LOS JUICIOS DE OSCAR WILDE

TÍTULO ORIGINAL

The Trials of Oscar Wilde

AÑO DE ESTRENO

1960

DIRECTOR

Ken Hughes

PRODUCTOR

Harold Huth

GUION

Montgomery Hyde, Ken Hughes

Basado en la obra de teatro de John Furnell

REPARTO

Peter Finch (Oscar Wilde), Yvonne Mitchell (Constance Wilde), James Mason (Sir Edward Carson), Nigel Patrick (Sir Edward Clarke), Lionel Jeffries (Marqués de Queensberry), John Fraser (Lord Alfred Douglas), Sonia Dresdel (Lady Wilde), Maxine Audley (Ada Leverson), James Booth (Wood), Emrys Jones (Robbie Ross), Lloyd Lamble (Charles Humphries), Paul Rogers (Frank Harris), Ian Fleming (Arthur), Laurence Naismith (Príncipe de Gales), Naomy Chance (Lily Langtry), Liam Gaffney (Willie Wilde), Cicely Paget-Bowman (Lady Queensberry), Derek Aylward (Lord Percy Douglas)

CINEMATOGRAFÍA

Ted Moore

BANDA SONORA

Ron Goodwin

VESTUARIO

Elsa Fennell

PAÍS DE ORIGEN

Reino Unido

DISTRIBUCIÓN

United Artists

DURACIÓN
123 minutos

LORD ALFRED DOUGLAS: Déjame decirte esto padre. Has estado acosándome durante suficiente tiempo. Si intentas cruzarte en mi camino otra vez, o escribes otra de tus ofensivas cartas, no duraré en buscar la protección de la ley.

MARQUES DE QUEENSBERRY: Puede que tengas que lidiar con la ley antes de lo que crees muchacho.

EDWARD CARSON: Entonces, ¿qué amor es el que no se atreve a pronunciar su nombre?
OSCAR WILDE: El amor que no se atreve a pronunciar su nombre, en este siglo, es un gran afecto de un hombre mayor por uno joven, como el que había entre David y Juan, como en el que Platón sentó las bases de su filosofía, y como el que se encuentra en los sonetos de Miguel Ángel y de Shakespeare. En este siglo es incomprendido, tan incomprendido que podría describirse como el amor que no se atreve a pronunciar su nombre, y por el me encuentro yo donde estoy ahora. Es bello, es bueno, es la más noble forma de afecto. No tiene nada de antinatural. 

Es intelectual, y se da repetidamente entre un hombre maduro y uno joven, cuando el mayor tiene intelecto, y el joven tiene la alegría, la esperanza, y el atractivo de la vida ante sí. De tal manera que el mundo no lo entiende; el mundo se mofa de él, y a veces te ponen en la picota por ello.

SINOPSIS

Durante la década de 1890, Oscar Wilde se ha convertido en toda una celebridad en Londres. Casado con Constance Wilde y padre de dos hijos, parece tener todo lo que se podría desear. En el punto álgido de su carrera, sus obras de teatro y trabajos literarios han alcanzado una fama sin precedentes. Es entonces cuando conoce a Lord Alfred Douglas, apodado como Bosie, con quien mantiene relaciones sexuales. El padre de Bosie, el Marqués de Queensberry no tarda en sospechar lo que está ocurriendo, desarrollando una creciente animosidad hacia el escritor. Propenso a los ataques de ira, el Marqués fracasa en sus repetidos intentos de alejar a su hijo de Oscar Wilde.

Bosie termina por renegar de su familia y abandonarla por Oscar. 

Esto lleva al Marqués de Queensberry a dejar una nota a Oscar, en la que se refiere a él como sodomita. Propenso a la arrogancia, Oscar decide denunciar al Marqués sin pararse a pensar en las posibles consecuencias. El abogado de Queensberry no tarda en hacerse con testimonios de jóvenes con los que Oscar ha mantenido relaciones. De esta forma, se pierde el juicio y el propio escritor acaba por ser acusado. Durante los juicios su fama y fortuna se verán afectadas progresivamente.

