente del poder de la electricidad. Sus elementos más comunes son el fuego y el agua, representantes de un poder político intolerante y asesino. El destino final de la pareja mencionada es el único aspecto linear en esta sucesión de imágenes y escenas semejantes a un puzle, sin que ninguna de ellas esté relacionada entre sí.

CURIOSIDADES

La película fue diseñada dentro del estilo arthouse, escrita y dirigida por Derek Jarman. Fue producida por James Mackay para “Basilisk Communications” asociándose con Channel 4, British Screen y ZDF. La película está enfocada en la homosexualidad y el cristianismo, con su casa costera de Dungeness, en el condado de Kent, Inglaterra. Jarman escogió su hogar al considerar que podría transformarlo en un entorno desolador, tal y como deseaba para su película. El título hace referencia a que muchas escenas fueran grabadas en el propio jardín de su casa; mientras que otras se grabaron en las tierras de los alrededores y una central nuclear. El jardín sirve como contraste al resto de los entornos, ya que Jarman lo describía como su propio Jardín del Edén personal.

El film tiene la intención de servir como una libre adaptación y recreación de pasaje bíblico de La Pasión, trasladado a las vidas de dos personajes homosexuales que son pareja. 

A través de la trama son arrestados, humillados, torturados y terminan pereciendo como mártires. La historia es muy subjetiva a los pensamientos del propio Jarman, y carece de dialogo con escasas excepciones como la participación de un narrador. La película fue templada en un momento muy complicado para el director, que deseaba lidiar con su propia mortalidad al ser seropositivo y estar enfrentándose a la posibilidad de la muerte como víctima del SIDA. Jarman fallecería víctima de la enfermedad cuatro años después del estreno de esta película, a la edad de cincuenta y dos años. La trama también tenía la intención enfocar la idea de lo que suponía ser gay en el siglo XX, particularmente analizando la “Sección 28” contra la cual había mostrado una seria oposición desde el principio. La “Sección 28” fue una enmienda controvertida creada en el Reino Unido, el 24 de mayo de 1988. Establecía que las autoridades locales no podían promocionar la homosexualidad publicar material con la misma intención. 

También prohibía incluir la homosexualidad como parte de una relación familiar en cualquier programa educativo. La enmienda sería revocada en junio de 2000 en Escocia, y en noviembre de 2003 en el resto del Reino Unido.

La película también es aumentada con tomas ahumadas de playas, y es sometida a extraños cambios entre distintos géneros musicales como la clásica o la chipriota. Al carecer de diálogos, también hace uso de distorsión de sonidos. El diseño de producción corrió a manos de Derek Brown, y la banda sonora a manos de Simon-Fisher Turner. La película fue presentada en el décimo séptimo Festival de Cine Internacional de Moscú. Parte de la crítica la elogió como una película artística de calidad, aunque no se encuentra entre las más famosas de Derek Jarman.

CRÍTICA PERSONAL

No cabe duda de que tratamos con historia muy personal, dado el hecho de que Jarman se enfrentaba al SIDA. 

Realizar un proyecto de estas dimensiones como catarsis es elogiable, y no puedo negar que hay alguna escena que me llamó la atención, a pesar de no entender su significado.

Mi mayor problema es generalizado y enfocado en el concepto del cine experimental o supuestamente “artístico”. Personalmente siempre lo he encontrado bastante pretencioso, con la intención de que el correspondiente director intente probar algo en lugar de entretener. Tampoco voy a negar que hayan existido excepciones a este rechazo personal que tengo. El gran problema de Derek Jarman, es que solo Derek Jarman es capaz de entender sus propias intenciones a la hora de crear esta película en particular. Es cierto que se puede seguir la historia de la pareja, con algo de esfuerzo, pero el resto de material de la película carece de sentido alguno.

Siempre he considerado que cuando alguien crea algo de índole tan personal, es necesario que establezca unas directrices para que el espectador pueda tener dos opciones. 

Una de ellas es la de entender con plena claridad que desea transmitir el director. La segunda es que, si no es necesario entender dicho mensaje, por lo menos pueda sentirse identificado de alguna forma. En mi caso no logré ninguna de las dos, y la experiencia fue tediosa e inimaginable.

