MARILYN

TÍTULO ORIGINAL
Marilyn
AÑO DE ESTRENO
2018
DIRECCIÓN
Martín Rodríguez Redondo
PRODUCCIÓN
Paula Zyngierman, Martín Rodríguez Redondo, Giancarlo Nasi
GUION
Mariana Docampo, Mara Pescio, Martín Rodríguez Redondo
REPARTO
Walter Rodríguez (Marcos), Catalina Saavedra (Olga), Germán de Silva (Padre), Ignacio Giménez (Hermano), Andrew Bargsted (Federico), Rodolfo García Werner (Facundo), Germán Baudino (Raúl), Josefina Paredes (Laura), Susana Taylor (Beba), Gastón Leiva (Tucu), Cristian Ru (Nacho), Julia González (Yiya), Karina Antonelli (Madre Federico), Santos Lontoya (Padre Federico), Raúl Latrónico (Agustín), Jorge Zanabone (Empleado Municipialidad)
CINEMATOGRAFÍA
Guillermo Saposnik
MÚSICA
Laurent Apffel
VESTUARIO
Jam Monti
PAÍS DE ORIGEN
Argentina
DISTRIBUCIÓN
Cinetren
DURACIÓN
80 minutos
 

MARCOS: ¿Me querés?
FEDERICO: Me gusta estar con vos.
MARCOS: ¿Pero me querés?
MARCOS: ¿Cuándo vas a venir a verme?
FEDERICO: No sé dónde vivís. Nunca me dijiste.
MARCOS: Yo también te quiero presentar a mi mamá.
FEDERICO: ¿Y a tu hermano?
MARCOS: Él no me importa.
FEDERICO: ¿Pero esta todo bien con ellos? ¿Saben?
MARCOS: Sí, saben.
 
SINOPSIS
A la edad de diecisiete años, Marcos regresa a casa tras acabar sus estudios. Su padre y hermano trabajan en una finca ganadera alquilada. Su madre Olga le advierte que a partir de ese momento tendrá que cooperar, y que la vida en el campo es difícil. Sin embargo, Marcos se enfrenta al odio y la humillación de forma constante. 

Siempre ha tenido afición a coser ropa femenina, es un excelente maquillador, e incluso le tiñe el pelo a su madre. Todos son conscientes de su homosexualidad, y le humillan de forma constante. Su única amiga de verdad es Laura, quien ha menudo le lleva de un lado a otro en su moto, y se ha convertido en su confidente. El hijo del ranchero para el que su familia trabaja se comporta de una forma abusiva y ha conseguido que todos le llamen Marilyn para humillarlo.
Las cosas dan un giro trágico cuando el padre de Marcos fallece sin dejar nada a su familia. Una noche de desahogo, Marcos decide vestirse de mujer con un vestido de su propia creación, y usando una peluca y una máscara sale a una fiesta. Allí baila con el hijo del ranchero, quien al darse cuenta de su identidad se siente humillado. Mientras Laura lleva a Marcos de regreso, el hijo del ranchero y sus amigos le detienen y ordenan a Laura que se marche. Marcos es violado, agredido y sometido a la más grande humillación. Al enterarse de lo ocurrido, su madre quema toda su ropa de mujer y su hermano comienza a insultarle de forma constante. La familia se ve obligada a mudarse, y es entonces cuando Marcos conoce a Federico.

 
CURIOSIDADES
La película esta inspirada en hechos reales. Nacido Marcelo, la magdalenense Marilyn Bernasconi sufrió constantes abusos a manos de su madre y hermano tras el fallecimiento de su padre. Marilyn asesinó a su madre y hermano en el año 2009 en la localidad de Oliden. Por este crimen fue condenada a cadena perpetua en la Unidad 32 de Florencio Varela. Allí falleció debido a un cuadro incurable de tuberculosis en marzo de 2024.
Martín Rodríguez Redondo se encargó de dirigir la película, trabajando también en la elaboración del guion y cooperando como productor. Se entero del caso de Marilyn el mismo año 2009 en el que asesinó a su madre y hermano, mediante los periódicos y la televisión. Se interesó en el caso desde el primer momento y consiguió una entrevista con su abogado. Poco tiempo después de esto logró entrevistarse personalmente con Marilyn. 