CURIOSIDADES

La película está basada en la obra de teatro “The Stringed Lute”, escrita por John Furnell. Como productores ejecutivos, Irving Allen y Albert R. Broccoli decidieron arriesgarse y financiar personalmente la película. Como el film trataba con la homosexualidad de Oscar Wilde, muy pocos cines se prestaron a proyectar la película. Esto provocó que los productores estuvieran a punto de caer en la bancarrota y rompieran la sociedad que habían formado. 

Sin embargo, la película fue muy bien acogida en Europa, convirtiéndose en un éxito artístico haciéndose con varios premios extranjeros. La discordia entre Broccoli con Allen provocó que el primero terminara por fundar “Eon Productions” junto a Harry Saltzman. Ambos se hicieron con los derechos de las novelas de James Bond de Ian Fleming, y el resultado fue una franquicia de éxito que duró más de cincuenta años.

El editor, Geoffrey Foot, tuvo que trabajar muy rápidamente en la película, debido a que en el mismo año se estaba realizando otro film sobre Oscar Wilde. La otra película se tituló “Oscar Wilde” (1960). En un momento dado, el compositor Ron Goodwin se vio obligado a grabar la banda sonora para escenas que todavía no se habían rodado. A pesar de este imprevisto, la música fue editada en la película perfectamente por Foot. De su principio a su final, la película fue rodada en un total de nueve semanas. El papel de Oscar Wilde le fue ofrecido a John Gielgud, quien había tenido grandes éxitos dirigiendo las obras de Wilde, “El Abanico de Lady Windermere” y “La Importancia de Llamarse Ernesto”. 

En la última había también trabajado como actor. Sin embargo, rechazó el papel al considerar que no tenía el aspecto adecuado para interpretar a Wilde. Lionel Jeffries, que interpretaba al Marques de Queensberry, tenía solo cinco años más que John Fraser, que interpretaba a su hijo Bosie.

CRÍTICA PERSONAL

Si hay algo que hay que comenzar por destacar es que esta es una película muy avanzada a su época. Abordar la homosexualidad de Wilde era algo muy delicado al comienzo de la década de 1960. El film cuenta con un reparto espectacular, y todos los actores destacan en sus papeles. Lionel Jeffries me impresionó considerablemente como el Marqués de Queensberry, y todas sus escenas están dotadas de gran intensidad. Quizás su personaje sea excesivamente unidimensional, pero funciona y convence. El vestuario es impecable y el film acierta mostrando el proceso judicial de Wilde, sus tres juicios, con gran detalle.

Aunque Peter Finch me parece un extraordinario actor, no me pareció el más adecuado para interpretar a Wilde. En ese sentido, Stephen Fry me pareció mucho más perfecto en “Wilde” (1997). La relación entre Wilde y Bosie se trata de pies puntillas, mediante rumores y conversaciones. Por otro lado, la película es demasiado larga y al principio se hace algo tediosa.

CALIFICACIÓN

8- Notable

DIFERENTE A LOS DEMÁS

TÍTULO ORIGINAL

Anders als die Andern

AÑO DE ESTRENO

1919

DIRECTOR

Richard Oswald

PRODUCTOR

Richard Oswald

GUION

Richard Oswald, Magnus Hirschfeld

REPARTO

Conrad Veidt (Paul Körner), Fritz Schulz (Kurt Sivers), Reinhold Schünzel (Franz Bollek), Leo Connard (Padre Körner), Ilse von Tasso-Lind (Madre de Körner), Ernst Pittschau (Hermano de Sivers), Alexandra Wiellegh (Mujer del hermano de Sivers), Wilhelm Diegelmann (Padre de Sivers), Clementine Plessner (Madre de Sivers), Anita Berber (Else Sivers), Helga Molander (Señora Hellborn), Magnus Hirschfeld (Doctor Arzt)

CINEMATOGRAFÍA

Max Fassbender

BANDA SONORA

Joachim Bärenz

VESTUARIO

Sin acreditar

PAÍS DE ORIGEN

Alemania

DISTRIBUCIÓN

Richard Oswald-Film Berlín

DURACIÓN
50 minutos

DOCTOR ARZT: La persecución de los homosexuales pertenece al mismo triste episodio de la historia de la humanidad, donde está inscrita la persecución de herejes y brujas. Durante mil quinientos años, estos desafortunados fueron víctimas del fuego y la espada. Ningún cambio tuvo lugar hasta la Revolución Francesa. En todas partes donde se instauró el Código Napoleónico cayeron las leyes contra la homosexualidad debido a ser consideradas una violación fundamental de los derechos del individuo. En muchos países tuvo lugar un cambio radical de la pena de muerte a la completa libertad bajo la ley.

