EL DIPUTADO

TÍTULO ORIGINAL

El diputado

AÑO DE ESTRENO

1978

DIRECTOR

Eloy de la Iglesia

PRODUCTORES

Carlos Orengo, J.A. Pérez Giner

GUION

Eloy de la Iglesia, Gonzalo Goicoechea

REPARTO

José Sacristán (Roberto Orbea), María Luisa San José (Carmen), José Luis Alonso (Juanito), Enrique Vivó (Eusebio Moreno Pastrana), Agustín González (Carrés), Queta Claver (Madre de Juanito), Ángel Pardo (Nes), Juan Antonio Bardem (Juan), Fernando Marín (Policía), Aldo Grilo (Periodista argentino), Ramón Reparaz (Policía interrogador), Fabián Conde (Anfitrión de primera orgía), Alejo Loren (Anfitrión de segunda orgía), Ramón Centenero (Lector de ficha policial), María Jesús Hoyos (Policía comunista), Tony Valento (Médico de la cárcel), Fernando Chinarro (Policía)

CINEMATOGRAFÍA

Antonio Cuevas

BANDA SONORA

Inaplicable

VESTUARIO

Cornero

PAÍS DE ORIGEN

España

DISTRIBUCIÓN

Universal Films Española S.A.

DURACIÓN
107 minutos

 

NES: Conmigo no te hagas el estrecho. Te voy a presentar a unos chicos que vas a saber tú lo que es bueno. Y además puedes estar tranquilo, que mientras les sueltes la pasta… y tampoco mucha, o sea que por mil pelas tienes a los que quieras y encantados.

ROBERTO ORBEA: ¿Pero hay tantos que se dedican a esto?

NES: La tira y cada vez más.

ROBERTO ORBEA: Es que yo, como político, pues… compréndelo, no puedo arriesgarme a que alguno me reconozca.

NES: ¿Reconocerte? No digas chorradas. Esos chavales pasan completamente del rollo político, que coño te van a reconocer. Si fueras un cantante, un futbolista o uno de la tele, pero tú.

ROBERTO ORBEA: Comprendí que era cierto. En plena clandestinidad, nosotros éramos absolutamente desconocidos no solo para estos chicos, sino también para la gran mayoría de la gente. Fui conociendo a distintos muchachos. Eran pequeñas aventuras, siempre dentro del coche, con prisas, con temores, en descampados oscuros y solitarios. Por supuesto, ninguno me reconoció. Por primera vez, la clandestinidad me resultó una ventaja.

 

SINOPSIS

Durante la época del franquismo, Roberto Orbea se dedica a militar en un partido de izquierdas, lo que provoca que termine por ser arrestado y enviado a Carabanchel. Roberto es homosexual, pero siempre se ha visto refugiado en la clandestinidad. Se llega a casar con su compañera de militancia, Carmen, a quien le confiesa todo su pasado. Durante su estancia en Carabanchel, Roberto conoce a un joven chapero llamado Nes. Al salir de la cárcel, Roberto comienza varios escarceos con jóvenes proporcionados con Nes, y termina por confesárselo a su mujer, quien lo acepta con tal de que el matrimonio siga adelante.

En 1977, Roberto Orbea consigue convertirse en diputado, y está a punto de ser nombrado en Secretario General de su partido. Es entonces, cuando Nes le presenta a un joven, y menor de edad, llamado Juanito.

Este ha sido contratado por políticos de la extrema derecha para que les ayude a desprestigiar al político. Lo que comienza a ser una relación solo por dinero, comienza a convertirse en una atracción real. Cuando Carmen comienza a formar parte de esta extraña relación, Juanito comienza a arrepentirse, pero puede ser demasiado tarde.

 

CURIOSIDADES

La película surgió como un proyecto de Eloy de la Iglesia para reflejar sus convicciones, y como muchos de sus trabajos de la década de 1970, centrándose a menudo en formas violentas de protesta y reivindicación. De hecho, Eloy de la Iglesia había sido militante del Partido Comunista en España en dicha década, con lo que ese de periodo se puede apreciar varias de sus convicciones de la época. En este caso en particular, el director se basó en un caso real concerniente a un dirigente del PSP (Partido Social Popular). El proyecto indignó a un sector del PCE (Partido Comunista de España), que intentó convencerle para que lo abandonara.