No hacer uso de diálogos no ayuda en esta ocasión y complica todavía más las cosas. Si incluso en el cine mudo se hacía uso de rótulos explicativos, ¿cómo va a ser posible entender esta película siendo mucho más abstracta. No puedo ser objetivo, pero considero que el cine no tendría que ser un esfuerzo constante. A uno le puede gustar o no diferentes historias, pero por lo menos tiene que ser capaz de entenderlas. Y no puede haber excepciones entre los espectadores. No me creo esos análisis trascendentales por parte de los que aseguran entender cosas, que ni siquiera sus creadores son capaces de entender.

CALIFICACIÓN

2- Mal

FUN DOWN THERE

TÍTULO ORIGINAL

Fun Down There

AÑO DE ESTRENO

1989

DIRECTOR

Roger Stigliano

PRODUCTOR

Roger Stigliano

GUION

Roger Stigliano, Michael Waite

REPARTO

Michael Waite (Buddy Fields), Nickolas Nagurney (Joseph), Martín Goldin (Angelo), Jeanne Sobkowski (Judy Fields), Gretschen Somerville (Greta), Elizabeth Waite (Señora Fields), Harold Waite (Pete Fields), James Hanlon (Chico en coche), Gary Onsum (Gary), Leonard Dietz (Camarero), Paul Saindon (Cantante, camarero), Kenneth Clarke (Kent), Roger Stigliano (Roger), Judy Joseph (Mujer de rojo), Kayla Serotti (Kayla), Yvonne Fisher (Sandy), Caroline Paddock (Catherine), Kevin Ochs (Simon), Richard Hailey (Ricky), George Rackus (George)

CINEMATOGRAFÍA

Peggy Ahwesh, Eric Saks

BANDA SONORA

James Baker, Wayne Hammond

VESTUARIO

Sin acreditar

PAÍS DE ORIGEN

Estados Unidos

DISTRIBUCIÓN

Frameline

DURACIÓN
89 minutos

BUDDY FIELDS: ¿Has salido con muchos chicos?

JOE: Hace años que perdí la cuenta.

BUDDY FIELDS: ¿Cómo fue el primero?

JOE: ¿El primero?

BUDDY FIELDS: Sí, el primero. ¿Cuántos años tenías?

JOE: Supongo que tenía cinco años, aunque no te lo creas.

BUDDY FIELDS: ¿Cinco? Sí, no puedo creerlo.

JOE: No puedes hacer gran cosa a nivel sexual con solo cinco años de edad. Se llamaba Arthur y vivía en la calle de al lado. Solía venir a mi casa o yo iba a la suya. Tonteábamos el uno con el otro. Con el tiempo todo se volvió más intenso, más experimental.

BUDDY FIELDS: No podía aguantarlo más.

ANGELO: ¿Sí?

BUDDY FIELDS: Todos aquellos chicos con sus novias. Solía pensar que si me esforzaba lo suficiente podría encajar. Y pasé el tiempo esperando a que las cosas cambiaran.

SINOPSIS

Buddy Fields es un joven consciente de su homosexualidad, pero que se ve desesperado al tener que vivir en un pequeño pueblo al norte del estado de Nueva York. Allí se siente atrapado al no tener privacidad alguna, pues tiene que vivir que con sus padres y hermana pequeña. A pesar de esto, siempre siente una predisposición optimista y se niega a culpar a los demás por sus problemas. Con solo una educación de bachiller, Buddy decide abandonar su trabajo en una granja local y abandonar su pueblo para explorar nuevas posibilidades. Uno de los motivos es sus constantes enfrentamientos con su hermana. Su hermana termina por encontrar una copia de “Playgirl” en la habitación de Buddy. Al burlarse de él, provoca la partida de su hermano que se instala en la Ciudad de Nueva York.

Durante el curso de una semana, Buddy conoce primero a Joe primero y después a Angelo, embarcándose simultáneamente en aventuras amorosas con ambos. Joe y Angelo le introducen en el mundo del sexo y en la vida de una gran ciudad. Sin embargo, lo hacen sin pararse a considerar que Buddy procede de un entorno completamente diferente, y el estilo de vida de Nueva York no es el mismo que se puede encontrar fuera de la ciudad. La ingenuidad de Buddy es un punto en su contra, y le enfrentará a las dificultades de integrarse en un entorno radicalmente diferente.

CURIOSIDADES

Se trata de la primera película escrita, producida y dirigida por Roger Stigliano. De hecho contó con un muy escaso presupuesto de cuarenta mil dólares. A la hora de escribir el guion, Stigliano recibió la ayuda de Michael White, que también interpretó al personaje protagonista de Buddy Fields. 