DOCTOR ARZT: Respetadas damas y caballeros, tomen nota. Llegará el día cuando estas tragedias dejen de tener lugar. El conocimiento conquistara al prejuicio, la verdad conquistará a las mentiras, y el amor triunfara sobre el odio.

SINOPSIS

Paul Körner es un famoso violinista que ha sido consciente de su homosexualidad desde la juventud. Residiendo en Alemania, ha comprobado como la ley conocida como “Articulo 175” del Código Penal, creado para la persecución y encarcelamiento de homosexuales, ha provocado varios suicidios en homosexuales. Poco después, Paul conoce a un joven llamado Kurt Sivers, que es un gran admirador de su talento. Paul accede a dar clases a Kurt y pronto surge una relación entre ambos. Sin embargo, los padres de Kurt se muestran en contra de la cantidad de tiempo que su hijo pasa con el violín, así como de su admiración hacia Paul. Por otro lado, los padres de Paul no logran entender el motivo por el que el violinista no termina por casarse y fundar una familia.

Las cosas se complican cuando Paul y Kurt son vistos caminando de la mano en el parque por un hombre llamado Franz Bollek. Éste comienza a chantajear a Paul amenazando con denunciarle. Aunque Paul mantiene esto oculto de Franz, la verdad termina por salir a la luz. 

Asustado ante las posibles represalias, Kur abandona a Paul. El violinista se queda desolado y tras varias terapias fallidas encuentra el apoyo del Doctor Arzt, cuya visión de la homosexualidad es completamente tolerante. Es entonces cuando decidirá enfrentarse a Franz Bollek y denunciarle.

CURIOSIDADES

La historia de la película, muda y en blanco y negro debido a la época, fue coescrita por Richard Oswald y el Doctor Magnus Hirschfeld. Éste último también tuvo un pequeño papel en la película y financió parcialmente el proyecto a través del Instituto de Ciencia Sexual. La idea era presentar la historia como polémica contra el Articulo 175 del Código Criminal Alemán, que convertía la homosexualidad en una ofensa criminal. La película es una de las primeras presentaciones cinematográficas solidarias de los homosexuales. La trama básica de la película volvió a ser utilizada de nuevo en la película “Víctima” (1961), protagonizada por Dirk Bogarde.

La película fue una de muchas planeadas en Alemania durante la Primera Guerra Mundial para fomentar la educación sexual. Contiene la conocida Teoría del Intermediador Sexual creada por el propio Doctor Magnus Hirschfeld, quien combatió duramente el Artículo 175. Dicha teoría coloca a la homosexualidad dentro de un amplio espectro que incluye la heterosexualidad, bisexualidad, el transgénero, y el travestismo. De hecho fue Hirschfeld quien creó la palabra travestismo.

Tras la guerra, las leyes de censura fueron eliminadas y la película pudo ser estrenada en el año 1919. Oswald distribuyó cuarenta copias de la película en Alemania y Holanda. Sin embargo, la controversia hacia el film fue tal que provocó el regreso de la censura, a pesar de que el público había reaccionado favorablemente. En el año 1920 las autoridades Nazis prohibieron que la película se proyectara y se encargaron de destruir las copias existentes. Solo una copia fragmentada logró sobrevivir y se le insertaron fotografías con explicaciones de la trama eliminada.

CRÍTICA PERSONAL

Sin duda alguna, es importante comenzar elogiando el hecho de que nos hallamos ante la primera película conocida de temática gay en la historia del cine. Considerando que se trata del año 1919, es sorprendente que un proyecto de estas características viera la luz aunque fuera por breve tiempo. La película está fragmentada pero incluye numerosos aspectos de la temática gay como la relación entre dos hombres de diferente edad, los conflictos familiares, la persecución política y social, y la desesperación de sentirse diferente, tal y como reza el título de la película. La participación del Doctor Magnus Hirschfeld es probablemente lo mejor del film. Quizás porque sus oratorias no están tan sobreactuadas, algo característico en los actores del cine mudo, y sobre todo por su contenido educativo fomentando la tolerancia.