Era el año 2010 y todavía no había decidido cambiar de género, y se refería a sí mismo como hombre. De esta forma el director fue testigo de su transformación y de como adoptó el nombre de Marilyn, con el que le insultaban todos sus agresores. Curiosamente, después de esa transición repetiría en varias ocasiones que Marcelo había muerto el día del doble asesinato, y que ahí había nacido Marilyn.
A la hora de elaborar la película, para el director fue importante el intentar transcender ciertas estructuras clásicas del cine de temática gay. Por este motivo, tuvieron mucho cuidado para que no fuera otra película acerca de salir del armario. La mayor dificultad fue el reto de que lo trans no quedara inexorablemente vinculado a lo perverso. Y es que esta era una idea bastante instalada en películas como “Psicosis” (1960) o “El silencio de los corderos” (1991). Walter Rodríguez no tenía experiencia previa como actor, pero envió una grabación al director que lo dejó cautivado.

CRÍTICA PERSONAL
Siempre he considerado que las películas basadas en hechos reales son especialmente difíciles, porque uno no puede saber con certeza todos los detalles de determinados eventos del pasado. Tras comprobar que la película estaba basada en un crimen real, decidí investigar un poco. La película no solo cambia el nombre del personaje sino el modo en el que los asesinatos se cometieron. Su hermano tenía veintiocho años y su madre sesenta. Mató a ambos por la espalda, a ella frente a la cocina y a su hermano ordeñando. Al adentrarme en la película fui consciente del primer y más importante problema. A la hora de narrar un crimen de esta magnitud, es importante narrar de forma explicita las situaciones que llevaron al mismo, lo cual no lo justifica. La película muestra a su madre y hermano más tiempo ignorándolo que cometiendo agresiones. La madre le pega una vez al encontrarlo con su amante, y su hermano simplemente lo insulta. 

La agresión más seria viene por parte del hijo del granjero. Por este motivo el crimen que se muestra al final resulta francamente inexplicable. No se ha nos mostrado el nivel suficiente de abuso para que espectador pueda comprender, de nuevo que no justificar, los actos del joven. Es una película bastante corta con un guion bastante poco elaborado, aunque Walter Rodríguez sorprende en todo momento, y consigue conectar empáticamente con el espectador. Sin embargo, los aspectos interesantes no compensan mucho la falta de elaboración. Se pierde mucho en escenas bastante largas y tediosas que apenan aportan nada.
 
CALIFICACIÓN
5- Aceptable

NADIE NOS MIRA

TÍTULO ORIGINAL
Nadie nos mira
AÑO DE ESTRENO
2017
DIRECCIÓN
Julia Solomonoff
PRODUCCIÓN
Felicitas Raffo, Andrés Longares, Natalia Agudero Campillo, Nicolás Herreño Leal, Lúcia Murat, Jaime Mateus-Tique, Elisa Lleras
GUION
Christina Lazaridi, Julia Solomonoff
REPARTO
Guillermo Pfening (Nico), Rafael Ferro (Martín), Paola Baldión (Viviana), Mayte Montero (Marina), Asia Pfening (Theo 3 meses), Brian Leider (Padre moderno), Elena Roger (Andrea), Ana Carolina Lima (Tikki), Kerri Sohn (Claire), Pascal Yen-Pfister (Pascal), Cristina Morrison (Kara), Mirella Pascual (Mamá de Nico), Lisandra Payan (Yoli), Danielle Silva Dos Santos (Camila), Katherine Vásquez (Katty), Charlie Costi (Theo 10 meses), Petra Costa (Petra), Javana Mundy (Briana), Philipe Christodoulou (Kevin), Ruy Carlos Alonso (Turista brasileño), Adriana Ferreira Sebolt (Turista brasileña), Austria de Jesús (Empleada), Fernando Frías (Director mexicano)
CINEMATOGRAFÍA
Lucio Bonelli
MÚSICA
Sacha Amback
VESTUARIO
Marjory Castellanos
PAÍS DE ORIGEN
Argentina
DISTRIBUCIÓN
Primer Plano Film Group
DURACIÓN
102 minutos
 

NICO: Quería darte las gracias. Siempre fuiste generoso conmigo.
JEFF: Estaba enamorado de ti. ¿Sabes? He estado estudiando algo de español. Pero es complicado, especialmente eso de estar o ser. Quiero decir, es ‘"estoy triste’"o "soy triste".
NICO: Es complicado. Ser es permanente, ¿sabes? Estar es circunstancial.
JEFF: Así que en tu caso, "tú estás en Nueva York, pero tú eres en Buenos Aires".
NICO: No, lo que quieres decir es que soy de Buenos Aires.
JEFF: No, eso no es lo que quiero decir.
 