Evidentemente, el director siguió adelante y su película bien puede considerarse la primera de temática gay del periodo sucesivo al franquismo. Fue excesivamente controvertida, no solo por su temática política, sino por la historia en la que presentaba a un político homosexual sumergido en un mundo más bien sórdido. Con el paso de los años, el director llegó a confesar haberse sentido decepcionado por lo que denominaba “comunismo dogmático”. Declaró que el deseo del partido al que había pertenecido tenía el deseo de ser tolerante y abierto. Sin embargo, según su opinión, en aquel entonces el partido se había percatado de la necesidad de tener que acceder a masas más bien conservadores para poder conseguir votos.

 

CRÍTICA PERSONAL

Una película considerablemente impactante, aunque debo admitir que pasó muchos años desapercibida para un servidor. La trama se considerablemente osada, sobre todo tratándose de un film estrenado en plena transición democrática española. Se trata de una de esas películas en las que los personajes secundarios me impresionaron mucho más que los principales. Debo elogiar la representación del mundo de los chaperos a finales de la década de 1970. El trabajo de José Luis Alonso y Ángel Pardo me impresionó considerablemente, por lo creíble de sus interpretaciones.

La película tiene la efectividad de examinar el mundo homosexual en un periodo en el que la única forma de lidiar con dicha orientación sexual era la más absoluta de las clandestinidades. En ese sentido, el film tiene cierto aire claustrofóbico que me pareció de lo más creíble considerando las circunstancias.

Aun reconociendo que José Sacristán es un actor formidable, la forma en la que su personaje fue diseñado me pareció excesivamente plana. Dicho diseño se refleja de forma inevitable en la interpretación del excelso actor. Bien parece que al personaje de Roberto no le afecte nada, pues a menudo que las situaciones se tornan complicas, el político sigue siendo inmutable. Todo lo entiende, todo lo acepta, todo lo intenta arreglar, sin ni siquiera mostrar un atisbo de humanidad. Esto se debe a lo que denominaría como su excesivo altruismo. No me creí su relación marital, y tampoco una defensa de ideologías que habría sido más efectiva de haber mostrado cierta objetividad. Los malos son muy malos; y los “buenos” son muy buenos.

 

CALIFICACIÓN

6- Bien

TE AMO... PERO YO NO

TÍTULO ORIGINAL

Je t’aime Moi Non Plus

AÑO DE ESTRENO

1976

DIRECTOR

Serge Gainsbourg

PRODUCTORES

Claude Berri, Jacques-Eric Strauss

GUION

Serge Gainsbourg

REPARTO

Jane Birkin (Johnny), Joe Dallesandro (Krassky), Hugues Quester (Padovan), Reinhard Kolldehoff (Boris), Gérard Depardieu (Campesino a caballo), Jimmy Davis (Moïse), Maïté Nahyr (Prostituta), Liliane Rovère (Cliente del motel), Gillian Gill (Artista de Strip-Tease), Josiane Lévêque (Artista de Strip-Tease), Doris Thomas (Artista de Strip-Tease), Raoul Delfosse (Patrón de motel), Michel Blanc (Obrero), Alain David (Obrero), Arlette Emmery (Artista de Strip-Tease), Ramon Pipin (Músico del baile), Shitty Télaouine (Músico del baile), Sharon Glory (Músico del baile), Yves-Antoine Spoto (Músico del baile), Claudia Butenuth

CINEMATOGRAFÍA

Willy Kurant

BANDA SONORA

Serge Gainsbourg

VESTUARIO

Jeannette Descamps

PAÍS DE ORIGEN

Francia

DISTRIBUCIÓN

AMLF

DURACIÓN
89 minutos

 

KRASSKY: ¿Por qué te llaman Johnny?

JOHNNY: Me llaman así porque no tengo ni pechos ni un culo grande. ¿Y tú cómo te llamas?

KRASSKY: Krassky, pero tú puedes llamarme Kras.

JOHNNY: Krass, es un nombre divertido.

KRASSKY: ¿Lo es jovencita?