El director consigue señalar el propósito de la película a la perfección. Este no es otro que criticar las leyes persecutorias de cualquier minoría, no solo por ser un delito contra los derechos individuales sino por fomentar actividades criminales. 

La historia del violinista Paul Körner es conmovedora, mostrando las dificultades de un homosexual que solo desea vivir en una sociedad intolerante. A pesar de cierto grado de dramatismo, el film muestra aspectos positivos como el del juez tolerante que simpatiza con el homosexual que ha de juzgar.

Desde mi punto de vista, lo peor de las películas mudas no era la carencia de diálogos sino el estilo de interpretar sobreactuando característico de este cine, y que nunca ha encajado mucho conmigo. Este es evidentemente una valoración muy personal. Por otro lado, creo que la película se concentra demasiado en la crítica social y política, olvidando crear una historia de amor y desamor que sea más creíble.

CALIFICACIÓN

8- Notable

KING COBRA

TÍTULO ORIGINAL

King Cobra

AÑO DE ESTRENO

2016

DIRECTOR

Justin Kelly

PRODUCTORES

James Franco, Vince Jolivette, Scott Levenson, Jordan Yale Levine, Shaun Sanghani, Iris Torres

GUION

Justin Kelly

Basado en la novela de Andrew E. Stoner y Peter A. Conway

REPARTO

Garrett Clayton (Sean Paul Lockhart / Brent Corrigan), Christian Slater (Stephen), Molly Ringwald (Amy), Keegan Allen (Harlow), James Franco (Joe), James Kelley (Joey), Robby Johnson (Shane), Rosemary Howard (Vecina cotilla), Spencer Rocco Lofranco (Mikey), Angel Montes (Angel), Paul Michael Polsinelli (Davey), Joseph Baird (Blake Savage), Joe James (Conductor de grúa), Alicia Silverstone (Janette), Ron Simons (Hardy), Sean Grandillo (Caleb), Edward Crawford (Tyson), Shona Tucker (Detective Banks), Keith Leonard (Detective Bradwell), Daniel Sinasohn (Carlos), Robert Peterpaul (Cámara)

CINEMATOGRAFÍA

Benjamin Loeb

BANDA SONORA

Tim Kvasnosky

VESTUARIO

Matthew Simonelli

PAÍS DE ORIGEN

Estados Unidos

DISTRIBUCIÓN

IFC Midnight

DURACIÓN
92 minutos

BRENT CORRIGAN: Qué coño está pasando. No puedes impedir que use mi nombre.

STEPHEN: Ya lo he hecho, porque ese nombre es mío. Lo he registrado.

BRENT CORRIGAN: ¿Qué?

STEPHEN: Usa ese nombre todo lo que quieras, mis abogados te harán callar una y otra vez. Brent Corrigan es sinónimo de Cobra. Me dejaste jodido al marcharte.

BRENT CORRIGAN: Tenía diecisiete años cuando nos conocimos.

STEPHEN: ¿Qué?

BRENT CORRIGAN: Era menor de edad en los dos primeros videos de Cobra.

STEPHEN: Y una mierda, tengo una copia de tu carnet.

BRENT CORRIGAN: Míralo otra vez, es falso. Si no me devuelves mi nombre, le diré a todo al mundo que hiciste porno con un menor.

STEPHEN: Mira, escucha. Los dos sabemos que nunca harías eso. Las noticias te arruinarían tanto como a mí.

BRENT CORRIGAN: Arruinaría mi carrera, pero también arruinaría tu vida. Prefiero ver cómo te hundes antes que poder volver a hacer porno.

SINOPSIS

A la edad de dieciocho años, Sean Paul Lockhart contacta con un productor de pornografía gay llamado Stephen para iniciar su carrera. Stephen es propietario de un estudio de pornografía llamado Cobra Videos, y se fija de modo inmediato en el potencial del joven. Comenzando su carrera, Sean adopta el nombre artístico de Brent Corrigan, y no tarda en convertirse en una celebridad de la pornografía gay, logrando que Stephen ingrese grandes cantidades de dinero. Al mismo tiempo, una pareja de actores porno llamados Joe y Harlow ven como su carrera en la pornografía se sumerge en el declive. Agresivo e irascible, Joe se ve obligado a reconocer que ambos han acabado endeudados sin ver salida alguna a sus problemas económicos.