ANDREA: Parar, no te desubiques. Sos peor que Asunción, te metes, me juzgas. Al final Pascal tiene razón.
NICO: ¿A ver? ¿Qué dice Pascal?

ANDREA: Que no te puedes hacer cargo de tu fracaso; que te refugias en nuestro hijo; que jugas a ser su papá.
 
SINOPSIS
Nico es un joven actor argentino de treinta y cinco años, que se muda a Nueva York con la intención de forjarse una nueva carrera en la industria sin ayuda o conexiones. Desea estar cerca del desaliento de un posible fracaso, pero a menudo se ve cegado por ilusiones de un éxito inmediato. Ha abandonado una prometedora carrera interpretativa en Argentina, principalmente debido a una escabrosa ruptura con su mentor y productor Martín. Quizás por este motivo, tras llegar a Nueva York se muestra convencido de que su talento lo ayudara a reencontrarse con el éxito, y que de esta forma probará su valía. Sin embargo, todo resulta ser dificultades. Es demasiado rubio para interpretar un personaje latino, y su acento es demasiado marcado para interpretar un personaje americano.

Esto provoca que Nico se vea atrapado entre dos identidades, el exitoso actor sudamericano y el inmigrante intentando sobrevivir con diferentes trabajos hasta alcanzar el éxito. Sin embargo, consigue obtener ayuda de su antigua compañera de habitación Andrea, que tras casarse con el americano Pascal reside en Nueva York. Andrea le da trabajo como cuidador de su hijo de tres meses Theo, trabajo del que Nico se va sintiendo cada vez más dependiente. Las visitas de compañeros de profesión como Pablo complican su doble vida, y las cosas empeoran cuando Martín le visita. Su antiguo amante desea que regrese a su serie en Argentina, donde ha dejado a su personaje en coma para dejar abierta esa puerta del regreso. Sin embargo, martín esta casado y la relación que ha mantenido con Nico ha sido siempre tóxica.
 
CURIOSIDADES

Julia Solomonoff abordó la película como un proyecto acerca de las dificultades de los exilios autoimpuestos. El film narra como los placeres del anonimato y la libertad contratan con el dolor de la soledad y la perdida que dan forma a la experiencia inmigrante. El título hace referencia al hecho de que Nico es un actor conocido que en ese momento no tiene público, ni director, ni equipo, lo cual es algo serio para alguien de esa profesión. El guion intenta evitar analizar al protagonista, y se centra en narrar la historia desde su punto de vista. De esta forma no se crea un juicio ni se desarrolla condescendencia, con el único propósito de entenderle mostrando sus acciones. Solomonoff se reafirmó en esto al explicar que es una película subjetiva en su mirada. La directora aseguró no tener interés alguno en las ideas de juicios morales y aseguró preferir una relación más empática entre el espectador y el protagonista. Su deseo era que el espectador se pusiera en el lugar de Nico sin prejuicios. Literalmente afirmo: “Y eso para mí es una fuerza del cine. Me interesa mucho más usar el cine para generar empatías o conexiones que para emitir juicios o mensajes o crear héroes”.

La película fue rodada estacionalmente, más concretamente durante el transcurso de tres estaciones. Fue galardonada con el premio de desarrollo Heineken Voces del Festival de Cine de Tribeca de 2013.
 
CRÍTICA PERSONAL

La idea de un personaje que procede del mundo de la fama y el cine, y se ve sumergido en una atmosfera de fracaso me pareció francamente interesante. Nico es, efectivamente, un personaje que despierta cierto grado de empatía. Quizás el acierto de Solomonoff sea no mostrarnos como era en el mundo del que procedía, ya que a lo mejor nos hubiéramos encontrado con un personaje más rechazable. De hecho veo que la película nos muestra tres fases, la del exceso de confianza, jugando al anonimato entre las niñeras, pasando al de la cruda realidad de que ya nadie le mira, al regreso a casa ya cargado con una personalidad renovada gracias a la experiencia. Y es que el título es revelador para cualquiera, que como yo ha ido haciéndose mayor para descubrir que ya no le mira nadie.