 

SINOPSIS

Krassky y Padovan son amantes y camioneros dedicados a la recogida de desperdicios en una zona desolada. Al parar en una estación de servicio, ambos conocen a una joven camarera apodada Johnny, por su aspecto masculino. Johnny se ha visto sometida al aislamiento, y siempre ha soñado con el amor y no tarda en sentirse atraída hacia Krassky. Sorprendentemente, Krassky también comienza a sentirse atraído hacia Johnny, debido a su aspecto de muchacho. Ambos se conocen, y finalmente terminan por besarse en un bar. Esto desata los celos de Padovan, que termina por sentirse dejado de lado y desarrolla rechazo hacia Johnny.

Sin embargo, la relación entre Krassky y Johnny no tarda en comenzar a complicarse. El jefe de Johnny no tarde en advertir que Krassky es homosexual, y se lo hace saber a la joven. Cuando la pareja comienza a tener relaciones sexuales, Krassky solo consigue desarrollar una erección mediante el sexo anal. Johnny sufre mucho durante las relaciones, a menudo gritando sin parar. Esto provoca que la pareja termine por ser expulsada de varios moteles por el escándalo que provocan.

 

CURIOSIDADES

Probablemente se trate de una de las películas más polémicas de la década de 1970. Para hablar de la película, es necesario la canción más popular de su banda sonora, del mismo título. La canción fue originalmente prohibida en muchos países de toda Europa, incluyendo España, Islandia, Italia, Polonia, Portugal, Reino Unido, Suecia y Yugoslavia, y siendo denunciada públicamente por el Vaticano. Dicha canción está considerada como la máxima canción de amor por su letra provocativa.

Fue compuesta y escrita por el director de la película, Serge Gainsbourg, y grabada en el año 1968. Cuando la canción volvió ser lanzada en el año 1969 se convirtió en todo un éxito, en esta ocasión alcanzando el número uno en el Reino Unido, probablemente en parte debido a la expectación resultante de su previa prohibición. Brigitte Bardot, entonces amante de Gainsbourg, participó en la grabación.

Su controversia principal se debía a la forma explícita en la que se describía un acto sexual, en la forma de dialogo imaginario entre dos amantes. La película fue la primera de Gainsbourg, que no dudó en utilizar su polémica canción en la banda sonora. Sí la canción ya era de por sí provocativa, la película lo fue aún más. Se trataba de una descripción profundamente nihilista de la relación sexual entre un hombre homosexual y una muchacha de aspecto masculino, que llegaban a mantener relaciones anales. Los elementos más recurrentes del film se repitieron en el resto del trabajo Gainsbourg, siendo estos el sexi y la muerte.

También es una de las primeras películas en las que aparece Depardieu, aunque muy brevemente, en este caso interpretando a un homosexual propenso a la bestialidad. La película fue rechazada en el Reino Unido por la BBFC, aunque finalmente se distribuyó sin cortes en video, en el año 1993.

Deliberadamente, la trama de la película no está centrada, siendo la contradicción humana otro tema recurrente. Esto se puede apreciar en el propio título cuya traducción más apropiada sería “Te Amo, Yo tampoco”.

 

CRÍTICA PERSONAL

Curiosamente no vi está película hasta realizar una extensiva investigación sobre la misma. Me parece curioso como algo que fue tan escandaloso en la década de 1970, ahora dista mucho de serlo. De hecho, puedo asegurar haber visto películas mucho más escandalosas de esa década.

Entrando en la trama, comenzaré por elogiar el triángulo amoroso que se desarrolla en la misma. Se examina desde una perspectiva inusual la atracción de una joven hacia un hombre homosexual, y la peligrosa dependencia que puede desarrollar hacia él. De hecho, el personaje de Johnny es mostrado como una víctima debido a su romanticismo, idealismo e ingenuidad inicial, muy propia de su juventud. Sin embargo, acaba por verse enganchada a una relación imposible, aunque sin la intención de dañar nadie. Padovan representa los celos desbocados, y la desesperación que estos pueden provocar. Krassky es un personaje más bien poco definido, que parece guiarse por su deseo de experimentar, y encajar en la sociedad de la única forma viable.

La banda sonora y la cinematografía me parecieron excepcionales, con algunas escenas memorables que sirven de simbología para un extraño concepto del romanticismo, igualmente fascinante.