La fama de Brent Corrigan aumenta y el joven se percata de los beneficios que Stephen estaba recibiendo, así como de lo poco que él percibe. También es consciente de la obsesión sexual que Stephen siente por él, así como de sus crecientes celos. Brent decide abandonar a su productor, pero descubre que no puede proseguir su carrera sin el nombre “Brent Corrigan”, propiedad de Stephen. Tras contactar con los desesperados Joe y Harlow, la pareja intenta solucionar el problema para poder obtener los beneficios de trabajar con el joven. Sin embargo, Stephen no parece dispuesto a ceder.

CURIOSIDADES

La película está basada en la novela “Cobra Killer: Gay Porn, Murder, and the Manhunt to Bring the Killers to Justice”. El libro fue escrito por Andrew E. Stoner y Peter A. Conway y publicado en el año 2012. 

Tanto la película como el libro abordan el comienzo de la carrera del famoso actor porno Brent Corrigan, el asesinato de su productor Bryan Kocis, llamado Stephen en la película, y el arresto de los actores porno responsables, Harlow Cuadra y Joseph Kerekes. 

Justin Kelly escribió el guion y se encargó de la dirección. El interés surgió cuando leyó un titular sobre el asesinato de un productor de pornografía en relación al contrato que le permitía absoluto control sobre su estrella. Cuanto más leyó sobre el caso, más interés desarrolló y comenzó a considerar que había material para una buena película. Como director gay, Kelly deseaba narrar una historia interesante sin tener que preocuparse de cómo esta sería percibida por el espectador heterosexual.

Christian Slater fue contratado para interpretar al productor Stephen, y James Franco interpretó a Joe encargándose también de la producción del film. Ambos actores ya habían trabajado juntos en “Retales de una Vida” (2015), y mantuvieron una cordial relación de trabajo. 

De hecho, fue el propio Franco quien le ofreció el papel a Slater. Otros actores conocidos como Molly Ringwald o Alicia Silverstone también accedieron a participar en el proyecto. El actor Brent Everett no se mostró a favor de la película, y rechazó formar parte de la misma. Algunas fuentes han dado a entender que deseaba producir su propia versión de la historia ya que también está escribiendo un libro sobre el tema. Aunque la película muestra el asesinato del productor, elimina el hecho de que el cuerpo fue quemado para eliminar posibles pruebas, así como su casa. Brent Corrigan también afirmó que Bryan Kocis era consciente de su estatus como menor cuando le contrató.

CRÍTICA PERSONAL

La película triunfa a la hora de mostrar como el trabajo en el mundo del porno puede acabar en desastre. 

Me fascinaron los personajes de Joe y Harlow en su declive de dioses del porno para acabar en bancarrota y sintiéndose empujados a actos despreciables. James Franco me sorprendió, casi no me parecía él, por la intensidad y violencia con la que interpreta a su personaje, llegando a transmitir verdadero temor al espectador. Christian Slater también destaca en su interpretación de la víctima, combinando el aspecto codicioso del productor con su atracción desesperada hacia su estrella, símbolo de la juventud que ha perdido. La historia es fascinante, independientemente de su cercanía a la realidad.

Aunque Garrett Clayton realiza un buen trabajo interpretando al actor porno, su aspecto dista mucho del de un muchacho de diecisiete años. El momento en el que el personaje se reúne con los asesinos para propiciar una confesión carece de tensión alguna, que habría dado mucha más intensidad a la escena.