Stigliano y Waite habían sudo compañeros durante ocho años. Añadido a esto, la película contó con más colaboraciones familiares. Los padres de Michael Waite aparecieron para interpretar a los padres de su personaje Buddy. Todos los actores que participaron en el proyecto carecían de experiencia previa como actores.

Como director, Roger Stigliano mezclo momentos mudos a lo largo de la trama, con la intención de crear una atmosfera lo más realista posible alrededor de la trama. De esta forma deseaba evitar sentimentalismos que consideraba innecesarios; y también evitaba editar las escenas ya rodada. Su deseo era que sus personajes fueran ordinarios aunque no triviales. Para ello los diseñaba con pleno detalle para que no solo se concentraran en sus eventos personales, sino también en los que tenían lugar a su alrededor. Tanto la curiosidad como la conciencia de uno mismos eran elementos que consideraba fundamentales en sus personajes.

La película se estrenó en el Festival de Cine Internacional de Berlín de 1989, donde logró hacerse con el Teddy Award a la mejor película.

CRÍTICA PERSONAL

La gran ventaja de la cual parte la película es que prácticamente todo homosexual puede sentir una conexión especial con la trama. Todos hemos sido ingenuos, confiados y hemos conseguido cierto grado de liberación en un momento clave que luego también ha incluido serias dificultades. La historia de alguien que se ve expuesto por primera vez a un ambiente nuevo y liberador, tiene un potencial sin límites. Hay momentos en la película en que se logra captar ese nerviosismo emocionante. También destacaré algún que otro dialogo bien elaborado para esa fase en particular.

Sin embargo, toda la premisa y todo ese potencial se quedan en nada en una película que se me antoja bastante tediosa. 

El uso de cine mudo en determinados momentos no contribuye en nada a la trama o las emociones que el director desea establecer. Los actores realizan una labor interpretativa bastante deficiente. La pésima cinematografía y el sonido no contribuyen a otra cosa que hacer que seguir la película sea una experiencia dificultosa.

Aunque los personajes tienen aspectos interesantes, sobre todo el triángulo romántico principal, no se profundiza lo suficiente en ellos. Esto provoca que se termine por desaprovechar una temática poco usada en cine gay. Aunque el tema de salir del armario se ha tratado infinidad de veces, el de encajar en un ambiente nuevo nunca se ha explotado al máximo.

CALIFICACIÓN

4- Insuficiente

APARTAMENTO CERO

TÍTULO ORIGINAL

Apartment Zero

AÑO DE ESTRENO

1988

DIRECTOR

Martin Donovan

PRODUCTORES

Martin Donovan, David Koepp

GUION

Martin Donovan, David Koepp

REPARTO

Hart Bochner (Jack Carney), Colin Firth (Adrian LeDuc), Dora Bryan (Margaret McKinney), Liz Smith (Mary Louise McKinney), Fabrizio Bentivoglio (Carlos Sanchez-Verne), James Telfer (Vanessa), Mirella D’Angelo (Laura Werpachowsky), Juan Vitali (Alberto Werpachowsky), Cipe Lincovsky (Señora Treniev), Francesca d’Aloja (Claudia), Miguel Ligero (Señor Palma), Elvia Andreoli (Madre de Adrian), Darwin Sanchez (Inspector de Policía)

CINEMATOGRAFÍA

Miguel Rodríguez

BANDA SONORA

Elia Cmíral

VESTUARIO

Angélica Fuentes, Marisa Urruti

PAÍS DE ORIGEN

Reino Unido

DISTRIBUCIÓN

Union Station Media

DURACIÓN
124 minutos

JACK CARNEY: Te complicas las cosas tú solo. ¿Verdad? Te va a llevar mucho tiempo encontrar a dos o tres personas como tú.

ADRIAN LEDUC: ¿Estás diciendo que soy un tío raro?

JACK CARNEY: Adrian, te estoy diciendo que eres especial.

ADRIAN LEDUC: ¿Especial? ¿Me estás diciendo que soy especial? De verdad, tendrías que ser político.

JACK CARNEY: ¿Es o no es verdad? Quiero decir, que si fueras más tolerante con los demás, y particularmente con sus defectos, a lo mejor no estarías viviendo solo.

ADRIAN LEDUC: Perdona pero, ¿Quién está viviendo contigo? Porque pareces no acordarte de eso.

JACK CARNEY: Yo no cuento porque también soy especial

ADRIAN LEDUC: Si estas llevando una máscara, quítatela o déjatela puesta para siempre. Tienes todo el derecho a tener secretos, pero no me confundas.