La trama se desarrolla con excesiva rapidez, lo que provoca que el desarrollo, de los sentimientos, que se muestran no sea explorado al nivel de todo su potencial. Las escenas de las prácticas sexuales entre Krassky y Johnny me parecieron algo exageradas. Los gritos de la actriz me parecieron excesivos, y debo reconocer que en ocasiones me provocaban simple hilaridad. Los diálogos también me parecieron demasiado simples, dependiendo en exceso del simbolismo de las imágenes.

 

CALIFICACIÓN

7- Bastante bien

EL FUNCIONARIO DESNUDO

TÍTULO ORIGINAL

The Naked Civil Servant

AÑO DE ESTRENO

1975

DIRECTOR

Jack Gold

PRODUCTOR

Barry Hanson

GUION

Philip Mackie

Basado en la autobiografía de Quentin Crisp

REPARTO

John Hurt (Quentin Crisp), Liz Gebhardt (Estudiante de arte), Patricia Hodge (Profesora de Ballet), Stanley Lebor (Señor Pole), Katherine Schofield (Señora Pole), Colin Higgins (Thumbnails), John Rhys-Davies (Barndoor), Stephen Johnstone (Joven Quentin), Antonia Pemberton (Señorita Longhurst), Lloyd Lamble (Señor Crisp), Joan Ryan (Señora Crisp), Frank Forsyth (Médico de familia), Shane Briant (Norma), Ron Pember (Propietario del “Gato Negro”), Roger Lloyd Pack (Liz), Adrian Shergold (Gloria), Derek West (Freda), David Fielder (June), Dennis Chinnery (Hombre de negocios), Jiggy Bhore (Recepcionista), Graham Armitage (Señor Dunsmore)

CINEMATOGRAFÍA

Mike Fash

BANDA SONORA

Carl Davis

VESTUARIO

Martin Baugh

PAÍS DE ORIGEN

Reino Unido

DISTRIBUCIÓN

Independent Television (ITV)

DURACIÓN
77 minutos
SUCEDIDA POR: 
An Englishman in New York

DUEÑO DE BAR GAY: Hola Quentin.

QUENTIN CRISP: Hola.

DUEÑO DE BAR GAY: ¿Dime una cosa? ¿Te ha visto entrar alguien?

QUENTIN CRISP: Me parece que no me ha visto entrar nadie.

DUEÑO DE BAR GAY: Procura asegurarte de que tampoco te vean salir.

QUENTIN CRISP: Si así lo quieres. ¿Qué pasa? ¿Qué es lo que quieres? ¿Qué me vaya?

DUEÑO DE BAR GAY: Sí, compréndelo, los demás se sienten incomodos.

QUENTIN CRISP: ¿Crees que un tuberculoso con tos hace sentir incomodos a los tuberculosos sin tos?

DUEÑO DE BAR GAY: Quentin escúchame. Si viene la policía, todos somos normales. Pero estando tú, nos detendrían, y a mí me tocarían seis meses de cárcel.

QUENTIN CRISP: Y tú no quieres ser un mártir de la causa.

DUEÑO DE BAR GAY: Quentin, ¿puedo ver tu tarjeta de socio?

QUENTIN CRISP: Sí, ¿por qué no? Ahora mismo.

DUEÑO DE BAR GAY: (La rompe). El motivo es que somos normales.

SINOPSIS

En 1908, en Surrey, Inglaterra, Spencer Charles y Marion Pratt dan a luz a su cuarto hijo Dennis, quien mostró un comportamiento afeminado desde su infancia. Al entrar en la veintena, Dennis cambia su nombre por el de Quentin Crisp, convirtiéndose en un declarado exhibicionista homosexual. Tras hacer nuevos amigos en el Café del Gato Negro, comienza a pintarse los labios y las uñas y se tiñe el pelo de color rojo. Con su nuevo y femenino aspecto, Quentin Crisp comienza a pasear por las calles de Londres, llamando la atención, llegando a prostituirse y a menudo convirtiéndose en víctima de la violencia homófoba.