CALIFICACIÓN

8- Notable

LA CHICA DANESA

TÍTULO ORIGINAL

The Danish Girl

AÑO DE ESTRENO

2015

DIRECTOR

Tom Hooper

PRODUCTORES

Tim Bevan, Eric Fellner, Anne Harrison, Tom Hooper, Gail Mutrux

GUION

Lucinda Coxon

Basado en la novela de David Ebershoff

REPARTO

Eddie Redmayne (Einar Wegener / Lili Elbe), Alicia Vikander (Gerda Wegener), Matthias Schoenaerts (Hans Axgil), Ben Whishaw (Henrik Sandahl), Amber Heard (Ulla Paulson), Sebastian Koch (Doctor Kurt Warnekros), Pip Torrens (Doctor Jens Hexler), Nicholas Woodeson (Doctor Buson), Emerald Fennell (Elsa), Adrian Schiller (Rasmussen), Henry Pettigrew (Niels)

CINEMATOGRAFÍA

Danny Cohen

BANDA SONORA

Alexandre Desplat

VESTUARIO

Paco Delgado

PAÍS DE ORIGEN

Reino Unido

DISTRIBUCIÓN

Universal Pictures

DURACIÓN
119 minutos

GERDA WEGENER: Estas cosas las hacemos juntos.

LILI ELBE: Las hacíais tú y Einar.

GERDA WEGENER: Basta ya de este absurdo y estúpido juego.

LILI ELBE: Por favor, Gerda. Por favor, no digas que es un juego.

GERDA WEGENER: Deberías haber estado allí.

LILI ELBE: ¿Ah sí? ¿Cómo? Gerda, mírame.

GERDA WEGENER: No. No todo gira en torno a ti. Necesito a Einar.

LILI ELBE: Déjame que te ayude, por favor.

GERDA WEGENER: Necesito a mi marido. ¿Puedes traerlo?

LILI ELBE: No puedo.

SINOPSIS

En el Copenhague de mediados de la década de 1920, Gerda Wegener intenta triunfar como pintora de retratos, pero su trabajo es rechazado en repetidas ocasiones. 

Su marido es el famoso pintor de paisajes Einar Wegener. Cuando su modelo femenina no asiste, Gerda le pide a su marido que pose para ella vestido de mujer. Esto inicia un cambio en el comportamiento de Einar, que al principio es aleatorio. Sin embargo, con el paso del tiempo resulta ser irreversible. De esta forma, Einar se convierte en Lily, una mujer atrapada en un cuerpo de hombre. Todo rastro de Einar va quedando atrás, para gran frustración de Gerda, obligada a ver como su marido se desvanece.

Al mismo tiempo, los retratos de Lily creados por Gerda le conceden una gran notoriedad. Gerda también conoce a Hans Axgil, amigo de la infancia de Einar y el primer hombre que le beso. Hans se siente atraído hacia Gerda, quien se encuentra en una posición difícil y confusa. La mujer busca su apoyo al descubrir que Lily ha establecido relaciones ocasionales con otros hombres. Lily busca consejo médico, siendo evaluada como homosexual, esquizofrénica o pervertida. Finalmente, Gerda le lleva ante un médico que puede tener la solución.

CURIOSIDADES

La película está basada en la novela del mismo título escrita por David Ebershoff y publicada en el año 2000. El libro es un retrato ficticio de la vida de Eina Wegener y como se convirtió en Lili Elbe, pero no es una biografía real tal y como mucha gente piensa. El autor cambió muchos elementos de la historia de Einar Wegener, y el resto de personajes que aparecen en el relato son completamente ficticios. Algunos informes históricos aseguran que, en realidad, Gerda Wegener era lesbiana y prefería la femineidad de Lily Elbe mucho más que la masculinidad de Einar. También han asegurado que ambos mantenían una relación abierta. Según estos informes, Gerda vivía abiertamente como lesbiana durante la temporada que residió en Paris con Lily. La historia de amor entre Einar y Gerda mostrada en la película y en la novela ha sido considerada completamente ficticia. Sin embargo, cuando el matrimonio de ambos fue anulado, debido a la operación de cambio de sexo, los dos terminaron por separarse.