Creo que la trama y el guion se queda corto, y que la ausencia escogida de diálogos no llega a funcionar del todo. Si bien la intención de Solomonoff era despertar conexión con Nico sin llegar a juzgarle, hay escenas que provocan que esto sea muy complicado. Señalaré el conflicto con Andrea debido a la utilización de su hijo para robar. Y es que la escena me parece metida un poco a calzador. Nico acaba bastante hundido sin una suficiente exposición, y se recupera para regresar sin una lograda evolución narrativa.
 

CALIFICACIÓN
6- Bien

SALVAJE DESPERTAR

TÍTULO ORIGINAL
Salvaje Despertar
AÑO DE ESTRENO
2016
DIRECCIÓN
Joan Fermí Martí
PRODUCCIÓN
Sin acreditar
GUION
Joan Fermí Martí
REPARTO
Fabían Castro (Toni), Julia Hernández (Emma), Richie Ormon (Ramón), Christian Blanch (Aarón), Jordi Pujol (Gina), Carlos Plaza (Adrián), Raúl López (Pol), Alberto Salvatierra (Chapero), Kilian Latorre (Policía 1), Jorge Góngora (Policía 2), Abraham Hunt (Policía 3), Juan Diego López, Edna Caballo, Elizabeth Ruiz (Policía científica), Oliver Delgado (Toni niño), Luis Ángel Sánchez (Aarón niño), Nora Alonso (Emma niña), Damaris (Madre Aarón), Ángel Lorenzo, Amadeu Viladot, José Mariá Prats, Estefanía Iglesias Alan Sánchez, Sebastian López (Amigos Toni), Marçal Aragay (Camarero)
CINEMATOGRAFÍA
JF Martín
MÚSICA
Biblioteca Copyright Free
VESTUARIO
Sin acreditar
PAÍS DE ORIGEN
España
DISTRIBUCIÓN
TLA Releasing
DURACIÓN

90 minutos

EMMA: No puedes evitarlo, ¿verdad?
TONI: ¿Qué?
EMMA: Chico que ves, chico que tiene que ser para ti. Para uno en el que me fijo, has tenido que estropearlo todo y hacer todo lo posible para meterlo en tu cama. ¿Y luego para qué? Para que forme parte de esa larga lista de hombres que pasan por tu vida y luego no recuerdas ni como se llaman. Me has decepcionado Toni, nunca debí decirte que me gustaba Aarón.
TONI: Pero hermanita, si…
EMMA: No, déjate de hermanita, un hermano no habría intentado quitarme el chico que me gusta.
TONI: Pero si solo estaba jugando.
EMMA: A eso me refiero, que para ti todo es un juguete con el que pasar el rato y luego dejarlo olvidado, pero a mi Aarón me gusta de verdad.
TONI: No me entiendes, fuiste tú la que me dijiste que Aarón reaccionó mal cuando le besaste. Solo quería saber si tal vez el motivo era que le gustaban los hombres. Nada más.

EMMA: No es tan sencillo, a ti te resultará todo esto muy fácil, pero a mi me cuesta mucho. Solo quería que tuvieras un poco de consideración conmigo y darte cuenta de lo mucho que me gusta Aarón. Confié en ti, nunca más volveré a hacerlo.
 
SINOPSIS
Toni y Emma son dos hermanos que tras quedar huérfanos tuvieron que hacerse cargo de su rancho. Los dos son enviados a comisaría para testificar sobre el supuesto asesinato de Aaron, hijo del capataz Ramón. El capataz también acude a comisaría, donde todos son sometidos a un interrogatorio y considerados sospechosos del asesinato. Cuando Aarón era solo un niño, su madre abandonó a su padre, quien se encargó de cuidar al niño y trabajó en el rancho de la madre de Tony y Emma. Fue ella quien animó a Emma a hacerse amiga de Aarón, aunque Toni se mostraba distante al principio. Tras la muerte de su madre, los dos hermanos se encargaron del rancho, y Toni salió del armario como homosexual. 