Quentin Crisp se ve involucrado en el mundo artístico y bohemio del Soho, se hace con amigos tan variopintos como una estudiante de arte, una profesora de ballet, y otros personajes homosexuales.

Sin embargo, Quentin se ve marginado en locales homosexuales que le acusan de no ser normal, y llega a ser declarado perverso sexual al intentar ingresar en el ejército durante la Segunda Guerra Mundial, quedando exento. Su vida está repleta de constantes contratiempos, que Quentin acepta con total pasividad. Cuando es arrestado por supuestamente acosar a un transeúnte, Quentin utilizará el juicio para realizar la interpretación de su vida.

CURIOSIDADES

Se trata de una película producida para ser estrenada directamente en televisión. La película está basada en la novela autobiográfica del mismo título, publicada por Quentin Crisp en el año 1968. El título hace referencia al trabajo de Quentin Crisp como modelo nudista de arte. Dichos modelos eran contratados por colegios y universidades, y al final eran pagados por Departamento de Educación. De esta forma, esencialmente podrían ser considerados funcionarios que están desnudos durante su horario de oficina.

La idea del libro surgió a consecuencia de una entrevista de radio con Crisp en el año 1964, que fue realizada por su excéntrico amigo Jonathan Cape. Cuando el libro fue publicado, solamente logró vender tres mil quinientas copias. Sin embargo, se convirtió en todo un éxito de ventas tras el estreno de la película. Quentin Crisp aparece al principio de la película, introduciendo al espectador a la misma. Crisp declara su esperanza de que el actor que le interpreta lo haga mejor de lo que él se ha interpretado a si mismo durante toda su vida.

John Hurt se encargó de interpretar al polémico personaje, y fue alabado por su interpretación. Se hizo con el BAFTA al Mejor Actor en el año 1976, y la producción ganó el Prix Italia del mismo año.

CRÍTICA PERSONAL

La cuestión no es juzgar a un personaje en el que se basa una película, lo que suele ser un error muy común, sino jugar la película en su conjunto. 

De primeras me parece una película muy avanzada a su tiempo, examinando la vida de un personaje real que evidentemente es polémico. Al ver al verdadero Quentin Crisp presentando la película, me llevé una gran sorpresa al ver la labor interpretativa de John Hurt, la cual solamente puedo tildar como excepcional. Sumergiéndome más en la trama del film, me concentré más en la actitud social que rodea al personaje de Crisp, que en el propio personaje. La película aborda el famoso tema de la supuesta “normalidad”, y es el mismo protagonista quien lanza la pregunta “¿qué es ser normal?”.

Hay aspectos tanto negativos como positivos acerca del polémico personaje, pero es su entorno lo que resulta más crudo, pues la libertad de ser como uno desee es el mensaje primario. Me sorprendió inmensamente la escena, citada más arriba, en la que el dueño del bar gay llega a repudiar al protagonista. 

En términos generales, la película aborda innumerables cuestiones debatibles y polémicas para haber sido estrenada en la década de 1970. Logra mezclar situaciones humorísticas, mayoritariamente en diálogos, con otras situaciones que son fuertemente dramáticas. Es sin duda toda una joya, que no tiene nada que envidiar a otras exitosas estrenadas más recientemente.

No hay nada negativo que yo haya sido capaz de encontrar en esta película.

CALIFICACIÓN

10- Sobresaliente

PINK FLAMINGOS

TÍTULO ORIGINAL

Pink Flamingos

AÑO DE ESTRENO

1972

DIRECTOR

John Waters

PRODUCTOR

John Waters

GUION

John Waters

REPARTO

Divine (Divine / Babs Johnson), David Lochary (Raymond Marble), Mary Vivian Pearce (Cotton), Mink Stole (Connie Marble), Danny Mills (Crackers), Edith Massey (Edie), Channing Wilroy (Channing), Cookie Mueller (Cookie), Paul Swift (El Huevero), Susan Walsh (Suzie), Linda Olgeirson (Linda), Pat Moran (Patty Hitler), Nancy Crystal (Sandy Sandstone)

CINEMATOGRAFÍA

John Waters

BANDA SONORA

Inaplicable

VESTUARIO

Van Smith, Divine

PAÍS DE ORIGEN

Estados Unidos

DISTRIBUCIÓN

Saliva Films, New Line Cinema

DURACIÓN
93 minutos

 

BABS JOHNSON: El remite dice: Las personas más inmundas del mundo. ¿Pero quién se atreve a usar ese título? ¿Quién es el osado?