Una fuente de información más rigurosa es su autobiografía “Man Into Woman” publicada tras su muerte, el año 1933. Lili Elbe falleció a los cuarenta y ochos años de edad, dos años antes de dicha autobiografía fuera publicada. Aunque Niels Hoyer figura como el autor, éste era un seudónimo para Ernst Ludwig Hathorn Jacobson. Era el editor de Lili, y quien se encargó de recopilar sus letras, diarios y material dictado para crear el libro. La guionista de la película, Lucinda Coxon, trabajó en el guion durante una década antes de que llegara a ser producido. Se involucró a más de cuarenta transexuales en la producción de la película, muchos de ellos como actores y extras. El director Tom Hooper aseguró desear que el proyecto inspirara a más transexuales a intentar iniciar una carrera en la industria del entrenamiento. Eddie Redmayne se entrevistó con numerosos miembros de la comunidad transexual para poder prepararse para su difícil papel. La película no explica en que consiste la última operación, que termina por provocar la muerte de Lili. Esta consistía en un trasplante de útero con la esperanza de poder llegar a tener hijos. 

El trasplante fue rechazado provocando un paro cardiaco.

La película se hizo con el Oscar a la Mejor Actriz de Reparto por el trabajo de Alicia Vikander. Eddie Redmayne fue nominado a mejor actor, pero perdió contra Leonardo DiCaprio por su papel en “El Renacido” (2015). La película tuvo otras dos nominaciones a Mejor Diseño de Producción y Mejor Vestuario. En ambas candidaturas perdió contra “Mad Max: Furia en la Carretera” (2015).

CRÍTICA PERSONAL

Conmovedora y visualmente sobresaliente, la película destaca por las formidables interpretaciones de Eddie Redmayne y Alicia Vikander. Dentro de su angustia y su claustrofobia emocional, los personajes transmiten y no permiten que el espectador busque culpables o víctimas en su relación mutua. Ambos son víctimas de una era y situación carentes de tolerancia. Redmayne transmite una perfecta y convincente femineidad; mientras que Vikander simboliza el amor verdadero, dispuesto al auto sacrificio por la felicidad ajena. 

La cinematografía es simplemente espectacular, combinada con una banda sonora casi poética. Cada escena parece un lienzo pintado, algo que me parece todo un tributo a dos personajes que eran artistas.

En una película basada en un personaje real y de tanta relevancia para nuestra comunidad, me decepcionó que el material fuera ficticio y no se ciñera más a la realidad, probablemente para atraer más espectadores.

CALIFICACIÓN

9- Muy bien

EL TERCERO

TÍTULO ORIGINAL

El Tercero

AÑO DE ESTRENO

2014

DIRECTOR

Rodrigo Guerrero

PRODUCTORES

Rodrigo Guerrero, Lorena Quevedo

GUION

Rodrigo Guerrero

REPARTO

Carlos Echevarría (Hernán), Emiliano Dionisi (Fede), Nicolás Armengol (Franco)

CINEMATOGRAFÍA

Gustavo Tejeda

BANDA SONORA

Tomás Barry, Silvina Costa, Félix Cristiani, Daniel Melero

VESTUARIO

Gabriela Cavallone

PAÍS DE ORIGEN

Argentina

DISTRIBUCIÓN

TLA Releasing

DURACIÓN
70 minutos

FEDE: Tiene una vista increíble. Yo desde mi casa veo una pared de ladrillos.

HERNÁN: Sí, está bueno. Aparte ya sé todo lo que hacen los vecinos.

FEDE: ¿Espías a tus vecinos?

HERNÁN: Sí, me gusta. ¿Ves la vieja que está ahí? ¿Dónde la luz? Hace todos los días lo mismo. Se levanta, desayuna, va a trabajar, vuelve, se pega una ducha, prepara la comida, mira la novela y se vuelve a acostar. Salvo el fin de semana que tiene un plus y sale a caminar un rato. Los que lo pasan mejor son los del cuarto. ¿Ves aquella luz que apenas se ve? Garchan todos los días.

FEDE: Ah, que guay.

HERNÁN: Sí, son pendejos.

FEDE: ¿Los ves desde acá?

HERNÁN: Sí porque empiezan ahí en la ventana. Siempre hacen lo mismo y llegó a ver la previa.

FEDE: La previa vieja también la pasa bien ¿No?

HERNÁN: No creo que tanto como los pendejos. En media hora están garchando. Todos deberíamos estar garchando en media hora. ¿O no?

FEDE: ¿Todos? ¿Todo el mundo?

HERNÁN: Sí, todos, hombres, mujeres, animales, todos a la misma vez.

FEDE: Una imagen linda.

HERNÁN: Acabar todos juntos y que el mundo explote, y morimos ahí, felices.