JACK CARNEY: ¿Qué quieres saber? Vamos dímelo.

ADRIAN LEDUC: ¿Quién eres?

JACK CARNEY: Quien quieras que sea.

ADRIAN LEDUC: En serio Jack, estoy aterrado. No quiero tener que hablar solo con las paredes otra vez.

SINOPSIS

Adrian LeDuc es un joven soltero que reside en la ciudad de Buenos Aires; y es propietario del edificio donde vive. En el mismo edificio, dirige una sala de cine artístico. Sin embargo, Adrian es una persona extremadamente introvertida y se niega a forjar amistades con ninguno de sus vecinos. Su madre sufre de demencia y está internada en un hospital, al mismo tiempo que su cine está al borde de la quiebra. Por estos motivos, decide poner un anuncio para conseguir un compañero de apartamento. Tras un proceso de selección, Adrian decide aceptar al atractivo y misterioso americano Jack Carney. Adrian se siente inmediatamente atraído hacia Jack, y no tarda en surgir una extraña relación entre ambos.

Sin embargo, Adrian no tarda en percatarse de que Jack está ocultando algo. 

Seductor y engatusador, Jack se embarca en relaciones con algunos de los vecinos. A medida que la amistad de ambos se hace más fuerte, aumenta la tensión sexual, se hace más fuerte, Adrian decide ignorar sus sospechas. Y es que Jack podría ser un mercenario gubernamental convertido en un asesino en serie que está aterrorizando la ciudad. Por otro lado, el resto de habitantes del edificio comienzan a preocuparse de que la demencia de la madre de Adrian sea hereditaria. Las cosas tomaran un giro vertiginoso cuando la madre de Adrian fallezca.

CURIOSIDADES

Tras haber trabajado en numerosas series de televisión, esta fue la primera película guionizada y dirigida por Martin Donovan. David Koepp asistió en la elaboración del guion y ambos establecieron una referencia al clásico “Impulso Criminal” (1959), de Richard Fleischer. 

La razón era que dicha película estaba basada en el famoso caso de los jóvenes asesinos Leopold y Loeb. A partir de ahí, Donovan deseaba realizar un film sobre las atracciones obsesivas alrededor de un asesino en serie. Deseó que casi toda la trama se estableciera dentro de un edificio, para cargar la trama de una atmosfera claustrofóbica que contribuyera al suspense. Sin embargo, también quiso inyectar cierto grado de humor negro en la historia. La película contiene una de las primeras interpretaciones del afamado Colin Firth. La película, Británica, fue coproducida con Argentina, siendo rodada en la ciudad de Buenos Aires.

Hay varios temas incluidos en la película, uno de los cuales está directamente conectado a la cultura gay de la época del film. El apartamento de Adrian está decorado con retratos enmarcados de varias estrellas cinematográficas, incluyendo algunos que eran percibidos como homosexuales o bisexuales. El personaje también dirige un antiguo cine, mostrando obsesión compulsiva por James Dean. También se hace uso de la temática del doppelgänger (doble físico). 

Los personajes de Adrian y Jack fueron diseñados para tener una apariencia similar. De hecho, el personaje de Jack intenta aprovecharse de dicha similitud para escapar del país. Otro personaje sospecha que Jack pueda ser el doble de alguien de su pasado. Tanto Jack como Adrian comienzan a intercambiar sus personalidades a medida que avanza la trama.

La película tuvo una distribución bastante limitada, y apenas tuvo impacto en los Estados Unidos. Sin embargo se hizo con bastantes seguidores, y la consideración de culto con el paso del tiempo.

CRÍTICA PERSONAL

Colin Firth realiza una extraordinaria labor interpretando a un joven no solo introvertido, sino también incapaz de lidiar con las relaciones sociales, y enfrentado a sus constantes y múltiples inseguridades.

La trama tiene cierto grado de suspense que se va incrementando exponencialmente, por lo que torna bastante interesante. También me pareció muy original el extraño y excéntrico círuclo de los vecinos. Hart Bochner no me convenció a la hora de interpretar a un personaje bastante interesante. 

Dada la dualidad del mismo, me pareció que su interpretación era bastante plana y carente de interés. Al contrastar su interpretación con la de Firth, esto se hacía más evidente todavía. Por otro lado, la película me pareció excesivamente larga, y en algún momento se me hizo tediosa.

CALIFICACIÓN

6- Bien