Debido a su gran atractivo, Tony se ha convertido en un casanova que tiene una aventura tras otra, que no suelen durar más de una noche. Emma le acepta, pero no entiende esa falta de madurez.
Además Emma se siente atraída intensamente hacia Aarón. Por su parte, Ramón cumple sus funciones y se muestra atento con Emma. Sin embargo, muestra una homofobia evidente, despreciando el estilo de vida de Toni. Emma decide lanzarse e intenta besar a Aarón, quien rechaza sus avances. Y es que Aarón se siente atraído hacia Toni. Después de celebrar su cumpleaños con sus amigos, Toni descubre esto y comienza a darse cuenta de que puede alcanzar la felicidad con Toni. Ramón, que esconde un oscuro secreto, no esta dispuesto a permitir que su hijo acabe con Toni. Otra complicación surge ante la reaparición de Adrián, la antigua pareja de Toni.
 
CURIOSIDADES

A fecha de esta entra, esta es la única película escrita y dirigida por Joan Fermí Martí. La trama aborda el despertar sexual a través de los personajes de los hermanos, que se enamoran del mismo chico. También se intenta hacer un análisis sobre la homofobia, examinando como los miedos, las inseguridades o incluso una homosexualidad reprimida pueden despertar este odio. El eje centrar es un asesinato del que todos son sospechosos Todos los actores son nóveles en una película cinematográfica, exceptuando a Richie Ormon, que había trabajado en una película previa. Fabian Castro había trabajado previamente en un par de cortos y un episodio de la serie “Aída” (2005), y es el único del elenco hasta la fecha, que ha seguido trabajando como modelo, actor de cine y teatro. La película fue presentada en el décimo sexto Festival Internacional de Cine Gay y Lésbico de Barcelona, y fue distribuida en numerosos festivales como el de Madrid. La distribución posterior de la película corrió a manos de la internacional “TLA Releasing”.

 

CRÍTICA PERSONAL

Solo puedo admirar el esfuerzo por llevar a cabo el proyecto, agradecer la vista por los hombres atractivos, y señalar que me reí mucho.

El problema es que no se trataba de una comedia. Tengo que decir que hacía mucho que no veía tal despliegue de malos actores, recitando sus diálogos como si estuvieran en una obra de teatro infantil del colegio. Es que no se salva ninguno de ellos, y de hecho llegué a plantearme si una vez más estaba en uno de esos casos en los que se usaban actores del mundo del porno. Es cierto que ninguno de ellos tenía una experiencia previa seria, pero me extrañó que no hubiera uno que lograra ser efectivo. Esto me lleva a deducir que la dirección puede haber tenido mucho que ver, y es que a fin de cuentas esta es la única película de Joan Fermí Martí hasta la fecha.

Tenemos varios elementos que se unen para formar la trama, que principalmente gira alrededor de un triangulo amoroso, en el que el disputado parece haber sido asesinado. Luego se intentan añadir otros elementos como la carencia afectiva y su ausencia, la homofobia que gira alrededor de la homosexualidad reprimida, y la promiscuidad con sus pros y contras. Los personajes principales están definidos con cierta corrección, pero Christian Blanch no convence interpretando a un Aarón que más bien parece un trozo de carne sin empatía o sentimientos. Apenas habla o expresa lo que pasa por su cabeza. Ramón es un personaje que podría haber dado más de sí, pero al final se queda corto. Todos los secundarios son incluso peores, y no se logra vender que la pandilla sea tal durante el cumpleaños. Es un despropósito surrealista que encima no acierta con el final, que en el fondo desea sorprender.
 
CALIFICACIÓN
1- Muy mal

G: LOST IN FRANKFURT

TÍTULO ORIGINAL
G: Lost in Frankfurt
AÑO DE ESTRENO
2015
DIRECCIÓN
George Dare
PRODUCCIÓN
George Dare
GUION
George Dare
REPARTO
Kristof Broda (Kris), Damiano Gaumann (Damiano), David Sembritzki (David), George Dare (George), Andreas Kriener (Andreas), Normen Kraft (Camello), Veronika Kriener (Encargada del club), Marco Siefert (Encargado de tienda de ropa interior), Sebastian Nitz, Cara Victoria Von Stockert, Mario Beck, Oliver Deckwarth, Jennifer Schmidt, Sevgi Akkaya, Stefan Markus Jabs, Farina Fichtner, Ghennet Habtay, Sibel Cal (Extras)
CINEMATOGRAFÍA
Chris Hirschhäuser
MÚSICA
George Dare
VESTUARIO
Sin acreditar
PAÍS DE ORIGEN
Alemania
DISTRIBUCIÓN
Cinemien
DURACIÓN
88 minutos
 