COTTON: No te preocupes tanto mujer, es solo un regalo de cumpleaños.

BABS JOHNSON: No, no es un regalo de cumpleaños Cotton. Presiento que nos traerá problemas. ¿Dios mío! Alguien me ha enviado un maldito zurullo.

CRACKERS: Es un zurullo mamá.

COTTON: ¿Quién puede haber enviado eso?

EDIE: ¡Ah, un Zurullo! ¡Ah un zurullo!

BABS JOHNSON: Esto es un ataque directo a mi divinidad, un ataque directo a la paz y harmonía que hemos disfrutado las últimas semanas aquí, un ultrajante intento de humillarme y estropear mi vida privada. ¡Alguien pagará por esto! ¡Alguien pagará con su vida por este grosero y ofensivo acto!

CRACKERS: Mamá, nadie puede enviarte un zurullo y pensar que va a seguir con vida, nadie.

 

SINOPSIS

La criminal conocida como Divine ha adoptado el seudónimo de Babs Johnson. Reside en una rulot de color rosa a las afueras de Phoenix, Maryland. Vive en compañía de su madre Edie, enferma mental y fanática de los huevos, su hijo delincuente Crackers, y la compañera de este último, Cotton. Divine ha sido nombrada la persona más inmunda del mundo por un tabloide, Divine se hace con dos rivales, celosos de ella por haberse hecho con el mencionado título. Estos son Connie y Raymond Marble, quienes están decididos a acabar con la carrera de Divine, y hacerse con el título de las personas más inmundas del mundo.

Connie y Raymond han organizado un negocio de venta de bebés a parejas gais y lesbianas. Para ello capturan a autoestopistas y las dejan embarazadas, para vender luego sus bebés. Todo el dinero que recaudan lo invierten en heroína que es vendida en los colegios. Para derrotar a Divine, contratan a una investigadora llamada Cookie para que mantenga relaciones sexuales con Crackers y espíe a Divine.

En plena competición, Connie y Raymond descubren por qué Divine se ha hecho con el mencionado título.

 

CURIOSIDADES

Cuando la película fue estrenada, provocó una inmensa controversia debido al número de actos perversos que se mostraban con detalles explícitos. Desde entonces se ha convertido en una película de culto, y en la más emblemática de John Waters, logrando convertir a la drag queen Divine en una estrella underground. La película fue producida con un presupuesto de solamente diez mil dólares, y rodada mayoritariamente durante los fines de semana en Phoenix, un suburbio de Baltimore, Maryland. 

Bob Adams, amigo de Divine, describió el decorado de la rulot, como una especie de comuna hippie; y señaló que estaban operando fuera de una granja que no tenía agua caliente. Divine y Van Smith decidieron dormir en casa de Susan Lowe en la ciudad.

Debido a esto, debían levantarse antes del amanecer para completar el maquillaje de Divine antes de ser conducidos al decorado por Jack Walsh. Divine a menudo esperaba a ser recogida completamente maquillada, atrayendo bastante atención en la ciudad. La madre de Divine, Frances, declararía haber estado sorprendida ante como su hijo fue capaz de aguantar las lamentables condiciones del decorado, considerando su gusto caro en ropa, muebles y comida. De acuerdo a Waters, la escena final de Divine comiendo los excrementos de un perro es completamente real. También se mostraban escenas eróticas, pornográficas, violentas, y en términos generales muy provocadoras.

La película se estrenó en 1972, en el tercer Festival de Cine Anual de Baltimore, que tuvo lugar en el campus de la Universidad de Baltimore. Se vendieron todas las entradas para tres muestras sucesivas; y es que la película había despertado un interés particular entre los fans del cine underground, después del éxito de “Multiple Maniacs”.