FEDE: Puede ser lo más cercano que lleguemos a la paz.

HERNÁN: Linda forma de morir.

SINOPSIS

Fede es un joven de veintidós años que frecuenta chats de Internet. En una sesión conoce a Franco, con     quien comienza a tener flirteos sexuales. Al enterarse de que Franco tiene una pareja llamada Hernán, Fede no se detiene y se muestra dispuesto a tener un encuentro con ambos. Tras varias charlas con ambos, Fede acude al apartamento de Franco y Hernán con la intención de participar en un trío. Los tres cenan y conversan sobre sus vidas y su pasado.

Tras la cena, los tres mantienen relaciones sexuales. A la mañana siguiente, tanto Hernán como Franco expresan interés en volver a verse con Fede, y éste reciproca dicho interés. La experiencia cambia por completo a Fede, que mira al futuro con la nueva posibilidad de haber encontrado un distinto tipo de amor.

CURIOSIDADES

Escrita, producida y dirigida por Rodrigo Guerrero, la idea de la película surgió tras el estreno de su primera película “El Invierno de los Raros”. Llevaba tiempo analizando cuestiones relativas a la sexualidad y el comportamiento derivado de la misma. Revisando sus experiencias personales, tuvo la idea de tratar el tema de una pareja que decide añadir un tercero a la misma. Al mismo tiempo deseaba incluir el efecto de Internet en dicho tipo de relaciones, y deseaba que la historia no tratara tan solo de un tema sexual sino de la posibilidad de sentirse afectuosamente vinculado. La película fue planteada en bloques con algunas escenas dotadas de más dialogo que otros, y la posibilidad de que los tres actores improvisaran. 

Según el director los personajes no tenían un gran conflicto en la película, aunque la película contaría con un momento sexual muy intenso

El proceso de casting para los tres personajes comenzó en Córdoba, Argentina. Sin embargo se complicó bastante, por lo que Guerrero decidió hablar con un representante llamado Patricio Funes en Buenos Aires. El director deseaba que la pareja fuera de mayor edad, cerca de los cuarenta años de edad, que el tercero, que estaría más cerca de los veinte años de edad. Funes organizó grupos de tríos y dúos posibles, y los tres actores terminaron por aparecer por separado. El rodaje fue muy intenso y tuvo lugar en seis o siete días. El equipo intentó filmar las escenas en orden cronológico, debido a que los actores no se conocían. Primero se rodaron la escena del chat, después la de la llegada del tercero, finalmente el encuentro sexual. Tora la película se rodó el Córdoba, Argentina, en un apartamento tres ubicaciones exteriores adicionales.

CRÍTICA PERSONAL

Lo único que puedo elogiar acerca de esta película es la química entre los tres actores, que realizan una notable labor considerando el material con el que tienen que trabajar en ésta película.

No hay por dónde coger la trama de esta película, que carece de antecedentes bien establecidos, o incidentes que provoquen el cambio que se nos muestra. Siendo un film de poco más de una hora, la película no establece elementos importantes como el motivo que lleva a una pareja a buscar un tercero a su relación. Tampoco queda bien establecido como el personaje de Fede pasa de buscar sexo por Internet, más concretamente el trío, a sentir que el evento puede haber desembocado en algo más. La diferencia de edad no ayuda a que la historia sea creíble, y el guion tampoco ayuda a establecer una historia convincente, resultando hasta ridículo en repetidas ocasiones cuando se intenta expresar seriedad.

Los problemas comienzan con una serie de conversaciones en un chat de Internet, que son meramente sexuales. El problema es que se nos intenta vender que el encuentro va más allá de un encuentro sexual. El personaje de Hernán supuestamente odia Internet, pero accede al encuentro sin poner objeción alguna. Dicha escena también incluye escenas que no son sexualmente sugerentes, sino pura pornografía que además no pertenecen a los personajes. Dichas escenas no contribuyen de forma alguna a la trama, ni les vi propósito alguno. El resultado final es que el director fracasa estrepitosamente, y no logra defender la idea del amor a tres bandas, simplemente logrando lo contrario mostrar un encuentro sexual carente de afecto convincente.

CALIFICACIÓN

2- Mal