DAMIANO: Somos una panda de locos, ¿verdad?
KRIS: Totalmente. Eres un bicho. Esta claro que tú eres el más loco.
DAMIANO: Sí, lo sé. Siempre fue así, incluso en mi familia.
GEORGE: ¿Solo porque estas loco, o también porque eres gay?
KRIS: Un marica en la familia.
DAMIANO: Sí, eres gay por encima de todo. En una familia italiana es muy raro que se acepte a un hijo gay.
DAVID: ¿Cómo te diste cuenta?
DAMIANO: ¿Cómo me di cuenta de qué?
DAVID: De que eres gay.
DAMIANO: Me acuerdo bastante bien. Tenía catorce años, era verano, y quedé en el centro con mi mejor amigo. Cuando llegué a casa esa noche, me hicieron el vacío. No entendía nada hasta que mi hermana me dijo que nuestro primo me había visto con mi amigo. Y como somos italianos, pronto se corrió la voz y se enteró todo el mundo. 

Desde entonces, prácticamente no hemos vuelto a hablar de ello, ni nadie lo hacía. Nadie preguntaba. Desde entonces hubo un ambiente muy raro, y todavía me acuerdo de las navidades de aquel año. Toda la familia reunida… fue cuando mi hermano empezó a decir algo sobre los gais y mi madre dijo: "ahora no es el momento, en Navidad no". Y fue entonces cuando realmente empezamos a distanciarnos. Nunca volvimos a tener trato y yo me fui de casa poco después.
 
SINOPSIS
Incapaz de encontrar trabajo en Varsovia, Kris viaja a la ciudad de Frankfurt. Allí consigue un trabajo en una tienda de ropa interior para hombres. Es allí donde conoce a Damiano, un atractivo joven que acude a la tienda como cliente. Kris siente una atracción inmediata hacia el joven, que se ofrece a enseñarle la ciudad. A medida que pasan tiempo juntos, la atracción resulta más evidente y los dos jóvenes terminan besándose. 

Esto acaba en un intenso encuentro sexual, amplificado por el uso de la droga de moda conocida como G. Los dos jóvenes se entregan a la pasión e inician un viaje complicado.
Y es que al día siguiente, Damiano aparece con David, uno de sus mejores amigos. La idea de Damiano es que David se una a ambos en un trio. Todo parece ir bien, pero Damiano se percata de que Kris puede estar fijándose más en David que en él. Las cosas se complican todavía más, cuando David les presenta a una pareja de amigos, George y Andreas. Los dos se unen a ellos y pasan el día juntos, charlando sobre sus experiencias a la hora de salir del armario con sus familias. Al llegar la noche, todos celebran una orgía, en la que la droga vuelve a ser catalizadora de sus emociones.
 
CURIOSIDADES

George Dare creo la película como un estudio breve sobre las emociones que puede venir cuando uno se embarca en una nueva vida. Su película aborda los múltiples niveles de experimentación y percepción sobre la complejidad de una gran ciudad. Para ello dota a Frankfurt de una personalidad basada en su música electrónica, los clubs nocturnos y el sexo entre hombres utilizando la droga de moda, el G. Esta droga es el ácido gamma-hidroxibutírico, utilizada a menudo en fiestas de chemsex, que afecta a nivel neurológico intensificando el placer el sexual, pero que además es extremadamente peligrosa. En la película los personajes intentan encontrar la esencia de la vida misma y el amor sin cansarse de ambos, y se enfrentan a la repentina inminencia de la desilusión. Es la primera película, y la única hasta la fecha, dirigida por George Dare. Los actores principales utilizan sus nombres verdaderos durante la trama de la película.