Tras varias muestras en universidades por todos los Estados Unidos, incluyendo Harvard College en 1973, la película fue distribuida en cines por Saliva Films, y más adelante por New Line Cinema. Con esto se logró que la película fuera conocida a nivel nacional. En 1997, y durante el vigésimo quinto aniversario del estreno de la película, volvió a estrenarse. La nueva versión incluyó música mejorada por estéreo, y al contrario de la original, estuvo disponible para el público en compact disc. Al final de la película se incluyó un breve comentario a manos de Waters, y algunas escenas cortadas de la edición original.

 

CRÍTICA PERSONAL

Voy a citar tan solo dos aspectos que me han parecido elogiables. El primero es el hecho de que tuvo que resultar todo un esfuerzo realizar una película de estas características en el año 1972 y, más aún, que no haya caído en el olvido con el paso de los años, haciéndose con fieles fans y defensores.

También debo reconocer que la película logró abducir mi atención y no me aburrió. Es más, llegó a arrancarme alguna que otra carcajada.

Una vez admitidos estos hechos, debo comenzar señalando que el humor basado en la provocación o imposición de lo desagradable nunca me ha llamado la atención. Cuando vi una muestra de esta película en la universidad, la gente a mi alrededor no paraba de emitir sonoras carcajadas. Si bien en algún momento me encontré riendo, la trama me pareció absurda, poco interesante y bastante deslavazada. Entiendo que este tipo de género tiene muchos seguidores, pero siempre me ha producido rechazo. La idea base podría ser efectiva, pero cada vez que veo este tipo de films, me da la sensación de que el creador desea más el molestar y provocar reacciones negativas, que el generar algo divertido. Si bien todo esto pueden ser especulaciones, la película no funcionó para mí.

 

CALIFICACIÓN

3- Deficiente

MUERTE EN VENECIA

TÍTULO ORIGINAL

Morte a Venezia

AÑO DE ESTRENO

1971

DIRECTOR

Luchino Visconti

PRODUCTOR

Luchino Visconti

GUION

Luchino Visconti, Nicola Badalucco

Basado en la novela de Thomas Mann

REPARTO

Dirk Bogarde (Gustav von Aschenbach), Mark Burns (Alfred), Marisa Berenson (Frau von  Aschenbach), Björn Andrésen (Tadzio), Silvana Mangano (Madre de Tadzio), Romolo Valli (Director del Hotel), Nora Ricci (Institutriz), Franco Fabrizi (Barbero), Sergio Garfagnoli (Jaschu), Luigi Battaglia (Pícaro), Masha Predit (Turista rusa), Marcello Bonini Olas (Noble de la fiesta del hotel), Nicoletta Elmi (Niña en la mesa), Marco Tulli (Hombre que se desmaya en estación), Leslie French (Agente de Viajes), Antonio Appicella (Vagabundo), Eva Axén (Hermana mayor de Tadzio)

CINEMATOGRAFÍA

Pasqualino De Santis

BANDA SONORA

Gustav Mahler

VESTUARIO

Piero Tosi

PAÍS DE ORIGEN

Italia

DISTRIBUCIÓN

Warner Bros.

DURACIÓN
130 minutos

 

GUSTAV VON ASCHENBACH: Un reloj de arena, es curioso. Ahora me viene a la memoria que en casa de mis padres también había uno de esos. El conducto a través del cual cae la arena es tan estrecho, que aparentemente el nivel del baso superior permanece igual, no cambia. Solo un buen rato después se da uno cuenta de que la arena ha ido cayendo, grano a grano, inexorablemente hasta colmar el vaso inferior. Entonces ya nada importa, se ha cumplido el tiempo, y no queda un minuto para pensar.

 

ALFRED: La sabiduría, la verdad, la dignidad humana, todo ha terminado. Ya no hay razón alguna para que no te vayas a la tumba con tu música. Has adquirido un perfecto equilibrio, el hombre y el artista son uno, han tocado fondo juntos. Nunca has poseído la castidad. La castidad es un don de la pureza, no el penoso resultado de la vejez. Y tú eres viejo Gustav, y en todo el mundo no hay impureza más impura que la vejez.

 

SINOPSIS

Tras perder a su hija y ver como su carrera musical se viene abajo, Gustav Aschenbach se ve aquejado por problemas del corazón. Siguiendo el consejo de su médico, viaja a Venecia para pasar unas vacaciones de reposo. Una vez en la playa, Gustav se fija en un joven polaco llamado Tadzio, cuya belleza se convierte en su obsesión. A pesar de su lucha interior, Gustav no puede negar su atracción hacia el joven, a quien a menudo sigue y observa por las calles de Venecia. Tal es la atracción, que Gustav comienza a buscar escusas para permanecer en Venecia.