La banda sonora, compuesta principalmente de música electrónica es de su propia creación, ya que Dare es un artista de este estilo de música. Es un artista interdisciplinario de Berlín, aunque creció en Frankfurt. Su trabajo se ve influenciado por las diferentes culturas, estilos de música y arte. Se encargó de elaborar el guion, producir la película y además participa en la misma interpretando al personaje de George. La película apenas tiene diálogos, solo uno es lo suficientemente largo como dar datos sobre los personajes. En esta conversación conversan sobre como fue salir del armario en sus respectivas familias. La ausencia de dialogo es deliberada, que Dare desea que la trama sea complementaria a su banda sonora. Las escenas sexuales utilizan tonos rojos para identificar la pasión del momento, y la pantalla se va encogiendo y comienza a tener momentos borrosos para intentar dar una sensación similar a la que se siente usando la droga.

 
CRÍTICA PERSONAL
No se puede negar que hay una evidente química entre Kristof Broda y Damiano Gaumann. De hecho el principio de la película captó mi atención, aunque era evidente que se iba a concentrar más en largos paseos, miradas y poco dialogo, había cierto toque de realismo.
La idea de mostrar el efecto de los chills de chemsex no es mala, pero el director no llega a profundizar en ese día después. Se empeña en crear esas interminables escenas sexuales que son absoluta y completamente soporíferas. La opción de rodarlas con esas tonalidades rojas y esa borrosidad creciente, al mismo tiempo que la pantalla va encogiendo no tiene sentido alguno. Esto provoca que la trama se convierta en algo carente de interés, porque al margen de colocarse y mantener relaciones sexuales, no ocurre absolutamente nada más. Es más un video musical de hora y media que una película.
 
CALIFICACIÓN
2- Mal

LOVE IN THE TIME OF CIVIL WAR

TÍTULO ORIGINAL
L'amour au temps de la guerre civile
AÑO DE ESTRENO
2014
DIRECCIÓN
Rodrigue Jean
PRODUCCIÓN
Cédric Bourdeau, Rodrigue Jean
GUION
Ron Ladd
REPARTO
Alexandre Landry (Alex), Jean-Simon Leduc (Bruno), Simon LeFebvre (Simon), Catherine-Audrey LaChapelle (Jeanne), Ana Christina Alva (Velma), Éric Robidoux (Eric), Richard Fréchette, Julie C. Delorme, Jean-François Blanchard, Tyler Jason Megarry, Alexandrine Agostini, Jérémy Hervieux-Gosselin, Richard Champagne, Richard Lemire, Marco Thériault, Patrick Lavergne, Jyno Laporte, Hugo Le Bleu, Tadros, Pascal Pelletier, Amélie Bélanger, Jérôme Benedetti, Claude Gagnon, Danny Crivello, Marc-André Lord, Catia Cisca, Freddy Bessa, Pascal Richard, Claude Bolduc, Alexander Cho, Saskia Hermann-Ortega, Harlan Johnson, Yves Gagné, Aldo Proietti, Marcel Clermont
CINEMATOGRAFÍA
Mathieu Laverdière, Etienne Roussy
MÚSICA
Inaplicable
VESTUARIO
Caroline Poirier
PAÍS DE ORIGEN
Canadá
DISTRIBUCIÓN
Les Films du 3 Mars
DURACIÓN
120 minutos
 

ALEX: Ya sabes que asustamos a la gente cuando les llamamos colocados
BRUNO: Dijiste que le ibas a llamar.
ALEX: ¿Y qué sugieres que le diga? No tenemos dinero. Podemos decirle la verdad, que no tenemos dinero y que queremos follarle. Siempre hacemos lo mismo. Si queremos follar, tenemos que planearlo con tiempo.
 
SINOPSIS
Alex es un atractivo joven que lleva el peor estilo de vida posible. Sus días se han convertido en una constante monotonía. Esta está estructurada y basada en drogarse, prostituirse a hombres para ganar dinero, hacer recados para diferentes camellos, y cometer pequeños crímenes. Entre estos crímenes, a menudo se aprovecha o roba a clientes. Alex se arrastra de un depresivo apartamento sucio hasta el siguiente. A veces lo hace solo, y otras acompañado de otros adictos con los que espera conseguir algún chute gratis. Desafortunadamente, a menudo se aprovechan de él. 