Al mismo tiempo, Gustav se comienza a percatar de que algo extraño ocurre en la ciudad. Gustav comienza a preocuparse y sospechar de la existencia de una epidemia. Pronto descubre que el cólera ha tomado Venecia, pero las autoridades lo mantienen oculto para no ahuyentar a los necesarios turistas.

 

CURIOSIDADES

La película está basada en la novela del autor alemán Thomas Mann, publicada en el año 1912 como “Der Tod in Venedig”. La película es relativamente fiel a dicha novela, con algunos cambios y obviando otros aspectos. Thomas Mann escribió el libro tras unas vacaciones en Venecia, en compañía de su familia durante el verano de 1911. Su esposa, Katia Mann ha explicado que su marido quedó fascinado ante un joven de alrededor de trece años, aunque no lo seguía por toda Venecia. El traductor de Mann, Andrzej Dołęgowskiel, revelaría que el joven era el Barón Władysław Moes quien era apodado Władzio o simplemente Adzio.

Se cambió la profesión de Gustav para la película. Mientras en la novela era un escritor, en el film pasa a ser un compositor. De esta forma la música juega un papel crucial en la película, haciendo uso de la música de Gustav Mahler, particularmente el Adagietto de su Quinta Sinfonía, que es utilizado al principio y final de la película, y secciones de su Tercera Sinfonía.

De hecho, Bogarde se inspiró mucho en el personaje de Gustav Mahler a la hora de interpretar al protagonista del film. También se añadieron escenas en las que Aschenbach y Alfred debaten sobre la estética degradada de su música. Esto mantiene un paralelismo con la vida y trabajos de Mahler, lo que se refleja cuando se le toca a Aschenbach un extracto de su trabajo, que en realidad pertenece a Mahler. A pesar de estas diferencias, tanto la novela como la película están elaboradas como un alegato a la belleza perfecta y platónica.

Visconti tuvo serias dificultades para llevar a cabo la película, mayoritariamente debido al rechazo de los productores hacia el homo erotismo que contenía. Tuvo discusiones sobre el reparto y continuos cortes en el presupuesto, pero la “Warner Bros” le permitió llevar el film a cabo debido al éxito de “La Caída de los Dioses”. Bogarde declaró que para adquirir una piel pálida al final de la película, el departamento de maquillaje probó con varias cremas y pinturas faciales, pero ninguna fue satisfactoria. Cuando se encontró una crema adecuada, esta le produjo quemaduras.

El tubo indicaba que no debía usarse sobre la piel, pero el director lo había ignorado al probar pequeñas porciones con miembros del equipo sin problemas.

Tras su estreno, la película se enfrentó a un serio rechazo por parte de la crítica, que ha cambiado radicalmente con el paso del tiempo. Se utilizó ropa de época original, planchada y almidonada al mismo estilo de la misma. La película recibió una nominación al Oscar por Mejor Vestuario, pero perdió la estatuilla contra “Nicolás y Alejandra”.

 

CRÍTICA PERSONAL

No cabe la menor duda sobre la extensiva disertación que se puede realizar sobre la trama de esta obra de arte. Personalmente, siempre he admirado el equilibrio que manifiesta entre la muerte y la belleza, convirtiendo dicha combinación en un aforismo hacia la perfección. Sin entrar en cuestiones excesivamente filosóficas, describiría la película como una belleza de impacto emocional brutal.

La cinematografía es tan exquisita que no precisa de excesivos diálogos, pues comunica por sí sola. La decadencia de Gustav es paralela a la de una Venecia asolada por el cólera. Igual que el temor a la vejez y sus implicaciones le llevan a adorar y amar a la juventud que ya no podrá poseer. Al mismo tiempo, se defiende la idea de la belleza y la perfección como algo ambiguo, dependiendo de la perspectiva de cada una. Es una película simplemente perfecta.

 

CALIFICACIÓN

10- Sobresaliente