En estos encuentros para drogarse, Alex también suele mantener relaciones sexuales, aunque más que un intento de obtener placer es solo un breve descanso y desahogo antes de conseguir otro chute. En esta existencia hermética en la que se sumergen, el mundo exterior es casi un territorio desconocido. Cuando Alex se ve obligado a salir de su apartamento, se arrastra por las calles de forma incomoda.
A pesar de drogarse y prostituirse, Alex todavía tiene algún sueño. Sin embargo, se suele rodear por personas tan tóxicas como él. A menudo se encuentra con Bruno, con quien se somete a sesiones de colocón y sexo. Otras personas como Simon, Jeanne, Erica y Velma funcionan como satélites a su alrededor, hundidos en la misma espiral de autodestrucción. Marginados por la sociedad, pero esclavos de su logística comercial, todos son ángeles caídos en un tiempo oscuro y violento. Entre colocón y colocón, destruyendo sus cuerpos, todos buscan venganza por una humillación a la que están condenados, pero solo encuentran indiferencia.

 
CURIOSIDADES
La película está dirigida por Rodrigue Jean, guionista, director y productor de cine canadiense. Nació en Caraquet y es de origen canadiense, aunque vivió gran parte de su vida en Quebec. También trabajó como director de teatro, bailarín y coreógrafo. Fue durante su época universitaria cuando se formó como bailarín y coreógrafo. En el año 1986 viajó a Japón para entrenar con Tanaka Min. Junto a Tedi Tafel, Jacques Perron y Monique Jean fundó “Les Productions de I’Os” en 1986. Durante la década de 1990 pasó un tiempo en Londres, donde dirigió talleres de video en Streetwise Youth, un centro de acogida para prostitutas. Fue entonces cuando se interesó en el mundo de la prostitución y la drogadicción. Entre los años 2005 y 2007 realizó un documental titulado “Hommes à louer” (Hombres de alquiler), con el que empezó a ofrecer un retrato de la cruda realidad de los trabajadores sexuales en el centro de Montreal. 

En el año 2009, fundó “Epopée”, un equipo de acción cinematográfica resultado de su trabajo con los participantes de la película. Esta obra colectiva compuesta por documentales e historias ficticias dio lugar a una creación de una página web. A partir de ahí, comenzó a crear películas que abordaran el tema de la prostitución, entre las cuales se encontraba la que abordamos hoy.
La película recibió una excelente acogida por parte de la crítica. El actor Alexandre Landry fue nominado por su trabajo en la Gala Québec Cinéma. También se convirtió en parte del programa Rising Stars en el Festival de Cine Internacional de Toronto, donde la película fue emitida por primera vez en el año 2014. Fue en ese mismo festival donde fue seleccionada para ser emitida en el Contemporary World Cinema de ese mismo
 
CRÍTICA PERSONAL

Resulta indudable que Rodrigue Jean triunfa a la hora de mostrar las tristes y devastadoras consecuencias del mundo de las drogas. En algún momento de la película surge la humanidad del protagonista, y es esas escasas escenas en las que conseguí conectar con el mensaje, que por otro lado entendí perfectamente.
Siendo franco, la película es aburrida con ganas. El primer problema que encontré fue la total ausencia de una narrativa que logre enganchar al espectador. Básicamente tenemos al protagonista hacer lo mismo una y otra vez durante dos interminables horas. Es evidente que esto es intencional por parte del director, que desea crear un alegato crudo de la dureza del mundo de las drogas. Lamentablemente esto no funciona a la hora de crear una película interesante que atrape al espectador. Tenemos a los personajes manteniendo relaciones sexuales, drogándose o cometiendo crímenes una y otra vez, sin nada que conecté la trama hasta el siguiente colocón. 

Eso es todo lo que tenemos, una secuencia en bucle de lo mismo. El director ni siquiera triunfa al intentar incomodar con las escenas de sexo, porque a día de hoy creo que estamos curados de espanto para este tipo de cosas.
Es tal el problema que ni siquiera puedo elaborar una crítica sobre la labor interpretativa de los personajes. Y es que, a fin de cuentas, a penas tienen nada que hacer a lo largo de la inexistente trama. Al final, el director consigue el efecto contrario al que deseaba provoca, y es que acabé anestesiado e impasible ante esta secuencia de escenas repetitivas que pretendían demostrar una crudeza absoluta. Las películas sobre personas con comportamientos autodestructivos son complicadas, y mucho más si el metraje llega a las dos horas.
 
CALIFICACIÓN
3- Deficiente